EL TERCER INTENTO DE MAREN MORRIS.

Teníamos muchas ganas de ver cómo continuaba la carrera de MAREN MORRIS que tuvo un inicio más que prometedor con premios Grammy incluidos y un segundo álbum Girl (2019) que aunque de entrada consiguió muy buenas posiciones en los Charts americanos, a la crítica le gustó un poco menos y tuvo una vida comercial bastante efímera, algo que probablemente ayudó bastante a la hora de que ese mismo año se decidiera a formar parte del existoso supergrupo de Country The Highwomen. El pasado fin de semana se editaba HUMBLE QUEST su tercer álbum de estudio para la Major Columbia. Recordemos que antes de Hero (2016), que se considera su álbum debut, Morris tenía tres álbumes anteriores autoeditados. Así que, en realidad, este sería su sexto álbum. Aunque es un dato que debeis olvidar porque en casi todas las bios y discografías solo dan por buenos sus discos con Columbia a partir de Hero (2016). En esta ocasión MAREN MORRIS vuelve a co-escribir todos los temas con autores como Natalie Hemby, Lori McKenna, Laura Veltz o el propio Greg Kurstin que ejerce de productor del álbum y no es la primera vez que trabaja con la artista. Lo que vamos a encontrar en este nuevo trabajo son once cortes de Country Pop entre los que predominan las baladas. Aparentemente es un disco más sencillo que Girl (2019) y bastante menos ambicioso. Lo que sí que atisbamos es otro enésimo intento de una cantante Country de ir haciendo poco a poco su transición hacia el pop. No nos cansamos de decir que no todas pueden ser Taylor Swift. Aunque siendo muy malvados podríamos decir que HUMBLE QUEST es como un Golden Hour de marca blanca de MAREN MORRIS. Porque en este trabajo está bastante más cerca de Kacey Musgraves que de Taylor Swift.

 

A la crítica HUMBLE QUEST le ha gustado muchísimo más que Girl (2019). Le ha otorgado una media de 81 sobre 100 que se distribuye de la siguiente manera: The Young Folks 90/100; Entertainment 83/100; AllMusic y Pitchfork 80/100 y Rolling Stone 70/100. Estamos hablando de que la media crítica de HUMBLE QUEST está quince puntos por encima de la de Girl (2019), que es una barbaridad. A nosotros el disco nos ha gustado. Pero habíamos generado expectativas más altas con este trabajo a tenor de lo que ha dicho la crítica. Es cierto que Girl (2019) fue demasiado efímero, casi un producto de usar y tirar. Pero tampoco consideramos que fuera malo. Nosotros esperábamos que HUMBLE QUEST no solo fuera mejor que Girl (2019) que efectivamente, lo es. También esperábamos un álbum repleto de singles potenciales que por lo menos tuviesen la misma garra que los de Hero (2016) que, hoy por hoy, sigue siendo su mejor trabajo y lo que nos encontramos son muchas baladas y muchos menos registros que en Hero (2016). Lo bueno de HUMBLE QUEST es que no tiene fecha de caducidad como Girl (2019), pero es como una mezcla "quiero y no puedo" entre Sparrow (2018) de Ashley Monroe y Golden Hour (2018) de Kacey Musgraves. o, al menos, esa ha sido una de nuestras primeras impresiones. En cualquier caso, si a Girl (2019) le dimos un 80/100 y no entró en nuestra lista de los mejores álbumes de su año de producción. HUMBLE QUEST merece una mayor puntuación y no podríamos darle menos de un 85 sobre 100, así como la posibilidad de que pase el corte de los mejores discos del 2022. Porque también tenemos la sensación de que en cuanto lo escuchemos más de las tres veces que lo hemos escuchado para escribir esta reseña, nos reconciliaremos con él y quizás descubramos que nuestras primeras impresiones estaban un poco intoxicadas por las falsas expectativas.

MEDIA DE LA CRÍTICA: 81/100

VALORACIÓN EXQUISITECES: 85/100

PLACEBO VUELVE CON SU MEJOR ÁLBUM.

Una de las grandes sorpresas que nos trae este 2022 es el regreso de PLACEBO (Brian Molko y Stefan Olsdal) con NEVER LET ME GO. Un regreso por la puerta grande si tenemos en cuenta que desde la publicación de Loud Like Love (2013) se habían prodigado muy poco; un álbum recopilatorio y un Ep en el 2016. Pero es que además, es ese disco que todos los seguidores de la banda estábamos esperando. No solamente es el mejor desde Meds (2006) incluso nos atreveríamos a decir que parece la continuación de dos de los álbumes más celebrados por el público de PLACEBO (la crítica fue otro cantar, ambos tienen una media de 65/100) Black Market Music (2000) y Sleeping With Ghost (2003). Como podréis imaginar tampoco es que existan grandes cambios con respecto a lo que suelen hacer, los sintetizadores son una parte fundamental de este álbum. Pero el carisma de Brian Molko y la calidez de su voz que suena más madura que nunca, siempre han contrarrestado toda la frialdad de la parte electrónica, más que contrarrestarla casi siempre su humanidad ha estado muy por encima de las máquinas. ¿Cuantas bandas que usen sintetizadores suenan lo suficientemente verdaderas como para que puedan llegar a emocionarnos? Muy pocas. PLACEBO es una de ellas. Y no es que reneguemos de los sintetizadores y la parte electrónica. Es el sello más reconocible de la banda. Pero siempre ha sido mucho más que una banda de Synthpop al uso, por muchos motivos, empezando por la profundidad de sus letras de las que han bebido muchas bandas de dream pop posteriores. Las canciones de NEVER LET ME GO y toda su atmósfera son muy inquietantes, otro patrón que se repite en los dos discos citados anteriormente. Pero como decimos siempre, probablemente NEVER LET ME GO es incluso mejor disco. De hecho, se presenta como una versión corregida, ampliada y muy evolucionada de aquellos álbumes dorados. Pero siempre el público valorará mejor esos álbumes del pasado, solo por haber sido producidos antes, porque el contexto en el que nacieron les fue muy favorable y porque han conseguido un lugar privilegiado en su memoria sentimental. Una banda veterana como PLACEBO, con un álbum nuevo después de siete años, en el contexto del 2022 y la manera en la que se consume la música hoy día, lo tiene muy complicado para competir con ellos mismos y su pasado, aunque lo que estén ofreciendo en el presente sea el mejor trabajo de su discografía.

 

Como adelantamos antes, la crítica nunca ha sido muy generosa con PLACEBO. Ninguno de sus discos anteriores alcanzan el 70/100. Cosa que no ha ocurrido con NEVER LET ME GO que se convierte en el disco mejor valorado por la crítica de toda la discografía de la banda con un 83 sobre 100 siempre según Metacritic. A pesar de que haya habido unanimidad en el 80/100 por parte de la inmensa mayoría de los medios: MusicOHM, The Telegraph, NME, The Independent, Classic Rock, AllMusic o DIY. Solamente Clash se ha diferenciado del resto otorgándole un 70/100. Lamentablemente que sea el trabajo mejor valorado de la banda no va a cambiar nada, es muy probable que no gane nuevos adeptos. Hoy día te enteras de que algunos discos existen si estás pendiente de los lanzamientos (demasiados cada semana). Si no, es muy fácil que pasen desapercibidos y teniendo en cuenta que en las Redes Sociales existe una tendencia a hablar solo de lo que está de moda o en alza. Todas estas bandas veteranas solo cuentan con el apoyo de su fandom habitual. Una lástima, porque les ha quedado un auténtico discazo. Hacía mucho tiempo que no disfrutábamos tanto con un álbum de PLACEBO. Para nosotros no merece menos de un 90 sobre 100 y también nos parece su mejor álbum con mucha diferencia.

 

MEDIA DE LA CRÍTICA: 83/100

VALORACIÓN EXQUISITECES: 90/100

EL REGRESO DE ALDOUS HARDING.

 

Hoy mismo se pone a la venta WARM CHRIS, el cuarto álbum de estudio de ALDOUS HARDING. Hace una hora escasa que se lanzó al aire y lo estamos escuchando para escribir esta reseña. Para nosotros las expectativas estaban altísimas después de esa pequeña obra maestra que fue Designer (2019). De entrada, WARM CHRIS no es un disco fácil. Vas a necesitar un par de escuchas para ubicarte y procesarlo y a priori podría haberse parecido más a los anteriores porque es el mismo equipo, el tándem formado por Harding y el productor John Parish. En el primer corte ya comienzan ciertas disarmonías y las comparaciones con sus dos discos anteriores surgen pocas canciones más tarde La primera conclusión a la que llegamos es que ALDOUS HARDING es humana. Si nos hubiese traído un disco como el anterior, sería prácticamente de otro planeta. Lamentamos decir que WARM CHRIS es su peor disco. Pero eso no significa que sea un disco malo, ni siquiera fallido. Significa que los dos anteriores eran jodidamente buenos. Sus dos adelantos, Fever y Lawn destacan del resto del disco porque son dos de los cortes más accesibles para el oyente medio y donde encontramos a la Aldous Harding más reconocible. Para ser justos en WARM CHRIS existe una preocupación por evolucionar, por hacer algo distinto y para empezar, la arquitectura compositiva es un tanto más compleja que la de sus trabajos anteriores que en algunas ocasiones brillaban por su minimalismo. En comparación, la construcción musical y cómo combina los instrumentos en algunos cortes podría parecer hasta enrevesada. De lo que sí que estamos seguros es que es de esos discos que necesitas escuchar varias veces y al principio esos desencuentros musicales y disarmonías que de entrada no te gustan nada, te acaban enganchando y terminan convirtiéndose en lo que más te gusta del disco.

 

Las críticas están siendo favorables y su media ha sido de 81 sobre 100, siete puntos menos que la de Designer (2019) y un punto menos que la de Party (2017). Excepto el 90/100 de Clash, que es la nota más alta, el resto de los medios (Mojo, Uncut DIY, NME...) han optado por las cuatro estrellas 80/100 casi unánimemente. La nota discordante la pone PopMatters con un 60/100. Nosotros a Designer (2019) le dimos el 100/100. Lamentamos decir que para WARM CHRIS no tenemos esa misma nota. Somos muy conscientes de que es un disco que nos va a gustar mucho más, cuanto más lo escuchemos y puede que nuestra puntuación tenga un margen amplio de aquí a Diciembre. Pero si valoramos las sensaciones que nos ha producido y lo comparamos con el álbum del que vino, sería injusto darle más de un 85 sobre 100.

 

MEDIA DE LA CRÍTICA: 81/100

VALORACIÓN EXQUISITECES: 85/100

JANA HORN: ACORDES Y SUSURROS.

 

Hoy os traemos el álbum debut de la cantautora tejana JANA HORN titulado OPTIMISM. Para que os hagáis una idea de la intimidad que subyace en este trabajo, Horn lo compuso, lo produjo y lo autoeditó para ella misma, sus amigos y familiares en el 2020 y ha sido justo ahora cuando ha visto la luz gracias a No Quarter un modesto sello de Philadelphia. JANA HORN nos trae una colección de canciones de folk muy delicado, prácticamente minimalista, en el que la guitarra acústica y la voz tienen un papel muy importante y luchando contra algunos convencionalismos musicales. Horn declaró que "había aprendido a hacer las paces con la fealdad y la imperfección en la música" y nos cuesta llamar imperfecta a cualquiera de sus canciones. Porque la perfección o la falta de ella a veces pueden ser muy subjetivas. Pero dejémoslo en que no tiene ningún miedo a los sonidos poco armónicos (Friends Again). En cuanto a la temática de sus canciones, están muy marcadas por lo que es ella misma. Para empezar, reconoce que la religión tiene un papel importante en su pueblo natal (que ha sido descrito como la América Profunda) y que está presente en su educación, su personalidad y en su música. Para que la ubiquéis un poco a nosotros nos ha recorado a la Laura Marling de sus primeros trabajos, a pesar de que Marling es británica y tiene un bagaje cultural y artístico diferente. El nombre de Joni Mitchell también vuelve a aparecer como otra de sus influencias. Pero ya casi nos parece una obviedad nombrar a la Mitchell como influencia, porque es la cantautora más influyente del Siglo XX y el 90% de mujeres de las que hablamos aquí, han mamado su música. Luego tiene ese punto indie que recuerda un poco a Yo La Tengo. Aunque nosotros le vemos también algo de Michelle Shocked o incluso de nuestra querida Suzanne Vega.

La media crítica de OPTIMISM es de 81 sobre 100 según Metacritic y se distribuye de la siguiente manera: Mojo y Uncut 80/100; Pitchfork 75/100 y No Ripcord 70/100. Aunque nosotros lo vamos a puntuar un poco más alto que todos estos medios, consideramos que han sido justos con las valoraciones porque la gracia de este trabajo es precisamente esa imperfección de la que hablábamos. Es un trabajo que fluye con naturalidad, es un diamante en bruto en el que no han metido la mano veinte productores distintos. Es un álbum muy revelador en ese sentido y, desde luego, Jana Horn tiene algo que la hace especial porque somos muy conscientes de que debe haber un montón de maquetas de cantautoras como ella y con material muy similar en los cajones de las discográficas americanas. OPTIMISM es un disco que te arropa y te envuelve con su delicadeza y no se merece menos de un 85 sobre 100 que no está nada mal. Pero no podríamos darle más nota porque tenemos la sensación de que Jana Horn está en el buen camino. Pero lo mejor de ella está todavía por llegar.

 

MEDIA DE LA CRÍTICA: 81/100

VALORACIÓN EXQUISITECES: 85/100

NUNCA MÁS NOS OLVIDAREMOS DE BESS ATWELL.

Hoy vamos a escribir una de esas entradas parecidas a las que escribíamos en nuestro primer año de existencia en las que reseñábamos discografías completas y lo hacemos para enmendar un error que hemos cometido. Lo hemos comentado muchas veces, que por mucho que escuchemos la cantidad máxima de discos que se producen en un año, siempre habrá alguno que se nos pase, porque es prácticamente imposible abarcarlo todo, por mucho que nos esforcemos, y que conste que además recibimos mucha ayuda externa para que no se nos pase ningún disco. De hecho, no es la primera vez que nos ha ocurrido. Pero en otras ocasiones no ha pasado absolutamente nada, porque esos discos no estaban a la altura y daba igual que nos olvidásemos de ellos. Pero cuando se trata de un disco tan sumamente bueno como ALREADY ALWAYS de BESS ATWELL que se publicó en Septiembre del 2021. Tenemos que hacer algo para arreglarlo. 

Mejor contemos todo lo que sabemos sobre BESS ATWELL desde el principio.

BESS ATWELL es una intérprete y compositora británica originaria de Brighton, aunque en su biografía insisten mucho en que se crió en la campiña británica rodeada de un entorno que fomentaba su creatividad musical. En el 2015 ya andaba de festival en festival con su banda y había cambiado su nombre original Bess Hildick-Smith por el de BESS ATWELL y en el 2016 llegaría su álbum debut titulado Hold Your Mind. Entre las influencias confesables, Atwell se fija mucho en Lucy Dacus y muchas otras cantautoras contemporáneas. Su álbum debut pronto llegaría a las listas de reproducción de BBC radio One/Two adquiriendo cierto prestigio que haría posible que siguiese cogiendo tablas en más festivales de la escena musical británica, pronto asumiría su destino de ser independiente musicalmente. Entre este álbum y ALREADY ALWAYS publicó un Ep titulado Grace (2018). Hold Your Mind es un álbum muy prometedor con el que se podía vaticinar lo que ha sido ALREADY ALWAYS. Q Magazine le otorgó tres estrellas 60/100. Para nosotros es un 80/100. Pero es una puntuación que le damos en el contexto de 2022 cuando ya hemos escuchado antes ALREADY ALWAYS. Seguramente en 2016 le habríamos dado mucha más nota. Pero también se nos pasó entonces.

ALREADY ALWAYS.

Quizás podríamos repescar este disco del 2021 para nuestra lista del 2022 porque el Vinilo aún no se ha editado y según tenemos entendido, está al caer este año. De momento, está disponible en CD, en descarga digital y en Streaming. Lo repescaremos dependiendo de las visitas que reciba la entrada y los comentarios que opinen al respecto. Porque este año ha vuelto a ocurrir lo mismo que el año pasado cuando nos sorprendíamos con la repercusión que tuvo en nuestro blog la reseña del disco de Madi Díaz. En estos momentos, nuestra entrada más buscada y vista pertenece a una artista desconocida en España. Tanto, que apenas hay cosas escritas sobre ella en Castellano. Nos referimos a Erin Rae. Y algo nos hace pensar que esta entrada de Bess Atwell va a conseguir la misma suerte. Porque Atwell también pertenece a esa nueva corriente de cantautoras muy realistas, como Madi Díaz o Erin Rae. Si eso ocurre, entonces, sí que habremos enmendado nuestro error y, cómo decíamos al principio, consideraremos esa repesca.

 

ALREADY ALWAYS es absolutamente maravilloso. Es honesto, rezuma mucha verdad y la evolución con respecto a su álbum debut es abismal. En esta ocasión sí que notamos esa influencia no solo de Lucy Dacus, también podríamos hablar de Phoebe Bridgers y el registro vocal de Atwell es de una pureza abrumadora. Solamente un medio crítico, The Independent, le puso nota a ALREADY ALWAYS y fue un 100 sobre 100 y es exactamente la misma nota que tenemos nosotros para este álbum: otro 100 sobre 100. Porque no hemos montado todo esto para nada. Hasta hemos reconocido públicamente que hemos metido la pata. Os aseguramos que la mayoría de esos medios importantes la suelen meter más que nosotros y nunca lo reconocen. Esperamos haberlo arreglado.

 

VALORACIÓN EXQUISITECES: 100/100

MEDIA CRÍTICA: 100/100

REIVINDICANDO A SPOON.

El mes pasado se publicó LUCIFER ON THE SOFA el últimos trabajo de SPOON, una banda indie de rock de Austin (Texas) que lleva en activo desde 1996 y podemos decir que, hoy por hoy, debe ser la única banda de Rock de la segunda mitad de los noventa que cumple al 100% no solo con lo que se espera de ella, también nos suele sorprender con discazos como este. No es la primera vez que hablamos de ellos, la última vez fue cuando incluimos el brillante They Want My Soul (2014) en nuestra lista de los mejores álbumes de su año de producción. Es curioso como el tiempo pone a cada cosa y persona en su lugar. Porque si os pedimos que citéis bandas de rock de los noventa, seguramente pensaréis en muchas otras antes que Spoon. Lo normal es irse a 1991 y empezar hablando de Nirvana o Pearl Jam que hicieron posible que otras bandas de mediados o finales de los ochenta emergiesen, tal y como Red Hot Chili Peppers, Soundgarden o The Offspring. En esa primera mitad de la década disfrutamos también de bandas como Live o Stone Temple Pilots por citar algunas de las más populares. Hasta ahora, todos esos nombres estarían en vuestra lista antes que Spoon. ¿Verdad? Pero si nos vamos al año en que aparece el primer disco de Spoon Telephono (1996) y os pedimos que sigais con la lista, pero ahora con bandas de la segunda mitad de los noventa, es probable que el nombre de Spoon siga sin aparecer y recordéis antes a Creed o Nickelback, que consiguieron grandes éxitos en aquella época. Incluso los más despistados enlazarán estas bandas con otras posteriores y se irán a la siguiente década (y siglo) y mencionarán antes que Spoon a Linkin Park o incluso a Kings Of Leon. Pues bien, la mayoría de las bandas que hemos citado, o ya no existen, o subsisten con álbumes alimenticios. Spoon ha resistido el paso del tiempo, evolucionando y mejorando hasta convertirse en la mejor banda de rock del presente. La prueba es un álbum como LUCIFER ON THE SOFA.

La crítica se ha rendido a los pies de SPOON y aunque realmente no tienen ningún disco malo y la mayoría de ellos no bajan de las cuatro estrellas. LUCIFER ON THE SOFA ha conseguido la segunda mejor media crítica de su discografía. La primera, fue un 88/100 y la consiguieron con Kill The Moonlight (2002). Para algunos medios como The Independent y The Guardian LUCIFER ON THE SOFA es un 100/100 y por lo tanto, uno de los mejores álbumes de lo que llevamos de año. Pero la cosa no queda ahí. Es 91/100 para Entertainment y AV Club y 90/100 para Rolling Stone. Luego pasaríamos a la horquilla de los 80/100 (AllMusic, Paste, Uncut, Mojo...) para llegar a la nota más baja que proviene de Slant con un 50/100. Afortunadamente, esa nota baja es un caso aislado y poco o nada lnfluye en una media que alcanza el 85 sobre 100 que está francamente bien. Ahora toca justificar nuestra nota... LUCIFER ON THE SOFA es un disco de rock indie que a pesar de seguir todos los parámetros de un disco de rock indie, suena todo lo novedoso que puede llegar a sonar. Realmente en este género ya está todo inventado, es una idiotez supina cargarse un disco de rock indie solamente "porque no sea novedoso". Pero no es el caso. Además es totalmente atemporal y todo en este disco es impecable, especialmente la producción de Mark Rankin y conserva cierta frescura que ya quisieran muchas bandas nuevas. Os recordamos que estos tíos llevan tres décadas en pie. LUCIFER ON THE SOFA es ante todo el resultado de un trabajo muy bien hecho. Así que no vamos a dar más rodeos, ni andarnos con tonterías. Nos complace mucho anunciar que LUCIFER ON THE SOFA es nuestro segundo 100 sobre 100 del año. Gracias a álbumes como este va a ser cierta la manida frase: "los viejos rockeros nunca mueren". Frase a la que últimamente -y teniendo en cuenta nuestra introducción- no le encontrábamos demasiado sentido.

 

MEDIA DE LA CRÍTICA: 85/100

VALORACIÓN EXQUISITECES: 100/100

EL MEJOR ÁLBUM DE ANDY BELL.

Hoy vamos a hablar de ANDY BELL. Muchos de vosotros lo conoceréis porque lleva toda la vida en el negocio de la música. Es guitarrista, compositor, cantante, productor y Dj y ha pasado por bandas como Ride, Hurricane #1, Beady Eye y sobre todo Oasis. Recientemente ha publicado FLICKER, su tercer álbum en solitario y el mejor de los tres álbumes que tiene publicados hasta la fecha, (también en solitario). En él vamos a encontrar nada menos que dieciocho cortes en una grabación que dura una hora y dieciséis minutos. Eso, de entrada es nadar contracorriente. Ya hay voces que dicen que son demasiados cortes y algunos de más de seis minutos, otro suicidio comercial. Porque ya nadie recuerda los cortes de hasta diez minutos de las gloriosas bandas de los 70 (Led Zeppelin, Pink Floyd...). Ahora no se conciben canciones tan largas, en un mundo que solo se necesitan quince segundos de canción para promocionarla con un Trend de Tik Tok. FLICKER está compuesto y producido por Bell y es un estandarte del Britpop aunque lo que mejor funciona de este trabajo es cuando se adentra en los vericuetos del mejor Dream Pop que hemos escuchado en mucho tiempo. Aunque como podréis imaginar con tantos cortes, toca bastantes palos dentro del pop-rock. Además, nos encontramos algo de Noise pop, Rock Tradicional británico o Indie Pop-Rock.

 

¿Nosotros hubiesemos cribado los dieciocho temas para ofrecer una versión más corta y redonda de FLICKER? Pues quizás no. No hay mucho que cribar. El primer corte es una canción que más que una canción es una intro demasiado larga, y existe otro corte de características similares más o menos a la mitad del álbum a modo de interludio. Nosotros no somos muy partidarios de este tipo de canciones. Sobre todo cuando te meten tres en un disco de diez. En uno de dieciocho nos da un poco igual. Luego, uno de los cortes de más de seis minutos se eterniza un poco en una primera escucha. Pero a la segunda se cohesiona muy bien con el resto del álbum. Así que no. Definitivamente, no reduciríamos este trabajo por mucho que digan los críticos Millennials que debería ser más corto. 

No obstante, la crítica en general está contenta con este trabajo. The Art Desk considera que es de lo mejor del año con un 100/100. Allmusic le otorga un 90/100 y PopMatters, Uncut y Mojo un 80/100. Para concluir con la que es su peor nota, el 50/100 de Classic Rock. El resultado es una media de 84 sobre 100. Nosotros que ya tenemos una edad, echábamos de menos este tipo de trabajos hechos un poco a la antigua usanza, con respecto a lo que comentábamos antes, todo es mucho más artístico que comercial. Es que no hay concesiones a la comercialidad y eso es tan raro en estos tiempos que corren, que casi convierte a FLICKER en una pieza de museo. Y luego todos esos cortes de Dream Pop que comentábamos antes, tienen un nivel tan alto que harían palidecer a otras bandas abanderadas del género. En definitiva, que no podemos darle menos de un 90 sobre 100 con tendencia a ser un 95 o un 100, porque todavía se puede convertir en uno de nuestros discos de cabecera de aquí a Diciembre.

 

MEDIA DE LA CRÍTICA: 84/100

VALORACIÓN EXQUISITECES: 90/100

REX ORANGE COUNTY Y SU ÁLBUM MÁS POSITIVO.

El pasado viernes se editaba WHO CARES? lo nuevo de Alexander O`connor, más conocido como REX ORANGE COUNTY, después de su exitoso álbum Pony (2019). Un álbum que esperábamos con cierta curiosidad porque nos parece un artista muy interesante y revolucionario en cierto sentido. Después de escucharlo, creemos que toda esa revolución quedó patente en Pony (2019) y este trabajo vive un poco de las rentas y continúa con la hoja de ruta que se marcó con aquel trabajo. Aunque este es un disco más positivo. O'Connor se ahorra el cinismo que destilaba en las letras de sus primeros álbumes, que por otro lado, era algo que nos gustaba mucho de él. Lo mejor de WHO CARES? es que no sobra ninguno de los once cortes del disco, no hay canciones de relleno, todas y cada una de ellas son buenas canciones. Incluso encontramos canciones ocultas en el álbum que son mejores que las que se han conocido como adelantos. Su fórmula consiste en mezclar elementos de pop, Jazz, R&B y Soul consiguiendo que todo fluya, dándole naturalidad a los sonidos más orgánicos. En el corte titulado Open A Window ha contado con la colaboración del rapero Tyler The Creator y ha quedado bastante logrado, no es la típica colaboración en la que el rap está metido con calzador. Por cierto, nos reafirmamos con lo de que Alexander O'connor se perfila como la versión renovada y más moderna de Jamie Cullum.

 

Definitivamente, a los chicos de The Guardian no les gusta REX ORANGE COUNTY, si puntuaron Pony (2019) con un 60/100 a WHO CARES? lo han fulminado con un 40/100. Su nota más baja. Los demás medios han optado por el 80/100 casi de manera unánime (NME, The Line Of Best Fit y AllMusic) y luego tenemos los 70/100 de Clash y DIY y la otra nota que ha conseguido bajarle la media; el 60/100 de The Independent. Así WHO CARES? termina con una injusta media de 71 sobre 100. Cinco puntos por debajo de Pony (2019). A nosotros WHO CARES? nos ha convencido y no podemos darle menos del 85 sobre 100 porque es un disco en el que todo fluye de manera natural a pesar de jugar con ciertos artificios y parece mucho más sencillo de lo que es en realidad y sobre todo porque es un disco muy oportuno. Ahora mismo necesitamos estas canciones que nos hacen pensar en positivo, valorar la vida y lo privilegiados que somos. Todo se podría terminar en un instante, basta con que algún psicópata pulse un botón rojo o libere unos cuantos virus de laboratorio.

 

MEDIA DE LA CRÍTICA: 71/100

VALORACIÓN EXQUISITECES: 85/100

EL REGRESO DE BAND OF HORSES.

 

No hablábamos de BAND OF HORSES desde el verano de 2016 cuando nos trajeron su último álbum hasta esa fecha Why Are You Ok (2016). La semana pasada editaron THINGS ARE GREAT, su sexto álbum de estudio. Y es curioso cómo algunas cosas nunca cambian por muchos años que pasen. Porque nos da la impresión de que un sector de la crítica esperaba algo distinto a lo que suelen hacer después de seis años de ausencia. Pero la banda de Ben Bridwell sigue fiel a su estilo. THINGS ARE GREAT estaba producido inicialmente por Jason Lytle que produjo también Why Are You Ok (2016) y por Dave Friedman. Aunque finalmente viene firmado por el propio Ben Bridwell y Wolfgang Zimmerman que rehicieron de nuevo la producción del disco. El resultado es un álbum de americana muy en la línea de las bandas de rock legendarias de los 70 y desde luego no es un mal disco, es bastante mejor de la media de lo que nos tienen acostumbrados. Aunque quizás el 2022 no sea el mejor contexto para un álbum como este y hubiera sido mucho mejor recibido y valorado hace tres años, a pesar de que lo que Band Of Horses nos está ofreciendo es intemporal. No obstante, si eres amante de esta banda, este trabajo no debe faltar en tu discografía y lo disfrutarás mucho. Y si no los conoces, es un álbum ideal para adentrarse en su mundo y escuchar todos sus anteriores trabajos.

Lo vamos a decir, consideramos que la crítica siempre ha infravalorado muchísimo a esta banda. La mayoría de trabajos suyos que consideramos buenos o muy buenos: Infinite Arms (2010), Mirage Rock (2012) o Why Are You Ok (2016) poseen una media crítica que en ningún caso llega al 70 sobre 100. Parece ser que esta vez no ha ocurrido lo mismo con THINGS ARE GREAT que se ha saldado con una media de 78 sobre 100 que para nosotros sigue siendo igual de injusta, pero teniendo en cuenta lo que os comentábamos del contexto, podría haber sido mucho peor. AllMusic, The Line Of Best Fit, Mojo o Uncut entre otros, le han otorgado las cuatro estrellas (80/100) siendo un 60/100 la nota más baja por parte de PopMatters. Para nosotros es un claro 85 sobre 100. Si bien es cierto que no nos presentan nada novedoso. Pero no importa, todos los cortes funcionan con una eficacia que solamente la da la veteranía y el oficio. Lástima que esas dos cosas coticen a la baja últimamente y no se valoren lo suficiente. Nosotros sí que lo valoramos.

VALORACIÓN EXQUISITECES: 85/100

MEDIA DE LA CRÍTICA: 78/100

UNA ADICCIÓN LLAMADA NILÜFER YANIA.

 

Hace tres años NILÜFER YANIA nos sorprendía a todos con Miss Universe (2019) y nosotros la describimos como una mezcla entre Dua Lipa y Sade y pronosticamos que llegaría a ser tan conocida como ellas. Una vez más, hemos vuelto a fallar con nuestros vaticinios. Aunque para ser justos, tampoco dijimos exactamente cuando ocurriría y si ocurre, parece que va a ser a largo plazo. El caso es que los graves de Yania acompañados de esas guitarras electrizantes y esos ritmos que son también una marca personal, son de los más adictivos y no nos explicamos como no hay uno de sus discos en cada casa. Pero todo llegará. Este fin de semana se editó PAINLESS, su tercer álbum de estudio. Aunque vais a leer en todos los medios que es su segundo trabajo, en realidad es el tercero. El año pasado editó un álbum titulado Inside Out (2021) disponible solamente en Streaming y en Vinilo. Un álbum que pasó completamente desapercibido y al que imaginamos que seguramente se le dió el tratamiento de Ep por tener solamente siete cortes, aunque consta como álbum en todas las fichas que hemos consultado (En algunas, como en la de Metacritic, ni aparece). En cualquier caso, es muy curioso que casi no nos enterásemos de su existencia y sin embargo hoy, muchísimos medios han reseñado PAINLESS como uno de los lanzamientos más interesantes de esta semana. PAINLESS nos habla de la vulnerabilidad que todos tenemos y como nos herimos a nosotros mismos a veces. En esta ocasión Yania ha contado con las colaboraciones de Wilma Archer, Jazzi Bobbi, Bullion y Andrew Sarlo.

En cuanto a la crítica, PAINLESS tiene una media de 82 sobre 100 unos tres puntos menos que Miss Universe (2019). La valoración más alta obtenida viene de AV Club con un 91 sobre 100, para continuar con un 85/100 de Under The Radar, un 84/100 de Pitchfork, un 80/100 de The Guardian, DIY, Exclaim!, The Line Of Best Fit, Uncut, Clash y The Independent, para terminar con un 60/100 como nota más baja de NME y MusicOHM. 

Cuando conocimos a NILÜFER YANIA nos pareció una intérprete con muchísima personalidad, lo que ella hace no lo hace nadie, y a este nuevo trabajo a priori no le hubiéramos exigido mucho más. Nos habríamos conformado con que conservase su esencia. Pero tenemos que decir que este disco es oro puro. Sus canciones tienen una calidad excelente. Es cierto que cuando escuchas a Yania primero debes ubicarte con su rango bajo de voz y te llama la atención porque no es una cantante convencional, pero a la segunda escucha ya te ha atrapado por completo y acabas consumiendo sus canciones en bucle y cada vez te gustan más porque aprecias diferentes matices y lees entre líneas. Nosotros puntuamos Miss Universe (2019) con un 90 sobre 100 y mantenemos esa puntuación para PAINLESS. Por cierto, ese segundo disco maldito y ninguneado también es igual de bueno.

MEDIA DE LA CRÍTICA: 82/100

VALORACIÓN EXQUISITECES: 90/100

LAS BATALLAS DE AMOS LEE.

AMOS LEE siempre ha sido uno de nuestros artistas de cabecera y siempre hemos dado prioridad a sus discos cada vez que se han editado, prácticamente hemos reseñado toda su discografía. Lo poddéis comprobar si tiráis de nuestro archivo pinchando en la etiqueta con su nombre. Recientemente ha publicado su octavo álbum de estudio titulado DREAMLAND después de cuatro años de su anterior trabajo My New Moon (2018). Recuerdo que entonces dijimos que si aquel disco no funcionaba, probablemente tendría serios problemas para sacar adelante futuros proyectos. Afortunadamente, a pesar de la discreción de My New Moon (2018), su sello discográfico ha seguido confiando en su talento y, de momento, no corre ese peligro. En gran medida, porque es un hombre. Si fuera una mujer y hubiese obtenido los mismos resultados que consiguió con su último trabajo, no os quepa la menor duda de que ahora mismo estaría sin sello discográfico y haciendo Crowdfunding. 

En esta ocasión, AMOS LEE nos trae probablemente el disco más personal de su carrera. Lee nos muestra sus cicatrices y se abre en canal en cada corte. Pero muy lejos de la autocomplacencia, las letras son muy reconfortantes, en un disco muy oportuno en estos momentos que estamos viviendo una guerra en Europa. Una de las cosas que nos enseña es que si fuéramos más empáticos, dormiríamos todos mejor por las noches.  Lee esta vez viene acompañado de Jennifer Decliveo (co-escritora de algunas de las canciones) y Christian "Leggy" Langdon multiinstrumentista, programador, ingeniero de sonido y mezclas, además de productor de este álbum. Y tenemos que decir algo de la producción que juega con algunos elementos que no habíamos encontrado antes en la discografía de Lee como algunas texturas de sintetizador (See The Light), que más tarde diremos lo que opinamos de ellas y de su productor. Aunque también encontramos viejas fórmulas que siempre le han funcionado bien (y a las que nunca debería renunciar) como coros de gospel o guitarras acústicas. También nos regala su mejor registro vocal en Into The Clearing. Probablemente la mejor canción del disco y una de las mejores de toda su carrera. Hasta incluso tiene un momento para jugar a ser Bruno Mars (Shoulda Known Better).

En cuanto a la crítica, parece que el ninguneo persiste y solamente disponemos de dos notas: 80 sobre 100 de American Songwriter y 70 sobre 100 de AllMusic y podríamos establecer la media en un 80 sobre 100 si tenemos en cuenta la cantidad de blogs importantes que le han otorgado cuatro estrellas al disco. A nosotros, de entrada, no es el álbum que más nos ha gustado de su discografía, tiene momentos realmente brillantes, pero esas programaciones de ritmos R&B enlatados, esas texturas de sintetizador que comentábamos antes, nos han chirriado mucho. Nos recuerdan a esas producciones recargadas de los 90 que le hacían a Michael Bolton o a Barbra Streisand. Realmente, pensamos que ese productor tan reputado que ha elegido (que si llega a pasarse solo un poco más con esos sonidos se carga su carrera), debería de trabajar solamente con gente como Celine Dion. Porque a sus fans esos sonidos no les va a parecer tan chirriantes como al resto. También nos recuerda mucho a los productores que consiguieron que el último disco de Ben Platt fuera un auténtico descalabro. Afortunadamente para nosotros, esos sonidos se dan en momentos muy puntuales del disco. Pero también están presentes en Worry No More, el single adelanto del disco, que no nos ha gustado y, sinceramente, con ese single de presentación y acostumbrados a lo que hacía antes (No os perdáis la playlist que encontraréis más abajo), hemos de confesar que teníamos la escopeta cargada y los puñales levantados a la hora de enfrentarnos al álbum completo. Mirando el lado positivo, lo que mejor funciona son las canciones más acústicas y en ese sentido, no nos extrañaría que volviese a editar el disco en un concierto unpluged. Seguramente todas estas canciones sonarán mucho mejor en sus conciertos desprovistas de artificios. Aún así, nuestra nota es un 85 sobre 100 porque la parte lírica del álbum es de lo más honesta y enriquecedora.

VALORACIÓN EXQUISITECES: 85/100

MEDIA DE LA CRÍTICA: 80/100

Cómo AMOS LEE es un artista que nos gusta, hemos confeccionado la Playlist, de nuestra serie de artistas y bandas que nos gustan, que hemos titulado AMOS LEE EN 42 CANCIONES.

Para acceder directamente en Spotify pinchar AQUÍ.

THE WEATHER STATION: LAS BALADAS MÁS INTIMISTAS.

 

Sinceramente, no esperábamos un nuevo álbum de THE WEATHER STATION tan pronto, especialmente cuando a Ignorance (2021), el mejor álbum del año pasado para este blog y otros muchos medios especializados, le queda todavía algo de vida y que el boca-oreja siguiera haciendo su trabajo. Porque es uno de esos discos a los que se suele llegar cuando te lo recomienda alguien de confianza. HOW IS IT THAT I SHOULD LOOK AT THE STARS es este nuevo trabajo y aunque sabemos que se compuso al mismo tiempo que Ignorance (2021) y sus creadores han cometido el error de hacerle una portada similar, nos gustaría dejar muy claro que no se trata de los descartes del aclamado álbum del año pasado. HOW IS IT THAT I SHOULD LOOK AT THE STARS es un álbum completamente diferente a Ignorance (2021) y posee una identidad propia. Para comenzar las canciones de Ignorance (2021) tenían muchas capas y resultó ser el disco más pop de la carrera de Lindeman. En este trabajo no hay capas, hay pura desnudez. Son diez cortes de baladas tenues y quietas, con el piano como instrumento principal, de una sutileza y una belleza que suponen un nuevo registro para Tamara Lindeman que se consolida como una de las intérpretes y compositoras más interesantes de su generación. Por cierto, como advertimos en nuestro post anterior, cuando hemos recavado información adicional a la escucha del álbum para confeccionar esta entrada, nos hemos fijado que ya nadie llama "Proyecto Musical de Tamara Lindeman" a THE WEATHER STATION. Por fin lo empiezan a llamar banda. Hace mucho tiempo que se lo había ganado.

 

Con respecto a la crítica aunque aún es pronto porque ha salido hoy y solamente se han pronunciado seis medios, tiene toda la pinta que va a acabar revalidando el resultado de Ignorance (2021) que consiguió un 89 sobre 100 basado en diecinueve reseñas, siempre según Metacritic. Para tener solamente seis reseñas escritas, de momento, ha obtenido un 88 sobre 100 de media y algunos medios como Uncut han considerado que es un 100 sobre 100. La nota más baja son las tres estrellas (60 sobre 100) de American Songwriter que dieron una valoración similar a Ignorance (2021) así que la tendencia es que los medios revaliden sus puntuaciones del año pasado o emitan puntuaciones similares con un margen de pocos puntos arriba o abajo. Nosotros puntuamos a Ignorance (2021) con un 100 sobre 100 y no nos importaría darle otra vez otro 100 sobre 100 a HOW IS IT THAT I SHOULD LOOK AT THE STARS, incluso es uno de esos álbumes en los que menos es más y tanto nos gustan y casi que se adecúa más a nuestra línea editorial que Ignorance (2021). Pero creemos que compositivamente Ignorance (2021) es un álbum más inteligente y todas esas capas de las que hablábamos y todos sus sonidos están muy pensados y el resultado ha sido absolutamente maravilloso, este nuevo álbum es más emocional y fluído. Pero nos parece mejor álbum Ignorance (2021) por muy poco. No vamos a ser más originales que los otros medios, no le damos el 100 sobre 100 pero le damos un 98 sobre 100 que es casi lo mismo. No obstante, es también lo mejor que hemos escuchado en lo que llevamos de año después de Lighten Up de  Erin Rae.

 

MEDIA DE LA CRÍTICA: 88/100

VALORACIÓN EXQUISITECES: 98/100

EL ASCENSO IMPARABLE DE BIG THIEF.

 

BIG THIEF se ha acabado convirtiendo en una de las bandas más importantes, si no la más importante, del panorama indie. Desde su álbum debut Masterpiece (2016) hasta el presente con DRAGON NEW WARM MOUNTAIN I BELIEVE IN YOU (2022) solo han pasado seis años. Pero la evolución de la banda de Adrianne Lenker es enorme y no se puede decir que tengan un disco menor, cada disco editado es mejor que el anterior y eso también incluye los discos de Lenker en solitario. Tenemos que recordar también que es una banda muy prolífica. En 2019 sacaron nada menos que dos álbumes, Lenker sacó otros dos en solitario en el 2020 y este nuevo trabajo concebido como un álbum doble posee nada menos que veinte cortes. El álbum está producido por el batería de la banda, James Krivchenia y se planteó como un viaje al Norte del Estado de Nueva York, el cañón Topanga en California, el desierto de Sonora en Arizona y las montañas de Colorado. Grabarían en cuatro estudios diferentes con cuatro ingenieros separados, e irían a cada lugar con un plan sonoro específico en mente. La intención de Krivchenia era capturar una expresión completa de la composición de canciones de Lenker y la banda en un solo álbum. Cabe destacar que es la primera vez que Krivchenia toma las riendas de la producción y es el primer trabajo de la banda no producido por Andrew Sarlo su productor de cabecera hasta el momento. El resultado es el disco de más éxito tanto crítico como de popularidad ya que ha alcanzado los mejores puestos en los Charts de toda su carrera. Solo falta saber si revalidará la nominación al Grammy al mejor álbum de música alternativa que consiguieron con U.F.O.F. (2019).

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Como dijimos, es el disco de la banda con mayor reconocimiento crítico, con una media de 88 sobre 100 aunque para ser justos dista muy poca diferencia con U.F.O.F. (2019) que obtuvo un 87 sobre 100. En cuanto a las críticas de DRAGON... The Independent y Consequence consideran que es lo mejor del año con un 100 sobre 100 y las siguientes mejores notas pertenecen a la horquilla del 90 sobre 100 (Clash, DIY, Popmatters, Dusted, Uncut, Exclaim!) y luego las cuatro estrellas representadas por el 80 sobre 100 (Mojo, The Observer, Spin, NME) para finalizar con los 70 sobre 100 (AllMusic, Rolling Stone y Slant) siendo The Skinny el unico medio que le ha otorgado las tres estrellas 60 sobre 100 como nota más baja. Para nosotros es un 85 sobre 100. Si bien es cierto que nos gusta mucho más que otros trabajos de la banda, que apreciamos mucho la evolución y podemos decir que DRAGON... es mucho más que el típico disco Indie con los lugares comunes de siempre, realmente posee muchísima belleza en todos los paisajes que describe, nos enganchan especialmente las canciones más intimistas. Pero no nos engañemos, tampoco consideramos que merezca más nota que la que le hemos puesto. Porque efectivamente, es un buen disco. Pero ya sabemos la tendencia de la crítica a sobrevalorar este tipo de bandas y estilos y para nosotros que escuchamos casi todos los discos que se producen al año, es inevitable ese "No es para tanto" que nos sale del alma cada vez que escuchamos uno de estos discos pertenecientes a bandas mimadísimas por la crítica. Pero ojo, que quede claro que nos gusta y que tampoco diríamos nunca que es un mal disco. Solamente preferimos apostar por otros artistas y otras bandas que no tienen tanta suerte como BIG THIEF a la hora de enfrentarse a los críticos.

MEDIA DE LA CRÍTICA: 88/100

VALORACIÓN EXQUISITECES: 85/100