LISA HANNIGAN: LA REINA DE LA CALMA.

Han pasado ya cinco años desde que hablamos de Passenger, el segundo álbum de LISA HANNIGAN con el que nos demostró que era mucho más que una cantautora emergente con un pasado como la segunda voz de Damien Rice. 

Entonces, ya supimos que su talento no era fruto de ninguna casualidad y que había venido para quedarse para siempre. Pero hemos añorado una cierta frecuencia entre sus trabajos, porque se tomó tiempo para regresar. Y como el propio Rice, que reapareció tras ocho años de silencio, Hannigan tampoco ha tenido ninguna prisa en editar AT SWIM, su tercer álbum de estudio. Y esa calma, esa ausencia de la prisa, se refleja en los cortes de este magnífico trabajo en el que Aaron Dressner -artífice de The National- ha ejercido como productor, consiguiendo que su voz suene aún más íntima si cabe, con temas minimalistas, sin adornos, con pocos instrumentos de refuerzo: una guitarra, un piano...

Lisa Hannigan siempre se ha caracterizado por tener una madurez y una sobriedad que se acentúan en este trabajo plagado de letras profundas, ricas e inteligentes, sobre temas universales como el amor y la muerte. Una de las diferencias con Passenger es que en aquel trabajo, podíamos encontrar algún tema desenfadado o divertido. En AT SWIM, no. Encontraremos una galería de canciones tristes, que no llegan a ser deprimentes. Porque el tratamiento que Hannigan otorga a todos esos temas rezuma sutileza y sensibilidad, consiguiendo transmitir muchísimas emociones con muy poco.

Nos es muy difícil afirmar que AT SWIM es mejor que Passenger o viceversa. Creemos que son dos álbumes complementarios. Las dos caras de la misma moneda. Imaginamos que el tiempo los pondrá a cada uno en su sitio. Lo que sí que tienen en común es que se trata de dos álbumes universales y atemporales, sin fecha de caducidad. Los dos se seguirán disfrutando igual dentro de diez, quince o veinte años. Nosotros recomendamos encarecidamente AT SWIM que es sin ninguna duda una de las novedades importantes de esta temporada.

EL SONIDO MICHAEL KIWANUKA

La primera vez que hablamos de MICHAEL KIWANUKA fue en 2012 como flamante ganador de la edición del BBC Sound of de ese año y a colación de su interesantísimo álbum debut Home Again. Su elección sorprendió muchísimo en un principio, frente a la modernidad de la mayoría de las propuestas. Porque Kiwanuka se presentaba como un músico soulero de la vieja escuela, heredero de Bill Withers u Otis Redding.
A pesar de que Michael Kiwanuka es bastante desconocido para el gran público español si lo comparamos con los ganadores del BBC Sound of de otras ediciones: Corinne Bailey Rae (2006), Mika (2007), Adele (2008), Ellie Goulding (2010) hasta llegar a Sam Smith (2014) o Years & Years (2015), por citar unos pocos. Tenemos que recordar que Home Again llegó a ser disco de oro en Reino Unido y Holanda. Y LOVE & HATE su segundo álbum y el que hoy nos ocupa, se colocó en el primer puesto de las listas de ventas del Reino Unido, nada más publicarse. Y se ha posicionado mucho mejor que Home Again en la mayoría de listas de ventas europeas.

A nosotros no sólo nos ha gustado mucho más LOVE & HATE que Home Again, es que además, pensamos que es de lejos mucho mejor trabajo. Home Again resultaba monótono en algunos tramos y aunque las influencias de Kiwanuka estaban bastante marcadas, él como artista no estaba aportando su sello personal, sonaba a mil referencias. Eso sí, todas ellas exquisitas. Denotaba una gran cultura musical y conocimiento, pero nada más. Con LOVE & HATE creemos que sí que ha conseguido fagocitar todas esas referencias aportando todo su talento y creatividad, consiguiendo por fin el verdadero sonido Kiwanuka. Mitad Soul, mitad "Música del mundo" con aire retro de reminiscencias setenteras. Si en su primer trabajo recordaba a Withers o Redding, en Love & Hate está mucho más próximo a Isaak Hayes. Y a pesar de ello ha conseguido crear un universo propio. La crítica ha valorado este trabajo muy positivamente con cinco (The Daily Telegraph) y cuatro (The Guardian, All Music y Q) estrellas sobre cinco. Y es que, efectivamente, es un álbum que estaría entre el Notable alto y el Sobresaliente. Y si a esta prensa especializada no le entra la amnesia de última hora, como les ocurre cada año con los álbumes de Iron & Wine, es más que probable que aparezca en sus listas de los mejores álbumes del 2016. 

En la nuestra, es bastante seguro que estará.

EL REGRESO DE CHANTAL KREVIAZUK.

Hace tiempo que teníamos ganas de volver a hablar de la gran CHANTAL KREVIAZUK, recuerdo que uno de los primeros posts que escribimos en nuestro primer mes de existencia, allá por Octubre del 2009 se lo dedicamos a ella. Entonces estaba reciente la publicación Plain Jane, su quinto álbum de estudio. Y nunca imaginamos que tardaría casi siete años en volver a editar otro disco. Kreviazuk ha vuelto con HARD SAIL, un álbum que refleja las vivencias de la autora en estos últimos siete años.

El título HARD SAIL puede referirse a una navegación ardua o tortuosa, como metáfora de la propia vida o también al hecho de velar a una persona enferma hasta su muerte, enfatizando su dureza con el adjetivo "Hard". Las dos interpretaciones valdrían para tener claro hacia dónde apunta este nuevo trabajo. Pero a tenor de la documentación que hemos usado para confeccionar esta entrada, parece ser que HARD SAIL se refiere a la dureza de ese proceso de velar a un ser querido hasta su muerte, por el que, desgraciadamente, todos pasamos alguna vez en la vida y no todos reaccionamos de la misma manera. En el caso de CHANTAL KREVIAZUK, se ha sabido que la pérdida de su ser querido (Se presupone que se trata de su mejor amiga. Aunque su identidad ha permanecido en el anonimato) le trasladó a un estado de shock que derivó en estrés postraumático. Y se exorcisó usando la música como terapia. De hecho, dos canciones del disco: Lost y I Love You, se escribieron en uno de los momentos más álgidos del shock.

Pero ya sabéis que las vidas nunca están marcadas al 100% por la alegría o la tragedia, la felicidad o la tristeza, se puede pasar por todos esos estados como los picos de un electrocardiograma. Y siete años de vivencias dan para mucho. Por lo que no todas las canciones de este álbum se centran en la pérdida y en la muerte, afortunadamente. Aunque si nos fijamos solamente en la ejecución musical sin tener en cuenta las letras de esa temática, nada hace suponer que este trabajo vaya a ser el más oscuro de su discografía. Lo que nos parece bastante inquietante.
De los dos singles de adelanto: Into Me, es una canción muy luminosa en la que Kreviazuk se apoya en su piano principalmente y habla de no dejar irse a alguien, de no querer que se vaya y una vez, cuando es inevitable y ya se ha ido para siempre, creer que ha dejado poso en la persona que se queda, que de alguna manera está dentro de ella. Y All I Got es una declaración de amor a su marido el músico y compositor canadiense Raine Maida, que ha producido y mezclado algunas de las mejores canciones del álbum.

Chantal Kreviazuk escribió una página en la historia de la música reciente como intérprete y compositora emergente en la década de los 90. Siempre recordaremos canciones como Surrounded, Wayne, God Made me, Green Apple,  Far Away, Time, All I can Do o What if it all means something entre otras muchas. Canciones que hemos escuchado mil veces, en mil películas americanas -a pesar de que Kreviazuk es canadiense- como ocurrirá con los dos nuevos singles que os hemos colgado en esta entrada. Nosotros desde EXQUISITECES la seguimos recomendando. Es una de nuestras debilidades.

UNA MUJER LLAMADA ANOHNI

Que sorpresa más agradable es HOPELESSNESS el nuevo disco de ANOHNI, la mujer antes conocida como Antony Hegarty de la que hablamos largo y tendido en su primera etapa en Antony And The Johnsons. 

¿Cuales son las diferencias y similitudes que vamos a encontrar entre este trabajo y los anteriores como Antony And The Johnsons? Sería mucho más fácil comenzar hablando de las similitudes. La voz de Anohni es única, luminosa, grande, poderosa y ya la conocíamos. Eso no ha cambiado. Quizás esa voz necesitaba algo más de amplitud y protagonismo, en esta etapa en la que refuerza su nuevo yo como mujer y diva, y han logrado dárselo.
En cuanto a las diferencias, tampoco nos sorprende el cambio de registro. Porque la versatilidad de Anohni es infinita. Nos tenía acostumbrados a canciones melancólicas, oscuras y dramáticas. Y cuanto más lo eran, más nos gustaban. En este nuevo trabajo algunas letras no están exentas de ese dramatismo. Pero el oscurantismo se diluye, han cambiado en la forma, en el sonido. Están mucho más cerca de Blind, su colaboración con Hercules & Love Affair que de Hope There's Someone, una de las canciones más celebradas de su repertorio como Antony And The Johnsons.

A nosotros nos ha gustado muchísimo esa versatilidad de la que hablábamos y que haya sido capaz de darnos un trabajo tan diferente a todo lo anterior como lo es HOPELESSNESS, en el que cabría resaltar la impecable producción de Hudson Mohawke y Oneohtrix Poin Never junto a la propia Anohni.

En cuanto a la crítica, esta artista siempre ha gozado del favor de los críticos desde que comezó su andadura y es algo que desde luego no censuramos. Lo entendemos. Nos pasa con todos estos talentos únicos que nos ofrecen tantísimo y que además solo ellos son capaces de hacer lo que hacen. Por mucho que repitan una fórmula -que no es el caso- siguen siendo originales. 

Este álbum seguramente formará parte de nuestra lista de los mejores álbumes del 2016. Pero mucho nos tememos que no sólo aparecerá en la nuestra. The Guardian y Mojo le han otorgado cinco y cuatro estrellas de cinco, respectivamente.

En el vídeo de presentación de Drone Bomb Me, Anohni le ha prestado su voz a la modelo británica Naomi Campbell y es toda una declaración de principios e intenciones, como el resto del álbum.

CHRISTINE AND THE QUEENS: UN FENÓMENO CONTRA TODO PRONÓSTICO.

Estamos muy pendientes de todo lo que está ocurriendo con CHRISTINE AND THE QUEENS porque, totalmente fuera de pronóstico, se ha convertido en todo un fenómeno en el Reino Unido. Pero mejor que contemos la historia desde el principio y con todos los detalles. Porque esta es una historia que merece ser contada.
Detrás de CHRISTINE AND THE QUEENS se esconde Héloïse Letissier, originaria de Nantes (Francia) y a la que podríamos definir como una artista multidisciplinar. Tiene formación actoral, es músico -una virtuosa del piano-, compositora y le gusta concebir sus actuaciones como performances en las que combina fotografías, dibujos y videoarte. El estilo de su música podría ser etiquetado como tecno, Synthpop o directamente pop.

CHRISTINE AND THE QUEENS grabó varios Eps antes de editar Chaleur Humaine en el 2014, un disco que acabó siendo todo un éxito en Francia, tanto crítico como comercial, convirtiéndose en disco de Diamante -más de 500.000 copias- y hasta el momento lleva contabilizadas 800.000 copias vendidas en todo el mundo. Pero esto prácticamente acaba de empezar -que no se nos olvide recordar que estamos hablando de una artista independiente bajo un sello discográfico modesto-. Porque CHRISTINE AND THE QUEENS reedita Chalour Humaine en el 2015 incluyendo algunas canciones en Inglés y cruza al Reino Unido, un mercado a priori totalmente cerrado a sus propuestas y, poco a poco, con presentaciones en vivo minoritarias consigue llamar la atención de los ingleses, hasta que le llega el espaldarazo definitivo con su presencia en el programa de Jools Holland -Si te dedicas a la música y no sales en ese programa, no eres nadie- que consiguió que esta nueva versión vendiese 60.000 copias -Un poco más que el equivalente al disco de oro español-. Chalour Humaine conserva su nombre en su lanzamiento británico-europeo. Para el lanzamiento americano, el disco se llamará simplemente CHRISTINE AND THE QUEENS.
A nosotros el repertorio totalmente en francés de la primera versión del álbum nos gusta muchísimo y afortunadamente, algunas de sus mejores canciones: Saint Claude o Paradis Perdus se conservan en esta segunda versión con su idioma original intacto. Pero ha tenido que prescindir de algunas otras para dar paso, por ejemplo, a esta maravilla titulada Jonathan que cuenta nada menos que con la colaboración de  Perfume Genius, otro de los artistas más modernos y rompedores de la última década.

Sobre cómo le irá a CHRISTINE AND THE QUEENS en España, eso es un misterio. Es cierto que los amantes del Synthpop seguro que la conocen. El circuito minoritario lo tiene aseguradísimo. Pero se tendrá que ver si consigue tener la trascendencia y notoriedad que tiene en el Reino Unido, porque su disco lleva semanas en los primeros puestos de las listas de ventas inglesas y, como decía antes, esto solo es el principio.
Hacer un análisis del éxito de esta artista en el Reino Unido con un disco con un 80% de canciones en lengua francesa, se nos hace complicadísimo. Llama la atención sus melodías, el hecho de que suene muy moderno y antiguo al mismo tiempo, que el oyente se identifique con su música y sus letras. Y sobre todo, sus puestas en escena.
No se nos ocurre otra cosa. Como todo buen fenómeno, hay algo que se nos escapa.
Lo que está claro es que nadie es poseedor de la fórmula del éxito y que a veces llega de la manera más inesperada y no creemos en la casualidad. Nos encanta que existan casos como el de CHRISTINE AND THE QUEENS, casos en los que la profesionalidad y el tesón tienen por fin su recompensa.

BAND OF HORSES: UN DISCO PARA EL VERANO.

El pasado 10 de Junio se publicaba WHY ARE YOU OK el quinto álbum de estudio en diez años de carrera discográfica de BAND OF HORSES y nos hemos tomado nuestro tiempo para escribir la reseña. Porque es la típica banda cool que le suele gustar a la prensa especializada y también suele aparecer en muchísimos blogs. Así que si normalmente presumimos de que somos los primeros en hablar de alguien, hoy lo vamos a hacer pero por ser los últimos. Porque estamos encantados de ser los últimos que hablan de BAND OF HORSES. Es lo que tiene escribir un blog que va contracorriente.

Para ser honestos, ningún álbum de Band of Horses es malo y este que suscribe ha tenido que repasarlos todos para intentar aportar algo nuevo a lo que ya se ha dicho. Que insistimos, existe demasiada información de esta banda para nuestro gusto.

Y si tenemos en cuenta que lo último que publicaron fue Mirage Rock (2012) y que fue un disco que a pesar de las excelentes críticas muchos lo consideraron un disco fallido -nosotros no lo consideramos así- parece que esta vez con Why Are You Ok han sido un poco más complacientes con aquellos que se cerraron en banda ante su anterior trabajo.

Aunque creemos que Why Are You Ok es un disco sin pretensiones, repleto de buenas canciones y ha sido concebido como un disco para el verano -Desde esa portada con la playa que complementa a la perfección la calidez que rezuma cada una de las canciones- y que nadie se piense que por eso es una obra menor, que no lo es en absoluto. Aunque con una discografía como la de Band of Horses imaginamos que todos tendréis vuestros discos favoritos y todavía es pronto para saber qué lugar ocupa Why Are You Ok en vuestro ranking personal. A nosotros nos sigue gustando mucho más Infinite Arms (2010) en el que se pueden escuchar auténticas maravillas como Factory u Older. 

Pero lo decíamos antes, ningún disco de Band of Horses es malo y hasta el más flojo -en el caso de existir-, sería infinitamente mejor que el mejor disco de otra gente. Nosotros recomendamos Why Are You Ok para que lo llevéis en vuestro Ipod y lo escuchéis en una playa perdida este mes de Agosto.

EL REGRESO DE DELTA GOODREM.

Pues ya estamos en el mes de Agosto y todavía no sabemos como vamos a enfocarlo, si escribiremos la misma cantidad de entradas que hemos escrito en Junio y Julio o si reduciremos. Dependerá un poco de la rececpción que tengan las nuevas entradas. En cualquier caso, EXQUISITECES no cierra en Agosto.

Y para combatir el calor estival se nos ha ocurrido escribir sobre WINGS OF THE WILD de DELTA GOODREM que es un álbum de pop mainstream convencional, pero no está exento de calidad. Por lo que merece su sitio en este blog tanto como cualquier otro disco de vocación Indie de los que hemos hablado últimamente.

Además de que nos apetece recordar a DELTA GOODREM a la que admiramos profundamente desde que consiguiera cinco números uno en su Australia natal a los 19 años con su -magnífico- álbum debut Innocent Eyes (2003) con canciones para recordar como Born To Try, Lost Without You, Not Me, Not I , Predictable o Innocent Eyes, que también alcanzaron lo más alto de las listas británicas. Y que vendió más de cuatro millones de copias en todo el mundo. Aunque su éxito llegó a España como dos años después por culpa de la incompetencia de Sony España y el parón que sufrió la carrera de Goodrem, en su momento más dulce, cuando le diagnosticaron un Linfoma de Hodgkin que más tarde superaría. Desde entonces, ha estado muy implicada en diferentes causas sobre la lucha contra el cáncer.

Su carrera posterior desde su álbum debut hasta este último trabajo, ha transcurrido con muchísimo éxito en Australia, donde es una estrella -Fue coach de La Voz en su edición Australiana- A pesar de todo, no ha sido una artista demasiado prolífica. Ha sabido dosificarse muy bien. Lo que implica que mantiene cierta frescura después de llevar casi dos décadas en el mundo de la música.
Hacía cuatro años desde su último álbum de estudio y WINGS OF THE WILD era un disco muy esperado que alcanzó el Nº1 en Australia nada más editarse el mes pasado. Goodrem además de ser la compositora de todos los cortes del disco, es una virtuosa del piano y es un isntrumento que tiene un gran protagonismo en el disco. El resultado es un pop muy elegante y actual, a la altura de todas esas artistas pop mainstream que venden millones de discos. Pero nosotros sabemos que en España, Delta Goodrem necesita un empujoncito para que la tengan en cuenta, porque tiene la desgracia de grabar con SONY, que si en su sede central supieran que en la filial española ningunean al 80% de su catálogo internacional, les llamarían la atención. Además, han pasado trece años desde su Innocent Eyes y puede que muchos la hayan olvidado.