RUBY GILL: POÉTICA, POLÍTICA Y QUEER.

 

RUBY GILL es una cantante y compositora nacida en Sudáfrica y afincada en Melbourne que no ha hecho otra cosa más que acaparar atención y prestigio desde que editara su álbum debut I'm gonna die with this frown on my face (2022). Recientemente ha publicado su segundo álbum de estudio titulado SOME KIND OF CONTROL. Su música se caracteriza por una lírica introspectiva, fusionando elementos de folk, indie pop y rock alternativo. En cuanto a la narrativa, Gill explora temas de autonomía corporal, identidad queer y política. El sonido de este nuevo álbum ha sido descrito como más crudo y experimental. Nosotros entendemos otra cosa por experimental. En este caso estamos hablando de un sonido con tendencia al minimalismo en el que prevalece la profundidad emocional de lo que Gill quiere contarnos. Es una artista capaz de crear un estado que te acaba conmoviendo. Canciones como Touch Me There son estremecedoras. El responsable de una producción de lo más sutil es Tim Harvey y es la propia RUBY GILL la que compone todos los temas del álbum sin ninguna ayuda.  

En cuanto a la crítica, aunque nos consta que este álbum ha recibido elogios de medios como Rolling Stone o The AU Review, los únicos que han emitido una valoración son Far Out Magazine y de momento, un 80 sobre 100 es la valoración referencial de SOME KIND OF CONTROL. Hace tiempo que se puede hablar de una hornada de cantautoras australianas contemporáneas que comparten ciertas afinidades estilísticas, temáticas y contextuales, aunque también exhiben identidades artísticas muy diferenciadas. Además de RUBY GILL podemos hablar de otras figuras como Julia Jacklin, Angie McMahon, Stella Donelly, Maple Glider o Rowena Wise que forman parte de una generación que ha revitalizado el indie-folk australiano con una voz femenina potente, introspectiva y frecuentemente crítica con el mundo que las rodea. Prácticamente hemos hablado de todas ellas en estas páginas y son muy necesarias y hay un sitio para una y cada una de ellas ya que están hacienddo de este mundo un lugar mejor con su música. El universo de RUBY GILL es muy poético y bastante comprometido. Lo decimos siempre, estos son los álbumes por los que nos gusta escribir reseñas. Por nuestra parte no podemos darle menos de un 90 sobre 100 y toda nuestra atención a partir de este momento. 

MEJORES MOMENTOS: Some Kind Of Control, Touch Me There, Emmagen Creek, The Flood, To What To Do I Owe My Pleasure...

MEDIA DE LA CRÍTICA: 80/100

NUESTRA VALORACIÓN: 90/100

LA CONSAGRACIÓN DE LUCIUS

 

LUCIUS nos sorprendió muchísimo con el excelente Second Nature (2022). Un álbum que no todo el mundo encajó demasiado bien porque teníamos en la producción a Dave Cobb y Brandi Carlile explorando sonidos pop un tanto retro con elementos electrónicos y reminiscencias de la música disco. Curiosamente ambos productores provenían del Country y la Americana y el resultado fue un tanto sorprendente. Fue un álbum que nosotros celebramos muchísimo, y aunque sabíamos que seguramente el siguiente trabajo sería muy distinto, nunca dudamos que podrían superarse. Recientemente han publicado su nuevo trabajo esta vez producido por el batería de la banda Dan Molad (Chimmney) y se trata de un álbum homónimo. Ya sabéis lo que implica que una banda publique un álbum y decida no titularlo y que sea homónimo. Seguramente lo hacen porque creen que es su álbum más honesto y el que más les representa de todos los que ha editado hasta ese momento, y puede que así sea. Porque este álbum presenta una evolución hacia un sonido más íntimo y una expresión artística más auténtica, con canciones confesionales en su mayoría. Aunque tampoco creemos que sea una cuestión de mayor honestidad. Porque siempre fue una banda muy honesta. Muy jugetona, también. Dada a colaborar con artistas muy diversos y a probar nuevos retos. Por eso es una banda a la que hay que seguir de cerca. Porque nunca decepcionan. Desconocemos si con este álbum han iniciado un camino o para el próximo cerrarán esta puerta y nos presentarán otra cosa totalmente distinta. Eso es lo que los hace grandes y que queramos saberlo todo sobre ellos. Porque LUCIUS se ha convertido en una banda totalmente incombustible y si se mantiene en esa línea, hablaremos mucho (y bien) sobre ellos durante los próximos veinte años. Otro de los aspectos destacables de este trabajo con respecto al anterior es que a pesar de que la cara visible de LUCIUS sean Jess Wolfe y Holly Laessig que jugaron tanto con esa idea en su álbum anterior, que parecía que se trataba del álbum de un dúo. La banda está formada además por Dan Molad y Peter Lalish y en este álbum se reividican mucho más como banda que en los trabajos anteriores. En el apartado de colaboraciones nos encontramos con Madison Cunningham, Ethan Gruska, Taylor Goldsmith y Adam Granduciel.   

En cuanto a la crítica, es un álbum que ha gustado bastante más que el anterior y ha obtenido una media de 80 sobre 100 que se distribuye de la siguiente manera Spill Magazine 90/100; Northern Transmissions 85/100; Mojo, Glide y AllMusic 80/100; Paste 79/100; Uncut 70/100 y Dork 60/100. Nosotros no solo estamos convencidos de que es mejor que su álbum anterior Second Nature (2022). Es que probablemente sea el mejor de los cinco álbumes que tienen editados. Absolutamente todas las canciones son excelentes y se te quedan pegadas en la primera escucha. Hubiésemos acabado antes en el episodio "Mejores Momentos" recomendando el disco entero que escribiendo los títulos que hemos escrito. Nos ha extrañado mucho que ningún medio le haya otorgado el 100 sobre 100 que es la valoración que nosotros consideramos que merece. Porque es un trabajo que captura la esencia más íntima y genuina de la banda. Suponemos que este álbum puede ser su consagración definitiva. Aunque siempre están en evolución constante. Esta vez destacan sus letras crudas y realistas y la profundidad emocional con la que son tratadas. Es sin ninguna duda una joya del indie pop contemporáneo que no debería pasar desapercibida. Pero estamos seguros de que se superarán una vez más en su próximo trabajo. 

MEJORES MOMENTOS: Gold Rush, Do it All For You, Stranger Danger, Old Tape, Impressions, Final Days, Mad Love, Borderline...

MEDIA DE LA CRÍTICA: 80/100

NUESTRA VALORACIÓN: 100/100

SUZANNE VEGA: DIARIO DE UNA SUPERVIVIENTE.

 

Uno de los regresos más soprendentes ha sido el de SUZANNE VEGA que a pesar de que editó un álbum un tanto especial como Lover, Beloved: Songs From An Evening With Carson McCullers (2016), no sacaba material inédito desde Tales From The Realm Of The Queen Of Pentacles (2014). Nada menos que once años hasta llegar hasta a FLYING WITH ANGELS su décimo álbum de estudio y una nueva declaración de intenciones. Al describir el contenido lírico del álbum, Vega declaró: "Cada canción del álbum tiene lugar en una atmósfera de lucha. Lucha por sobrevivir, por hablar, por dominar, por ganar, por escapar, por ayudar a alguien más o simplemente por vivir". Con este nuevo trabajo su autora reafirma su estatus como una de las voces más introspectivas y comprometidas del folk y la música popular. Este álbum no solo enriquece su discografía con nuevas perspectivas y sonidos, sino que también ofrece una reflexión profunda sobre los desafíos humanos y sociales contemporáneos. Volviendo al sonido, hay sorpresas en su producción a cargo de su colaborador habitual Gerry Leonard. Hay canciones como Love Thief o Lucinda en las que nos encontramos con algunos registros un tanto alejados de lo que nos tiene acostumbrados y que resuelve con muchísimo oficio. En Chambermaid está acreditado Bob Dylan junto a ella y Gerry Leonard. No es que hayan compuesto la canción a seis manos. Es que Vega toma prestada I Want You de Dylan y hace una readaptación y por lo tanto, tiene que estar acreditado. 

    

En cuanto a la crítica nos parece asombroso que una artista veterana como ella y que lleva once años sin grabar un álbum, haya conseguido tanta atención mediática. Es sintomático de lo mucho que la respetan. Porque lo vemos aquí cada día, no todos los veteranos reciben la misma atención que ha recibido ella. Por otro lado, no nos extraña porque SUZANNE VEGA es un icono del folk contemporáneo y de la música de autor. La crítica le ha otorgado una media de 77 sobre 100 que se distribuye de la siguiente manera: Spectrum Culture 89/100; MusicOMH, Louder Than War, Mojo, The Art Desk y Clasical Rock 80/100; AllMusic y Uncut 70/100 y The Independent 60/100. SUZANNE VEGA es una astista con la que hemos crecido. Personalmente, a mi me hizo mucho más fácil la adolescencia con álbumes con los que evadirme del bullyng que estaba sufriendo. Le dió visibilidad al maltrato infantil y habló de muchos otros temas de los que nadie hablaba entonces, y ahora voy camino de la madurez y sigo escuchando su música. Es emocionante que publique un álbum como FLYING WITH ANGELS con su material más potente en años y que nos siga sorprendiendo no solo por sus buenas canciones, también por su compromiso social. Nuestra valoración es de un 85 sobre 100. Sería interesante que muchas artistas jóvenes empezaran a repasar su legado. Hay mucho que aprender de SUZANNE VEGA y no la reivindican lo suficiente.     

MEJORES MOMENTOS: Rats, Alley, Chambermaid, Speakers' Corner, Flying With Angels, Galway, Love Thief...

MEDIA DE LA CRÍTICA: 77/100

NUESTRA VALORACIÓN: 85/100

BLONDSHELL: PROMESA CUMPLIDA.

IF YOU ASKED FOR A PICTURE es el segundo álbum de estudio de BLONDSHELL tras su álbum debut homónimo de 2022. Y detrás de BLONDSHELL nos encontramos a la joven cantante y compositora californiana Sabrina Mae Teitelbaun. Tenemos que decir que por falta de tiempo y por la sobreproducción que vivimos en los últimos años, tuvimos que ajustar su álbum debut a una de nuestras extintas minireseñas (Las hemos cambiado por los posts de álbumes repescados). Pero fue un álbum que nos convenció y que nos hubiera gustado reseñar de manera más amplia en su momento. Por eso recomendamos también escucharlo para comprobar la evolución de esta artista. Porque si nos dió una prometedora joyita del indie rock y el rock alternativo con aquel álbum debut, en IF YOU ASKED FOR A PICTURE encontramos además elementos de Jangle Pop, Power Pop o incluso Dream Pop y sobre todo, mucha más profundidad emocional en sus composiciones y ya sabéis que eso mismo es lo que suelen decir los propios autores de sus segundos álbumes. Según sus propias palabras es un álbum "más adulto" y "completo" y es totalmente cierto. Y además, sin perder la frescura y honestidad de su primer trabajo. En la producción nos encontramos a Yves Rothman que es el responsable de sus dos álbumes y ha sido una excelente idea haber seguido con él. Porque hay productores que benefician mucho a los artistas con los que trabajan y este es un caso claro. 

En cuanto a la crítica IF YOU ASKED FOR A PICTURE ha obtenido una media de 80 sobre 100 que se distribuye de la siguiente manera: Dork 100/100; Overblown y Clash 90/100; Under The Radar 85/100; NME, Far Out Magazine, AllMusic, DYI y Record Collector 80/100; Paste 78/100; Northern Transmissions 77/100; Pitchfork 76/100; Spectrum Culture 75/100; Exclaim!, The Line Of Best Fit y Rolling Stone 70/100. Para finalizar con el 60/100 de PopMatters. Una vez más la poetisa Mary Oliver está presente en la inspiración de este trabajo que ha tomado como referencia su poema Dogfish que reflexiona sobre la vulnerabilidad y la privacidad para no mostrarlo todo sobre uno mismo. La última vez que hablamos de un álbum inspirado por Mary Oliver le dimos un 100/100. Pero no va a ser este el caso. Aunque entendemos que hayan medios que se lo hayan dado tanto a este, como a su álbum anterior. Porque artistas como Sabrina Teiltenbaun dignifican el indie pop. Este álbum se siente profundo y artesanal y ella es una artista a tener muy en cuenta. Además es un álbum que podría considerarse como álbum confesional cuando se adentra en narrativas como la desilusión romántica, la pérdida o cómo la vida te hace madurar de manera prematura. Nosotros no nos bajamos de un 90 sobre 100 y recomendaríamos los dos álbumes. Si nos preguntáis cual es mejor de los dos... Es cierto que su álbum debut tiene cuatro puntos más de media crítica. Pero nosotros preferimos este segundo trabajo por lo que ya hemos comentado anteriormente de la profundidad emocional de sus letras y sobre todo porque juega con otros géneros que enriquecen el indie pop y teniendo en cuenta que ya está todo inventado y que escuchamos al año centenares de discos de indie pop aburridísimos, se agradece enormemente que los artistas sean creativos y no permanezcan siempre en los mismos parámetros. 

MEJORES MOMENTOS: T&A, What's Fair, 23's A Baby, Two Times, Event Of A Fire... 

MEDIA DE LA CRÍTICA: 80/100

NUESTRA VALORACIÓN; 90/100

SELF ESTEEM: LA RARA AVIS DEL PANORAMA BRITÁNICO.

Ya os contamos que SELF STEEM es Rebecca Lucy Taylor y os la presentamos cuando hablamos largo y tendido sobre su aclamadísimo álbum anterior Priority Pleasure (2021). Un álbum que la crítica colmó de valoraciones máximas (100/100) y luego apareció en muchísimas menos listas de los mejores álbumes del año de las que esperábamos. Nosotros pensamos que era un buen álbum. Pero quizás se sobrevaloró demasiado. En nuestra lista terminó en un Puesto Nº28 que no está nada mal. Pero teníamos muy claro que tampoco la queríamos en nuestro Top10. Hacemos esta pequeña introducción porque es necesario explicar de dónde venimos para hablar de A COMPLICATED WOMAN su nuevo trabajo que ha tenido una recepción bastante más tibia por parte del público y de un sector importante de la crítica. Aunque ambos trabajos son la biblia del empoderamiento femenino, Prioritise Pleasure (2021) se destacó por su tono directo y su sentido del humor, abordando temas como el sexismo y la autocrítica con una mezcla de vulnerabilidad y sarcasmo. La crítica elogió su capacidad para mezclar pop accesible con mensajes profundos, lo que permitió que el álbum alcanzara una mayor conexión emocional y éxito comercial, especialmente en el Reino Unido. En contraste, A COMPLICATED WOMAN presenta una producción más grandiosa, incorporando arreglos orquestales y coros, lo que refleja una ambición artística más pronunciada. Sin embargo, esta expansión sonora ha sido vista por algunos críticos como una sobrecarga que diluye la claridad emocional del álbum. Aún así, a pesar de tener un enfoque grandilocuente A COMPLICATED WOMAN no es un mal álbum, ni siquiera un álbum fallido. De hecho, hay otro sector de la crítica que lo ha valorado con la máxima puntuación. Quizás las expectativas estaban demasiado altas después de Priority Pleasure (2021).  

Cabe destacar también que Rebecca Lucy Taylor cuida mucho todo lo que nos ofrece, desde el diseño de la portada que en esta ocasión está inspirada en la popular serie The Handmaid’s Tale (El cuento de la criada), que como todos sabéis es una distopía feminista escrita por Margaret Atwood. Esta decisión refleja el enfoque del álbum en temas como la vulnerabilidad y las expectativas sociales impuestas a las mujeres. Hasta la elección de los productores Johan Hugo y Lorna Blackwood y las colaboraciones de Moonchild Sanelly, Nadine Shah y Sue Tompkins. La crítica le ha otorgado una media de 81 sobre 100 siempre según albumoftheyear.org. Metacritic recoge muchas menos reseñas y excluye algunas con las valoraciones más altas y le otorga un 72/100 de media y ya sabéis que siempre adoptamos la más alta para favorecer al artista. En cualquier caso ambas notas están muy lejos del 92-93/100 que obtuvo con Prioritise Pleasure (2021). Aún así, A COMPLICATED WOMAN ha convencido a medios como Rolling Stone (UK), The Art Desk, DIY, Dork, The Skinny y God Is In The Tv le otorgan el 100/100. Far Out Magazine 90/100; Clash, Record Collector y PopMatters 80/100; Beats Per Minute 77/100; The Line Of Best Fit y Uncut 70/100; The Guardian, Mojo, The Independent, The Telegraph y Northern Transmissions 60/100. La nota más baja corresponde a Pitchfork con un 48/100. Una de las claves para entender mejor este álbum nos la da Clash que recuerda que Rebecca Lucy Taylor no es una estrella pop al uso. No hay que olvidar el concepto de este álbum y su teatralidad. Quizás funcione mucho mejor sobre las tablas que cuando nos sentemos a escuchar la grabación original. Pero nosotros hacemos reseñas de las grabaciones originales y esta ni nos ha parecido tan brillante como les ha parecido a los que le han otorgado la máxima puntuacion, ni tan básica como describe Pitchfork que se la ha cargado con un lamentable 48/100. Incluso con el paso del tiempo, tampoco creemos que Prioritise Pleasure (2021) fuera tan sumamente bueno como se dijo y por lo tanto, eso significaría que este tampoco es peor, ni siquiera un trabajo menor, en comparación. Creemos que ha sabido mantener el nivel, pero no el interés. A nosotros en A COMPLICATED WOMAN nos gusta quizás más su fondo, que su forma y por eso nuestra nota es un 84 sobre 100. 

MEJORES MOMENTOS: Focus Is Power; If Not Now, It's Soon; 69; The Deep Blue Okay; What Now...

MEDIA DE LA CRÍTICA: 81/100

NUESTRA VALORACIÓN: 84/100

SUNFLOWER BEAN CAMBIAN LAS REGLAS.

 

SUNFLOWER BEAN es una banda de rock alternativo estadounidense de Glen Head, Nueva York y Brooklyn fundada en 2013. La banda está formada por Julia Cumming (bajo, voz principal), Nick Kivlen (guitarra, coros) y Olive Faber (batería). Han publicado cuatro álbumes hasta la fecha y creemos que este es el mejor momento para hablar de ellos porque han conseguido reinventarse con un trabajo como MORTAL PRIMETIME, que ellos mismos han escrito y autoproducido con las mezclas de Caesar Edmunds y Sarah Tudzin. Este álbum es el resultado de un período difícil para ellos. Por lo visto estuvieron a punto de tirar la toalla. En una entrevista para FENNMUSIC Magazine dijeron lo siguiente sobre la narrativa de este trabajo: "Es sobre sentirse derrotado pero seguir adelante, mantener la fe, crecer y continuar creando en nuestros propios términos". La frase "En nuestros propios términos" nos hace pensar que para seguir adelante, han tenido que cambiar algunas cosas. Los orígenes de SUNFLOWER BEAN son el indie rock, aunque luego transicionasen al rock alternativo. En esta ocasión nos traen un álbum que puede engañarnos si nos creemos que va a ir en la línea de los dos primeros cortes que son bastante más enérgicos que todo lo que viene después y que nos parece muchísimo más interesante.   

La crítica ha caído rendida ante MORTAL PRIMETIME consiguiendo una media de 88 sobre 100 que se distribuye de la siguiente manera: Paste, DYI y AllMusic 90/100; Northern Transmissions 86/100; Under The Radar 85/100; Mojo, Dork y Glide 80/100; The Line Of Best Fit 70/100 y Spectrum Culture 60/100. A nosotros nos ha convencido. Es cierto que nos gustan más las canciones que representan el mejor indie rock o indie pop que las de rock alternativo que inteligentemente fusionan con algo de psicodelia. Pero en conjunto es un álbum perfecto para regresar a lo grande y poniendo sus propias reglas, que es justo lo que han hecho. Nos ha extrañado que ningún medio le haya dado el 100/100 porque lo merecería. Nosotros tampoco se lo vamos a dar esta vez. Pero vamos a estar más atentos a lo que hagan a partir de ahora. SUNFLOWER BEAN es ese tipo de bandas con vocalista femenina con fuerza y carisma como también lo son Paramore o Wolf Alice. Con un álbum tan aclamado como MORTAL PRIMETIME acaban de colocarse en el mapa y esperemos que pronto sean tan conocidos como esas dos bandas. Nuestra nota es un 90 sobre 100.   

MEJORES MOMENTOS: Champagne Taste, Nothing Romantic, There's A Part I Can't Take Back, Look What You've Done To Me, I Knew Love, Please Rewind...

MEDIA DE LA CRÍTICA: 88/100

NUESTRA VALORACIÓN: 90/100

SIGUIENDO DE CERCA A JENSEN McRAE

JENSEN McRAE es una joven y prometedora cantante y compositora californiana. Recientemente ha publicado su segundo álbum de estudio titulado I DON'T KNOW HOW BUT THEY FOUND ME! que venía precedido de un éxito viral con la canción Massachusetts en Tik Tok y que en un principio no se iba a incluir en este trabajo y al final sí que ha sido incluida. JENSEN McRAE es de esas artistas de ascendencia afroamericana que normalmente la industria pretende encasillar en el Soul o en el R&B. Pero ella avanza mucho más hacia el folk pop o el folk alternativo y tiene mucho más en común con artistas como Tracy Chapman o Joy Oladokun (con quien ha colaborado en alguna ocasión) que con esos otros estereotipos de los que ella misma ha reconocido que ha huído siempre. De hecho ella cita como influencias a Alicia Keys, James Taylor, Stevie Wonder y sobre todo a Carole King. Porque JENSEN McRAE ante todo es una cantautora que ha creado este segundo trabajo tomando como base narrativas universales como el desamor, la ruptura de una relación, la propia identidad o la resiliencia. El álbum está producido por Brad Cook que se ha apuntado varios tantos con sus trabajos con Waxahatchee o Bon Iver. Además cuenta con los productores adicionales Joe London y Grant Averill que también co-escriben algunas de las canciones del álbum con su autora.  

En el momento que escribimos esta reseña su media es de 81 sobre 100 y solamente tres medios han emitido valoraciones: DIY 90/100; Dork 80/100 y Pitchfork 73/100. JENSEN McRAE representa ese tipo de artista por el que creamos este blog. Nos ha sorprendido mucho la evolución que encontramos en I DON'T KNOW HOW BUT THEY FOUND ME! tras su álbum debut Are You Happy Now? (2022). Es cierto que en este segundo trabajo se ha cuidado mucho más la producción y todos los detalles para que sea algo más comercial que el anterior. Pero que nadie se alarme, estamos hablando de una artista que graba para Dead Ocean una discográfica en la que lo artístico prima sobre lo comercial y McRae aquí ha podido crecer, ha creado una atmósfera nostálgica rozando el minimalismo, sus letras son profundas y consigue transmitir cada una de sus palabras. Ha hecho un álbum introspectivo que incluso se podría catalogar como confesional y además es de esas artistas que trascienden de la grabación original. Es pronto para uno de nuestros 100/100 y nos quedamos con ganas de dárselo, porque es un álbum que lo merecería. Pero estamos convencidos de que vendrán álbumes aún mejores en el momento que se de cuenta de que puede jugar con muchos más elementos, salga de su zona de confort y empiece a experimentar. Con The Rearranger, el corte que abre el álbum, queda patente que tiene todavía territorios sonoros por explorar en siguientes trabajos y que quizás los ha aplazado para centrarse en algo más concreto como es I DON'T KNOW HOW BUT THEY FOUND ME! que es un álbum muy coherente y que no pierde la cohesión como álbum en ningún momento. Esperaremos ansiosos sus siguientes trabajos. De momento, no nos bajamos de un 92 sobre 100 con lo que, en un principio, tiene asgurado un puesto entre los treinta mejores álbumes del año en nuestra lista.

MEJORES MOMENTOS: Savannah, Praying For Your Downfall, Massachusetts, Novelty, The Rearranger, Dafodils, Let Me Be Wrong...

MEDIA DE LA CRÍTICA: 81/100

NUESTRA VALORACIÓN: 92/100

TAMINO: UN ARTISTA IMPRESCINDIBLE

 

Ya es hora de hablar de TAMINO un músico, cantante, compositor y modelo belga-egipcio que recientemente ha editado su tercer álbum de estudio titulado EVERY DAWN'S A MOUNTAIN. A pesar de ser muy conocido en Bélgica y amasar millones de reproducciones con algunas de sus canciones -Indigo Nights perteneciente a su álbum anterior Sahar (2022) acumula casi 60 millones de reproducciones- podría ser una de esas exquisiteces que pasan desapercibidas fuera de su país y de su mercado principal que es el germánico-belga-holandés. Esta vez no somos los primeros en descubrirlo. Hay suficiente material publicado sobre TAMINO en castellano, incluso El País le dedicó un artículo en 2019. Pero aún así, tenemos la sensación de que habría que hablar mucho más de él para que consiga tener un mercado sólido en nuestro país. Porque lo merecería. Ojalá nuestras radiofórmulas estuvieran plagadas de canciones como las suyas. TAMINO se crió en Bélgica con su madre. Pero siempre ha abrazado sus raíces egipcias paternas y en su primer álbum la influencia de la música árabe es evidente, influencia que siguió en su segundo trabajo y se conserva en este tercer álbum de manera implícita. Nosotros recomendaríamos sus dos álbumes anteriores para entender mejor cómo ha llegado hasta EVERY DAWN'S MOUNTAIN que probablemente sea su álbum más redondo. En cuanto a géneros y estilos es un claro ejemplo de Chamber Folk e indie Folk imprimiendo su sello de cantautor. Él mismo ha producido el álbum junto a PJ Maertens con el que ya había trabajado anteriormente y se les unen Eric Heigle y Alessandro Buccellati. En el apartado de composición, todas las canciones están compuestas por Tamino, aunque vuelve a salir el nombre de Buccellati y el de nuestra querida Mitski a la que teloneó en su última gira y con la que ha escrito e interpretado esa pieza maravillosa titulada Sanctuary. 

En cuanto a la crítica, consideramos que no ha tenido toda la atención mediática que merecería un disco como EVERY DAWN'S MOUNTAIN y solamente Clash lo ha valorado con un 80 sobre 100 que conservaremos como media crítica porque es la única valoración que hemos encontrado. Os recordamos que también estamos nosotros para subir esa nota. Porque se trata de uno de esos álbumes que recomendamos en estas páginas encarecidamente. TAMINO, además de con Mistki se ha relacionado musicalmente con otras figuras de cierta relevancia como Lana Del Rey. Uno de los datos que no deberíamos pasar por alto es su participación en cuatro shows de SXSW (South By Southwest) -Tiene también cierta proyección en U.S.A.- en los que el bajista de Radiohead, Colin Greenwood tocó con él. Y viene a colación hablar de Radiohead porque algunos momentos de EVERY DAWN'S MOUNTAIN nos ha recordado a los Radiohead de The Bends (1995). No solamente en algunos riffs de guitarra, también nos ha recordado a la voz de Tom Yorke en algunos momentos, en canciones como Raven. No obstante, tenemos que recordar otro dato que tampoco debemos obviar y es que a TAMINO le han llegado a llamar el Jeff Buckley belga y destacan también que tiene un falsete difícil de olvidar. En cualquier caso, es un artista al que hay que seguirle la pista de cerca y EVERY DAWN'S MOUNTAIN probablemente sea el álbum que más nos ha enganchado últimamente. Sin artistas o álbumes como este, nuestra presencia en la blogosfera no tendría ningún sentido. Por eso tenemos que ser coherentes con las valoraciones que damos y esto para nosotros es un claro 100 sobre 100. Esperamos que nuestra reseña haga su magia y lo conozca muchísima más gente de los que ya lo conocen en España y a ver si es posible que podamos elevar un poco la cultura en nuestros charts patrios llenándolos de artistas como él. Bueno... Soñar es gratis. 

MEJORES MOMENTOS: Babylon, Sanctuary, Dissolve, Willow, Every Down`s a Mountain... 

MEDIA DE LA CRÍTICA: 80/100

NUESTRA VALORACIÓN: 100/100 

LA CONSAGRACIÓN DE SAMIA

 

A pesar de que SAMIA es hija de padres famosos, su enorme talento ha evitado que recaiga sobre ella la etiqueta de Nepo-baby. Nadie ha osado a llamarla así porque desde su primer álbum cerró muchísimas bocas. Luego llegó Honey (2023) y se confirmó que había venido para quedarse. Recientemente ha publicado su tercer álbum BLOODLESS y SAMIA ya no es una promesa. Es una realidad. Este álbum supone su consagración como cantautora y la situa en el mapa junto a las más grandes. BLOODLESS se caracteriza por una producción más cruda y experimental, fusionando elementos de folk minimalista con expansivas composiciones de indie pop y prácticamente se repiten algunos de los mismos nombres del equipo que la acompañó en Honey (2023) Caleb Wright en la producción al que se le añade Lupin y en la composición además de estos dos nombres hay que sumar a la propia SAMIA a Jake Luppen, Rafaella, Nathan Stocker, Quinn McGovern o nuestro querido Christian Lee Hutson. SAMIA también da un paso de gigante en las narrativas de este trabajo. Habla de temas tan singulares como las mutilaciones de ganado sin sangre, la presencia de lo divino y la imposibibilidad de los estereotipos de la feminidad y utiliza estos elementos como metáforas para explorar la autoextracción emocional y la construcción de una identidad basada en expectativas ajenas. El resultado es una obra profunda, vibrante, emocionante, madura y realmente increíble para un tercer álbum. Eleva muchísimo el listón para un siguiente trabajo.   

En cuanto a la crítica, su media según Albumoftheyear.org es de 85 sobre 100. Metacritic en esta ocasión le da una media de 78/100 porque recoge menos reseñas, incluida una que lo valora con el 100/100. Nosotros siempre adoptamos la media crítica más alta de las que se publican para favorecer al artista. Aunque este álbum es una pequeña obra maestra, lo miremos por donde lo miremos. Medios como NME o Dork le han otorgado el 100/100; Northern Transmission 95/100; DIY 90/100; Paste 88/100; Under The Radar 85/100; Exclaim!, Clash y Slant 80/100 y la nota más baja proviene de AllMusic con un 50/100 que todo parece indicar que lo hace para ir contracorriente cuando normalmente suelen ser bastante serviles con otros artistas. Nosotros ya nos hemos pronunciado al respecto. Es una pequeña obra maestra cuyo único reproche que podríamos hacerle son esos cortes abruptos que se han puesto de moda últimamente cuando se pasa de una pista a otra, lo hacen para darle un aire más experimental. Pero creemos que juega en contra de la experiencia. Por lo demás, todo es perfecto. Es como un caos ordenado. Por nuestra parte consideramos que es justo darle ya el 100 sobre 100 porque no tenemos muy claro que vaya a ser capaz de superar un trabajo como este en futuros lanzamientos. BLOODLESS te invita a la reflexión, consolidando a SAMIA como una de las voces más distintivas y valientes del indie contemporáneo.

MEJORES MOMENTOS: Bovine Excision, Lizard, Hole In A Frame, Carousel, Pants, Dare, 

MEDIA DE LA CRÍTICA: 85/100

NUESTRA VALORACIÓN: 100/100

JULIEN BAKER & TORRES: LA COLABORACIÓN PERFECTA.

 

Hace unos días hablábamos sobre Lucy Dacus y de como consiguió toda la atención mediática posible para su nuevo álbum y que fuera injustamente comparado con The Record (2023) de Boygenius, supergrupo formado por la propia Lucy Dacus, Phoebe Bridgers y Julien Baker. Ahora, las miradas estaban puestas en JULIEN BAKER y en su muy esperado nuevo trabajo. Aunque ha sido bastante inteligente ofreciendo un álbum de colaboraciones con la cantante y compositora Mackenzie Scott, más conocida como TORRES que es bastante diferente a su propia discografía y a todo lo que hizo con Boygenius, con lo cual no admite comparaciones y puede tener un perfil más discreto que el que ha tenido el álbum de Lucy Dacus. Aunque a pesar de todo, ha recibido también muchísima atención mediática. Esta reunión de JULIEN BAKER & TORRES y este álbum titulado SEND A PRAYER MY WAY, surgen porque coincidieron en un concierto en 2016 y desde entonces tenían intención de colaborar juntas. De hecho, Torres había teloneado algunos conciertos de la gira de Baker del año pasado. Julien Baker tenía muy claro que lo que le apetecía hacer con Torres era un álbum de country, aunque lo que les ha salido está mucho más cerca del alt country finalmente. Aunque también podríamos hablar de Americana o folk rock, sobre todo en un álbum en el que unen sus fuerzas dos grandes cantautoras que no solo no renuncian a serlo, sino que potencian sus identidades. El álbum está co-producido por las dos artistas a las que se ha sumado Sarah Tudzin de Illuminati Hotties. 

En cuanto a la crítica, se puede decir que no ha pasado desapercibido. Muchísimos medios lo han reseñado y finalmente ha obtenido una media de 77 sobre 100. Medios como Spill Magazine le han otorgado el pleno el 100/100; Slant 90/100; AllMusic, Glide, The Independent, Record Collector, The Guardian, DIY, MusicOHM, The Line Of Best Fit, Exclaim! y Rolling Stone 80/100; Uncut 70/100 para terminar con The Observer, NME y Mojo con 60/100. Como dijimos, SEND A PRAYER THIS WAY es un álbum un tanto especial. Pero es interesante recordar que el último álbum de Julien Baker, Little Oblivion (2021) (84/100) fue una pequeña joya disruptiva y que Torres editó un álbum el año pasado titulado What An Enormous Room (2024) (75/100) adscrito al indie pop en el que destacaban sus paisajes sonoros. Nosotros valoramos mucho los discos de colaboraciones porque artistas que muchas veces están en las antípodas entre ellos o tienen muchísima personalidad como para apoderarse del proyecto, son capaces de crear algo completamente nuevo y diferente que no suena a lo que ellos hacen habitualmente, con todas las buenas energías que tienen que circular para que eso ocurra cuando componen a cuatro manos. SEND A PRAYER THIS WAY es un gran disco aunque quizás no esté a la altura de Case/Lang/Veirs (2016) o de Love Letter For Fire (2016) de Sean Beam & Jesca Hoop que para nosotros representan dos de los discos de colaboraciones mejores de la últimos diez años. En cualquier caso no podríamos darle menos de un 90 sobre 100. Porque es un álbum muy confortable y nos encantaría que fuera el principio de muchas más colaboraciones.     

MEJORES MOMENTOS: Sugar In The Tank, Dirt, Tuesday, Sylvia, Downhill Both Ways, The Only Marble I've Got Left, Bottom Of A Bottle...

MEDIA DE LA CRÍTICA: 77/100

NUESTRA VALORACIÓN: 90/100

VALERIE JUNE: BUHOS, PROFECÍAS Y ORÁCULOS

 

OWLS, OMENS AND ORACLES es el sexto álbum de VALERIE JUNE de una carrera impecable. En esta ocasión su compañero de viaje en la producción es M. Ward y aunque su seña de identidad la conserva con canciones que deambulan entre el folk, el blues, el gospel y el soul se podría decir también que probablemente este álbum esté mucho mas cerca del pop de lo que lo ha estado nunca. Y quizás se deba a la presencia de M. Ward o quizás haya habido intencionalidad para girar hacia el pop por parte de la autora. En cualquier caso, intuimos que es algo puntual y que no se trata de una transición hacia el pop. Aunque podría serlo. Eso lo confirmaremos en el próximo álbum. El caso es que es OWLS, OMENS AND ORACLES es un gran trabajo. Concretamente, el segundo mejor valorado por la crítica de toda su discografía y es curioso, porque es también su álbum más accesible para todos los oídos, cosa que la crítica más elitista suele penalizar en artistas con tantísimo sello como VALERIE JUNE. En cuanto a colaboraciones encontramos a The Blind Boys Of Alabama y a Norah Jones en los coros de Sweet Things Just For You, aunque Jones no está acreditada.  

El algoritmo de Metacritic le da una media crítica de 87 sobre 100 basándose en las reseñas de AllMusic y Clash 90/100 y Mojo, The Guardian, Uncut y Paste 80/100. VALERIE JUNE nunca ha bajado el nivel. Nos cuesta decidir cual de sus tres últimos álbumes es mejor. El más valorado sigue siendo The Order Of Time (2017) (89/100) y The Moon and Stars: Prescriptions for Dreamers (2021) (85/100) también fue un trabajo notable. En cuanto a nuestros gustos personales quizás nos gusta más The Moon and Stars... (2021) y este OWLS, OMENS AND ORACLES a pesar de que The Order Of Time (2017) a día de hoy siga siendo considerado su mejor trabajo. Muchas veces lo que menos necesita alguien con tantísima personalidad como June es algo de versatilidad y no creemos que en su caso, sea una cuestión de versatilidad ese acercamiento hacia el pop. Porque se acerca a él desde sus orígenes y su sello de identidad, inventando nuevos códigos y casi un lenguaje propio. Quizás por eso la crítica lo ha valorado. Porque sus composiciones siguen siendo muy inteligentes. Por nuestra parte no podemos darle menos de un 90 sobre 100 que suele ser la nuestra nota promedio que le damos a todos sus discos.  

MEJORES MOMENTOS: Sweet Things Just For You, Joy Joy!, Endless Tree, All I Really Wanna Do.

MEDIA DE LA CRÍTICA: 87/100

NUESTRA VALORACIÓN: 90/100

BON IVER: UNA EVOLUCIÓN NADA PREVISIBLE.

 

Un álbum nuevo de BON IVER siempre es un must y después de haber escuchado SABLE FABLE, mucho más. Aunque este álbum está estrechamente relacionado con su Ep del año pasado titulado Sable (2024) que supuso un adelanto de lo que vamos a encontrar en este trabajo. Para seguir con este nuevo capítulo debemos recordar que venimos de l,l (2019) ya que siempre hay que recordar lo que pasó anteriormente. Porque creemos que hemos llegado justo a este punto pasando por todas las casillas, incluida la de salida. Es cierto que dijimos que los tiempos de For Emma, For Ever Ago (2007) y Bon Iver (2011) no volverían. Pero hay un guiño a esos trabajos en algunas canciones de este álbum por lo menos en la primera mitad y en la forma. Porque en el fondo, está a años luz. Este no es un álbum introspectivo, ni melancólico como aquellos. No os vais a deprimir en algún momento porque la tendencia es hacia la luminosidad y el optimismo. Y decíamos que había que pasar por todas las casillas porque tanto esa instrospección de cantautor inicial, como esos sonidos más experimentales que vinieron en álbumes posteriores han sido necesarios para llegar a este punto y ofrecernos esta delicia que es SABLE FABLE, el fruto de una evolución nada previsible. El álbum se divide musicalmente entre la producción predominantemente folk de Vernon que ya conocíamos de Sable (2024) y la novedad es su introducción en géneros como el R&B contemporáneo, pop y soul en la segunda parte que corresponde a Fable. SABLE FABLE está producido por Justin Vernon y Jim-E Stack y en el apartado de colaboraciones nos encontramos a Dijon, Flock of Dimes, Danielle Haim, Kacy Hill, Jacob Collier y Mk.gee.  

Los álbumes de BON IVER casi siempre convencen a la crítica y SABLE FABLE no es la excepción. Ha obtenido una media de 84 sobre 100 que se distribuye de la siguiente manera: DYI y The Art Desk le otorgan la máxima puntuación: 100/100; Uncut, Clash, Glide y MusicOHM 90/100; PopMatters, The Independent, The Observer, The Telegraph, MME, Exclaim!, Rolling Stone 80/100; Sputnikmusic y The Line Of Best Fit 70/100. La mayoría son valoraciones altas excepto la de AllMusic que ha sido la única voz disidente con un 50/100 con argumentos como la falta de personalidad: "Este disco suena como si lo hubiera podido hacer casi cualquiera y eso no es bueno". Argumento con el que estamos radicalmente en contra y ya lo hemos explicado más arriba. Para llegar a SABLE FABLE se tenía que haber hecho todo lo que se ha hecho antes y seguramente si este álbum hubiera mostrado (otra vez) la parte atormentada de Vernon y nos hubiera deprimido, probablemente no dirían que lo puede hacer cualquiera. No están preparados para un disco de BON IVER algo más animado, positivo y optimista. A nosotros nos encantan las bandas que asumen riesgos. Esta es una banda que los ha estado asumiendo desde el minuto cero y se puede decir que sus jugadas siempre han sido maestras. Por nuestra parte no podríamos darle menos de un 93 sobre 100 y probablemente a la larga, se convertirá en nuestro álbum preferido de la banda. 

MEJORES MOMENTOS: Everything Is Paceful Love, Walk Home, Awards Season, Speyside, Things Behind Things Behind Things...

MEDIA DE LA CRÍTICA: 84/100

NUESTRA VALORACIÓN: 93/100

ÁLBUMES REPESCADOS: EDWYN COLLINS, ALISON KRAUSS & UNION STATION, MUNFORD & SONS, HAMILTON LEITHAUSER, DESTROYER, ELTON JOHN & BRANDI CARLILE, BLACK COUNTRY NEW ROAD, JOSHUA RADIN, DJO y HORSEGIRL

Como cada mes, aquí tenéis otro de nuestros post de álbumes repescados. Que para los que nos lean por primera vez les diremos que es una manera de poder reseñar el mayor número posible de discos, teniendo en cuenta la cantidad sobrehumana de lanzamientos cada semana. Aunque algunos de los discos que tenemos aquí hubieran merecido una reseña en solitario. Es fácil identificarlos.

EDWYN COLLINS - NATION SHALL SPEAK UNTO NATION

EDWYN COLLINS ha publicado recientemente su décimo álbum de estudio titulado NATION SHALL SPEAK UNTO NATION. Para quien no conozca a Collins es un veterano músico, cantante, compositor y productor musical escocés con una trayectoria de más de cuarenta años desde que formara la banda Orange Juice en los ochenta. También es un ejemplo de superación tras recuperarse de una hemorragia cerebral que padeció en 2005. NATION SHALL SPEAK UNTO NATION tiene ese halo de que podría ser el álbum que marcara su retirada. Solo hay que escuchar canciones como Knoweledge que te dan una lección de vida a través del conocimiento y la experiencia. Porque este álbum va de eso, de la veteranía, de envejecer y del legado de un gran músico que está cerrando un ciclo. Aunque Collins en sus orígenes coqueteó con el post-punk. Digamos que en el presente ya sabe todos los secretos del pop rock y este álbum es una buena muestra de ello. NATION SHALL SPEAK UNTO NATION está producido por el propio EDWYN COLLINS y por Jake Hutton y Sean Red. Su media crítica es de un 84 sobre 100. La valoración más alta recibida proviene de Classic Rock Magazine con un 90/100; y el resto de medios son unánimes con el 80/100 (Uncut, Clash, Record Collector, Mojo, The Observer y The Telegraph). Por nuestra parte no podemos darle menos de un 85 sobre 100 porque es de esos álbumes en los que el músico sabe llevarte a su terreno gracias a un dominio absoluto de lo que está haciendo. Si resulta ser su último trabajo. Porque ya sabemos que muchos artistas nunca se retiran del todo, aunque digan que lo van a hacer, sería un excelente broche de oro a una carrera de lo más interesante.    

MEJORES MOMENTOS: Nation Shall Speak Unto Nation, The Heart Is A Foolish Little Thing, Paper Planes, Knoweledge

MEDIA DE LA CRÍTICA: 84/100

NUESTRA VALORACIÓN: 85/100

ALISON KRAUSS & UNION STATION - ARCADIA

Teníamos muchas ganas de que ALISON KRAUSS volviera a darnos un buen disco de Bluegrass junto a su banda UNION STATION ya que no grababan juntos desde Paper Planes (2011) y la última incursión de Krauss en la música fue con Raise The Roof (2021) su segundo disco de colaboraciones con Robert Plant. ARCADIA es el octavo álbum de estudio firmado como ALISON KRAUSS & UNION STATION y aunque en los últimos años han surgido nuevos artistas que están abanderando el Bluegrass como Molly Tuttle o Sierra Ferrell un disco de Krauss con su banda no solo es todo un acontecimiento. Es que los amantes del género se sentían un poco huérfanos tras catorce años sin editar un disco y habiendo dejado el listón tan alto con Paper Planes (2011). ARCADIA es una auténtica gozada. Todo fluye con muchísima naturalidad y es un material que está muy cuidado, como siempre. Como novedad, tenemos que es el último álbum de la banda en el que participará Dan Tyminski y el primero en el que se incorpora Rusell Moore como nuevo co-vocalista. ARCADIA está autoproducido por la banda. La crítica ha acogido este nuevo trabajo con los brazos abiertos con un 84 sobre 100 de media. PopMatters lo ha valorado con un 90/100; MusicOHM, Uncut, Mojo, AllMusic, Under The Radar 80/100 y Glide 70/100. Por nuestra parte no podemos darle menos de un 90 sobre 100 solo por la maestría y el oficio de esta banda que seguramente sumará otro grammy más al mejor álbum de Bluegrass a los catorce que ya tienen.     

MEJORES MOMENTOS: Looks Like The End Of The Road, Granite Mills, Richmond On The James, Forever, Snow, The Hangman, There's A Light Up Ahead...  

MEDIA DE LA CRÍTICA: 84/100

NUESTRA VALORACIÓN: 90/100

MUNFORD & SONS - RUSHMERE

Había muchísima expectación con el regreso de MUMFORD & SONS tras casi siete años de ausencia. La novedad que nos trae RUSHMERE es que la banda ahora es un trío con la salida del guitarrista y banjista Winston Marshall en 2021. Y la vuelta ha sido a lo grande, con la producción de Dave Cobb y las colaboraciones de Madison Cunningham. Es cierto que es una banda que ha evolucionado hacia el mainstream y poco o nada tiene que ver con lo que nos ofrecía en sus inicios. Su álbum debut Sigh No More (2009) fue realmente encantador y tocaron el cielo con Babel (2012) cuando ganaron el Grammy al mejor álbum del año. A partir de ese momento, que conquistaron el mercado americano, parece que todos sus discos posteriores han ido orientados hacia ese mercado y RUSHMERE no es la excepción. Aunque, curiosamente, su mejor certificación en charts la ha hecho en el Reino Unido. RUSHMERE es el nombre de un estanque ubicado en Wimbledon Common en Londres, donde se formó la banda por primera vez y se concibió la música. Según un comunicado de prensa, la intención era llevar a los oyentes de regreso a donde "todo" comenzó. Aunque el disco luego ha sido grabado en Nashville, Savannah (Georgia) y la única localización británica ha sido el estudio de la banda en Devon donde han rematado este trabajo. La crítica no ha sido demasiado generosa con este trabajo. De hecho, hay medios que se lo han cargado sin ninguna piedad como Uncut 50/100 y The Observer 40/100. Mojo y The Independent le otorgan un 60/100 que es la nota promedio en la que un disco no es malo, ni bueno. Y las mejores valoraciones vienen de la mano de Clash y The Telegraph con un 80/100. Al final se tiene que conformar con una media de 60 sobre 100 siempre según Metacritic y su algoritmo, porque otros agregadores de críticas le dan una media más baja. Nosotros nos sumamos a los de la nota más alta, un 80 sobre 100. Porque es cierto que ya están muy lejos de lo que nos ofrecieron en sus dos primeros discos. Lo que se escucha en RUSHMERE no es novedoso. No están inventando nada. Pero tampoco importa demasiado. Dentro del mainstream existe también la calidad y este es un producto de muchísima calidad. La producción de Cobb está a la altura de sus mejores trabajos y por supuesto es un must para los fans de la banda que lo van a disfrutar muchísimo. 

MEJORES MOMENTOS: Rushmere, Malibu, Blood On The Page, Monochrome, 

MEDIA DE LA CRÍTICA: 60/100

NUESTRA VALORACIÓN: 80/100

HAMILTON LEITHAUSER - THE SIDE OF THE ISLAND

HAMILTON LEITHAUSER es un cantante, compositor y multiinstrumentista conocido por liderar formaciones como The Recoys o The Walkman y que también ha destacado en su carrera en solitario. THIS SIDE OF THE ISLAND es su quinto álbum de estudio. Un álbum producido por Aaron Dessner y Anna Stumpf que también es la esposa de Leithauser. Se trata de un álbum de indie rock que puede que no invente nada nuevo, pero que engancha desde la primera escucha. No sabemos si es por su sonido un tanto vintage que recuerda vagamente a la época dorada de U2. Pero tal y como se ha puesto el panorama musical, dar con un álbum como THIS SIDE OF THE ISLAND resulta muy estimulante y hasta refrescante. La crítica le ha otorgado una media de 80 sobre 100. La nota más alta es el 100/100 de Far Out Magazine. AllMusic también le otorgó un 90/100 y PopMatters, Mojo, Dork, Record Collector 80/100 pero también tuvo valoraciones bajas como las de Spectrum Culture 60/100 y las de Record Collector 55/100. Para nosotros es muy fácil conectar con un álbum como este que tiene un componente emocional muy fuerte. Las letras hablan de desencanto, polarización y muchos de los problemas que vivimos en la actualidad y no es nada difícil identificarse. Por lo que no entendemos esas dos notas tan bajas, porque además están muy bien escritas. No podríamos darle menos de un 85 sobre 100 para tenerlo en cuenta para nuestra lista de los mejores álbumes de 2025.   

MEJORES MOMENTOS: Knockin' Heart, The Side Of The Island, Fist Of The Flower, Burn The Boat, 

MEDIA DE LA CRÍTICA: 80/100

NUESTRA VALORACIÓN: 85/100

DESTROYER - DAN'S BOOGIE

Aunque hemos hablado muchas veces de la vinculación de Dan Bejar al supergrupo canadiense The New Pornographers, la realidad es que este año cumple treinta años con su banda DESTROYER y DAN'S BOOGIE es su décimocuarto álbum de estudio. Se trata de un álbum de indie rock en el que, en cierto sentido, se autohomenajean a ellos mismos. DESTROYER es una banda que tiene una larga trayectoria y como decía el propio Bejar, a la hora de encarar este nuevo proyecto: "no tiene que ser un concepto nuevo" y destacan la importancia del sonido del piano y las cuerdas. Él mismo lo describe como un sonido muy de la banda y una mezcla entre el de los álbumes Your Blues (2004) y Poison Season (2015). A decir verdad, toda la discografía de DESTROYER es muy recomendable y a nosotros nos ha parecido perfecto que recurran a la autoreferencia. Hay bandas y artistas mediocres que lo hacen constantemente (y les debería dar vergüenza). Ellos, por lo menos hace años que son un referente para otras bandas. La temática de este álbum se está repitiendo últimamente entre músicos veteranos: Envejecer, el paso del tiempo y la decadencia de los tiempos que corren. Quizás todos esos temas sean recurrentes e inspiradores para unos músicos que viven en una sociedad edadista en la que parece que cuando has cumplido los cincuenta, lo único que te queda por hacer es morirte. Y a lo mejor deberían darse otros factores para que escribieran sobre otros temas. Pero la realidad es que este álbum puede que hable sobre envejecer, pero no suena viejo en ningún momento. El álbum fue producido y mezclado por John Collins que también es miembro de la banda (y también pasó por The New Pornographers) y ha conseguido un sonido vinculado al mejor Art-pop y cercano a la neopsicodelia, con algunos momentos retro que nos recuerdan a Bowie. La crítica le ha otorgado una media de 83 sobre 100 y publicaciones como The Guardian y Spill Magazine lo han valorado con un 100/100 y Still Listening y Northern Transmission con un 90/100. Las valoraciones más bajas son los 70/100 de AllMusic, Slant y Uncut. Por nuestra parte, quizás no es el álbum que más nos haya gustado de DESTROYER, normal por otro lado con una discografía tan extensa. Pero mantiene el nivel y probablemente sea uno de los mejores de la banda. Lo que queda claro es que ellos nunca hacen discos alimenticios, siempre sorprenden y tienen mucho que aportar todavía a la música. Nuestra nota es un 85 sobre 100.       

MEJORES MOMENTOS: Cataract Time, Bologna, Hydroplaning Off the Edge Of The World, The Same Thing As Nothing At All, Dan's Boogie...

MEDIA DE LA CRÍTICA: 83/100

NUESTRA VALORACIÓN: 85/100

ELTON JOHN & BRANDI CARLILE - WHO BELIEVES IN ANGEL

Esto es una fantasía. Aunque los que nos conocemos de memoria las carreras de ELTON JOHN & BRANDI CARLILE sabíamos que era cuestión de tiempo que grabaran un álbum juntos. Porque de todos es conocida la amistad que se procesan desde hace años. La primera colaboración juntos se produjo con la canción Caroline en el tercer álbum de Carlile Give Up The Ghost (2009) y posteriormente co-escribieron e interpretaron juntos Never Too Late (2024) por la que además estuvieron nominados a un Oscar en 2025 porque esa canción formó parte del documental Elton John: Never Too Late y probablemente también fuera el germen de este álbum titulado WHO BELIEVES IN ANGELS ya que se ha incluido. Y lo que vamos a encontrar en este álbum es una auténtica fiesta del mejor piano pop. Cada canción es más grandilocuente que la anterior. En la apertura del álbum con The Rose Of Laura Nyro se vienen muy arriba y difícilmente baja el nivel en el resto de este trabajo. Tenemos que decir que el señor Elton John es un poco vampiro y parece un álbum más de su discografía. Aunque Brandi Carlile aporta toda la frescura que necesitaban sus últimos álbumes para que fueran más atractivos. Ya que últimamente la discografía de Elton John se estaba convirtiendo en una sucesión de discos alimenticios que solamente compraban sus fans. Este no lo es. Este puede interesar a muchísima más gente. De hecho, probablemente sea el mejor álbum de Elton John en años. No se puede decir lo mismo de Brandi Carlile cuyos dos últimos álbumes superan a este trabajo con creces. Pero siempre lo decimos. En cualquier disco que aparezca Carlile ya sea como compositora, productora o colaborando, es un disco que merece la pena ser escuchado. Porque tiene un exquisito gusto y lo único que hace siempre es sumar. No obstante esta producción está hecha para que el señor Elton John brille muchísimo y Brandi Carlile suba un peldaño más en su ascendente e imprarable carrera. Además encontramos acreditados nombres como los de Josh Kinghoffer, Pino Palladino, Chad Smith, Andrew What y como no, el eterno Bernie Taupin. La crítica ha quedado bastante contenta con un par de 100/100 por parte de publicaciones como The Telegraph o The Art Desk. Aunque la nota mayoritaria para este trabajo es de un 80/100 (MusicOHM, Clash, Mojo, The Independent, The Observer, Dork, Record Collector y Rolling Stone) Solo ha bajado un poco el cómputo el 50/100 de Far Out Magazine. La media final es de un 79 sobre 100. Por nuestra parte creemos que hay que celebrar cada disco como este que se edite porque lo que más transmite son ganas de vivir y eso ya es mucho para una leyenda del rock en los últimos años de su carrera. Aunque necesite ser un poco vampiro y beneficiarse del inmenso talento de Brandi Carlile. No merece menos de un 90 sobre 100.  

MEJORES MOMENTOS: Swing For The Fences, Never Too Late, Who Believes In Angels, You Without me, The River Man, Little Richard's Bible, 

MEDIA DE LA CRÍTICA: 79/100

NUESTRA VALORACIÓN: 90/100

BLACK COUNTRY, NEW ROAD - FOREVER HOWLONG

FOREVER HOWLONG es el tercer álbum de la banda de Cambridge BLACK COUNTRY, NEW ROAD después del aclamadísimo (y muy sobrevalorado) Ants From Up There (2022). La particularidad de este tercer álbum es la salida de su vocalista principal Isaac Wood en 2022 por enfermedad. Aunque la banda, que originariamente era un sexteto, no cierra las puertas a un posible regreso. La realidad es que ya no suelen tocar las canciones de la era Wood en sus conciertos y se puede decir que se han reinventado por completo para este tercer álbum producido por James Ford, en el que Georgia Ellery, May Kershall, Tyler Hyde y Lewis Evans han tomado el relevo como vocalistas principales, En FOREVER HOWLONG predomina una voz femenina que corresponde a Georgia Ellery y aunque tampoco es que haya afectado a la esencia de la banda. Muchos fans preferían a Isaac Wood como vocalista. Lo que podemos encontrar en este trabajo es un entramado de folk y pop progresivo jugando con el pop de cámara en algunas ocasiones y en otras con el pop barroco y sobre todo Art Rock. Recuerda mucho a la escena musical de Canterbury de los setenta y por citar a un referente más cercano, a Joanna Newsom. En cuanto a la crítica medios como Evening Standard, Dork o DIY le han valorado con un 100/100. MusicOHM, Far Out Magazine, Clash, The Line Of Best Fit, AllMusic y Under The Radar 90/100, en general las valoraciones muy favorables. Solamente hay discrepancias por parte de PopMatters y Spectrum Culture 60/100 y Sputnik Music 56/100. Por nuestra parte, este álbum nos gusta más y nos parece bastante mejor que el anterior, pero nos sigue pareciendo una banda muy sobrevalorada. Nuestra puntuación para este trabajo es de un 80 sobre 100. Porque un 100/100 nos parece una locura y un 56/100 totalmente injusto. La realidad es que técnicamente es perfecto, es obvio que son grandísimos músicos y han sabido sobreponerse a la adversidad reinventándose por completo. Otra cosa es que conectes con su propuesta.

MEJORES MOMENTOS: Besties, Happy Birthday, For The Cold Country, The Big Spin, Mary... 

MEDIA DE LA CRÍTICA: 83/100

NUESTRA VALORACIÓN: 80/100

JOSHUA RADIN - ONE DAY HOME

Da igual que lleve años haciendo lo mismo. No nos importa. Cada álbum de JOSHUA RADIN es una bendición para nuestros oídos. Este año ha regresado con ONE DAY HOME y es uno de esos discos de indie folk en el que predominan los sonidos acústicos y su voz suena perfecta. Esa voz humeante que controla el aire a la perfección en cada fraseo. ONE DAY HOME es un álbum que está mucho más cerca de los últimos trabajos de Ray Lamontagne. Aunque nos da la sensación de que a Radin nunca se le ha valorado tanto como a otros cantautores coetáneos y quizás ya va siendo hora de que alguien lo haga y esa parte nos va a tocar a nosotros hacerla. Si este blog se empezó a escribir un día, fue para hablar de toda esa gente infravalorada que nos hace la vida mucho más feliz con sus composiciones y JOSHUA RADIN fue una de tantas inspiraciones. Y hoy seguimos aquí tras más de quince años porque siempre hay un álbum mágico como ONE DAY HOME sobre el que escribir. Si no lo hubiera, seguramente ya nos habríamos ido. ONE DAY HOME es un álbum sincero y conmovedor que rezuma muchísima nostalgia y cierto equilibrio. Lo escuchas y te gustaría ser capaz de escribir sus palabras, con las que cualquiera se puede identificar. Desgraciadamente, es un disco que ha pasado un tanto desapercibido y ningún medio importante ha escrito sobre él y no existe ninguna valoración crítica, así que vais a tener que confiar en nuestro criterio una vez más. Nosotros no le vamos a dar el 100/100 por lo que decíamos al principio. Si conoces la obra de Radin, no hay demasiadas sorpresas, podría parecer que se repite. Aunque nos importa bien poco y eso no significa que este trabajo no sea bueno. Si tuvieramos que evaluarlo individualmente, sin tener en cuenta su discografía anterior, ese 100/100 sería suyo sin pensárnoslo ni dos segundos. Pero es honesto que evaluemos el conjunto de su discografía y ONE DAY HOME obtendría un 90 sobre 100 y sería su mejor trabajo en años. Probablemente, de las diez reseñas de este post, ONE DAY HOME sería nuestra recomendación más personal.   

MEJORES MOMENTOS: You Don't Need Anyone, I'm Coming Home, Same Star, Let Me Be Right, I Believe I'm Falling... En realidad nos es muy difícil elegir canciones. Somos de meternos en vena el álbum entero de principio a fin, en el orden que está grabado. 

MEDIA DE LA CRÍTICA:----

NUESTRA VALORACIÓN: 90/100

DJO - THE CRUX

Detrás de DJO se esconde el músico, cantante y compositor Joe Keery también conocido por su faceta de actor (Es Steve Harrington es Strangers Things). THE CRUX es su tercer álbum de estudio. Un álbum que ha producido él mismo junto a Adam Thein que también es co-autor de dos canciones del álbum. El resto, ha sido compuesto por Keery en solitario. Lo que vais a encontrar es un álbum de indie rock o indie pop que transita hacia el pop hipnagógico con un sonido más accesible y melódico influido por el pop psicodélico de los sesenta y setenta. Lo que no vais a encontrar es el típico producto del actor metido a cantante y queremos dejar esto claro, porque existen muchos prejuicios cuando se conocen algunos datos biográficos de los artistas. Aunque tampoco os vamos a engañar, este álbum ha funcionado bien en charts, tiene varios singles potenciales y ha amasado millones de reproducciones en las plataformas a pesar de que fue lanzado de manera independiente por AWAL. Y sinceramente, sus resultados se alejan bastante de lo que nosotros entendemos por "independiente". La crítica le ha otorgado una media de 75 sobre 100 con valoraciones altas de 90/100 por parte de DIY y AllMusic; 82/100 de Paste; 80/100 de Clash, Northern Transmissions y The Line Of Best Fit; 70/100 de Rolling Stone y las notas más bajas son los 60/100 de Mojo, Uncut y Far Out Magazine y el 59/100 de Pitchfork. Curiosamente, todo el que ha escuchado THE CRUX coincide en la gran evolución de Keery y que es su mejor trabajo, aunque sus dos álbumes anteriores hayan obtenido medias más altas. El motivo es que tuvieron menos reseñas que este tercer trabajo y ya hemos comentado otras veces que cuantos más medios aportan valoraciones desiguales, la tendencia del algoritmo de Metacritic es a la baja. Por nuestra parte es un álbum que nos ha gustado. Nos ha recordado un poco a lo que hace The Lemon Twigs e incluso y salvando mucho las distancias encontramos algunas reminiscencias de The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars (1972) de David Bowie y algunos otros detalles que lo hacen entre interesante y fascinante. Un 85 sobre 100.  

MEJORES MOMENTOS: Potion, Basic Being Basic, Lonesome Is A State Of Mine, Delete Ya, Link, Fly, Charlies Garden...

MEDIA DE LA CRÍTICA: 75/100

NUESTRA VALORACIÓN: 85/100

HORSEGIRL - PHONETICS ON AND ON

PHONETICS ON AND ON es el segundo álbum de estudio de la banda de indie pop de Chicago HORSEGIRL que está compuesta por Nora Cheng, Penelope Lowenstein y Gigi Reece. El álbum está producido por Cate Le Bon. HORSEGIRL debutó hace tres años con Version Of Modern Performance (2022) un álbum con un sonido desenfrenado y... ¿Por qué no decirlo? Inmaduro. Y lo que se está alabando principalmente de este segundo trabajo es su evolución hacia una propuesta más introspectiva, minimalista y por supuesto, madura. HORSEGIRL en este trabajo deambula entre el indie pop, post-punk revival, Slacker Rock y Twee pop. Es cierto que estas tres chicas son tres músicos aventajados. Pero la mano de Cate Le Bon probablemente también tenga mucho que ver con la buena repercusión que está teniendo. En cuanto a la crítica, publicaciones como The Guardian o Spill Magazine han caído rendidas y le han otorgado el 100/100. Overblown, AllMusic y Exclaim! 90/100; PopMatters, Mojo, NME y Uncut 80/100; Slant y Far Out Magazine 70/100; The Line Of Best Fit y No Ripcord 60/100. Aunque la nota más polémica es el 40/100 de Record Collector. Por nuestra parte es un 85 sobre 100 pero podríamos entender algunas críticas negativas. Nosotros siempre nos remitimos a los noventa y a un grupo que se llamaba Veruca Salt y estamos viendo que bandas actuales están haciendo todavía lo que ellas hacían hace treinta años y nadie dice nada. En este caso, quizás sea una versión ampliada, corregida y actualizada. Pero ese referente oculto que luego nadie cita está ahí siempre. Resulta que Veruca Salt se ha convertido en una de las bandas más influyentes del indie actual y nos da la sensación de que ni lo saben estas chicas de HORSEGIRL, ni las propias Veruca Salt. En fin... Eso es el indie, al fin y al cabo. Por lo demás, es un álbum muy recomendable por mucho que en Record Collector las hayan llamado inexpresivas.   

MEJORES MOMENTOS: 2468, Rock City, Julie, Switch Over, Frontrunner, Where Do You Go?, In Twos...

MEDIA DE LA CRÍTICA: 82/100

NUESTRA VALORACIÓN: 85/100