Desde que la descubrimos con su álbum debut Don't Let The Kid Wins (2016)cada nuevo álbum deJULIA JACKLIN se ha convertido en un acontecimiento para nosotros y esperábamos como agua de Mayo la salida de este su tercer álbum PRE PLEASURE, mucho más después de escuchar sus brillantes adelantos Lydia Wears A Cross y I Was Neon. En este álbum convergen las dos Julias que más nos gustan. La primera, una letrista muy honesta que como Phoebe Bridgers tiene la capacidad de convertir en música todos los problemas y ansiedades de su generación con una naturalidad casi extraterrestre, Julia Jacklin nos habla de sexo, relaciones y hasta de religión (Lydia Wears A Cross) y no pasa por esos temas de puntillas, se implica y deja clara cual es su posición mostrando a veces una vulnerabilidad sobrecogedora, es también la Julia Jacklin más íntimista con canciones sensuales y susurrantes. Faceta que recupera de su álbum anterior Crushing (2019). Pero también existe esa otra Julia que nos enamoró en el primer álbum que entiende lo que es el buen rock como nadie con esos arreglos de cuerda de Owen Pallett o la labor de su productor Marcus Paquin responsable de los últimos álbumes de The Weather Station que también ha contado con dos de sus músicos de gira en este trabajo: Ben Whitely y Will Kidman.
Se puede decir que esta cantante y compositora australiana ya ha conseguido su lugar en la música. Múchísimos críticos se han interesado por este nuevo trabajo y ya tenía varias reseñas escritas unas horas antes de que se lanzase el álbum y el público pudiera escucharlo. La media crítica obtenida en el momento que estamos escribiendo esta reseña es de un 85 sobre 100 porque no descartamos que en las próximas horas aparezcan más valoraciones. Nos ha llamado poderosamente la atención que hasta ahora no haya habido ningún medio que le haya otorgado el 100/100. Porque es un álbum que se merece el pleno. Las notas más altas son un 90/100 por parte de Exclaim! y Uncut y el resto de las notas se distribuyen de la siguiente manera: 83/100 Paste; 80/100 Independent, MusicOHM, HipHopDX, DIY, Mojo, Slant y The Skinny; 70/100 The Line Of Best Fit y Clash. Nosotros ya hemos dado una pista al cuestionar que nadie le haya dado el 100/100. Para nosotros es ese claro 100 sobre 100 que nos quedamos con ganas de dar a sus dos álbumes anteriores que se quedaron en un 95/100. Pensamos que PRE PLEASURE es su mejor álbum y es el momento de darle esa nota. Aunque podríamos haber esperado un poco más. Porque Jacklin marca sus propios tiempos con los progresos que hace y puede que el próximo álbum sea aún mejor que este. Igual que tenemos tan claro que este álbum es un 100/100 también sabemos que Julia Jacklin no ha tocado techo todavía. Puede y va a darnos muchísimo más en el futuro. Tienen que venir todavía grandes álbumes y con ellos los premios y reconocimientos.
HEATHER NOVA es uno de los motivos por el que nos animamos a escribir este blog y cada trabajo suyo está documentado en estas EXQUISITECES. En los últimos tiempos nos dedicamos mucho más a los álbumes de material inédito que a los de Versiones. A pesar de que una de las secciones que mejor funcionaron en este blog fue la de de las Versiones. Todavía se reciben comentarios en posts de esa sección que están escritos desde hace más de diez años. Hoy mismo se ha editado por fin OTHER SHORES el álbum de covers de HEATHER NOVA. Para que os hagáis una idea antes de contar nada sobre el álbum, este es su Tracklist acompañado de los intérpretes originales de esas canciones:
01 – Waiting for a Girl Like You - Foreigner
02 – Jealous Guy - John Lennon
03 – Stayin’ Alive - Bee Gees
04 – Fireproof - TheNational
05 – Never Gonna Give You Up - Rick Astley
06 – Don’t Stop Believin’ - Journey
07 – Here Comes Your Man - Pixies
08 – Fragile - Sting
09 – Like a Hurricane - NeilYoung
10 – Cold Little Heart - Michael Kiwanuka
11 – Ever Fallen in Love - Buzzcocks
12 – Message Personnel - FrançoiseHardy
13 – Sailing - Rod Stewart
Este álbum se ha lanzado hoy mismo, aunque lleva anunciándose desde el año pasado y la propia HEATHER NOVA ha ido desgranando corte a corte desde sus Redes Sociales y contaba con varios adelantos que se podían escuchar en Streaming desde hace tiempo, no ha despertado demasiado interés entre la crítica. Sí que ha tenido atención mediática, el disco ha sido presentado en muchas páginas musicales, solo tenéis que googlearlo para comprobarlo (En castellano nosotros hemos sido los únicos). Pero no cuenta con valoraciones críticas, de momento. Así que tendréis que fiaros de nuestro criterio. HEATHER NOVA es una de las cantantes-compositoras con más personalidad, tiene un registro vocal único y una manera muy elegante de hacer música. Es su sello de distinción.
El disco está producido por ella misma y su colaborador habitual Felix Todd. Estas canciones más que versionadas están fagocitadas y reconvertidas al estilo de Nova. Tiene momentos brillantes como lo que es capaz de hacer con Fireproof de The National, o Cold Little Heart de Michael Kiwanuka o ese broche de Oro con Sailing de Rod Stewart a Capella. Es cierto que también ha sido muy atrevida eligiendo canciones muy conocidas e inolvidables en sus versiones originales como Jealous Guy, Staying Alive o Never Gonna Give You Up. Y ha sabido llevarlas a la perfección a su terreno porque OTHER SHORES es otro álbum más de HEATHER NOVA, aunque ella no sea la autora. Nosotros entendemos el atrevimiento. Porque eso es justo lo que busca el público en un disco de covers. Ese exotismo que provoca ver esas canciones que todo el mundo conoce puestas del revés y normalmente en este tipo de actos, encontramos otros matices en esas canciones que se nos habían pasado en la versión original. HEATHER NOVA transmite como pocas, los que la seguís, lo sabéis. Si tenéis todos los álbumes de HEATHER NOVA, OTHER SHORES no debe faltar en vuestra colección.
LERA LYNN (Houston, Texas 1984) es una músico, intérprete-compositora y actriz que lleva en activo en el mundo de la música desde el 2011 que editara su álbum debut. No es demasiado conocida. Quizás llame la atención en su discografía que fue la responsable de la Banda Sonora Original de la segunda temporada de la serie de HBO True Detective en 2015. Recientemente ha publicado SOMETHING MORE THAN LOVE, su sexto álbum de estudio,co-escrito por la propia Lera Lynn y el productor del álbum Todd Lombardo. Lynn está etiquetada como artista de Indie Rock, Americana y Country Contemporáneo. Pues bien, en este trabajo por más que lo escuchamos no encontramos ninguno de esos estilos. Al menos, no de manera marcada. La paleta de tonos y colores es muy amplia y todo está muy difuminado. Nos encontramos unas melodías envolventes, algunas interpretadas de manera muy naif, con un registro vocal muy luminoso que acapara toda nuestra atención y nos engancha recordándonos a mujeres tan dispares entre sí como pueden ser Susanna Hoffs, Sheryl Crow o sobre todo la recientemente fallecida Julee Cruise y sus colaboraciones con Angelo Badalamenti de finales de los ochenta. Porque aquí existe un componente retro muy interesante que en algunos momentos la emparenta incluso con algunos sonidos del pop europeo (francés e italiano, principalmente) de los 80. Pero todo ello conservando su propia personalidad y consiguiendo que queramos devorar su álbum corte a corte, para luego comenzar a escucharlo de nuevo desde un principio.
A pesar de que LERA LYNN no es una debutante y ha publicado unos cuantos trabajos SOMETHING MORE THAN LOVE es el primer álbum que ha despertado interés entre los medios y ha sido reseñado obteniendo una media crítica de 82 sobre 100, siempre según Metacritic. Las valoraciones son las siguientes 80/100 PopMatters, Uncut y AllMusic; 70/100 American Songwriter. A nosotros nos ha despertado una reacción un tanto visceral porque a pesar de que encontramos sonidos muy chirriantes que normalmente no nos gustan y estamos convencidos de que si otros artistas hubieran jugado con esos mismos sonidos de otra manera, nos los hubiéramos cargado sin ninguna piedad, aquí se justifican en cada nueva escucha y lo que no te ha gustado nada de primeras, te acaba enganchando. Es como un Guilty Pleasure constante y también resulta apasionante porque aparentemente es un disco sencillo. Pero a medida que lo escuchas vas descubriendo todos los recovecos que tiene y ese es su principal encanto. Por cierto, las dos canciones elegidas como adelantos que están en los videoclips de esta entrada no son precisamente las que más nos gustan del álbum. Nosotros hubiéramos elegido I'm Your Kamikaze y Black River. Consideramos que este álbum está más que apto para pasar el corte de lo mejor del año. Un 85 sobre 100 por nuestra parte.
PHOEBE GREEN es una joven cantante y compositora británica (Lythan, Lancashire 1998) que pertenece a la escena musical de Manchester, donde vive desde que comenzara su andadura musical. Esta semana ha publicado LUCKY ME, su segundo álbum de estudio y tenemos que decir que con PHOEBE GREEN todo ha sido bastante inusual. Llama la atención sobre todo su precocidad. Compuso las canciones de su primer álbum 02:AM (2016) con dieciséis años y no pasó por el procedimiento habitual por el que pasan la mayoría de artistas británicos, testando al público con singles de adelanto y Eps previos antes de editar el largo. Su álbum debut se publicó tal cual. Una experiencia que ella misma tildó de "Reveladora". Es cierto que entre 02:AM (2016) y LUCKY ME (2022) sí se han publicado varios singles que finalmente no han entrado en este segundo trabajo. Digamos que para ser una artista nueva y poco conocida que todavía no tiene ni página en Wikipedia, si entrais en vuestra plataforma de Streaming favorita y echais un vistazo a su ficha, tiene suficiente material para que empeceis a tenerla en cuenta. PHOEBE GREEN tiene muchas cosas en común con otras artistas de su generación, una de sus mayores fans es Billie Eilish y es que están en la misma onda. PHOEBE GREEN tiene un punto inocente y naif formalmente y algo exquisito musicalmente a la hora de abordar sus composiciones. En cuanto al estilo podríamos decir que estaría entre pop y synthpop. Pero muy distinto a lo que entendemos por Synthpop. Digamos que Green posee una personalidad arrolladora y nos va a dar más de una sorpresa a la larga. Porque olemos su vocación renovadora, de lejos. Aunque todavía es muy pronto para asegurarlo.
Los productores de LUCKY ME son Kaines & Tom A.D. o lo que es lo mismo, un tándem compuesto por el guitarrista de la banda Everything EverythingAlex Robertshaw y el ingeniero de sonido, productor y compositor Tom Fuller que además de PHOEBE GREEN también han trabajado con Interpol. De momento, la crítica ha respondido positivamente: 90/100 DIY y 80/100 The Line Of Best Fit, Clash, MusicOMH y NME. Para concluir con una media de 85 sobre 100. A nosotros nos ha sorprendido. Es cierto que hay momentos muy, muy puntuales en los nos recuerda a Lily Allen (Just A Game), a la citada Billie Eilish o una extrañísima mezcla entre las dos (Make It Easy). Pero en general es bastante fresca, novedosa y original. Nuestros cortes preferidos que ya valen el 87 sobre 100 que le ponemos a LUCKY ME son Crying In The Club y Just A Game. No olvidéis su nombre porque tenemos el pálpito de que vamos a hablar mucho de ella en un futuro no muy lejano.
A veces surgen trabajos en los que el autor se abre en canal. El proceso creativo no siempre es el mismo, la inspiración puede aparecer bien poniendo voz a otras personas y siendo muy empático con ellas para entender y saber contar sus historias como hizo Kathryn Joseph en esa Obra Maestra que es For You Who Are The Wronged (2022), que cada día que pasa gana más puntos para que sea proclamado mejor álbum del año en nuestro blog en Diciembre, o bien puedes vomitar todas tus entrañas y escribir un álbum basado en tus propias vivencias y este es el caso de RIDERLESS HORSE de NINA NASTASIA (Los Angeles, California 1966). De la que nunca hemos hablado en este blog a pesar de ser una cantante y compositora indie consagrada y aclamada por la crítica prácticamente desde sus primeros álbumes. RIDERLESS HORSE es el séptimo álbum de estudio de NINA NASTASIA y supone un punto de inflexión, el comienzo de una nueva etapa en su carrera musical. Si bien es cierto, no se trata de una nueva etapa de grandes cambios en su estilo o manera de hacer música, incluso continua con el productor musical Steve Albini con el que trabaja desde los inicios de su carrera (Tambien ha contado esta vez con Greg Norman) y básicamente mezcla elementos de Folk y Americana sustentados con una guitarra acústica a menudo acompañada de varios arreglos de cuerda que incluyen violochelo, violin y viola, aunque no es el caso de RIDERLESS HORSE que es un disco desnudo, prácticamente minimalista, solo guitarra y voz. El verdadero cambio es personal. NINA NASTASIA estuvo unida sentimentalmente durante venticinco años a su manager Keenan Gudjonsson en una relación bastante tóxica de la que ella misma ha contado que contenía "Control, Abuso y Manipulación" por parte de su compañero que se suicidó en el 2020. RIDERLESS HORSE se basa en el suicidio de Gudjonsson, así que os podéis hacer una idea de la fuerza de algunas de sus letras, como por ejemplo la de Afterwards. Hay quien dice que todos esos años que vivió con Gudjonsson (con un episodio de drogadicción en medio que la tuvo apartada de la música más de un año) estuvo secuestrada y que RIDERLESS HORSE supone su liberación y es donde por fin es ella misma. En definitiva..., RIDERLESS HORSE también se entiende como todo un álbum de empoderamiento.
La crítica ha alucinado con este trabajo de NINA NASTASIA, ha sido de los mejores valorados este verano. Ya que se puso en circulación el pasado 22 de Julio en Streaming y en CD y será lanzado en vinilo en Noviembre. The Observer, The Telegraph y Mojo han coincidido en que es un 100/100, de lo mejor del año. Habrá que ver si se acuerdan de él en Diciembre cuando llegue el momento de hacer las listas de lo mejor del año. Porque es un disco que se podría politizar con un discurso feminista, y ya sabemos que hay quienes apoyan estos discursos y quienes los niegan. Nosotros los apoyaremos siempre. Pero no sabemos exactamente de qué pie cojearán todos estos medios, porque subir un álbum de estas características a los primeros puestos de las listas de lo mejor del año supone visibilizar ese discurso y no tenemos muy claro que todos esos medios estén dispuestos a apoyar este tipo de trabajos hasta el final y con todas sus consecuencias. El resto de valoraciones se distribuyen de la siguiente manera: 85/100 Beats Per Minute; 80/100 Wire, AllMusic, Uncut, Independent, The Skinny y The Quietus y 78/100 Pitchfork para que el algoritmo de aproximación de Metacritic nos de una media de 89 sobre 100. A nosotros nos ha parecido un álbum conmovedor. Pero nos parece mejor álbum For You Who Are The Wronged (2022)de Kathryn Joseph que puntuamos con un 100/100. Al igual que ocurría con este álbum de Kathryn Joseph, nosotros no recomendaríamos RIDERLESSHORSE a todo el mundo, porque puede resultar un tanto árido y monótono a los oídos menos experimentados y, desde luego, es el álbum menos apropiado para lanzar en pleno Verano (tal y como se entiende en España como debe ser la música en Verano). Al escribir esta reseña asumimos que no vamos a tener demasiadas visitas. Pero hace mucho tiempo que nuestro objetivo no es reseñar discos que consigan más visitas para el blog. Nuestro objetivo es disfrutar escuchando los álbumes y escribiendo sobre ellos (y haciendoles un vídeo en nuestra versión TikTokera del blog para los que no les gusta leer) y con este trabajo hemos disfrutado. Es cierto que nos ha tenido con un nudo en la garganta en muchos momentos y es difícil disfrutar sintiéndose así. Pero musicalmente es el triunfo de los sentimientos y de que menos es más. Nuestra nota es un 91 sobre 100.
MEDIA DE LA CRÍTICA: 89/100
VALORACIÓN EXQUISITECES: 91/100
Si eres Mujer, Vives en España, has leído esta reseña y has escuchado RIDERLESS HORSE de NINA NASTASIA y ves que te identificas demasiado con sus historias y lo que siente, porque te está pasando a tí, no dudes en pedir ayuda llamando al número de teléfono 016 o mandando un Whatsapp al Número 600 000 016. El Ministerio de Igualdad, por medio de la Delegación del Gobierno contra la Violencia de Género, presta el Servicio telefónico de información, de asesoramiento jurídico y de atención psicosocial inmediata por personal especializado a todas las formas de violencia contra las mujeres.
Mikaella Mullaney es una cantante, compositora y multiinstrumentista de Brooklyn, Nueva York, aunque todos la conocéis mejor como KING PRINCESS y recientemente ha publicado HOLD ON BABY. Un disco que esperábamos ansiosamente tras su brillante debut con Cheap Queen (2019). Aunque su carta de presentación para el gran público fuera su participación en el álbum de Mark Ronson Late Night Feelings (2019). Y Ronson vuelve a estar presente en este nuevo trabajo porque lo ha producido junto a Ethan Gruska, Aaron y Bryce Dessner, Dave Hamelin, Shawn Everett y Tobias Jesso Jr. También encontramos colaboraciones de Zach Fogarty, Amy Allen y Fousheé. Así que, de entrada, con estos créditos nadie se puede resistir. En cuanto a estilos es un álbum de Alt-Pop con ribetes de pop-rock y electropop -Hay momentos que nos ha recordado a Robyn- con sonidos que marcarán tendencia como todo en lo que suele estar involucrado Mark Ronson. KING PRINCESS se desenvuelve bastante bien en las baladas (I Hate Myself, I Want To Party, Change The Locks, Crowbar...) y hay un claro predominio de ellas. Pero en realidad es bastante versátil como para abordar con éxito otros registros diferentes por los que no se ha apostado. Aunque tampoco es un reproche, todo lo que KING PRINCESS nos da en este álbum es de una calidad incuestionable.
HOLD ON BABY ha gustado en general a la crítica, nadie le ha dado menos de las tres estrellas 60/100 aunque esos tres medios que lo han puntuado con esa nota NME, Under The Radar y Slant han conseguido que el algoritmo de aproximación de Metacritic vaya a la baja. Aun teniendo buenas notas como el 100/100 de The Telegraph que considera que es uno de los álbumes del año y los 80/100 de Rolling Stone, The Line Of Best Fit, Clash, o DIY. El resultado es una media de 78 sobre 100 que bien podría haber sido un 82/100 de no ser por esos tres medios. Creemos que lo que puede haber ocurrido es que cuando el nombre de Ronson aparece en algún proyecto las expectativas aumentan y aunque a The Telegraph este álbum le ha parecido perfecto, hay otros medios que esperaban mucho más. A nosotros no nos ha defraudado en lo más mínimo. Es una continuación bastante coherente de Cheap Queen (2019) y ella está realmente brillante en cada corte. Quizás parezca que ha encontrado su zona de confort por esa falta de riesgo a la hora de apostar por su versatilidad, como decíamos antes. Pero es un segundo disco y es demasiado pronto para hablar de zonas de confort. Nosotros apostamos por HOLD ON BABY y lo puntuamos con un 90 sobre 100. Porque llevamos muchos años escribiendo reseñas y nuestro instinto nos dice que es uno de esos álbumes que son especiales, que destacan por encima de la media aunque no se note a primera vista. Eso no significa que vaya a vender más copias o que vaya a ser proclamado con un 100/100 de la crítica, significa que aunque pudiera pasar desapercibido, a la larga va a ser un álbum influyente, muy recordado y que se revalorizará con los años.
SOUND OF THE MORNING es el segundo álbum de estudio de la intérprete y compositora de Gloucestershire (Reino Unido) afincada y perteneciente a la escena musical de Bristol, KATY J PEARSON tras su álbum debut Return (2020). Su estilo es básicamente pop, aunque encontramos algunas reminiscencias Folk y un sonido muy inspirado en los 70, con una parte de pop acústico que podría recordar un poco a algunos trabajos de R.E.M o Aimee Mann por citar dos ejemplos. También tiene un pequeño toque de Kate Bush y un color de voz parecido al de Stevie Nicks, Belinda Carlile o Lissie. Pero sobre todo es una cantante y compositora que pertenece a su tiempo y está muy emparentada con otras artistas coetáneas como Aldous Harding o Jessica Pratt. En algunos medios la etiquetaron como artista Country por un ligero parecido con Dolly Parton en una de las canciones de su álbum debut. Algo tan sumamente puntual que Heavenly, su sello discográfico, tuvo que salir al paso aclarando que su cliente no hacía Country. Algunos medios pueden desvirtuar la realidad con un chasquido de dedos. Realmente nosotros escupimos toda esa retahila de referentes, estilos y parecidos para que nuestros lectores ubiquen a la artista, nunca se deben tomar al pie de la letra, los escribamos nosotros o los escriban medios más importantes que nosotros. Lo mejor que pueden hacer es dejar de leer y escuchar el disco que es francamente bueno. Incluso animaríamos a recuperar Return (2020).
SOUND OF THE MORNING está compuesto en su mayoría por Katy J Pearson y su hermano Robert Pearson y co-producido por Ali Chant y Dan Carey y cuenta con las colaboraciones de los reputados músicos Oliver Wilde, Morgan Simpson y Yuri Shibuichi. La crítica ha estimado un 82 sobre 100 de media que se distribuye de la siguiente manera: 90/100 MusicOHM, 80/100 Record Collector, Under The Radar, The Observer, NME, Uncut, Mojo y The Skinny; 70/100 Allmusic. A nosotros nos ha convencido, es cierto que el primer corte es bastante inquietante y poco representativo de lo que vendrá a continuación. Parecía que nos íbamos a meter de lleno en un nuevo Quiet Signs (2019) de Jessica Pratt, pero luego nos da mucha variedad y eclecticismo. Por eso hay tantas citas de referentes y parecidos, no es que se den todos a la vez y en todo momento, pero sí en momentos puntuales. La primera vez que escuchamos el disco le dimos una nota de 85/100 pero hemos tenido tiempo de escucharlo más y nuestra nota es un 90 sobre 100. Porque sin ser un álbum complaciente para el oyente, te acaba enganchando y puedes alcanzar altas cotas de adicción.
Es cierto que en mi casa siempre fueron muy fans de Eurovision y era muy normal que comprasen los singles de las canciones que más les gustaba del festival y el single de Olivia Newton-John el año que ganó Abba, andaba por casa. Pero yo debía tener como cuatro años o así y solo sirvió para que me sonara su nombre cuando luego se hizo realmente famosa. Porque yo era un niño muy repelente que ya sabía leer y con una memoria prodigiosa para recordar nombres y tener a todos los artistas ublicados. Pero como la inmensa mayoría de los mortales, me enamoré de Olivia cuando la vi interpretando a Sandy Olsson en Grease (Randal Kleiser, 1978). Fue a los ocho años, cuando veraneaba en Almería (Lugar donde luego acabé viviendo). Recuerdo que obligué a mi padre a que me llevara al cine y digo "obligué" porque para él, la idea de encerrarse un verano en una sala de cine para ver una película trufada de canciones subtituladas, suponía un gran esfuerzo. Ese tipo de "marrones" siempre eran para mi padre. Mi madre se las ingeniaba para que tuviese otra cosa mejor que hacer en ese momento. Así que casi todos mis recuerdos de mi infancia en una sala de cine van ligados a mi padre.
Grease me dejó absolutamente fascinado. Era demasiado pequeño para darme cuenta de todo el machismo y la masculinidad tóxica que desprendía el personaje de Danny Zuko y el resto de los T-Birds, que representaban los típicos referentes del heteropatriarcado que teníamos entonces, de eso me di cuenta de adulto en posteriores visionados televisivos. Pero en ese momento, me hubiera gustado vivir en esa película y conocer a una chica como Sandy. Que era prácticamente perfecta. Lo tengo que confesar, lo que más me gustaba de esa película era Olvivia Newton-John y no soprtaba los comentarios maledicentes de mis hermanas cuando decían que era demasiado mayor para el personaje. Tenían toda la razón del mundo. Pero cuando estás enamorado no sueles ver más allá de tus narices. Y me gustaría añadir algo más, Grease es un musical que se sigue representando, yo lo he visto varias veces con castings diferentes. Pues bien, todas las actrices que han interpretado a Sandy están correctas en lo que a acting se refiere. Pero si hablamos de la parte vocal, la grabación original de las canciones de Grease, una vez que las grabó Olivia, no ha habido nadie que lo haya superado y en nuestra memoria todas esas canciones siempre sonarán con su voz.
A partir de entonces, Olivia ya formaba parte de mi vida y me compraba cada disco suyo que editaba y deseaba muchísimo volverla a ver en el cine. Recuerdo que podía pasar horas mirando la portada de Totally Hot (1978). Era absolutamente marvillosa.
Estoy releyendo lo que he escrito hasta ahora y me siento un poco avergonzado porque creo que lo mío con Olivia es una historia inconfesable de una veneración absoluta. En Totally Hot (1978) había una canción que me encantaba y es una de mis preferidas de Olivia. No es de las más populares de su discografía. Ni tampoco es tan buena como me parecía a mi con ocho años. Pero es una de las canciones de mi infancia y de mi vida. Me refiero a A Little More Love.
Su muy esperada siguiente incursión en el cine llegó con Xanadú (Robert Greenwald, 1980) y una vez más llenaba la pantalla con su rostro angelical. Con diez años no es que tengas demasiado criterio, a mi me encantó la película y me pareció fascinante todo ese rollo de la magia, las musas y sobre todo las canciones de Olivia con Electric Light Orchestra. Fue una gran colaboración musical. Pero cometí el error de volverla a ver de adulto y toda esa magia se desvaneció. En realidad, era un videoclip de hora y media. Porque lo mejor de Xanadú es su música y todo lo demás es solo una excusa para que esa música brille. Eso sí, el álbum con la banda sonora de la película es una de mis posesiones más preciadas y todavía lo sigo escuchando.
Si no recuerdo mal, creo que el siguiente gran éxito de Olivia fue su álbum Physical (1981) y con la canción del mismo título. Olivia se sumaba a la moda del Aerobic y además se mostraba mucho más sexy que de costumbre hablando veladamente sobre sexo. Gracias a esta canción recibió alguna nominación a los Grammy y volvió a estar en el candelero. El vídeo visto hoy es un claro exponente de lo que fueron los 80.
En cine, tanto ella como John Travolta necesitaban encontrar desesperadamente otro éxito que igualara a Grease y lo intentaron con Two Of A Kind (John Herzfeld, 1983) que en España se llamó Tal Para Cual.
El gancho de la película consistía en reunir a los dos protagonistas de nuevo, que además siempre fueron grandes amigos y estaban deseando volver a trabajar juntos. Pero la película era bastante mala y no la salvaba ni la canción que abría los créditos de la película interpretada por la propia Olivia Newton-John, finalmente fue un fracaso y la carrera cinematográfica de ambos se resintió. John Travolta tuvo que esperar unos años para que su carrera remontara gracias al éxito de películas como Mira Quien Habla (1989) o sobre todo Pulp Fiction (1994).
En 1983 cuando se estrenó esta película, yo entraba en la preadolescencia y a Olivia la relacionaba un poco con mi infancia y ya me parecía menos cool, ya sabéis lo que les pasa a los niños si teneis hijos, un día les gusta mucho algo o alguien y al día siguiente ya son "muy mayores" para que les siga gustando. Fue en este punto cuando me distancié un poco de Olivia, seguía comprando sus discos. Pero ya me gustaba más otra gente. Aunque volví a conectar con sus canciones de adulto.
Recientemente se ha hecho un biopic repasando la carrera de Olivia protagonizado por Delta Goodrem, que interpreta todas sus canciones.
Goodrem es una gran cantante e hizo una más que correcta interpretación. Pero Olivia tiene tanto sello que es practicamente inimitable a la hora de reinterpretar sus canciones.
No nos gustan las necrológicas, esto no lo es. Es un homenaje que quizás debimos hacerle mucho antes de que conociéramos que hoy ya no está con nosotros. Creo que no se ha valorado lo suficiente todo su legado musical y este es un buen momento para que se edite un buen álbum recopilatorio. Seguro que conocéis muchas más canciones de las que imagináis.
Hoy teníamos dos opciones: Hablar de Beyoncé y su Renaissance que es una de las novedades de la semana o recuperar un disco que se editó en Febrero y no nos gustaría que se quedara sin reseñar. Lo teníamos muy claro. De Renaissance ya nos hemos despachado a gusto en nuestras Redes Sociales y como anunciamos, todo lo que teníamos que decir del disco ya lo hemos dicho allí (Por eso es bueno que nos sigais también en nuestras Redes Sociales) y en este blog solamente aparecerá en el próximo post de discos no reseñados con nuestra valoración. Así que ahora mejor hablaremos de otra gente que no está tan sobrevalorada, no tiene tantos apoyos (comprados) y de la que sí merece la pena hablar. Nos referimos a THE CACTUS BLOSSOMS que reaparecían este año tras el parón forzoso de la Pandemia con su tercer álbum de estudio ONE DAY (Cuarto si contamos que su primer álbum homónimo del 2011 fue autoeditado sin sello discográfico, aunque no cuente en la mayoría de las bios del dúo). Para quien no lo sepa, THE CACTUS BLOSSOMS (Minneapolis, Minnesota) son dos hermanos: Jake Torrey y Page Burkum que componen y producen todas las canciones del álbum y están etiquetados como Indie Rock. Pero esto es mucho más que lo que entendemos por Indie Rock, tenemos algo de folk, algo de americana, algo de rock un poco de Rockabilly y siempre siguiendo la estela de los clásicos: The Everly Brothers, Roy Orbison, The Byrds o Duane Eddy. Obviamente no han inventado nada nuevo y ni falta que hace. Pero tienen tantísima clase... Se echa tanto de menos este tipo de bandas en la actualidad... El año pasado nos sorprendió Lord Huron que también bebía de algunas de las mismas fuentes que estos dos hermanos. El resultado de ONE DAY es otro de esos discos intemporales que guardaremos en algún lugar privilegiado junto a los mejores álbumes de Chris Isaak. Otro de esos referentes que tenemos que poner sobre la mesa para que podais ubicar a estos dos grandes músicos.
En el apartado de colaboraciones nos encontramos a Jenny Lewis en un dúo titulado Everybody que aspira a convertirse en una de nuestras canciones preferidas del año. Una pena que el disco solo tenga once cortes, la mayoría inferiores a tres minutos. Porque se hace muy corto y te quedas con ganas de más. Pero así son esas pequeñas cosas que hacen que la vida merezca la pena. En cuanto a lo que nos cuentan en sus letras, tenemos el tema universal por excelencia como es el amor romántico en algunas de las baladas. Pero no todo es eso, existe un trasfondo social en muchas de las canciones. Recordemos que son de Minneapolis y este disco está marcado por el asesinato de George Floyd y el movimiento Black Lives Matter. En cuanto a la media crítica, ONE DAY consigue un 82 sobre 100 que se distribuye de la siguiente manera: 80/100 American Songwriter, Mojo, AllMusic y Uncut; 70/100 PopMatters. Nosotros siempre vamos a valorar alto a este tipo de bandas con este tipo de álbumes, solo por la elegancia, la sutileza, esas armonías vocales perfectas... Para nosotros es un claro 90 sobre 100 y si hemos optado por ellos hoy, es porque estamos seguros de que a nuestros lectores les habrá gustado mucho más encontrarse con THE CACTUS BLOSSOMS que con cualquier otra cosa que hubiéramos escrito sobre Beyoncé.
Teníamos grandes expectativas con SURRENDER el segundo álbum de estudio de MAGGIE ROGERS que acaba de editarse. En su momento, apostamos fuerte por ella con su álbum debut Heard In A Past Life (2019) (Nº44 en la lista de los mejores álbumes de su año de producción en Exquisiteces) del que tenemos que añadir a todo lo que ya dijimos, que ese mismo año hizo que MAGGIE ROGERS consiguiera una nominación al Grammy en la categoría de mejor debutante (Best New Artist) en la que también estaban nominados Rosalía, Lizzo, Yola y Black Pumas entre otros, y que acabó ganando Billie Eilish. Y es que MAGGIE ROGERS puede que en España no sea tan conocida como debería, pero su primer álbum certificó el Oro en U.S.A. y tuvo muchísima más repercusión de la que pensamos. SURRENDER se ha convertido en un álbum muy esperado y esas altas expectativas de las que hablábamos se intensifican mucho más cuando leemos sus créditos y nos encontramos colaboraciones de artistas a los que adoramos como Jon Batiste al piano o Clairo y Florence Welch a los coros. El disco está co-producido por la propia Maggie Rogers y los productores Kid Harpoon, con quien co-escribe diez de los doce cortes; Del Water Gap, con quien co-escribe dos de los doce cortes y Gabe Goodman, con quien co-escribe uno de los doce cortes.
Musicalmente SURRENDER continua el camino iniciado con Heard In A Past Life (2019) pero cuando decimos esto no nos referimos a que esté haciendo exactamente lo mismo que hacía antes. No. No es eso. Encontramos una gran evolución y mucha inteligencia emocional en la composición de las nuevas canciones. Este álbum se podría enmarcar en los estilos indie pop y alt pop. Pero contiene elementos de synthpop, electropop, dance, Americana, New wave, folk, soft pop y hasta glam rock. Y jugar con todos esos elementos tan inteligentemente, provoca esa evolución de la que hablamos y casi la convierte en el sello personal de Maggie Rogers. SURRENDER va a dar grandes singles que acabarán siendo hits, tan buenos o mejores que los que dió su álbum anterior. A la crítica, SURRENDER le ha gustado más que su álbum debut, su media es de 79 sobre 100. Ocho puntos más que la de Heard In A Past Life (2019). Se distribuye de la siguiente manera: 90/100 Allmusic; 85/100 Under The Radar; 83/100 Consequence; 80/100 NME, DIY, Clash y Spin; 78/100 Paste; 73/100 Pitchfork; 70/100 Rolling Stone, The Line Of Best Fit; 60/100 The Telegraph y la peor nota, la que ha hecho que el algoritmo de aproximación vaya a la baja es el 40/100 de The Skinny. Sin esa nota podría haber alcanzado perfectamente el 82/100 de media.
Ahora nos toca a nosotros. En primer lugar tenemos que despejar la duda de si el disco está a la altura de esas altas expectativas, si las supera o se queda corto. En lo que a nosotros respecta, está a la altura. Habrá que seguir la carrera comercial de SURRENDER. Porque algo nos dice que este álbum le va a proporcionar una mayor proyección y continuidad en el mundo de la música. Ha venido para quedarse. Habrá que ver también cómo aguanta el tirón de cara a la temporada de premios. Porque es más que probable que le caiga algunas nominaciones al Grammy. Por otro lado, tampoco está inventando nada nuevo más allá de saber mezclar muchos ingredientes con mucha sabiduría y talento. Escuchando Horses y algún que otro tema más como Shatter,no dejamos de pensar en que nos recuerda un poco a los mejores momentos de Alanis Morissette, por ejemplo. Y que no se interprete esto como algo negativo. Es normal que se den esos paracidos y no todo el mundo se dará cuenta. Aunque suene imposible de creer, hay mucha gente que se va a enfrentar a este nuevo álbum de Rogers y no había nacido cuando Jagged Little Pill (1995) arrasóya lo mejor no saben quien es Alanis Morissette. Pero ya estamos los más viejos para recordarlo. También nos sigue recordando a referentes más cercanos en el tiempo como Sara Bareilles, sobre todo en baladas como Beggin For Rain. Nuestra nota para SURRENDER es un 92 sobre 100. En conjunto nos parece mejor álbum que Heard In A Past Life (2019), aunque tiene menos de una semana en la calle y todavía tenemos que hacernos a las nuevas canciones y llegar a sentir por ellas lo mismo que sentimos cada vez que suena Alaska o Light On. Todo se andará...
METRIC es una banda canadiense liderada por Emily Haines que lleva en activo más de veinte años y FORMENTERA es su octavo álbum de estudio. Es imperdonable que en los casi trece años que llevamos en este blog no hayamos hablado antes de esta banda. Algo que prueba una vez más que por mucho que queramos, no se puede abarcar todo. METRIC es una banda adscrita al Indie Pop o Indie Rock aunque además encontramos cierta inspiración en la música de la New Wave con elementos de Synthpop. FORMENTERA es un disco de nueve cortes, aunque Doomscroller, la canción que abre el álbum y ha sido uno de los singles, dura más de diez minutos y en ningún momento tienes la sensación de que sea un álbum de nueve cortes. Doomscroller es como estar paseando por varias estancias con elementos diferenciadores: la estancia de los sintetizadores, la de las guitarras electrizantes, la de la voz sensual de Haines... Solo por este corte que es todo un prodigio compositivo (y un suicidio comercial tal y como están las cosas hoy día), merece la pena acercarse a FORMENTERA. Este álbum se concibió durante la Pandemia y es un claro intento de la banda de no anclarse y recrearse en el pasado e intentar seguir hacia adelante. De hecho, para ellos FORMENTERA no es un disco más. Tal y como se sintieron durante la Pandemia y la presión que supuso el proceso creativo de este álbum, tenían a la Isla de Formentera como un icono que llegó a representar la noción de escapismo mientras grababan el disco. Jimmy Shaw, guitarrista de la banda dijo que "Formentera servía como un momento de liberación".
La media crítica de FORMENTERA es de un 79 sobre 100 que se distribuye de la siguiente manera: 90/100 Allmusic; 85/100 Under The Radar; 80/100 The Telegraph, NME, The Line Of Best Fit, Exclaim! yMusicOMH; 70/100 Pichfork y 60/100 Uncut y Clash. Nosotros lo tenemos muy claro este álbum es un 90 sobre 100. No entendemos muy bien que el algoritmo de aproximación de Metacritic esta vez haya ido a la baja. Realmente, más de un crítico se va a arrepentir de sus valoraciones en cuanto deje reposar este álbum y lo vuelva a escuchar en un tiempo. A nosotros nos parece admirable que una banda tan longeva pueda sacar un disco como FORMENTERA y que sigan sonando con esa frescura y que aporten elementos novedosos o que, al menos, lo intenten. Porque es una banda que tiene su público y podrían haber recurrido a hacer lo que les ha funcionado siempre y han preferido seguir hacia adelante. Se nos ocurre que bandas como Garbage deberían hacer el mismo ejercicio e intentar sonar igual de bien que Metric después de más de veinte años. Es cierto que Garbage tuvo mucho más éxito y reconocimiento que Metric en el momento que ambas bandas coexistieron. Pero aquí gana el que se mantiene en pie hasta al final y en ese sentido, ha ganado Metric. Aunque el reconocimiento les esté llegando un poco tarde. Es algo parecido a lo que comentábamos sobre Spoon cuando escribimos su reseña.
