LOS TEMORES NOCTURNOS DE CHARLIE HICKEY.

 

Se ha editado recientemente el álbum debut de CHARLIE HICKEY titulado NERVOUS AT NIGHT después de su prometedor Ep Count The Stairs (2021). NERVOUS AT NIGHT está producido por Marshall Vore y todos los cortes están co-escritos por Charlie Hickey y Marshall Vore, excepto tres de ellos que se acreditan de la siguiente manera: Hickey, Vore y Cara Salamando, el primero; Hickey, Vore y Morgan Travis, el segundo y Charlie Hickey y Christian Lee Hutson el tercero. También encotramos colaboraciones de otros músicos de Los Angeles como Harrison Whitford y Mason Stoops. Y ya que sale a colación el nombre de Christian Lee Hutson, tenemos que decir que este álbum de CHARLIE HICKEY está un poco en la misma onda que algunos de los álbumes de Lee Hutson y todos estos artistas de pop indie que han despuntado en los cinco últimos años como Phoebe Bridgers y que están haciendo algo realmente distinto dentro del género. Un álbum intimista, introspectivo que habla de relaciones personales y amorosas fallidas, de la ansiedad y el dolor que produce y que intuimos que se basan en las propias experiencias de su autor en sus primeros años siendo adulto. Todo ello en un aire muy californiano -Hay referencias a la ciudad natal de Hickey, Pasadena- Un álbum realmente interesante para aquellos que no hayan superado una ruptura amorosa y puedan identificarse con algunos de esos momentos "Nervous At Night" que describe en sus canciones. Por cierto, Charlie Hickey es hijo del legendario Chris Hickey, pero son muy distintos y cada uno de ellos realmente pertenece a su propio tiempo y circunstancias.  

En cuanto a los críticos, como de costumbre vuelven a infravalorar un muy buen disco. Es la tónica habitual con los cantautores folk. The Line Of Best Fit 80/100; DIY y The Young Folks 70/100; Pitchfork 69/100 y Dork 60/100 para terminar con una media crítica de 70 sobre 100. Media que nos parece bastante injusta, porque solo por lo que supone un trabajo en el que un hombre se muestra vulnerable sin ningún atisbo de masculinidad frágil, eso ya es para empezar a puntuar alto, de entrada. Porque como decíamos anteriormente, este es el tipo de discos del Siglo XXI. En el que los hombres no temen expresar sus sentimientos sin que sean juzgados y si a eso le sumamos que todas las canciones (predominantemente baladas) están muy bien cimentadas en una buena base musical, no podríamos darle menos de un 95 sobre 100 y no le damos el 100/100 porque consideramos que otros discos que juegan en esta misma liga son ligeramente superiores a este, lease Quitters (2022) de Christian Lee Hutson, por ejemplo. Pero sin duda, es de lo mejor que hemos escuchado desde que dimos nuestra última nota más alta.  

MEDIA DE LA CRÍTICA: 70/100

VALORACIÓN EXQUISITECES: 95/100

ALFIE TEMPLEMAN SUPERADO POR EL HYPE.

 

Por fin estamos escuchando MELLOW MOON el muy esperado álbum debut de ALFIE TEMPLEMAN tras Forever Isn't Long Enough (2021) su mini-álbum del año pasado que generó tantísimas expectativas en el futuro de este artista. Para este nuevo trabajo ha contado con más colaboraciones que nunca: Will Bloomfield, Tom McFarland (Jungle), Rob Milton, Charlie J. Perry, Cameron Gower Poole y Justin Young (The Vaccines) que han contribuido a co-producir y co-escribir algunos de los cortes. No tenemos muy claro si este desembarco de colaboradores ha servido para mejorar. Porque él solo se bastó para hacer su álbum anterior con mejores resultados. Aunque no nos gustaría que se interprete esto como que nos estamos cargando el disco. Porque consideramos que es un buen disco. Pero en este caso nos dá la impresión de que aquel dicho de que "demasiados cocineros estropean el caldo" es completamente real. Es cierto que ALFIE TEMPLEMAN tiene derecho a cometer sus errores como todo el mundo. Pero en un mundo tan competitivo y en el que prácticamente se había convertido en la gran esperanza blanca del Pop británico, está claro que, precisamente él, no puede cometer errores. Y en ese sentido nos encontramos catrorce cortes de buen pop, pero no tan extraordinario como todos esperábamos. Y hemos intentado que el buen sabor de boca que nos dejó Forever Isn't Long Enough (2021) no nublase nuestro juicio y lo pagásemos con este trabajo por no cumplir nuestras altísimas expectativas. 

Tenemos la sensación de que a muchos críticos les debe haber pasado lo mismo que a nosotros porque las notas desde luego no han sido como las de su anterior trabajo, que acumuló un 86/100 de media.  MELLOW MOON, en el momento que escribimos esta reseña, tiene una media de 70 sobre 100 distribuída de la siguiente manera: NME y DIY 80/100; The Line Of Best Fit 70/100 y AllMusic y The Guardian 60/100. Puede ser que otros medios más desprejuiciados lo puntúen más alto en las próximas horas y la media suba. Porque el disco se ha conocido hoy mismo. Y es que realmente si nos olvidamos de todo lo que sabíamos de ALFIE TEMPLEMAN y de todo lo que había hecho antes, MELLOW MOON no es un mal disco, ni siquiera un disco fallido. Pero cuando cargas con un Hype tan grande, los batacazos luego suelen ser monumentales. Una pena. Aún así, seríamos incapaces de puntuar este trabajo por debajo del 85 sobre 100 porque consideramos que está un poco intoxicado por el Hype, los prejuicios, las falsas expectativas y que en cuanto pase un par de meses y tomemos distancia, el tiempo acabará colocándolo en su lugar, que es uno en el que es un álbum mucho mejor de lo que se está diciendo. 

MEDIA DE LA CRÍTICA: 70/100

VALORACIÓN EXQUISITECES: 85/100

LOS BUENOS COMIENZOS DE JORDANA.

 

JORDANA NYE artísticamente conocida como JORDANA es una joven multiinstrumentista (Violín, Viola, Ukelele y Guitarra) y compositora americana, hija del organista de una iglesia y criada musicalmente en ese ambiente. No comenzó a componer sus canciones hasta los dieciocho años y FACE THE WALL es su tercer trabajo y el que va a suponer el espaldarazo definitivo a su carrera. FACE THE WALL está producido por Cameron Hale (Khalid) y mezclado por Miro Mckie (St Vincent). FACE THE WALL nos habla de la superación de las emociones y la ansiedad -El tema de la Salud Mental sigue estando muy presente entre los represantantes de la generación Z del nuevo pop- JORDANA podría circunscribirse en el indie pop, aunque tal y como ha ido sucediendo su carrera creemos que la mejor etiqueta que se le puede poner a su música es la de Bedroom Pop. Que representa a todos estos jóvenes artesanos que componen desde casa y llegan a su público a través de las Redes Sociales y las plataformas de streaming. Aunque en ese género en el 2021 se tocó techo con Arlo Parks y si tuviesemos que valorar este álbum comparándolo con Collapsed In Sunbeans (2021) tendríamos que puntuarlo algo más bajo. Aunque JORDANA quizás tenga mucho más que ver con Marika Hackman o incluso Caroline Rose, que con Arlo Parks. 

En cuanto a los críticos ya sabéis que hay una tendencia a sobrevalorar todo lo indie. En este caso las críticas han sido positivas, pero excepto Consequence que le ha otorgado el pleno, el 100/100, el resto ha preferido optar por puntuaciones moderadas, ni demasiado altas, ni demasiado bajas. Dork, Music OHM y AllMusic le otorgan las cuatro estrellas 80/100 y Northern Transmisions y Pitchfork 78/100 y 71/100 respectivamente. Para terminar con una nota media de 85 sobre 100.  A nosotros, de entrada, nos gusta JORDANA pero tampoco encontramos en FACE THE WALL nada especial que haga que la vayamos a recordar mucho más allá después de escribir esta reseña. Hemos escuchado los otros álbumes y los Eps que tiene publicados hasta la fecha y este es su mejor trabajo. En una evaluación comparativa de todo lo publicado, desde luego que FACE THE WALL no merece menos del 85 sobre 100 para pasar el corte de los mejores álbumes del 2022. Pero os recordamos que tenemos muchísimos discos con idéntica nota y nuestra lista solamente tiene 100 plazas. Para que FACE THE WALL esté, será importante que nos diga algo más en sucesivas escuchas de aquí a Diciembre. Aunque, como siempre, la última palabra la tenéis vosotros. 

MEDIA DE LA CRÍTICA: 85/100

VALORACIÓN EXQUISITECES: 85/100

EL DISCO DE SKYLAR GREY DEL QUE NADIE HABLA.

Normalmente nos avisan de los lanzamientos más importantes de la semana. Pero obviamente, es imposible que nos avisen de TODOS los lanzamientos semanales. Son muchísimos en realidad. Por eso periódicamente hacemos una batida por los streamings de los artistas a los que le hemos hecho seguimiento desde el principio para ver que todo esté en orden. Y muchas veces descubrimos que han publicado y no nos hemos enterado. Hoy hemos descubierto que el pasado mes de Abril se editaba este tercer álbum homónimo de SKYLAR GREY del que no hemos encontrado ninguna información. No tiene reseñas críticas de medios importantes y, de momento, solamente se puede escuchar en descarga digital o streaming, ni hay Cd, ni Vinilo y es posible que no lo haya. Porque SKYLAR GREY es de esas artistas que determina si sus productos van en físico o no. Porque tiene más material editado de sus comienzos como Skylar Grey que tampoco se puede encontrar en físico, y si por lo menos este tercer disco hubiera tenido un mínimo de repercusión, podríamos anunciar que en un futuro estará en Cd o Vinilo, como muchas veces ocurre. Pero, de momento, no podemos hacerlo. Porque no tenemos ninguna información al respecto. No obstante, aprovechamos para decir que el Cd no va a desaparecer, nos han llegado unos informes que nos dicen que goza de muy buena salud y que están en auge. Y es que todo vuelve...

Este tercer álbum homónimo está compuesto y producido en su totalidad por SKYLAR GREY. Solamente ha necesitado un par de co-autores y de productores adicionales en dos de los cortes. El resto solo está acreditado con su nombre. Esa es la primera gran diferencia con sus dos álbumes anteriores que estaban multiproducidos y contaban con muchísimas colaboraciones importantes. Se dice que cuando un artista en un momento de su carrera titula un álbum con su propio nombre, no es porque le falte imaginación para titular el álbum. Es que se siente más identificado con ese trabajo y es mucho más personal que otros trabajos de su carrera. Y eso es lo que queremos pensar cuando escuchamos este tercer trabajo repleto de baladas envolventes con sonidos electrónicos y sintetizadores muy bien producidos, además de grandes momentos resueltos con mucha elegancia. Una parte que seguramente llevaba bien aprendida de sus dos álbumes anteriores. Aunque en las letras y en la forma, digamos que esta vez conecta un poco más con la vieja Holly Brook del pasado -Lo hemos contado mil veces, Skylar Grey grabó por primera vez con el nombre de Holly Brook y dimos buena cuenta de ello en su momento- De hecho, este trabajo hubiera sido una buena oportunidad de volver a usar su antiguo nombre como proyecto musical.

 

Como decía al principio, no hay reseñas críticas de este disco de medios importantes, ni valoraciones. Ha sido ignorado o quizás no han invertido demasiado tiempo (ni dinero) en promocionarlo. Nos recuerda un poco a la situación que vivimos con el último álbum de Angus & Julia Stone, nos da la sensación de que este tercer álbum de SKYLAR GREY es un trabajo hecho para los fans (que son los únicos que se han enterado de que existe) y que no tienen demasiadas intenciones de promocionarlo o divulgarlo. Y el caso es que no es un mal álbum. Es cierto que venimos de Natural Causes (2016) que es el mejor álbum de la discografía de su autora. Y si los críticos hubieran mostrado interés por este trabajo seguramente habría tenido que soportar las comparaciones. A lo mejor este lanzamiento inusual con tan poca promoción, a pesar de que tiene varios vídeos disponibles en YOUTUBE exactamente igual que ocurría con Angus & Julia Stone, es una estrategia para conseguir un balón de oxígeno para un cuarto álbum con muchos más medios y del que la propia autora tiene mayores expectativas. No lo sabemos muy bien. Ni tampoco lo entendemos. Porque este tercer álbum es un álbum más que digno en el que vemos una evolución como artista que nos convence bastante. Además de que sacamos en conclusión de que no necesita diez productores distintos para brillar más. Ella sola conoce muy bien como va este negocio y es completamente autosuficiente. No merece menos de un 85 sobre 100.

 

MEDIA DE LA CRÍTICA: ----

VALORACIÓN EXQUISITECES: 85/100

ETHEL CAIN: EL DEBUT MÁS IMPACTANTE DEL AÑO.

PREACHER'S DAUGHTER de ETHEL CAIN (Tallahasee, Florida 1998) es uno de los debuts más impactantes que recordaremos durante muchos años. Esta artista afincada en Enterprise, Alabama ha autoeditado este trabajo sin recurrir a ninguna discográfica. De hecho, solamente está disponible en descargas digitales y streaming, por el momento y es de las pocas veces que un trabajo autoeditado sin ningún apoyo, ha conseguido captar toda la atención de los medios. Es curioso, pero ETHEL CAIN es su nombre artístico y con el que acredita la producción del disco junto un co-productor puntual llamado Matthew Tomasi que colabora y co-escribe en cuatro de los cortes, pero cuando tiene que firmar las composiciones de sus canciones firma con su nombre real Hayden Silas Anhedonia. Una muestra de que se vacía por dentro en cada una de sus letras y separa a la persona de la artista cuando escribe. ETHEL CAIN comenzó en el 2017 presentando sus primeras grabaciones en plataformas como Soundcloud usando el nombre de White Silas y esas primeras mixtapes estaban inspiradas en cantos gregorianos y tenían un aire etéreo que ha seguido conservando hasta este momento en el que sus composiciones son mucho más alternativas y se pueden etiquetar como pop indie o Dream Pop. En cuanto escuchas el primer corte a modo de intro que abre el disco la primera persona que te puede venir a la cabeza, salvando las distancias, es Lana Del Rey aunque en cuanto pasan dos canciones más y profundizas un poco en las letras de ETHEL CAIN te das cuenta que cualquier mínimo parecido es una coincidencia. Con que el álbum se llame "La hija del predicador" ya nos hacemos una idea de la presión a la que Ethel Cain debió sentirse sometida. Los temas que trata en este trabajo son: La pobreza (describe ambientes deprimidos), abuso de sustancias, Violencia machista, la muerte y el trauma transgeneracional. Es un disco hecho con las tripas y directo al corazón y probablemente ahí sea donde radique su éxito a la hora de hipnotizar a los críticos...

...Aunque no a todos. La semana pasada este disco fue el mejor valorado de todos los que se editaron hasta que llegaron mis queridos chicos de The Guardian, le dieron un 60/100 y bajaron su nota considerablemente. Pero es una excepción PREACHER'S DAUGHTER ha obtenido una media de 82 sobre 100 y hay medios como DIY y Sputnick Music que han considerado que es un 100/100. The Line Of Best Fit, Clash y Paste un 90/100 Beats Per Minute 80/100 para terminar con la otra nota baja, la de Pichfork con un 64/100. En la primera escucha y hasta llegar a más de la mitad del álbum, a pesar de esos cortes anticomerciales de seis, siete y hasta nueve minutos, nosotros también le hubieramos dado el 100/100 pero este álbum tiene algunos errores que ocurren cuando alguien autoedita un álbum sin que haya una discográfica detrás o alguna persona del entorno de la artista que sea objetiva para decirle que algunas canciones sobran. Nosotros hubiésemos reducido sus catorce cortes a diez porque al final del disco hay algunas canciones que estropean todo el conjunto, ya que las dos primeras partes del álbum son excelentes. Por eso nuestra nota es un 88 sobre 100 y no descartamos que si su carrera tiene continuidad y trabaja con las personas adecuadas sea un 100/100 con sus próximos trabajos. 

MEDIA DE LA CRÍTICA: 82/100

VALORACIÓN EXQUISITECES: 88/100

EXQUISITECES EN TIK TOK.

 

Esto no es una cuestión de renovarse o morir. Porque este blog tiene sus lectores desde hace trece años y seguramente la mayoría de ellos no tienen cuentas en Tik Tok. Más bien se trata de una cuestión de tener presencia en todas las Redes Sociales y llegar a un público más joven que no pierde tres minutos leyendo una de nuestras reseñas. Nosotros lo tenemos muy difícil para resumir nuestras reseñas en un vídeo de un minuto y medio. Podemos hacerlo hasta en tres. Pero para el público de Tik Tok tres minutos es una eternidad. Por eso, planteamos cada vídeo como un gancho para el que quiera saber más venga a leernos a nuestro blog. 

En un principio solo vamos a reseñar los mejores discos del año pasado hasta ponernos al día. Agradeceríamos a nuestros lectores que tengan cuenta de Tik Tok que nos sigan. No tenemos la sensación de que les interesemos a los consumidores potenciales de esa Red Social, porque la música de la que se habla normalmente es música muy comercial que prácticamente convierten en un Meme y nosotros queremos hablar de nuestros contenidos habituales, que no se trata de que pensemos que son mejores o peores que lo que suena habitualmente en esas Redes Sociales. Se trata de que son completamente desconocidos por pura ignorancia, ya que es música de la que se habla poco en España y si se divulga como llevamos haciéndolo todos estos años desde estas páginas, puede llegar a interesar. Por eso nos gustaría tener vuestro apoyo para comenzar. Somos @Exquisitecesblog y para acceder desde vuestro ordenador o vuestro móvil esta es el enlace: TikTok de Exquisiteces (@exquisitecesblog) | Mira los últimos videos de Exquisiteces en TikTok

Muchas Gracias

Rubén (Midas)

BEAR'S DEN: HORAS TRISTES, HORAS BAJAS.

 

Siempre nos hemos preguntado lo que hubiera sido de BEAR'S DEN si no hubieran renunciando a los toques folkies de su álbum debut Islands (2014) dando un giro hacia el pop con su segundo álbum Red Eatrh & Pouring Rain (2016) que en este blog celebramos muchísimo, y creemos que fuimos los únicos así como su tercer álbum So That You Hear me (2019). Este 2022 han regresado con BLUE HOURS que se puede traducir de mil formas excepto "Horas Azules". Por mucho que la portada está dominada por un fondo azul (Por favor... Trabajen más las portadas!!!). Más bien se refiere a "Horas Tristes" o incluso "Horas Bajas"... 

...Y deducimos que cómo el 95% de la producción que se edita en la actualidad algunas de las canciones están influidas por los dos años de Pandemia. Y aunque la Pandemia no ha terminado, ni se sabe cuando va a terminar, creemos que el público ya empieza a cansarse de los álbumes post-pandémicos. Es cierto que en términos puramente creativos, una desgracia siempre genera mucha inspiración en todas las disciplinas artísticas, incluida la música. Pero todo tiene un límite y mucho nos tememos que este BLUE HOURS va a pagar las consecuencias injustamente, porque os aseguramos que no va a ser el último disco influido por ese suceso. Pero basta que no seas de los favoritos de los críticos para que aprovechen lo más mínimo para hundirte y esa baza en este caso juega en contra. Porque la crítica nunca ha estado con ellos. Solamente con Islands (2014) que obtuvo la media más alta de toda la carrera de la banda; un 72/100 y no es una nota demasiado alta.

A nosotros BEAR'S DEN es una banda que nos gusta y seríamos capaces de defender cualquier disco de ellos. Quizás este BLUE HOURS aporte menos novedades después de los álbumes que hemos citado. El sonido sigue recordando a bandas ochenteras. Pero predominan las baladas. Es un disco muy agradable de escuchar, pero no hay ningún corte que te remueva de primeras. Si luego te detienes en traducir las letras, igual sí te pueden llegar algunas canciones y a lo mejor con más escuchas. Pero de primeras, no. Eso quiere decir que a la velocidad que se consume la música hoy día, este disco está condenado a pasar desapercibido. Y sería una lástima. No todo se puede escuchar deprisa. La música no es un meme, por mucho que se empeñen en que sea así. En cuanto a la crítica ya os hemos ido preparando para contaros que ha sido un desastre, entre que ha habido poco o ningún interés por este disco y solamente ha sido reseñado por dos medios Pitchfork y Dork. que además no le han dado valoraciones altas: 64/100 y 60/100 respectivamente. De momento, termina con una injusta media de 62 sobre 100. Nosotros en una primera escucha habíamos pensado en un 80/100 pero después de escucharlo detenidamente, como se merece, disfrutarlo un poco y descubrir que Gratitude, Spiders y Shadows son grandes canciones y el resto es bastante aceptable, lo tenemos en cuenta para los mejores álbumes del año y necesitaría un 85 sobre 100 mínimo para pasar el corte, que se lo vamos a dar. Luego puede ocurrir que muchos discos con esa puntuación no lo pasen, pero por nosotros que no quede. No obstante, creemos que si esta banda quiere la redención de los críticos, la única manera de complacerlos sería hacer algo en el futuro en la línea de Islands (2014) y volver a sus raíces folkies. Mientras no lo hagan, se los seguirán cargando... Nosotros no. 

MEDIA DE LA CRÍTICA: 62/100

VALORACIÓN EXQUISITECES: 85/100

EL MEJOR ÁLBUM DE FLORENCE + THE MACHINE.

Acabamos de enfrentarnos a DANCE FEVER el quinto álbum de estudio de FLORENCE + THE MACHINE que está producido por Jack Antonoff con el que ha compuesto casi todos los cortes a cuatro manos y luego también encontramos a Dave Bayley, Kid Harpoon y Doverman como productores adicionales y co-escritores puntuales de algún tema junto al tándem Welch-Antonoff.  Antes de escuchar el disco, lo primero en lo que nos fijamos cuando hablamos de Florence Welch es en su iconografía. Las cuidadísimas fotografías de Autumm De Wilde de su portada y el interior del CD nos pueden dar muchas pistas de lo que vamos a encontrar. Y a priori, parece que según estas bellísimas fotografías hemos vuelto a sus dos primeros álbumes limpiando ligeramente ese barroquismo que los caracterizaba porque aunque en las fotos hay cierta parafernalia teatral, no podríamos decir que son imágenes recargadas como las de la iconografía de Ceremonials (2011). Cuando escuchamos el disco, nuestras sospechas se confirman. Su voz en King, single y corte que abre el álbum, nunca ha sonado más clara, contundente y desprovista de artificios. ¡Gracias Mr. Antonoff! aun así, algunos medios siguen etiquetándola como Pop Barroco en su disco menos barroco y es que sigue conservando algunos de los elementos que siempre ha sabido manejar y que todavía se pueden relacionar con ese Pop Barroco de sus inicios, como las arpas, el tipo de percusión y los coros luminosos de sus canciones. Pero este disco es diferente y supone un giro en su carrera. La producción de Antonoff esta vez respeta muchísimo el sonido de Florence Welch, y eso va para todos los que decís que las cantantes que produce Jack Antonoff (Lana del Rey, Lorde, Taylor Swift, Clairo...) empiezan a sonar todas igual. Y no solo eso, además Antonoff ha aportado una amplitud sonora brutal que no le conocíamos antes a Florence Welch y que nos encanta.

 

La danza es el tema central de un álbum conceptual que se presenta como "Un cuento de hadas en catorce canciones" y nos habla del baile usado para sanar -La propia Florence Welch mejoró su salud gracias a la danza-, el baile en rituales medievales que culmina en la cancion Choreomanía inspirada en un grupo de gente en la Alemania del Siglo XV que bailaban hasta caer desfallecidos y morir. O el baile como medio desinhibidor y de libertad para terminar con la represión después de una pandemia que nos mantuvo encerrados. Historias muy interesantes que están dando pie a varios videoclips de una belleza visual incalculable que también ha dirigido Autumm De Wilde. De nuevo un trabajo que respeta el concepto de "álbum" y cohesiona todos sus cortes en una misma línea argumental, como decíamos la semana pasada con lo último de Arcade Fire.

DANCE FEVER ha conseguido las siguientes puntuaciones de la crítica: The Telegraph y The Independent consideran que es de lo mejor del año con un pleno 100/100; Consequence 91/100; Clash y The Line Of Best Fit 90/100; AllMusic, Paste, Spin y NME 80/100 siendo las notas más bajas el 71/100 de Pitchfork y el 70/100 de Rolling Stone. Para concluir en un 86 sobre 100, lo que significa que hoy por hoy es la mejor media crítica de toda la carrera de Florence Welch desde su álbum debut Lungs (2009) que consiguió una media de 79/100. Nosotros nunca lo hemos tenido más claro. Este es uno de los discos del año. Florence Welch está en esencia, sigue siendo muy reconocible. Pero Antonoff ha mejorado muchísimo su sonido. Creemos que sería un error que para el próximo álbum contara con otro productor distinto. Aquí se ha abierto un camino muy creativo que se debe seguir explotando y esto es buenísimo. Pero tenemos la sensación de que solamente es el principio. Puede y debe venir mucho más. De lejos, el mejor álbum de FLORENCE + THE MACHINE y no podemos darle menos de un 100 sobre 100.

 

MEDIA DE LA CRÍTICA: 86/100

VALORACIÓN EXQUISITECES: 100/100

EUROVISION EN EXQUISITECES.

 

Aunque este no es el blog más adecuado para hablar de EUROVISIÓN, todos los años me mudo a VULGARIDADES a echarle una mano a mi sobrino Caín en la cobertura del Festival y me ha pedido que os lo recuerde. Hemos escrito cinco entradas que os recomendamos. Aunque os avisamos que el tono de las entradas no es el que estáis acostumbrados en este blog.

EUROVISIÓN 2022: CALENTANDO MOTORES

EUROVISION 2022: PRIMERA SEMIFINAL

EUROVISION 2022: SEGUNDA SEMIFINAL

EUROVISION 2022: ¡RELAX! SI ESPAÑA NO GANA, NO PASA NADA

EUROVISION 2022: NUESTRO TOP 10

Nos falta un último artículo con la crónica de la final que aún no se ha producido y que enlazaremos en cuanto esté disponible. Mientras tanto... Todos con Chanel!!!!

Aquí lo tenéis... La crónica final. Os aviso que Caín está más cabreado que una mona. Vuelvo a pedir disculpas por su uso del lenguaje. 

FINAL EUROVISION 2022: EL CHANELAZO.

SIGRID Y LOS LUGARES COMUNES DEL POP.

 

Teníamos mucha curiosidad por ver cómo continuaría la carrera de SIGRID después de su prometedor álbum debut Sucker Punch (2019), El pasado fin de semana publicó HOW TO LET GO su segundo álbum de estudio. Y la evolución hacia el pop más comercial es clara, aunque no nos engañemos, es pop comercial pero de la mejor factura que puede tener el pop mainstream y de la mejor calidad, otra cosa es que se imponga a otros trabajos similares de otras artistas y eso lo vemos un poco más difícil. SIGRID si ha elegido este camino sabe perfectamente que no va a ser una Rhianna o una Dua Lipa en dos días, ni tener las reproducciones, las ventas o el alcance que tienen ellas, de momento. Pero apunta maneras. Muchos críticos han destacado que ven cierto crecimiento como compositora en relación a su álbum debut. Nosotros también lo hemos notado, pero tampoco basaríamos una reseña en ese hecho. Porque es la evolución natural que acompaña a cumplir un par de años más y mirar las cosas con perspectivas diferentes. SIGRID es una artista internacional pero sigue trabajando desde Noruega con productores europeos como los noruegos Askjell o Martin Sjølie, o el productor danés Sly que además es co-autor junto a Sigrid de la mayoría de las canciones. Aunque esta vez ha contado también con el productor americano John Hill para intentar trascender del mercado europeo y conquistar el americano. Porque, de momento, SIGRID para los americanos solo es una One-Hit Wonder con Don't Kill My vibe. En el apartado de colaboraciones destaca la participación de la banda británica Bring Me The Horizon en una balada un tanto Eurovisiva.

 

Lo que sí podemos decir es que si en algún momento metimos a Aurora, Girl in Red y a Sigrid en el mismo saco solamente por ser noruegas, tener más o menos la misma edad y usar temáticas similares para sus canciones. Para bien o para mal, Sigrid acaba de desmarcarse de ellas con este nuevo trabajo. En cuanto a los críticos, la han tratado mucho mejor que a Arcade Fire o Sharon Van Etten que son las otras dos reseñas que hemos escrito esta semana y nos llama poderosamente la atención que la media de HOW TO LET GO sea de 84 sobre 100 y bastante superior a la de los dos álbumes de Arcade Fire y Sharon Van Etten. Aunque para ser justos cabría decir que su media está basada solamente en siete reseñas y los otros dos álbumes fueron muy reseñados. Las valoraciones de HOW TO LET GO se distribuyen de la siguiente manera: AllMusic 90/100; Clash, The Skinny, The Line Of Best Fit y The Independent 80/100; DIY 70/100 y The Telegraph 60/100. Nosotros apostamos muy fuerte por Sucker Punch (2019) en su momento. Lo puntuamos con un 95/100 y la verdad es que objetivamente HOW TO LET GO es mejor disco. Es un álbum muy positivo que te hace abrazar la vida, algo que necesitamos mucho todos en estos momentos. Pero no es el tipo de álbum que nosotros esperábamos, le hemos encontrado demasiados lugares comunes con los álbumes de otras aspirantes a princesas del pop, de las que ya nadie habla hoy. Por eso tenemos sentimientos encontrados con este trabajo. Aún así, lo más honesto por nuestra parte sería revalidar la nota de Sucker Punch (2019) y dejarlo con otro 95/100 pero nos parece una puntuación demasiado alta, incluso sabiendo que objetivamente HOW TO LET GO, es mejor álbum. Así que por una vez nuestra valoración va a ser muy subjetiva y la ponemos en cuarentena. Porque puede que de aquí a Diciembre hayamos cambiado de opinión y hayamos asumido que este disco era mejor opción para representar la evolución lógica y natural de la artista que las otras opciones que nosotros teníamos en mente para ella. De momento, no terminamos de asumirlo y hasta entonces es un 85 sobre 100. 

MEDIA DE LA CRÍTICA: 84/100

VALORACIÓN EXQUISITECES: 85/100

ETERNA SHARON VAN ETTEN.

 

Aunque no hemos hablado demasiado sobre SHARON VAN ETTEN desde que publicó su anterior álbum de estudio Remind Me Tomorrow (2019). Ha estado bastante activa todo este tiempo publicando covers con Angel Olsen o revisitando su mítico álbum Epic (2010), con la publicación de Epic Ten (2021). Recientemente acaba de editar su séptimo álbum de estudio titulado WE'VE BEEN GOING ABOUT THIS ALL WRONG. Un álbum co-producido por Daniel Knowles y la propia Sharon Van Etten que ha compuesto todos los cortes del álbum. En cuanto a los géneros del álbum, ya sabéis que Sharon Van Etten está etiquetada en Pop-Rock o Indie Pop y es muy complicado sacarla de esos parámetros. En este álbum predominan las baladas y es realmente triste, desgarrador y muy intenso. Si te gustan sus anteriores discos, tienes que tener este también. Aunque es la otra cara de Remind Me Tomorrow (2019), que era mucho más rockero. Es curioso cómo Van Etten comenzó confesando que su mayor influencia era Ani DiFranco, una influencia bastante visible en sus primeros trabajos. Hoy día ya ha conseguido tener una identidad propia y ella misma es influencia para otras intérpretes-compositoras actuales.

 

La media crítica de WE'VE BEEN GOING ABOUT THIS ALL WRONG es de 79 sobre 100 queda bastante alejada de los resultados de sus mejores álbumes: Are We There (2014) y Remind Me Tomorrow (2019) ambos con una media de 86/100. Pero a pesar de haber obtenido una media inferior, se puede decir que no ha recibido puntuaciones muy bajas. si acaso, las tres estrellas (60/100) de Mojo y NME. Porque Consequence le ha dado un pleno 100/100; DIY 90/100; PopMatters, HipHopDX, MusicOHM, Exclaim! y Uncut 80/100 para terminar con un 70/100 de Rolling Stone. A nosotros nos ha gustado. Es cierto que hemos disfrutado más con los dos álbumes citados anteriormente -Incluso nos gustan más que Epic (2010), aunque sea su álbum más emblemático- pero tampoco desdeñaríamos esta propuesta porque contiene momentos realmente emocionantes y en la que nos encontramos con una Sharon Van Etten que es mejor compositora, si cabe. O, al menos mucho más honesta. WE'VE BEEN GOING ABOUT THIS ALL WRONG merecería estar entre los mejores álbumes del año. Por eso nuestra nota es un 86 sobre 100 para asegurarnos de que pase el corte.

 

MEDIA DE LA CRÍTICA: 79/100

VALORACIÓN EXQUISITECES: 86/100

ARCADE FIRE POSTAPOCALÍPTICOS.

 

Siempre que una banda como ARCADE FIRE saca un nuevo disco, las expectativas están altísimas y solemos cuestionarlo absolutamente todo. Estábamos deseando escuchar WE el sexto álbum de esta banda canadiense que, de entrada, tiene la particularidad de que es el último álbum con Will Butler (No confundir con el alma máter de la banda Win Butler), que dejó la banda una vez terminó este trabajo. Así que es probable que WE también represente el final de una etapa de la banda. WE está producido por Nigel Godrich y cuenta con colaboraciones tan interesantes como la de Peter Gabriel, que últimamente se prodiga muy poco, de Father John Misty, Owen Pallett o Sarah Neufeld. Una de las cosas que más nos gusta de ARCADE FIRE es que es una de las pocas bandas que todavía hace álbumes respetando el concepto de "álbum". Esto no es una recopilación de diez canciones sueltas hechas para epatar sin ningún tipo de cohesión, todo está relacionado en WE que está lleno de canciones con continuación en sus títulos y se podría interpretar como una fantasía de amor postapocalíptico. Si bien es cierto que los ARCADE FIRE ya no despiertan las mismas pasiones que despertaron con sus primeros tres trabajos, pero un álbum de esta banda siempre es garantía de calidad, aunque quizás nos han malacostumbrado al triple salto mortal con tirabuzón constante y siempre queremos que sus discos sean muy arriesgados y novedosos. En ese sentido, WE es como una balsa de aceite en la que fluyen los temas y captan tu atención de inmediato, pero no sabríamos si etiquetarlo de arriesgado o novedoso. En cualquier caso, eso no importa. Porque alcanza altas cotas de brillantez a medida que se van sucediendo las canciones y el clímax lo podemos encontrar en su segunda mitad. Cuando han pasado los 40 minutos de grabación (el álbum más corto de esta banda) y llegamos a We, que es el tema que da nombre al álbum y funciona también como colofón, tienes la sensación de que es un gran disco y realmente ha merecido la pena hacer ese viaje. Y lo siguiente es escucharlo en bucle. Por cierto, ya que el señor Tillman ha metido la mano en algún corte, diríamos que este disco de ARCADE FIRE está bastante emparentado con la música de Father John Misty.

 

Como era de esperar, WE ha sido reseñado y valorado por muchísimos medios. Estamos convencidos de que si hubiera tenido una repercusión menor y hubiese recibido menos reseñas, tendría una media crítica bastante superior a la que ha conseguido, que se queda en un 76 sobre 100 que está muy lejos del 90/100 obtenido por Funeral (2004), o el 87/100 obtenido por Neon Bible (2007) y The Suburbs (2010). Esa media se distribuye de la siguiente manera: The Telegraph y The Independent considera que WE es un 100/100 y representa a lo mejor del año. Variety, DIY y The Line Of Best Fit 90/100; NME, Spin, Mojo, Uncut y MusicOHM 80/100; AllMusic, Slant, Pitchfork y Exclaim! 70/100, siendo las notas más bajas -y lo que ha hecho que la media se resienta- 50/100; 40/100 y 30/100 de The New York Times, The Skinny y The Quietus respectivamente. Nosotros reconocemos que los mejores discos de ARCADE FIRE ya estaban hechos. Pero aún así, WE nos ha gustado mucho más que Reflektor (2013) y que Everything Now (2017). Aunque no haya sido especialmente novedoso. Nuestra nota no podría bajar del 90 sobre 100 y con esta nota no solo estaríamos evaluando el disco de manera independiente, también marcaríamos su lugar en la discografía de la banda.

 

MEDIA DE LA CRÍTICA: 76/100

VALORACIÓN EXQUISITECES: 90/100

CAROLINE SPENCE Y LA SOMBRA DE MARY OLIVER.

Una de las intérpretes y compositoras favoritas de nuestros lectores es CAROLINE SPENCE que nos enamoró a todos con su álbum anterior Mint Condition (2019) y tres años después, regresa con TRUE NORTH. Recuerdo que en el post anterior la describimos como una cantautora que contaba sus historias de una manera sencilla y honesta y una de las cosas en la que coincidieron dos de nuestros comentaristas es que echaban de menos que en su disco hubiera algún corte que fuera lo más parecido a un Hit. Por llamarlo de alguna manera. Porque cuando se llegan a los niveles de independencia de CAROLINE SPENCE es complicado tener Hits, porque eso implica el reconocimiento de un público masivo y todos sabemos que eso es difícil que ocurra. Así que en vez de Hits podríamos hablar de singles que destacan y en ese sentido TRUE NORTH podría ser su mejor disco, porque tiene canciones redondas. Probablemente las más redondas de toda su carrera. Spence sigue coqueteando con la Americana y el Country (Más Americana que Country) y ha compuesto todas las canciones del álbum que está producido por Jordan Lehning y cuenta con la colaboración de Matt Berninger en el precioso corte I Know You Know Me. Una de las inspiraciones de este trabajo es la obra de la poetisa americana Mary Oliver que falleció hace dos años y a la que Spence no solo le dedica una canción, tiene más de un punto en común con ella a la hora de abordar sus letras.

 

En cuanto a la crítica, solamente Pitchfork ha reseñado este trabajo de Caroline Spence y le ha otorgado un 74 sobre 100 que, de momento, va a representar la valoración de la crítica. El álbum se puso a la venta el pasado viernes y es probable que todavía haya medios por pronunciarse, si eso ocurre modificaremos este punto de la reseña. Esa nota inicial de Pichfork está bastante lejos de la media de 86/100 que obtuvo con Mint Condition (2019). Una pena, porque TRUE NORTH es un disco que no solo está a la altura, es que además tiene esos supuestos hits que solicitaban algunos de nuestros comentaristas -Clean Getaway es una buena muestra de ello-. Spence, una vez más consigue que lo difícil parezca muy fácil. Es probable que cuando otros medios reseñen el disco supere la media de 80/100. Mientras eso ocurre, nosotros no podríamos valorarlo por debajo del 93/100, que fue esa misma nota la que otorgamos a Mint Condition (2019). Pero ya sabéis que nos gusta apostar por algunos trabajos independientemente de que tengan mejor o peor crítica y mayor o menos repercusión. Y nosotros queremos apostar por CAROLINE SPENCE y por TRUE NORTH. Nuestra nota es un 100 sobre 100.

 

MEDIA DE LA CRÍTICA: 74/100

VALORACIÓN EXQUISITECES: 100/100

NECESITAMOS A TOMBERLIN.

 

I DON'T KNOW WHO NEEDS TO HEAR THIS... es el segundo álbum de estudio de TOMBERLIN, la intérprete y compositora afincada en Kentucky que nos enamoró con su álbum debut At Weddings (2018). Nosotros vimos muchísimo potencial en aquel trabajo tan intimista, pero no teníamos demasiado claro su futuro en la música, no por falta de aptitudes. Todo la producción y difusión de aquel disco había sido muy artesanal, se contó con el icono indie Owen Pallett como productor y a pesar de ser un proyecto interesante e importante, su autora seguía conservando su trabajo de camarera una vez publicado el disco, que se puede considerar que fue todo un éxito crítico. Este segundo álbum es un excelente segundo álbum, sin los errores típicos de los segundos álbumes. Para empezar TOMBERLIN se consolida y además de la composición de los nuevos temas, da un paso al frente y asume la co-producción musical de este trabajo junto al productor Phil Weinrobe. Por no decir que encontramos colaboraciones jugosísimas en las guitarras de Cass McCombs y algunos coros de Felix Walworth. Quizás At Weddings (2018) presentaba cierto minimalismo más cercano a la desnudez que lo que nos trae I DON'T KNOW WHO NEEDS TO HEAR THIS... en el que incorpora algunos sonidos nuevos como guitarras de pedal de acero, percusión con cepillo, pianos centelleantes... que siguen consiguiendo que todo sea muy íntimo. Pero quizás a otros niveles. Lo mejor de todo es el universo TOMBERLIN donde proviene toda su imaginería. Sus canciones pueden ser como un bálsamo para la paz interior en una sociedad un tanto agitada. Como reza en el título, ella no sabe quien puede necesitar escuchar sus canciones... A lo mejor son bastante necesarias.

Decíamos que At Weddings (2018) supuso un éxito crítico 82/100. Pues I DON'T KNOW... lo ha superado con una media de 85 sobre 100 que se distribuye de la siguiente manera: The Skinny y Sputnick Music le han otorgado el pleno, el 100/100 y esperemos que se acuerden también cuando vayan a confeccionar su lista de lo mejor del año. The Line Of Best Fit, AllMusic y exclaim! 90/100; Paste 84/100; BPM 83/100; Mojo 80/100; Pitchfork 78/100; Uncut y PopMatters 75/100; siendo Under The Radar quien otorga esta vez la nota más baja: 65/100. Como podréis comprobar y a tenor de la cantidad de medios que han reaccionado ante la salida de este trabajo, podemos decir que ha suscitado mucho interés y es que no es para menos. Aunque nosotros vimos una magia inusual en At Weddings (2018) que tiene cierta continuidad en este trabajo. No obstante, celebramos que los dos álbumes tengan pequeñas diferencias y que no nos haya dado exactamente lo mismo. Lo que está claro es que ya puede dejar su empleo de camarera porque este es su mundo. Nosotros puntuamos su anterior trabajo con un 93/100 y nos toca igualar o superar. Porque nunca bajaríamos la nota. Así que nuestra nota es un 95 sobre 100 que hubiera sido un 100/100 si no fuera porque el corte que abre el álbum consideramos que no está a la altura del resto.

 

MEDIA DE LA CRÍTICA: 85/100

VALORACIÓN EXQUISITECES; 95/100