LAUREN DAIGLE: ABANDERADA DE LA MÚSICA CRISTIANA.

LAUREN DAIGLE es una cantante y compositora americana que en España no es demasiado conocida, intentó participar en American Idol en el 2010 y 2012 y no consiguió entrar. Una muestra de que si no pasas el casting de estos concursos, no hay de qué preocuparse. Si tienes talento, tarde o temprano llega tu oportunidad. Algo que también le ha ocurrido a Tori Kelly o a la cantante de The Shires. 

Daigle editó un Ep en el 2014 y su álbum HOW CAN IT BE en el 2015, el próximo seis de Mayo este disco se relanzará en una vistosa edición Deluxe con nuevas canciones. Y nosotros hemos aprovechado para hablar de él. Porque está funcionando francamente bien en USA. dentro de los circuitos de Música Cristiana. Una etiqueta que a muchos os sorprenderá, pero que es un género que tiene muchísimo predicamento en el país de Donald Trump. De hecho, artistas como Jewel, Carrie Underwood o Joy Williams en el pasado, han engrosado las listas del Billboard de música cristiana con sus canciones. Porque, por supuesto, que tienen hasta sus propias listas en el Billboard.
¿En qué se diferencia la Música Cristiana del Gospel? Las letras de ambas son teocéntricas, pero básicamente se diferencian en que la Música Cristiana la suelen hacer blancos (muy blancos). Y el estilo deambula entre Country, Pop, Americana e incluso Rock porque os recuerdo que en los 90' la banda Creed también fue etiquetada como banda de rock Cristiana.

Como podréis imaginar la línea editorial de este blog es laica y aconfesional, así que si estamos hablando de LAUREN DAIGLE no es por sus ideas, creencias o afiliaciones, que realmente nos dán un poco igual. Es por su talento y su gran voz. Realmente nos molesta que las únicas críticas que tiene en su currículum -todas excelentes- estén escritas por medios cristianos. Ya que si se va a reeditar el disco es porque está alcanzando la suficiente trascendencia fuera de su entorno habitual, para que otros medios, no necesariamente cristianos, se hagan eco de este trabajo. Aquí desde luego no marginamos a nadie. Y estamos dispuestos a darle cancha a cualquiera que sea un buen profesional de la música aunque no comulguemos con sus ideas o creencias. Después de todo, hemos leído por encima las letras y no hemos encontrado nada ofensivo. Ningún atisbo de racismo, machismo, ni homofobia -algo estrechamente ligado a este tipo de cantantes cristianos de valores muy conservadores- Si lo hubiésemos encontrado, tened por seguro que no habríamos hablado de ella.

ETERNAMENTE PRINCE

Michael Jackson, Withney Houston y ahora Prince, un nuevo golpe para los que vivimos nuestra juventud en los 80, una generación que se está quedando sin iconos por culpa de todas estas muertes prematuras. 

Hoy hablaremos de Prince, y como siempre ocurre en estos casos, no diremos nada que no se haya dicho ya. Porque nuestro único objetivo es recordar su grandeza y rendirle un pequeño homenaje por su repentina desaparición.

Quizás sea más fácil recordar la época dorada de Prince que fueron los 80. Siempre fue bastante adelantado para su tiempo y el más rompedor -con el permiso de David Bowie- y nadie le regaló nada nunca. Su apodo de genio de Minneapolis se lo ganó a pulso. Y como muchos otros genios, él mismo fue su peor enemigo.
La banda sonora de la película Purple Rain (Albert Magnoli, 1984), fue uno de los mayores hitos de su carrera. La película fue vapuleada por la crítica en su momento y calificada de infumable. De hecho, han pasado los años y lo que ha trascendido es su música, no sus valores cinematográficos. Y nos dejó canciones icónicas de esa época como Purple Rain o When Doves Cry.

Y el cine, le depararía una sorpresa más, que Tim Burton contase con él para crear las canciones de la película Batman (1989), uno de los grandes aciertos de la cinta. -La BSO corría de la mano de Danny Elfman-
Los temas que hemos escogido para esta entrada no son exactamente los mejores del artista. Pero sí nuestros favoritos. Raspberry Beret fue otro de los singles que disfrutamos muchísimo cuando se editó.

Kiss es otro clásico de Prince y compuesto por Prince que luego haría suyo Tom Jones.

Y ahora habría que hablar largo y tendido del Prince autor y de todas las artistas que se beneficiaron de sus canciones: Wendy & Lisa, Apollonia Kotero, Martika o las mismísimas Bangles. Manic Monday fue compuesta por Prince bajo el seudónimo de Christopher y fue un regalo que le hizo a Susannah Hoffs, con la que tuvo un affair en la época. Pero una de sus canciones más hermosas catapultó a la fama a una bellísima y jovencísima Sinèad O'connor. Estamos hablando de Nothing Compares 2 U.

El Prince de los 90 fue el más prolífico y nos regaló alguna que otra excentricidad justificada como la de sustituir su nombre por un símbolo o hacerse llamar posteriormente "El artista antes conocido como Prince" como consecuencia de una batalla legal con la Warner. Pero antes de que ocurriera todo eso, quizás Diamond and Pearls (1991) fue el último de sus discos con gran cobertura mediática y del que se extrajeron varios singles como Cream o Get Off.

En décadas posteriores, Prince siguió editando discos igual de brillantes que en los 80 pero ya no gozaba de la misma atención mediática y popularidad de entonces. Se nos ocurre Planet Earth del 2007 como uno de los discos más interesantes de su última década, y que pasó prácticamente desapercibido. Afortunadamente para sus fans, aunque Prince no gozase de la popularidad y atención de antaño, sus conciertos seguían siendo apoteósicos. Porque Prince perteneció a esa estirpe de artistas como Michael Jackson o Madonna que revolucionaron el pop con su sentido del espectáculo.
Ahora que no está, es el mejor momento para repasar su legado y redescubrirlo escuchando lo que nos hemos perdido de su discografía.

CLARE MAGUIRE: HAN SUCEDIDO COSAS EXTRAÑAS...

EXQUISITECES fue uno de los primeros blogs españoles que hablaron de CLARE MAGUIRE cuando debutó en el 2011 con Light After Dark. A priori, era un disco destinado a vender tantísimo como los discos de Adele. Y de hecho, no fue mal en ventas. Pero teniendo en cuenta la producción que le hicieron, las excelentes críticas y la promoción, creemos que debería haber vendido muchísimo más aún. Aunque esa creencia nos resultó bastante contradictoria a la larga, porque cuando escuchábamos performances en directo de Maguire algo chirriaba en relación con el álbum. No parecía ese tipo de artista mainstream al que lo único que le importa son las ventas de sus discos. Definitivamente, no. Y quizás por eso la gestación de este STRANGER THINGS HAVE HAPPENED ha sido mucho más larga y tortuosa de lo que cabía esperar. Porque cinco años sin editar es demasiado tiempo para alguien que, desde luego, no es Adele. Aunque creemos que ha valido la pena. Porque estamos seguros de que este segundo álbum va a ser mucho más personal, con mayor riqueza y ella se va a revelar como compositora.
Maguire lleva desde el 2013 componiendo y empapándose de la música de Nashville -Una de sus referencias personales que brillaban por su ausencia en el primer álbum-.
El año pasado reapareció con un Ep titulado Don't mess me around del que editó este videoclip con su canción y que no estará incluida en su nuevo trabajo. Realmente, todo el material que fue colgando en su soundcloud para los fans desde el 2013, ha sido prácticamente desechado. 

Los cortes de Stranger Things Have Happened son todos inéditos y lo seguiran siendo hasta el día 27 de Mayo que es la fecha de salida del disco. Aunque ya hemos escuchado algunas canciones que se han filtrado y promete ser uno de los discos importantes de la temporada. De momento, el único adelanto que hay en Youtube es ELIZABETH TAYLOR, su single de presentación y una bellísima balada en la que destaca el piano y una maravillosa sección de cuerda -La sección de cuerda es lo que mejor acompaña su voz- Seguramente no será la última vez que hablemos de ella.

MY BUBBA: LA SENSUALIDAD QUE LLEGÓ DEL FRÍO.

Lo decimos siempre. Cuantas maravillas nos llegan de los países Escandinavos. Hoy hablamos de un dúo formado por una sueca y una islandesa -Aunque en algunas biografías en vez de catalogarlo como un dúo sueco-islandés, dicen que es un dúo danés- que se hace llamar MY BUBBA, por los nombres de pila de sus dos componentes, y que han editado recientemente su segundo larga duración titulado BIG BAD GOOD.

En estos países en los que artistas como Gillian Welch tienen un lugar privilegiado en sus listas y el amor por el folk es inmenso, es normal encontrarnos con artistas autóctonos que han engrandecido este género como las First Aid Kit o My Bubba. 
BIG BAD GOOD nos ha encantado porque es una auténtica delicia, un trabajo intimista muy sutil, de una sensualidad y una delicadeza un tanto insólita en estos tiempos que corren.

A nosotros nos ha recordado muchísimo al aletargado trío canadiense The Be Good Tanyas y no ha sido una casualidad porque leyendo los créditos hemos descubierto que el productor del álbum es Shahzad Ismaily, responsable de algunos trabajos de Jolie Holland -a la que también recuedan- vinculada a The Be Good Tanyas en los inicios de esta formación.

Lo diremos una y otra vez, este es el tipo de álbumes que inspiraron la creación de EXQUISITECES y nos gustaría escribir sobre trabajos como este cada día que editamos una nueva entrada. Pero, a veces, eso no es posible.
Ni que decir tiene que lo recomendamos encarecidamente. Incluso el trabajo anterior de este dúo en el que podréis encontrar gemas como Island.
A continuación, el vídeo de Big Bad Good, la canción que dá título al álbum, que ha quedado así de sugerente:

EL RETORNO DE ALL SAINTS

El cuarteto británco-canadiense ALL SAINTS nació en 1997 como alternativa a las Spice Girls, ya conocéis que a la industria y a la prensa británica les encanta las dicotomías, y sí corrieron ríos de tinta hablando sobre Blur-Oasis, pretendieron lo mismo con Spice Girls-All Saints aunque las chicas picantes tuvieron mayor trascendencia a pesar de su brevedad en el tiempo. Aún así, echando la vista atrás, los tres únicos álbumes publicados de All Saints fueron superventas en el Reino Unido. Y todos recordamos vagamente algún que otro hit del cuarteto machacado por las radiofórmulas de la época. Se nos ocurre Never ever o Pure Shores ahora mismo, por citar algunos de ellos.

El último álbum de este cuarteto se publicó en el 2006 y diez años después regresan con RED FLAG un álbum con el que pretenden revalidar los éxitos de su época dorada. Para ello han contado con más de cinco productores y ciertamente, el álbum probablemente sea mucho mejor que sus álbumes anteriores, en su conjunto. Aunque no contenga tantos hits potenciales como los otros. En cuanto al sonido, suenan como si todavía siguieran viviendo a finales de la década de los 90.

A los británicos les encanta estos regresos y reencuentros de viejas formaciones y las críticas del disco han sido favorables precisamente por eso. Pero nosotros tenemos nuestras dudas de que a las ALL SAINTS del 2016 les resulte tan fácil conseguir los números unos como lo hacían en el pasado. Básicamente porque un cuarteto de estas características si no cuenta con el apoyo de los mismos fans que tenían desde el comienzo, lo tienen muy difícil para conquistar un nuevo público. Y diez años desaparecidas es un lujo que no todo el mundo se puede permitir, porque es que se olvidan de ti. Muchos jóvenes que lean esta reseña probablemente ni siquiera sepan quienes son ALL SAINTS porque eran muy pequeños cuando sonaban o directamente, ni habían nacido, ya que los dos discos de mayor éxito de la banda All Saints y Saints and Sinners se publicaron en 1997 y 2000 respectivamente. Luego tuvieron un parón, en el que aprovecharon para hacer otras cosas por separado -sin ningún éxito- y regresaron en el 2006 con Studio 1 que fue disco de Oro. 

Habrá que ver lo que ocurre con este RED FLAG un álbum que sonar, no suena mal. Pero... ¿Despertará el más mínimo interés entre ese público que no las conoce? Esa es la mayor incógnita. Nosotros apostamos que no. Porque esto tiene el mismo sonido de hace dieciséis años, un sonido bastante característico, por otro lado, y las nuevas generaciones están mucho más interesadas en otro tipo de bandas y sonido.

EL SEGUNDO ÁLBUM DE THE LUMINEERS.

En el 2012 fuimos los primeros en hablar de THE LUMINEERS mucho antes de que Hey Ho se convirtiera en ese megahit que casi termina por fagocitarlos. Ayer comentábamos que el segundo álbum es crucial en una banda y que no todas sobreviven a ese momento. Tienen menos tiempo, más presión y las expectativas suelen estar muy altas. Máxime con una banda que ha conocido el éxito temprano y se convirtió en archiconocida en tiempo record. Esta semana THE LUMINEERS editan CLEOPATRA su segundo trabajo. Un álbum un tanto valiente porque ellos han querido repetir con su fórmula de éxito con esa mezcla de Folk y Americana, a pesar que de un tiempo a esta parte dé la sensación de que el Folk haya dejado de ser tendencia y hasta los más folkies como Mumford & Sons se pasan al rock. Aunque tenemos que confesar que antes de escribir esta reseña, teníamos ciertas dudas con este trabajo y casi nos intoxicamos por otras críticas que han sido realmente devastadoras. Intentaremos ser lo más objetivos posible, como siempre.

Es cierto que si se compara CLEOPATRA con algunos discos del Boss Springsteen como Nebraska (1982) o incluso con parte del repertorio de Ryan Adams, The Lumineers sale perdiendo y su música se convierte en un pastiche sin ninguna profundidad. En este caso, el dicho de "Las comparaciones son odiosas" cobra mayor sentido que nunca.

Porque puede que The Lumineers no se haya planteado realizar la obra maestra del siglo, y solamente se hayan limitado a hacer ese segundo disco necesario, que debe pasar cuanto antes para seguir con sus vidas con normalidad, de buena calidad y con canciones igual de pegadizas y agradables para el oído medio, que las que encontramos en su álbum debut. Si por algo destaca CLEOPATRA es por su falta de pretensiones, por eso es muy injusto que tenga que soportar ciertas comparaciones.

A nosotros CLEOPATRA nos está gustando y consideramos que es mucho mejor disco que lo que váis a leer sobre él en la prensa especializada y en los otros blogs que suelen seguir la corriente a esta misma prensa. Ya sabéis que EXQUISITECES se caracteriza por su absoluta independencia. Así que os recomendamos que antes de leer nada más, que lo escuchéis primero y que seais vosotros mismos los que decidáis sobre él con vuestro propio criterio. Os agradeceríamos a los que sigáis este consejo, que nos contárais como os ha ido y lo que os parece.

WALKING ON CARS: LA BANDA IRLANDESA EMERGENTE.

Una de las grandes sorpresas de la temporada se llama WALKING ON CARS una nueva banda Irlandesa formada en el 2010, que tras actuar en directo en pubs irlandeses y hacerse unas cuantas tablas, editaron su primer Ep en el 2014 y es este 2016 el año en el que por fin ve la luz su primer trabajo titulado EVERYTHING THIS WAY. 

El resultado es ese típico álbum debut repleto de excelentes canciones. Son todas tan buenas que dudas si van a repetir la misma hazaña cuando tengan que editar su segundo álbum. Ese maldito segundo trabajo para el que se cuenta con menos tiempo y donde muchas bandas se la juegan si han conseguido éxito y reconocimiento con su álbum debut. Pero no adelantemos acontecimientos, que nos queda mucho que disfrutar de esta maravilla.

En cuanto al estilo de esta banda, ha sido etiquetado como Indie Pop. Aunque ya sabéis que esas etiquetas las escribimos por y para los amantes de las etiquetas. Esas personas que consideran que si no se escriben en una reseña, está mal hecha. Por nosotros, no las pondríamos. Porque pensamos que cuando se utilizan se está simplificando demasiado. Hoy día es muy difícil que alguien nos presente un trabajo unidimensional en lo que a estilo, referencias e influencias se refiere y en este trabajo concreto encontramos muchísima riqueza. Para comenzar, WALKING ON CARS destacan por las excelentes y muy cuidadas melodías de cada uno de los temas. Eso podría ser un denominador común de muchas otras bandas irlandesas, se nos ocurre los dos primeros discos de The Script, por ejemplo. Pero WALKING ON CARS se diferencia de otras bandas irlandesas actuales en la profundidad de sus letras, así cómo la introducción de temas serios en sus muy cinematográficos videoclips. Algo que entendemos que aleja a esta banda de las cadenas de videofórmulas juveniles, para centrarse en un público adulto.

Algunos de los temas de este álbum se editaron en el Ep del 2014 y otros se fueron desgranando después, preparando la salida del largo. Algunos de estos vídeos llevan en Youtube dos años. Y os recomendamos que no dejéis de verlos, son realmente buenos: Two Stones, Hand in Hand, Always Be With You y Catch me if You can.
Nosotros hemos colgado los dos vídeos de las dos canciones que mejor han funcionado en las listas Irlandesas. Tick Tock y Speeding Cars, este segundo es uno de los últimos vídeos que se colgaron en Youtube de esta banda. También se puede encontrar bastante material de ellos en directo en la red.
Recordad bien el nombre de WALKING IN CARS y que fuimos de los primeros blogs en castellano en hablar de ellos. EVERYTHING THIS WAY es uno de esos álbumes de largo recorrido, de los que no venden todas las copias en la primera semana. Pero que al final consigue el éxito y el reconocimiento. Estamos seguros que llegará ese momento en que no hará falta que los recomendemos porque ya los conocerá todo el mundo. Pero hasta entonces, encantados de descubríroslos.

SAM BEAM Y JESCA HOOP JUNTOS EN "LOVE LETTER FOR FIRE"

Esta es la materialización de un sueño hecho realidad; que uno de los músicos y compositores más influyentes e importantes de las dos últimas décadas, SAM BEAM, (Iron & Wine) y otra de las compositoras e intérpretes más carismáticas e interesantes del panorama musical americano, JESCA HOOP, unan sus fuerzas para regalarnos una auténtica maravilla de álbum como LOVE LETTER FOR FIRE, que se pondrá a la venta el próximo día 15 de Abril. Y que nosotros ya hemos escuchado -Y no podemos dejar de hacerlo-

Por cierto, lo decimos siempre... Qué sería de este blog sin los amigos, familiares, lectores, colaboradores y comentaristas que un día nos mandan un mensaje y nos recuerdan que existen discos como este, por si a nosotros se nos ha pasado. Muchas gracias, una vez más.

Sam Beam ya nos sorprendió en el 2015 con otra colaboración con Ben Bridwell, en un disco de covers. Y de Jesca Hoop no sabíamos nada desde el 2014 cuando editó Undress en el que revisaba y repasaba acústicamente los temas de su pequeña obra maestra Hunting My Dress (2009) contando con colaboraciones importantes, entre ellas, la de Sam Beam. Probablemente, esa fue la primera toma de contacto entre ellos y lo que propició la creación a cuatro manos de LOVE LETTER FOR A FIRE. Porque queremos dejar claro que no se trata de un disco de covers, son canciones compuestas por estos dos autores.

Estamos ante un disco folk de lo más curioso porque de sus trece cortes, unos son muy Sam Beam y otros, muy Jesca Hoop. Porque ambos son poseedores de un sonido propio muy personal y reconocible, muy diferente entre ellos, pero bastante compatible a la hora de escribir canciones y convertirse en el dúo perfecto en el que el uno complementa y acompaña al otro, incluso en terrenos desconocidos para uno de los dos. El resultado es simplemente magistral, una lección de buena música que desde aquí recomendamos encarecidamente. Un disco diez, de diez. De esos que terminan, te saben a poco y aplicas el botón "repeat" de tu reproductor para escucharlo una y otra vez. Un serio candidato a mejor disco del año que a nosotros nos parece infinitamente mejor que otro de esos grandes discos de colaboraciones que pasaron a la historia. Nos referimos al excelente Raising Sand de Robert Plant y Alison Krauss del 2007. Si no lo supera en fama, respaldo crítico y premios, será por ser un producto indie que llega a menos público y por ser muchísimo más arriesgado que Raising Sand que bordeaba el clacisismo más absoluto.

Por cierto, en el vídeo, la pareja que canta en el escenario, son actores. Sam Beam es el barman y Jesca Hoop la chica del teléfono. 

WEEZER Y UN ÁLBUM PARA EL VERANO.

Parece mentira que hayan pasado 22 años del debut triunfal de WEEZEER y su inolvidable Buddy Holly, una canción que iba acompañada de uno de esos VideoClips que han pasado a la historia. Nadie había previsto entonces que estuviésemos ante una banda incombustible, capaz de reinventarse cada cierto tiempo con tal de seguir en la brecha. Y otra vez tenemos disco nuevo de WEEZEER homónimo. Bueno... Sus fans saben que sus discos homónimos se acaban conociendo por el color de sus portadas. Tenemos el disco azul (1994), el verde (2001) y ahora, el blanco. Y curiosamente como en esos discos, nos encontramos algunos de los hits más importantes de la banda -Island in the Sun, fue otra de esas canciones que los volvió a colocar en el disparadero y se encuentra en el álbum verde-  no es ninguna casualidad que este álbum blanco se esté vendiendo como un nuevo resurgir (comercial) de la banda.

Y es muy probable que lo sea, porque son diez cortes -once en la edición japonesa- de inspiración playera que recuerdan a una mezcla entre los Beach Boys y los primeros álbumes de Green Day -Más a Green Day que a los Beach Boys- y está repleto de singles potenciales que aquí en España vamos a disfrutar muchísimo este verano. Porque hay dos tipos de canciones del verano, las horteras que nos imponen los medios de comunicación y las que elegimos nosotros mismos por nuestra cuenta. Más de uno de vosotros elegiréis este disco de WEEZER como vuestro disco preferido de este verano. Y queremos dejar claro se puede ser el disco del verano sin que sea una lacra. De hecho, este álbum nos encanta, al igual que a muchísimos críticos que lo han valorado muy positivamente.

LUKAS GRAHAM: DESDE DINAMARCA CON AMOR.

LUKAS GRAHAM es un cantante y compositor danés que ha publicado un par de discos en su Dinamarca natal -En Inglés- y que ha visto como su discográfica se ha interesado en lanzarlo internacionalmente, reeditando y puliendo su segundo álbum homónimo. Él defiende que, en realidad, es una banda liderada con su nombre, en vez de un solista.

De momento, ha conseguido introducirse en el mercado británico tímidamente. De sobra es conocido que todos los artistas escandinavos suelen conquistar Alemania, Holanda y Bélgica mucho antes que el Reino Unido. Mercado imposible para otros muchos artistas escandinavos. Normalmente, por motivos ajenos a la calidad musical. De momento, no es el caso de Graham y su pop pegadizo y actual. Aunque tampoco pensamos que vaya a alcanzar el Nº1 en Gran Bretaña, todo hay que decirlo.
Y en España... ¿Qué pasará en España con Graham? Ya sabéis que tenemos un mercado un tanto enrarecido e imprevisible. Pero teniendo en cuenta que ha fichado por una discográfica fuerte, que en nuestro país no suele funcionar mal, igual tiene suerte y no le va mal por estos lares. Aunque este que suscribe nunca pondría la mano en el fuego.

A nosotros una de las cosas que nos ha enganchado de Lukas Graham es que hemos visto en él la frescura que tenían Jason Mraz o Gavin Degraw en sus primeros trabajos. Salvando las distancias, porque preferimos a Mraz y a Degraw antes que a Graham. Aunque como ellos, Graham es ese tipo de artista capaz de sorprenderte aún transitando por algunos lugares comunes y muy trillados. Y eso siempre es una ventaja. 

Nosotros deseamos que le vaya muy bien, aunque tenemos que decir que ese coro infantil de su hit Mama Said con reminiscencias del musical Annie nos parece insufrible. Por eso hemos elegido otro tema de su álbum como es You're not there para cerrar esta entrada. De todas formas, sería injusto por nuestra parte no dejar muy claro que Mama Said ha funcionado y está funcionando muy bien en ventas y radiofórmulas aunque a nosotros no nos guste.
Este vídeo que van a ver a continuación pertenece a un ensayo en uno de los momentos de su gira. Y nos va a servir para comprobar que Graham tiene voz, tablas y carisma y que no es ese tipo de artistas al que ponemos en cuarentena porque cuestionamos su credibilidad.

THE FEELING: UNA DÉCADA EN LA MÚSICA.

THE FEELING es una banda que acaba de editar su último trabajo, homónimo y el quinto de su carrera. Tras darse a conocer con un éxito como Sewn y un excelente álbum debut como Twelve Stops and Home (2006) del que han pasado diez años y todavía guardamos un buen recuerdo. Todo se truncó con su segundo álbum Join With Us (2008) un álbum con el que fuimos muy injustos porque si lo escuchamos en la actualidad, seguro que no nos parece un mal disco. De hecho, canciones como Turn it up las celebramos hoy como un homenaje a Electric Light Orchestra. Pero las expectativas estaban muy altas tras Twelve Stop and Home y, en ese momento, a todos nos pareció un disco decepcionante. 

La carrera de The Feeling siguió. Aunque muchos seguidores se apearon en el segundo disco. Y como ocurre en el mundo de la música, la atención mediática siempre es para los debutantes y bajó considerablemente para ellos, ya no eran portada de ninguna revista y fuera del Reino Unido, ni nos enterábamos de que seguían editando discos. Llegó un tercer álbum, Together We Were Made (2011) que pasó desapercibido. Pero afortunadamente para ellos, en el 2013 volvieron con Boy Cry Wolf y consiguieron recuperar el favor de la crítica, convirtiéndose en una banda que reivindicar.

Estamos en el 2016 y toca hablar de su último álbum homónimo justo ahora que han recuperado su prestigio tras una carrera un tanto irregular. Y la verdad, es que siguen siendo fieles a su sonido. Es un disco bastante agradable, pero difícilmente despertaría las pasiones que despertaron con su álbum debut. A pesar de que han madurado muy bien y son mejores músicos y compositores que hace diez años.

De momento, solo han colgado un vídeo correspondiente al corte titulado Spiralling, que es un ejemplo perfecto de lo que os estamos contando.