SHELBY LYNNE: SORORIDAD Y MAXIMALISMO.

SHELBY LYNNE, que es uno de nuestros referentes, vuelve con un nuevo trabajo titulado CONSEQUENCES OF THE CROWN. No publicaba material inédito desde el excelente Shelby Lynne (2020) del año de la Pandemia. Ya sabéis que nos gusta recomendar álbumes de ese año. Porque se escucharon bastante menos y muchos pasaron desapercibidos. Es un buen momento para recuperar ese álbum porque es bastante mejor que este. Y no es que CONSEQUENCES OF THE CROWN sea un mal disco. Ningún álbum de SHELBY LYNNE lo es. En realidad es un álbum bastante arriesgado porque se sale un poco de lo que nos tiene acostumbrados, quien busque un álbum de americana o country al uso, mejor que lo deje. Lynne coquetea con otros muchos estilos entre los que destacan el Soul y con el uso (y abuso) de bases con sintetizadores, algunas incluso funk, en sus canciones, además de coros muy luminosos que se acercan al gospel, sin terminar de serlo. Digamos que es un álbum maximalista a más no poder. A pesar de todas esas novedades, la prensa especializada sigue recurriendo a su álbum de hace venticuatro años I am Shelby Lynne (2000) para hablar de este nuevo trabajo. Algo que nos da una pereza terrible. Porque pensando en su carrera posterior, ese álbum está más que superado por mucho que fuera una obra maestra. En cuanto a las colaboraciones que rodean a este trabajo, la propia SHELBY LYNNE ha declarado que nunca ha trabajado en un ambiente más distendido con un equipo, que en esta ocasión, eran todas mujeres. La cantante Country Ashley Monroe que ha co-escrito algunas de las canciones junto con Lynne y Karen Fairchild de Little Big Town. La producción musical corre a cargo de la propia SHELBY LYNNE y la productora e ingeniera de sonido Gena Johnson. Toda esta presencia femenina ha repercutido en la temática de las letras y se puede decir que trabajando juntas han dado toda una lección de empoderamiento y sororidad.   

De momento solo tenemos dos valoraciones críticas 72/100 de Spectrum Culture y 70/100 de PopMatters que hacen una media de 71 sobre 100. Nosotros pensamos que CONSEQUENCES OF THE CROWN es su álbum más sobreproducido, hasta en cortes que no hubieran necesitado mucho más que una guitarra o un piano como Keep The Light On, hay un momento en que el que el "más es más" la supera y siempre nos ha gustado más la SHELBY LYNNE minimalista que lo controla todo como en su obra maestra Revelation Road (2011). Aún así, pensamos en el esqueleto de todas estas canciones y cómo pueden ser llevadas al escenario en acústico, con mucha menos producción y no deja de ser un excelente material. Por eso nuestra nota para CONSEQUENCES OF THE CROWN es de un 80 sobre 100. 

MEJORES MOMENTOS: Butterfly, Gone To Bed, Over And Over, Keep The Light On, Mr Regular, 

MEDIA CRÍTICA: 71/100

NUESTRA VALORACIÓN: 80/100

GILLIAN WELCH & DAVID RAWLINGS: ALTAS COTAS DE PERFECCIÓN.

 

WOODLAND de GILLIAN WELCH & DAVID RAWLINGS es un álbum esperadísimo. Porque si tenemos en cuenta que el primer álbum firmado por este dúo fue All The Good Times (Are Past & Gone) (2020) y se trataba de un álbum de versiones y canciones tradicionales con el que ganaron el Grammy al mejor álbum de Folk en su año de producción. WOODLAND supone el regreso de GILLIAN WELCH con material inédito desde su obra maestra The Harrow & The Harvest (2011) y de DAVID RAWLINGS desde Poor's David Almanack (2017). Lo primero que tendríamos que aclarar es que aunque esté firmado como un dúo, DAVID RAWLINGS lleva colaborando en los álbumes de GILLIAN WELCH toda la vida, ya lo dijimos cuando hablamos de Welch en el 2011 y es oportuno recordarlo ahora. Musicalmente lo que nos ofrece WOODLAND es bastante rico. Aunque decir eso es una obviedad cuando estamos hablando de dos de los músicos que mejor dominan el Folk, además de un abanico de géneros que van desde el country alternativo hasta la americana y pasando por el blugrass. Por no hablar del universo lírico de GILLIAN WELCH. Recomendamos escuchar sus canciones leyendo sus letras. Porque es un álbum que esconde muchos matices y muchos detalles que lo hacen grande. Normalmente cuando nos enfrentamos a uno de estos álbumes en los que sus autores tienen una inteligencia compositiva desbordante, sabemos que hay que hilar muy fino en las escuchas. Cuando hemos estado seleccionando las canciones para rellenar la casilla que veréis más abajo de "Mejores Momentos" casi las acabamos poniendo todas. Aparte es un disco con sonido Nashville 100%, ese sonido que muchos anhelan encontrar y no siempre lo consiguen, a ellos les brota con una naturalidad que llega a dar un poco de miedo. Porque estamos hablando de unos límites de perfección un tanto inusuales hoy día.  

En cuanto a la crítica WOODLAND ha gustado bastante. Ha recibido una media de 89 sobre 100 que se distribuye de la siguiente manera: The Observer le otorga el 100/100 y considera que es uno de los mejores álbumes del año y el resto de las valoraciones no decaen en ningún momento. Uncut 90/100; Paste 84/100; Pitchfork y Rolling Stone 80/100. Nuestra nota para este álbum la tenemos muy clara, seríamos unos profesionales horribles si no puntuáramos este disco con una nota menor del pleno. El 100 sobre 100. Aunque aviso a navegantes, es inquietantemente perfecto para nuestro gusto. Que no os extrañe que cuando hagamos nuestra lista de los mejores álbumes del año pongamos por delante a otros álbumes con menos nota y bastante más imperfectos. Porque también valoramos las imperfecciones. Lo único que podemos añadir es que este es uno de esos discos de los de uno entre un millón, que en España un álbum como WOODLAND tiene un mercado muy complicado y que los pocos españoles que lo descubran y sepan disfrutarlo, seguramente serán unos privilegiados.  

MEJORES MOMENTOS: Hashtag, Empty Trainload Of Sky, What We Had, North Country, The Day The Mississippi Died, Here Stands A Woman... 

MEDIA CRÍTICA: 89/100

NUESTRA VALORACIÓN: 100/100

MORGAN WADE: IMAGINARIO CAÓTICO.

 

OBSESSED de MORGAN WADE (Virginia, 1994) es otro de los álbumes que se publicaron este Verano que ya ha terminado. Es el tercer álbum de estudio de esta cantante y compositora americana de country. Aunque en esta ocasión nos encontramos con un álbum de country rock y como todas estas artistas country de la última hornada, parece que no terminan de estar cómodas en el género y quieren transitar hacia el pop u otros géneros en el futuro y van dejando miguitas de pan en el camino, para que no se nos olvide. Yo les recordaría a estas artistas que lo que le ha ocurrido a Taylor Swift, no les va a pasar a todas. De hecho, la siguiente en transitar a otros géneros fue Kacey Musgraves y es cierto que no le va mal. Pero no le ha pasado lo mismo que a Swift, de momento. OBSESSED cuenta con un buen puñado de canciones bastante efectivas compuestas absolutamente todas por MORGAN WADE y sin ninguna ayuda. Queremos recalcar este hecho, porque la mayoría de los cantantes de los que hablamos aquí componen canciones con decenas de co-autores. En su caso, cuenta que las compuso en los tiempos muertos de su gira, a veces con jetlag y totalmente sola. Eso puede explicar las alucinaciones, la ansiedad y todo el imaginario a veces caótico que rodea a estas canciones. El álbum está producido por Clint Wells y cuenta con la colaboración de Kesha en uno de los cortes. 

En cuanto a la crítica, no ha tenido demasiada repercusión. Solamente dos medios han valorado OBSESSED y más vale que no lo hubieran hecho. American Songwriter le otorgó un 70/100 y Sputnikmusic un 66/100. Esto hace una media de 68 sobre 100. Para que os hagáis una idea, un 60/100 equivale a tres estrellas. Que para nosotros es el aprobado por los pelos o la nota de la mediocridad. Algo que no es bueno, pero tampoco malo. Todo lo que baje de 60/100 se consideraría una mala nota. Los dos primeros álbumes de MORGAN WADE obtuvieron mejor media crítica: Reckless (2021) 75/100 y Psicopath (2023) 70/100. Obviamente, si nos hemos molestado en escribir esta reseña, con la cantidad de álbumes que tenemos en lista de espera, es porque no tenemos pensamiento de cargarnos este disco. De hecho, encontramos un componente intimista que no veíamos tan claro en sus trabajos anteriores y que nos gusta. Nos ha recordado en algunos momentos a la casi olvidada Anna Nalick que empieza a convertirse en un referente recurrente un tanto oculto en artistas del presente. Especialmente en cortes como Deconstruction. También hay que recordar que se trata de un álbum mainstream con el apoyo de un sello discográfico importante (RCA) aunque a priori pueda parecer un producto más independiente. Y eso es algo que lo cambia todo. De hecho, mucho nos tememos que si esto fuera uno de esos discos totalmente indies sin apoyo de una discográfica tan potente, a lo mejor no hubiese tenido ninguna valoración crítica. Pero en el caso de tenerlas, os aseguramos que no habrían sido tan bajas como las que ha obtenido. Nuestra nota para OBSESSED es de un 85 sobre 100.    

MEJORES MOMENTOS: Reality, Deconstruction, 2AM In London, Walked On Water, Moth To A Flame, Halloween, Total Control... 

MEDIA CRÍTICA: 68/100

NUESTRA VALORACIÓN: 85/100

BEABADOOBEE Y SU ÁLBUM CON RICK RUBIN.

 

BEABADOOBEE es una cantante y compositora de pop nacida en Filipinas, aunque vive en Londres desde que tiene tres años y ha desarrollado toda su carrera en la escena británica. Todo empezó grabando unos cuantos Eps para un sello indie (Dirty Hit) con los que todavía sigue grabando y lo demás, es historia. Porque ha teloneado a The 1975, Halsey o más recientemente a Taylor Swift en The Eras Tour y hace unas semanas publicaba su tercer álbum de estudio THIS IS HOW TOMORROW MOVES, producido nada menos que por Rick Rubin. Todo apunta a que es su mejor álbum hasta el momento. Comercialmente es su trabajo mejor posicionado en los Charts. Y si echáis un vistazo al número de reproducciones que tiene en Spotify va bastante mejor que la mayoría de los artistas de los que hablamos en este blog. Trabajar con Rick Rubin en un tercer álbum siendo tan sumamente joven supone su confirmación. Porque solamente tiene 24 años y muchos ven este álbum como su álbum más "adulto" porque se aleja de la exploración del agobio de la adolescencia de sus álbumes anteriores. Aunque podría ser incluida en el fenómeno de cantante confesional de última hornada por su voz melódica y dulce, BEABADOOBEE marca la diferencia con un álbum de indie rock en el que juega con elementos de Dream Pop e Indie pop y está muy influido por los primeros 2000. Aunque si le preguntas a BEABADOOBEE por sus referentes te hablará seguramente de Elliott Smith, Mazy Starr o Daniel Johnston. 

En cuanto a la Crítica, su álbum mejor valorado es su debut Fake It Flowers (2020) con un 81/100 siempre según Metacritic, pero la realidad es que si miras otro agregador de críticas como Albumoftheyear.org no hay demasiada diferencia entre las medias de los tres álbumes que tiene publicados. Por eso podemos decir que independientemente de la valoración numérica de 79 sobre 100 para THIS IS HOW TOMORROW MOVES, es su mejor trabajo hasta el momento. Esta media se distribuye de la siguiente manera: PopMatters 90/100; Paste, MusicOHM, The Observer, Rolling Stone, The Telegraph, Clash y NME 80/100; Pitchfork 74/100; Slant 70/100 y Mojo y The Skinny 70/100. Nosotros cuando nos enfrentamos a una nueva artista, porque a pesar de tener ya tres álbumes publicados, no deja de ser una artista novel, lo primero que buscamos es lo que tiene de especial que la diferencie del resto. Con BEABADOOBEE nos ha costado. No sabemos muy bien si es por la cantidad de artistas de corte similar de las que hemos hablado (y seguiremos hablando) este año. O la sensación de dèjá vu que nos deja sus canciones. Pero tenemos que reconocer que es un disco que hemos escuchado mucho y al final si hemos encotrado que lo que la diferencia del resto son sus grandes aptitudes para la composición, porque vocalmente nos suena familiar. Es como si metieras en una coctelera a Vienna Teng, Rina Sawayama y Marie Digby y sacaras lo mejor de cada una. Y por supuesto, que este disco no sería ni la mitad de bueno sin la producción del señor Rubin. Nuestra nota es un 86 sobre 100.  

MEJORES MOMENTOS: Coming Home, Take A Bit, Ever Seen, Beaches, This Is How It Went, California, One Time...

MEDIA DE LA CRÍTICA: 79/100

NUESTRA VALORACIÓN: 86/100

RACHEL CHINOURIRI MARCA LA DIFERENCIA.

 

WHAT A DEVASTATING TURNS OF EVENTS es el álbum debut de RACHEL CHINOURIRI una cantante y compositora británica de origen africano. Sus padres emigraron al Reino Unido desde Zimbabue. El hecho de que sus padres sirvieran como niños soldados en la guerra de su país antes de emigrar, despertó cierta conciencia política en RACHEL CHINOURIRI que siempre está al lado y apoyando a las víctimas de las guerras. Musicalmente empezó a despuntar en 2018 cuando colgaba sus singles en SoundCloud. Su actividad en esta plataforma y su presencia en Redes Sociales le consiguieron un contrato con una major (Parlophone), con ellos grabó su primer éxito So My Darling, que además se viralizó en Tik Tok. Más tarde editaría su primer Ep titulado Mama's Boy en 2019 con gran éxito crítico y tras ser nominada al BBC Sound Of 2023, en 2024 nos llegaba por fin su álbum debut WHAT A DEVASTATING TURNS OF EVENTS. Chinouriri cuenta que tuvo una educación africana tradicional por parte de sus padres, pero abrazó la cultura musical británica y sus bandas de referencia son Daughter, Girls Aloud, The Saturdays, The Sugarbabes o Lily Allen. Aunque también cayó rendida bajo la influencia del britpop de Oasis, Blur y The Libertines. Ella cita como influencia también los primeros álbumes de Coldplay o a la banda coral africana Ladysmith Black Mambazo. Y aunque podría parecer que no, podemos decir que esos referentes no han caído en saco roto. Hemos notado que hay muchas cantantes británicas cortadas por el mismo patrón. RACHEL CHINOURIRI se aparta de muchos parámetros y lugares comunes de todas esas cantantes y está más cerca del indie pop a pesar de que su disco está multiproducido por una decena de productores entre los que destacan Rich Turvey y Kenny Beats y está distribuido por una major.

En cuanto a la crítica este álbum debut de título interminable ha conseguido una media de 83 sobre 100 que se distribuye de la siguiente manera: DIY 90/100; NME, Clash, The Line Of Best Fit, The Telegraph, The Skinny y The Observer 80/100 y Pitchfork 75/100. Por nuestra parte lo que más destacamos de RACHEL CHINOURIRI es lo gran compositora que es. A lo que hay que sumar los matices de su voz con esos trinos que en ocasiones pueden recordar a Minnie Riperton o esa sobriedad y seriedad que le acompaña en otros cortes más cercana a cantantes con un repertorio más clásico como Laufey, por ejemplo. Lo que está claro es que dentro del panorama de la música británica, con la inmensa cantidad de cantantes excelentes que van surgiendo y de las que hablamos prácticamente cada mes, RACHEL CHINOURIRI brilla y se diferencia del resto sin esforzarse demasiado. Nuestra nota es de un 88/100 para WHAT A DEVASTATING TURNS OF EVENTS que es otro de esos álbumes debuts redondos a los que nos tienen mal acostumbrados la industria musical británica. 

MEJORES MOMENTOS: All I Ever Asked, Never Need Me, The Hills, What A Devasting Turn Of Events, Robbed, So My Darling...

MEDIA DE LA CRÍTICA: 83/100

NUESTRA VALORACIÓN: 88/100

LA CONFIRMACIÓN DE MJ LENDERMAN.

 

MJ LENDERMAN (Carolina del Norte, 1999) es un cantante, compositor y multiinstrumentista americano y MANNING FIREWORKS es su cuarto álbum de estudio, esta vez con los sellos indies Anti- y Epitaph. Aunque MJ LENDERMAN últimamente tiene el respaldo de la crítica, sus inicios en la música fueron un tanto duros. Compaginaba su labor de guitarrista en la banda Wednesday trabajando en una heladería, cuando no estaba desempleado. Aunque esos tiempos no muy lejanos ya pasaron porque desde el lanzamiento de su tercer álbum Boat Song (2022) obtuvo cierto reconocimiento y cambió un poco su suerte. Lenderman nos presenta un álbum de tan solo nueve cortes en el que deambula por el mejor alt-country con elementos de indie rock o incluso slacker rock. Es un álbum que se hace bastante corto. Una canción como She's Leaving You, tiene madera de hit y el resto quizás un poco menos. Pero su calidad es innegable y todas las canciones en general mantienen un excelente nivel. El álbum está producido por MJ LENDERMAN y Alex Farrar y absolutamente todas las canciones están compuestas por Lenderman letra y música y sin ninguna ayuda de otros autores. La temática de las canciones responden al universo de su autor con muchos personajes ficticios y es un análisis en el que se cuestionan algunas masculinidades, impregnado todo con toques de religión. Pero no os asustéis, todo llevado con ingenio y cierta ironía. Nos da la impresión de que no se toma demasiado en serio a sí mismo... O quizás sí.    

En cuanto a la crítica, ha llegado a conseguir una media de 88 sobre 100 sin que ningún medio le haya dado el pleno, ni tampoco una nota inferior a 80/100. La nota máxima son los 92/100 de Paste. Aunque también reune unos cuantos 90/100 por parte de Dusted, MusicOHM, Exclaim!, The Line Of Best Fit y Uncut. Se completa con 87/100 Pichfork, 85/100 Under The Radar y 80/100 HipHopDx, The Observer, Clash, NME, PopMatters, Rolling Stone, Mojo, Slant y The Skinny. A nosotros se nos ha hecho muy corto. En nuestra sección de "Mejores Momentos" hemos escrito los nombres de algunas canciones, pero la verdad es que es un álbum en el que todas las canciones son buenas y fluye bastante bien si se escuchan todas en el orden que han sido grabadas, cosa que cada día hace menos gente, Salvando las distancias, a nosotros nos ha recordado a un joven Ryan Adams, aunque ya sabemos que está en el ostracismo y que su nombre ya casi ni se puede pronunciar. Pero no se puede negar nunca el talento de Adams y en MANNING FIREWORKS encontramos muchas similitudes con los mejores trabajos de su primera etapa. Para nosotros este álbum no merece menos de un 90 sobre 100 porque tenemos la sensación de que esto es el principio de algo grande, independientemente de que su disco anterior funcionara muy bien y también fuera aclamado por la crítica. Este álbum es su confirmación y todo lo que va a venir después va a ser mejor.   

MEJORES MOMENTOS: She's Leaving You, Joker Lips, Rudolph, Bark At The Moon, Manning Fireworks, Wristwatch...

MEDIA CRÍTICA: 88/100

NUESTRA VALORACIÓN: 90/100

THE CACTUS BLOSSOMS: CÓMO DEJAR IR A UN AMOR.

Teníamos mucha curiosidad por ver como sería este nuevo trabajo de THE CACTUS BLOSSOMS después del buen sabor de boca que nos dejó su álbum anterior One Day (2022). Tampoco esperábamos grandes cambios en EVERY TIME I THINK ABOUT YOU porque los hermanos Torrey y Parker Barkum tienen un estilo muy definido y han encontrado su propia fórmula y tampoco necesitan experimentar demasiado. De hecho, no lo hacen y se agradece. El gran problema es que puede que este álbum no se valore lo suficiente porque viene justo detrás del que probablemente es el mejor álbum del dúo. Pero ese es el riesgo que se corre cuando un álbum consigue cierto reconocimiento. El siguiente, lo tiene un poco más difícil. Y la verdad es que no podríamos decir nada malo de EVERY TIME I THINK ABOUT YOU que se siente más contemporáneo que One Day (2022) que quizás sabía jugar mejor la baza retro, una de las señas de identidad del dúo. Obviamente, sus influencias siguen siendo las mismas que mencionamos en la entrada anterior que escribimos sobre ellos. Sus armonías siguen recordando a The Everly Brothers. Pero para ser un álbum de temática romántica principalmente. Es un catálogo de canciones sobre dejar ir a alguien a quien queremos (no existen las canciones de amor, si no las de desamor), no es un álbum plagado de baladas como cabía esperar. Hay momentos para canciones rockeras (El primer corte es un blues rock), el más depurado Alt-Country y algún toque de Rockabilly. Es un álbum que consigue cierta cohesión y coherencia. Algo que hoy día no es tan habitual. En cuanto a la producción del álbum, la han llevado a cabo los propios hermanos Barkum así como la composición de todos los temas. En el apartado de mezclas han contado con Alex Hall. 

En cuanto a la crítica, estamos un poco consternados. Porque el fin de semana que se editó este trabajo tampoco es que hubiera demasiados discos que nos llamaran la atención más que este. Pensábamos que muchos medios se interesarían por darle sus valoraciones y, hasta el momento en que escribimos esto solamente ha sido Uncut quien se ha pronunciado y más vale que no lo hubiera hecho porque se ha cargado el disco sin piedad alguna, con una valoración de 50 sobre 100. Que por no tener ningún dato más hasta el momento, lo adoptamos como media crítica general. Es atípico que un álbum aparezca con una única nota (y además tan baja) en un agregador de críticas. Lo normal es que haya una o dos notas más para contrarrestar. Así que mucho nos tememos que, de momento, nuestro 85 sobre 100 va a ser el único dato para contrarrestar ese 50/100 de Uncut. A nosotros nos parece incluso ofensivo darle un 50/100 a un álbum como EVERY TIME I THINK ABOUT YOU. Es cierto que THE CACTUS BLOSSOMS no inventan la pólvora en este trabajo. Pero todos sabemos que esa nunca ha sido su pretensión. Se trata de un buen puñado de buenas canciones sobre seguir adelante y dejar ir a un amor. Porque también se quiere a las personas cuando las dejas ir. Y sobre esa idea han construido un álbum coherente, bien cohesionado y fiel a un estilo que ellos mismos eligieron desde su primer trabajo. No creemos que haya que pedirles mucho más. Eso sí, One Day (2022) era bastante mejor álbum.   

MEJORES MOMENTOS: Statues, There She Goes, Something's Got A Hold On Me, Every Time I Think About You, Go On, Be What I Wanna... 

MEDIA CRÍTICA: 50/100

NUESTRA VALORACIÓN: 85/100

UN ARTESANO LLAMADO LEWIS McLAUGHLIN

 

Tenemos la sensación de que para hablar del escocés LEWIS McLAUGHLIN tendríamos que volver a hacer las mismas presentaciones que hicimos cuando reseñamos su magnífico álbum debut Feel The Ground You Walk Upon (2022). Porque nada ha cambiado. Sigue siendo el mismo cantautor de folk humilde y artesano totalmente independiente y sigue sin haber más información sobre él más allá de sus propias Redes Sociales. ¿Para cuando una ficha en Wikipedia? Esta vez nos presenta su segundo álbum de estudio titulado A HOPE IN FEAR y vuelve a contar con Andy Monaghan, el mismo productor con el que trabajó en su álbum anterior. Sobre si existe una evolución de un trabajo al otro... La respuesta también la dimos en la entrada anterior. LEWIS McLAUGHLIN es un músico y un compositor bastante dotado y en su álbum anterior el nivel era altísimo, porque no parecía un álbum de un debutante. Era como si tuviera el alma de un anciano poseedor de todos los secretos del folk y eso fue lo que nos cautivó y lo que hizo que le diéramos un 100/100 y acabase en el puesto Nº21 de nuestra lista de los mejores álbumes de su año de producción. En este segundo disco no ha bajado el nivel. Pero se ve mucho más relajado. Si su álbum anterior se caracterizaba por la visceralidad y la crudeza a la hora de abordar algunas de sus composiciones, en este nuevo trabajo encontramos canciones mucho más alegres y luminosas y es otro registro que también le funciona a la perfección. Uno de los momentos más bonitos de este álbum llega con la canción Those Days en la que interviene la cantante austríaca, y escocesa de adopción, NANI. Es un dúo que nos recuerda un poco a los momentos mágicos que nos regalaron Damien Rice y Lisa Hannigan en el pasado.  

En cuanto a su relación con la crítica, tampoco ha cambiado nada desde la última vez que escribimos sobre LEWIS McLAUGHLIN, mucho nos tememos que nosotros somos de los pocos que hemos reseñado y valorado su obra y así parece que va a seguir siendo. Hemos retrasado un poco nuestra reseña para ver si dábamos tiempo a que surgiesen otras valoraciones de la prensa especializada. Pero a día de hoy, siguen sin existir. Este segundo álbum nos ha sorprendido porque hemos encontrado algunas diferencias con el anterior que no nos esperábamos. Especialmente en el tono de las canciones. Seguimos pensando que es un músico que se las sabe todas y al que solo le faltaría para jugar en otra liga, una discográfica potente y el publicista de Sabrina Carpenter. Pero de momento, es todo un orfebre de pequeñas joyas como este A HOPE IN FEAR que es todo un ejemplo de labour of love, algo que ha quedado muy claro con lo que nos ha ido mostrando del proceso de creación en sus Redes Sociales con muchísima vitalidad. Para nosotros A HOPE IN FEAR es un 90 sobre 100 y nos encantaría que no pasara desapercibido. 

MEJORES MOMENTOS: Those Days, Getting Better, Rain On Me, A Hope In Fear, Over The Moon, Burning True, Pressure, Human Being...

MEDIA CRÍTICA:----

NUESTRA VALORACIÓN: 90/100

EL FINAL DEL VERANO DE PETE YORN.

En los últimos años PETE YORN se ha convertido en el paradigma del artista indie de verdad. Gestionando él mismo su carrera desde sus Redes Sociales y trabajando con un sello discográfico modesto (Shelly). La última vez que hablamos de él fue con el excelente Hawaii (2022). Un álbum que pasó un tanto desapercibido para ser una pequeña joya del rock contemporáneo. Ahora vuelve con THE HARD WAY cuyo lanzamiento coincide con el final del Verano y lo que encontramos son ocho canciones perfectas con el auténtico y genuíno sonido PETE YORN. No sabemos si es casualidad o premeditado, pero THE HARD WAY está plagado de baladas. Aunque como siempre decimos, no responden al concepto común que tiene la gente sobre lo que es una balada. En este caso son canciones bastante directas y tan crudas como el desierto de la portada (Obra de su esposa Beth) que desprenden cierta melancolía. La misma que te produce ver un atardecer de finales de Septiembre y pensar que se termina el Verano. Ya dijimos que veneramos a PETE YORN porque encontró su propio sonido desde su primer álbum. Luego tuvo una etapa un tanto irregular en la que exploró otras posibilidades más rockeras. Pero desde Arranging Time (2016) se ha centrado en perfeccionar su huella y hoy día, lo que él hace, solo lo puede hacer él y nos está dando los mejores álbumes de su carrera. Este también es absolutamente maravilloso. Algunas canciones están co-escritas con Josh Gudwin, el productor del álbum, que ha sabido sacar lo mejor que Yorn en este trabajo. Lo único que no nos gusta es que solamente tenga ocho canciones y dure venticinco minutos. Se nos hace muy corto y lo mejor es ponerlo en bucle. Aunque luego pensamos en lo que hizo Cassandra Jenkins en su último trabajo, y preferimos esta contundencia de ocho únicas canciones brillantes, sin interludios, ni canciones de relleno para alargar más el álbum. En eso, Yorn le da una lección a todos estos artistas emergentes que la crítica considera que son muy cool y lo único que hacen es encasquetarnos canciones de relleno en sus álbumes. 

En cuanto a la crítica, hace tiempo que muy pocos medios reseñan los álbumes de PETE YORN y este nos da la sensación de que les ha debido pillar por sorpresa, a pesar de que la canción Someday, Someday se adelantó en Febrero. De hecho, es muy probable que los que no sigan a Yorn en sus Redes Sociales no se hayan enterado de su existencia. De momento, no hay ninguna valoración crítica. Si se produce alguna de aquí a Diciembre, reescribiremos y/o acotaremos esta entrada. Así que mucho nos tememos que vais a tener que confiar una vez más en nuestro criterio y puede que con PETE YORN no seamos demasiado objetivos porque nos parece ese outsider al que recurrimos siempre. Para nosotros es un artista de culto. Cualquier Playlist que se precie, está incompleta sin una canción suya. El tiempo lo ha puesto en su sitio. A Hawaii (2022) le dimos el 100/100 y nos animó mucho que otros medios como Albumism también se lo dieran. Fue como decir: "Por fin otros han visto lo que nosotros llevamos viendo hace mucho tiempo". THE HARD WAY es un álbum bastante diferente de Hawaii (2022). Este es más folk pop, el anterior era más rockero. Este es más acogedor, el otro era mucho más abierto. Pero Yorn sabe manejar todos los estilos y códigos posibles dentro de ese abanico. De corazón, no podemos darle menos de otro 100 sobre 100. Y aprovechamos para darle las gracias a PETE YORN desde aquí, que sabemos que nos ha leído alguna vez y respondido desde sus Redes Sociales, porque ha contribuido en acrecentar nuestro amor por la buena música y con cada nuevo álbum que saca lo incentiva muchísimo más. 

MEJORES MOMENTOS: Las ocho canciones, tal cual. Escuchadas todas una detrás de otra y sin usar el modo aleatorio. Recomendamos poner modo repeat para que comiencen de nuevo cuando terminen.

MEDIA DE LA CRÍTICA: ----

NUESTRA VALORACIÓN: 100/100

ÁLBUMES REPESCADOS: NATHANIEL RATELIFF AND THE NIGHT SWEATS, FINK, ZACH BRYAN, AVERY ANNA, REDD KROSS, CHELSEA WOLFE, TRAVIS, JAKE XERXES FUSELL, LOS CAMPESINOS! y TYLA.

Nuestra cita de Septiembre con nuestros álbumes repescados. Ya sabéis... Esos álbumes que se nos acumulan por el exceso de lanzamientos y también nos apetece hablar de ellos. En esta ocasión nos ha quedado una selección bastante curiosa. Os recordamos que esto no es ninguna lista que responda a nuestras preferencias. De hecho, el orden que seguimos para hablar de estos diez discos es completamente aleatorio, ni siquiera están por orden alfabético... Nos encanta el caos. 

NATHANIEL RATELIFF AND THE NIGHT SWEATS - SOUTH OF HERE

El verano nos dejó SOUTH OF HERE, el último trabajo de NATHANIEL RATELIFF AND THE NIGHT SWEATS. Los críticos luego dirán lo que les dé la gana. Pero Rateliff hace tiempo que, junto a Jason Isbell, está haciendo álbumes mucho más interesantes que los que está haciendo Bruce Springsteen en los últimos años y aunque hay quien se atreve a reconocerlo, tenemos la sensación de que no se está valorando lo suficiente. SOUTH OF HERE es un álbum de raíces americanas. Puede que el corte que abre el álbum nos despiste un poco. Porque parece firmado por Paul McCartney o el Paul Simon de los ochenta. Pero es como un espejismo que una vez que pasa, nos encontramos con un trabajo plagado de himnos de la mejor americana. Es el cuarto álbum que NATHANIEL RATELIFF firma con su banda de acompañamiento THE NIGHT SWEATS aunque él tiene firmados otros cuatro en solitario ya que lleva más de dos décadas en la música a pesar de tener solamente cuarenta y cinco años. Todas las canciones de este álbum las ha compuesto el propio Rateliff y viene producido por Brad Cook. La crítica le ha otorgado una media de 78 sobre 100. Es cierto que la mayoría de los medios han coincidido en el 80/100 (Uncut, Classic Rock y Mojo) pero su media ha bajado con el 60/100 de Record Collector. Nosotros sinceramente nos parece muy injusto puntuar este álbum incluso con un 80/100. Cada día se valora menos a los artistas con tablas y cierta veteranía. Casi siempre con los mismos argumentos para ningunearlos. SOUTH OF HERE no merece menos de un 85 sobre 100 y esa es nuestra nota.    

MEJORES MOMENTOS: Heartless, David And Goliath, Cars In The Deserts, Get Used To The Night

MEDIA CRÍTICA: 78/100

NUESTRA VALORACIÓN: 85/100

FINK - BEAUTY IN YOUR WAKE

FINK es un intérprete, compositor, productor y DJ británico de enorme talento que lleva más de dos décadas en la música con una carrera de lo más variada e interesante a la par que discreta. Es muy probable que en nuestro país sea un perfecto desconocido. Recientemente ha publicado su úndecimo álbum de estudio titulado BEAUTY IN YOUR WAKE. Un álbum de indie folk con una factura excelente e impecable tanto en producción y composición. Canciones que rezuman auténtica belleza con reminiscencias a las atmósferas de Radiohead de los noventa. Pero se trata de un monólogo. El oyente solo tiene que escuchar, no interactúa ni participa de lo que está escuchando. Es algo que estamos viendo mucho últimamente y el hecho de que todo sea tan perfecto técnicamente dificulta que las canciones traspasen de alguna manera. Aún así, este álbum está a la altura de lo mejor del Folk Británico de las últimas décadas. Al ser un trabajo independiente solamente ha recibido dos valoraciones críticas: 80/100 y 70/100 de Clash y MusicOHM respectivamente, que se convierte en una media de 75 sobre 100. A nosotros BEAUTY IN YOUR WAKE nos gusta. Reconocemos que es un álbum que requiere un momento y estado de ánimo determinado para disfrutarlo. Nuestra valoración para este trabajo es un 85 sobre 100.    

MEJORES MOMENTOS: So We Find Ourselves, One Last Gift, Follow You Down, What Would You Call Yourself, Be Forever Like A Curse, The Only Things That Matter...

MEDIA CRÍTICA: 75/100

NUESTRA VALORACIÓN: 85/100

ZACH BRYAN - THE GREAT AMERICAN BAR SCENE

Algunos cantantes de Country son muy prolíficos THE GREAT AMERICAN BAR SCENE de ZACH BRYAN es su quinto álbum de estudio y llega tan solo diez meses después de su aclamado álbum anterior homónimo que obtuvo un Grammy al mejor dúo o grupo de country con la canción I Remember Everything que compartía con Kacey Musgraves. Recoramos esta colaboración porque como ya dijimos la última vez que hablamos de él, las colaboraciones que consigue Bryan se acaban convirtiendo en el plato fuerte de sus álbumes. Esta vez escucharemos nada menos que a Bruce Springsteen, John Mayer, John Moreland o Noeline Hoffman. La producción corre a cargo de el propio Bryan, Jacquire Rey, Scott Zhang o John Mayer entre otros. Nosotros tenemos que confesar que de todos los cantantes de country que conocemos (que son muchos) quizás con el que menos conectamos es con ZACH BRYAN, pero siendo objetivos entendemos perfectamente su éxito y que haya tardado tan poco en editar este nuevo trabajo ya que en pocos meses su álbum anterior había acumulado reproducciones millonarias y su público demandaba mucho más. Este álbum ha sido valorado por la crítica con un 73 sobre 100. Unos seis puntos por debajo de su álbum anterior. Siendo un 80/100 por parte de Variety y Rolling Stone la valoración más alta y el 60/100 de AllMusic la más baja. Aunque sabemos que el anterior está considerado mejor álbum, a nosotros nos ha gustado más este. Lo hemos encontrado más variado. Aún así le vamos a dar exactamente la misma nota que le dimos al anterior un 84 sobre 100. Porque por más que lo escuchamos no encontramos ningún aire renovador del género que sí que le hemos visto siempre a Chris Stapleton o Sturgill Simpson.   

MEJORES MOMENTOS: Purple Gas, The Great American Bar Scene, 28, Better Days, Sandpaper, Memphis The Blues, 

MEDIA CRÍTICA: 73/100

NUESTRA VALORACIÓN: 84/100

AVERY ANNA - BREAKUP OVER BREAKFAST

Muchos os sorprenderéis al encontrar un álbum como BREAKUP OVER BREAKFAST de AVERY ANNA en un blog como Exquisiteces. Es por nuestra manera de trabajar. La mayoría de las veces con los nuevos artistas escuchamos su música sin tener más información que el nombre del artista y la portada del disco, es la única manera de centrarse en la música y tener los menores prejuicios posibles que normalmente llegan cuando lees las biografías y en el caso de AVERY ANNA seguramente no hubiera sido lo mismo si hubiéramos leído antes que "Es una famosa cantante, compositora, estrella de Tik Tok e influencer estadounidense". Cuando aparece la palabra "Influencer" es para no seguir leyendo y no darle la más mínima oportunidad. Por eso dejamos los datos biográficos para después. Pero la realidad es que si hubiéramos rechazado este producto solo porque pensamos que los quince segundos virales de las canciones de Tik Tok y los influencers metidos a cantantes representan la decadencia de la música contemporánea, nos habríamos perdido un álbum que nos gusta. Lo que más nos ha llamado la atención de BREAKUP OVER BREAKFAST es que es un álbum debut que están vendiendo como country, y ya se atisba que quiere transicionar hacia otros géneros desesperadamente. Nos ha sorprendido su vena rockera en algunos cortes. Esto estaría más cercano al Country Pop o Country Rock y por supuesto que la sombra de Taylor Swift se cierne sobre este trabajo. Es una de las influencias confesas de AVERY ANNA que es una joven de tan solo veinte añitos. En el álbum encontramos las colaboraciones de Parmalee o Dylan Marlowe. En cuanto a la crítica tenemos la sensación de que los otros medios no trabajan como nosotros y sí que leyeron su biografía antes porque, de momento, nadie se ha pronunciado. Lo que significa que no han debido tomarla demasiado en serio. Por nuestra parte y siendo muy conscientes del tipo de producto que es, que se ha convertido en nuestro Guilty Pleasure del Verano. Nuestra nota es un 80 sobre 100, que es una buenísima nota. 

MEJORES MOMENTOS: Blonde, Make It Look Easy, Lose You Again, Breakup Over Breakfast, Don''t Be That Guy... 

MEDIA CRÍTICA:----

NUESTRA VALORACIÓN: 80/100

REDD KROSS - REDD KROSS

Este verano se publicaba el octavo álbum de estudio homónimo (También conocido como The Red Album) de la legendaria banda de power pop de Los Ángeles, REDD KROSS que en el presente es un dúo (Jeff y Steve McDonald). Qué decir tras escuchar este brillante trabajo que no te da tregua ni un segundo... Pues que siguen en perfecta forma. Es una pena que no se hable mucho más en los medios de estas bandas veteranas. Máxime cuando están dando una auténtica masterclass a jóvenes aspirantes que buscan sus quince segundos virales en Tik Tok a toda costa. Otra cosa que destacaríamos de este álbum de REDD KROSS es la frescura con la que abordan todas las canciones. Tanto, que a veces se nos olvida que estamos hablando de una banda con cuatro décadas en la música. Es cierto que en todo este tiempo han tenido idas y venidas y ha pasado muchísima gente por la formación. Pero es que se podría decir que con este disco tienen un presente más que brillante y la clave para ser eternos que se consigue conquistando a seguidores mucho más jóvenes que los que tienen habitualmente. Con un álbum como este pueden conseguirlo a pesar de que hay que ser muy inquietos para cazar todos los referentes de la cultura pop que manejan. La producción corre a cargo de Josh Klinghoffer que también hizo de batería en el álbum. La crítica le ha otorgado una media de 84 sobre 100. Consiguiendo un 100/100 por parte de Spin y un 90/100 de AllMusic. El resto de valoraciones oscilan entre 80-70/100. En cuanto a nosotros, no podemos darle menos de un 89 sobre 100. Porque nunca nos hubiésemos imaginado que iban a culminar una carrera tan interesante como la que tienen con un álbum como este. La mayoría de bandas y artistas coetáneos de REDD KROSS sobreviven con discos alimenticios que solo compran sus fans. Esto es otra cosa. Es uno de los mejores álbumes de la banda y lo mejor de todo es que nuestro sexto sentido nos dice que no se va a quedar en este único trabajo, ni es una casualidad. Están pletóricos y vendran discos tan buenos como este o incluso mejores en un futuro no muy lejano. 

MEJORES MOMENTOS: Born Innocent, Candy Coloured Catastrophe, Stunt Queen, The Main Attraction, Too Good To Be True...

MEDIA CRÍTICA: 84/100

NUESTRA VALORACIÓN: 89/100

CHELSEA WOLFE - SHE REACHES OUT TO SHE REACHES OUT TO SHE

CHELSEA WOLF nos presenta SHE REACHES OUT TO SHE REACHES OUT TO SHE su séptimo álbum de estudio y el álbum inmediatamente anterior en el que participó fue el de la Banda Sonora Original del Slasher titulado X (Ti West, 2022). CHELSEA WOLF es una cantante y compositora que mezcla Rock Gótico, Doom Metal, Heavy Metal y algo de Folk. Osea, la persona más indicada para componer la Banda Sonora Original de un Slasher. En este caso nos encontramos con que las influencias han variado un poco. Digamos que este trabajo consiste principalmente en una gran parte de electrónica, con una importante influencia del trip hop, el rock gótico y la música industrial y está producido por Dave Sitek, el productor y guitarrista de TV On The Radio. A pesar de ser una artista que lleva años trabajando, muchas veces tenemos la sensación de que todos sus discos son muy prometedores, pero que nunca llega a rematar. ¿Recordáis cuando hablamos de esas bandas y artistas que consiguen sus sonido propio desde el primer single y otros que se pasan media vida buscándolo y muchas veces nunca llegan a encontrarlo? CHELSEA WOLFE todavía está en ese camino. Aún así, este disco ha gustado más que otros álbumes suyos anteriores. Sputnickmusic le ha otorgado un 100/100 y AllMusic un 90/100. La media ha bajado por el 70/100 de Uncut y el 60/100 de Mojo. En lo que a nosotros respecta, nuestra nota es un 80 sobre 100. No nos parece un mal disco en ningún caso, pero nuestras expectativas estaban mucho más altas con este trabajo.    

MEJORES MOMENTOS: Whispers In The Echo Chambers, House Of Self-Undoing, Dusk, Tunnel Light...

MEDIA CRÍTICA: 80/100

NUESTRA VALORACIÓN: 80/100

TRAVIS - L.A. TIMES

Diez álbumes ya... L.A. TIMES es el décimo álbum de estudio de los escoceses TRAVIS y está producido por Tony Hoffer. Nosotros consideramos que The Man Who (1999) es una obra maestra de la música contemporánea, un must y un disco obligatorio y aunque TRAVIS tuvo su reinado en el primer lustro de la década de los 2000. Luego nos dieron algunas canciones y algunos álbumes interesantes gracias sobre todo a la calidad compositiva de su lider Fran Healy. L.A. TIMES es el álbum más personal que Healy ha escrito para la banda. Asume muchos riesgos como que esté plagado de baladas que rezuman nostalgia. Lo vamos a decir ya. El público potencial de este trabajo tiene más de cuarenta años. Esto a los Zetas y los Millennials no les va a interesar en absoluto. No está de moda y ni por asomo van a acercarse, ni aunque les diera por investigar. Si lo hicieran, es más probable que se enganchen a ellos antes con The Man Who (1999) que con este nuevo trabajo. Lo decimos siempre, una banda es eterna cuando consigue captar a generaciones más jóvenes. Pero para el resto, los que ya somos mayores y hemos investigado todo lo que había que investigar dentro de la música L.A. TIMES no es una mala propuesta. Es cierto que ya no van a volver álbumes como The Man Who (1999) o The Invisible Band (2001). Pero esto es bastante mejor de lo que se podría esperar. La crítica no ha estado muy generosa que digamos porque la nota más alta recibida es un 80/100 de HipHopDX y AllMusic. Pero los 60/100 de Mojo, PopMatters y Record Collector han bajado la media a 71 sobre 100. Por nuestra parte no podemos darle menos de un 80 sobre 100 y tenemos la esperanza de que resurjan algún día y nos den otro The Man Who (1999).

MEJORES MOMENTOS: Gaslight, Raze The Bar, Bus, Alive, Live It All Again

MEDIA CRÍTICA: 71/100

NUESTRA VALORACIÓN: 80/100

JAKE XERXES FUSSELL - WHEN I'M CALLED

La última vez que hablamos de JAKE XERXES FUSSELL fue cuando editó su álbum anterior Good And Green Again (2022) que acabó en nuestra lista de los mejores álbumes de su año de producción en el puesto Nº90. Este año regresa con WHEN I'M CALLED y repite con el productor del álbum anterior, James Elkington. El resultado son nueve canciones del folk más inspirado y clásico en el que prevalece solamente guitarra y voz. Aún así, a pesar de estar en el minimalismo, los matices que alcanza la producción de Xerxes Fussell son infinitos. Para ser honestos, este álbum nos gusta más que el anterior. Nos resulta mucho más directo y no nos sobra ninguna de las canciones. En el anterior teníamos la sensación de que divagaba en cierta manera. La crítica los ha valorado los dos por igual, ha revalidado el 86 sobre 100 que consiguió con Good And Green Again (2022). En esta ocasión ha sido Uncut quien le ha otorgado la mayor valoración 90/100 y el resto de medios se han decantado por el 80/100 unánimemente. Nosotros lo vamos a valorar con un 85 sobre 100 a pesar de que nos gusta más que su álbum anterior que lo valoramos con un 86/100. Esta decisión tiene más que ver con el contexto en el que se produjeron ambos discos. El anterior tuvo un contexto mucho más propicio y creó un universo que ya está presente en WHEN I'M CALLED.    

MEJORES MOMENTOS: Leaving Here, Don't Know Where I'm going; Going To Georgia; Gone To Hilo; Andy; Cuckoo!

MEDIA CRÍTICA: 86/100

NUESTRA VALORACIÓN: 85/100

LOS CAMPESINOS! - ALL HELL

Nos está quedando una entrada repleta de bandas legendarias con una trayectoria más que interesante. No era nuestra intención. Ha sido toda una casualidad. LOS CAMPESINOS! es una de esas bandas de referencia que llevan casi dos décadas en activo y vuelven tras siete años de silencio con su nuevo trabajo titulado ALL HELL. Aunque siempre se refieren a ellos como una banda galesa, en realidad, ninguno de sus componentes es galés. Es porque la banda se formó cuando estaban en la Universidad de Cardiff. LOS CAMPESINOS! ya escribieron una página en la historia del indie pop británico con su álbum Romance Is Boring (2010) y probablemente ALL HELL sea el mejor trabajo de la banda desde entonces. Con el paso de los años LOS CAMPESINOS! tuvieron varios cambios en la formación. El vocalista principal Gareth David Paisey y los guitarristas Neil Turner y Tom Bromley son los únicos miembros originales que quedan. La producción de ALL HELL corre a cargo de Tom Bromley. En cuanto a la crítica, es un álbum que ha sido muy bien valorado y si se acuerdan de él en Diciembre va a aparecer en muchas listas de los mejores álbumes del año. Su media es de un 90 sobre 100. Su mejor valoración es un 100/100 y viene de la mano de The Guardian. Medios como PopMatters, Clash o DIY lo han valorado con un 90/100 y la nota más baja es un 74/100 de Paste. Por nuestra parte LOS CAMPESINOS! es una banda a reivindicar y ALL HELL un futuro álbum de culto. Se trata de una banda que fue etiquetada en el subgénero Twee Pop en sus comienzos y se puede hablar de una evolución brutal cuando llegamos a ALL HELL. La voz de Gareth David Paisey nunca ha sonado mejor y Tom Bromley ha hecho un excelente trabajo de producción consiguiendo una amplitud sonora desconocida hasta el momento y no nos olvidemos de los coros de Kim Paisey que eleva los resultados a unos niveles estratosféricos. Para nosotros también es un 90 sobre 100 y tiene un puesto asegurado en nuestra lista.  

MEJORES MOMENTOS: Kms, Feast Of Tongues, A Psychic Wound, Holy Smoke (2005), The Coin-Op Guillotine, 0898 Heartache...

MEDIA CRÍTICA: 90/100

NUESTRA VALORACIÓN: 90/100

TYLA - TYLA

Había muchísima expectación con el álbum debut de TYLA que para quien no la conozca es una cantante y compositora sudafricana que consiguió el Grammy a la Mejor Interpretación de Música Africana con el tema Water que fue todo un éxito en muchos países como Reino Unido y precedió a su álbum debut. TYLA inauguró esa categoría de los Grammy. Además fue cuarta finalista del BBC Sound Of 2024. Curiosamente muchos pueden pensar que el origen sudafricano de esta artista influye en su música y es cierto que se pueden notar las influencias de los ritmos africanos. Pero os aseguramos que el resultado final de este trabajo no se corresponde con la idea que tiene todo el mundo de lo que es la música africana. Cuenta con una decena de productores y está mucho más cerca del pop actual. Es otro discazo debut de pop de diva como los que presentan muchas cantantes británicas (Que normalmente hablamos de casi todas). Los que siguieron a TYLA desde los singles iniciales no van a encontrar ningún cambio en lo que ha sido su álbum debut. Es un álbum que mantiene su esencia y su sonido. La crítica lo ha valorado con una media de 84 sobre 100. Siendo su nota más alta un 90/100 por parte de The Line Of Best Fit y la más baja un 75/100 de Beats Per Minute. El resto de medios han sido unánimes con el 80/100. Nosotros pensamos que es un disco muy agradable que entra muy bien. Mejor tumbados en una hamaca y con una copa gigante y helada en la mano. Aunque este año también hemos tenido el álbum debut de Ayra Starr y la verdad es que nos gusta más y nos parece bastante más redondo que este. Aunque lo de TYLA es un álbum que estaría a su misma altura. Por cierto, TYLA cuenta con una colaboración con Becky G en un tema grabado en inglés y castellano. Nuestra valoración para este trabajo es de un 85 sobre 100. Aunque notamos cierta saturación con este tipo de productos con divas, por mucho que ofrezcan la mayor calidad posible y lo mejor de ellas mismas.  

MEJORES MOMENTOS: Truth Or Dare, Safer, To Last, ART, Jump, No.1, Breathe Me, Butterflies...

MEDIA CRÍTICA: 84/100

NUESTRA VALORACIÓN: 85/100

EL MEJOR ÁLBUM DE AMOS LEE EN AÑOS.

 

Y llegamos a TRANSMISSIONS el noveno álbum de estudio de AMOS LEE. Aunque no hay que obviar que entre este trabajo y su álbum de estudio anterior Dreamland (2022), Lee grabó dos álbumes de covers homenajeando a dos de sus mayores influencias: Chet Baker y Lucinda Williams. En los álbumes My Ideal: A Tribute To Chet Baker Sings (2022) y Honeysuckle Switches: The Songs Of Lucinda Williams (2023) respectivamente. Tenemos que citar necesariamente estos dos trabajos porque no fueron discos alimenticios en ningún caso. Se tiene la falsa idea de que cuando un artista edita un álbum de covers es para ganar tiempo para trabajar más en su siguiente álbum. Pues bien, nunca se entendería TRANSMISSIONS sin la existencia de esos dos trabajos. Es cierto que AMOS LEE posee una carrera muy estable y empezábamos a ver que quería evitar el desgaste propio de los veteranos con intentos como Dreamland (2022) que a nosotros nunca nos terminó de convencer, a pesar de que consiguió que algunas de las canciones de ese álbum fuesen de las más reproducidas de su carrera. Hoy, Dreamland (2022) nos parece mucho más arriesgado de lo que nos pareció en su día y ha continuado arriesgando mucho más con TRANSMISSIONS. Aunque en TRANSMISSIONS no juega en ningún momento como hizo en su álbum anterior. Ni tampoco tiene a ningún productor que le proponga esos juegos, a veces un tanto peligrosos. En TRANSMISSIONS las bases son mucho más sólidas y aplica toda su sabiduría musical y sus influencias. El álbum se abre con Built To Fall, un corte semihablado in crescendo que podría pertenecer perfectamente al repertorio de Bob Dylan. Esa apertura de álbum es como una bofetada en la cara que te advierte de que el viaje que vas a transitar con este nuevo trabajo no va a ser el que te podías esperar. Es mucho mejor. No es un álbum previsible a pesar de que nunca deja de ser AMOS LEE al 100% y saca todo lo mejor de sí mismo. Este álbum se grabó en cinco días en la zona rural de Marlboro (Nueva York) y está producido por el propio AMOS LEE. Es uno de sus álbumes más competos y variados. Encontraremos una amplia gama sonora que se basa en el jazz, el pop, el folk y el soul. Se podría resumir en que es el resultado de dos décadas de carrera muy bien aprovechadas y lo mejor es que esto no se va a quedar aquí. Continuará. Porque como músico y autor, AMOS LEE está en constante búsqueda.  

En cuanto a la crítica, de momento, solamente tenemos tres valoraciones: el 90/100 de AllMusic, el 80/100 de Spectrum Culture y el 70/100 de American Songwriter que hacen una media de 80 sobre 100 que junto a la de Spirit (2016) son las más altas de su carrera. Aunque no se hayan escrito más valoraciones que esas tres, el álbum ha sido reseñado por otras publicaciones con opiniones muy favorables y con la unanimidad de la mayoría en que la carrera de AMOS LEE se ha construido desde el trabajo y la humildad. A nosotros es un álbum que nos ha sorprendido muchísimo. Es cierto que un artista como AMOS LEE siempre mantiene un buen nivel en todos sus trabajos y casi por inercia te esperas que va a darte algo bueno. Pero no tan bueno. No nos lo hubiésemos imaginado ni en un millón de años y además es de esos discos que te parece aún mejor, cuanto más lo escuchas. Nuestra nota inicial es un 92 sobre 100 y decimos inicial porque si se convierte en uno de nuestros álbumes favoritos con las próximas escuchas, esa nota podría subir hasta el 100/100. En Diciembre, cuando vayamos a hacer nuestra lista de los mejores álbumes del año, lo resolveremos. 

MEJORES MOMENTOS: Hold On Tigh, Darkest Places, Carry You On, Beautiful Day, Night Light, Lucky Ones, When You Go...

MEDIA DE LA CRÍTICA: 80/100

NUESTRA VALORACIÓN: 92/100

LIANA FLORES: LA GRAN SORPRESA DEL AÑO.

 

LIANA FLORES (South Norfolk, Reino Unido 1999) es una jovencísima cantante y compositora británica de ascencencia brasileña por parte de madre (de ahí puede venir su pasión por la Bossa nova) que sorprendió a propios y extraños con el éxito de Rises The Moon, una de sus canciones de 2019 que terminó haciéndose viral en Tik Tok y amasando más de 500 millones de rerproducciones en Spotify y no os penséis que se trata de la típica canción mainstream que se viraliza. No. A veces los milagros existen, o quizás también sea una cuestión de buen gusto por parte de los consumidores. Porque Rises The Moon es una joya del folk contemporáneo. Tras este éxito y el de otros singles como Recently, el paso siguiente era fichar por una major (Universal) y editar su álbum debut FLOWER OF THE SOUL del que vamos a hablar hoy. LIANA FLORES es una rara avis que emerge en un panorama musical que presenta un mundo despiadado de estrellas ascendentes que caen en picado cuando no superan las expectativas con sus nuevos trabajos. Ella puede estar al margen de todo eso. Porque se aleja de lo que se espera de una artista mainstream, está mucho más cerca de lo que hace Jessica Pratt o lo que hacía Natalie Prass en sus inicios. De hecho, ha sido compañera de giras de Laufey y a quien se le ocurrió ponerlas juntas tuvo una genial idea, ya que es muy probable que LIANA FLORES también guste al público de Laufey. La gran baza de LIANA FLORES se esconde en el hecho de que hoy día es inusual a la par que exótico escuchar a una chica de venticinco años con aptitudes para el jazz vocal y dominando géneros como el Folk (En especial el que se hacía en los 50-60) o la Bossa nova y hacerlo con tantísimo gusto y conocimiento. FLOWER OF THE SOUL es uno de esos discos mágicos para entrar en él y conseguir abstraerte del mundo cruel en el que vivimos. Según las propias palabras de la artista, ese era uno de los objetivos con este trabajo. Proporcionarte un universo donde entrar y evadirte. Objetivo cumplido. El álbum está producido por Noah Georgeson acostumbrado a trabajar con artistas como Joanna Newsom o Natalia Lafourcade. En el apartado de colaboraciones nos encontramos con el joven y ascendente cantante brasileño Tim Bernardes. 

En cuanto a la crítica, la única valoración que hemos encontrado ha sido la de Uncut que le ha otorgado un 80 sobre 100. No entendemos muy bien cómo no hay más valoraciones, ni siquiera aparece en Metacritic, ni LIANA FLORES tiene todavía su propia página en Wikipedia. FLOWER OF THE SOUL es un álbum que nos parece muy bueno hoy. Pero que el tiempo lo va acabar poniendo en su sitio convirtiéndolo casi en un álbum de culto a la larga. Es cierto que le perjudica haber coincidido en el tiempo con Here In The Pitch (2024) de Jessica Pratt. Cuando los medios vayan a hacer listas de los mejores álbumes del año y tengan que elegir uno de los dos, seguramente se quedarán con el de Jessica Pratt. Podrían estar los dos. De hecho, en nuestra lista seguramente estarán los dos. Pero lo normal entre las publicaciones de la prensa especializada es que cuando aparecen dos discos con estilos muy similares se decanten por uno de ellos y rechacen el otro, aunque ambos tengan valoraciones altas, y esto suele ocurrir especialmente si sus autoras son mujeres (con los artistas masculinos se mide con otro rasero) y el de la Pratt está muy bien posicionado para aparecer en todas las listas este año, porque incluso lo han reseñado muchísimos más medios que este. Por nuestra parte este álbum podría ser otro de nuestros 100/100 perfectamente. Pero ya sabéis que nos gusta ser cautos con los álbumes debut y pensamos que un 90 sobre 100 es también una excelente nota y nos deja un margen para darle ese 100/100 en próximos trabajos. Aún así, que no os extrañe que dentro de veinte años si seguimos vivos reivindiquemos a FLOWER OF THE SOUL como la joya que es, incluso fantaseemos con la idea de que LIANA FLORES, que para entonces ya habrá probado otros estilos y otros sonidos, vuelva a hacer un disco igual. Como nos ocurre en la actualidad con Fisherman's Woman (2005) de Emilíana Torrini. Aunque en su día tampoco le diéramos el 100/100. Porque hay álbumes que trascienden de por vida y otros que no. Todo parece indicar que FLOWER OF THE SOUL va a ser de los que sí.  

MEJORES MOMENTOS: Nightvisions, I Wish For The Rain, Butterflies, Orange-Coloured day, Hello Again, Slowly...

MEDIA CRÍTICA: 80/100

NUESTRA VALORACIÓN: 90/100

HAMISH HAWK LO VUELVE A HACER.

 

Cuando hablamos de Angel Numbers (2023) había muy poca información sobre HAMISH HAWK, ni siquiera tenía página de Wikipedia y en España fuimos prácticamente los únicos que hablamos de él. Ahora nos presenta A FIRMER HAND su tercer álbum oficialmente reconocido y todo ha cambiado muchísimo. Por supuesto que ya está en Wikipedia y prácticamente todos los medios se han hecho eco del lanzamiento y digamos que ahora se podría decir que hasta se ha puesto de moda. Seguimos recordando que antes de estos tres últimos álbumes que lo catapultaron al éxito incluyendo Heavy Elevator (2021) que es el menos conocido de los tres (algunos medios ya utilizan la palabra "Triplete" para definir la hazaña conseguida por Hawk) tenía un Ep y otros dos álbumes autoeditados de los que nunca nadie habla. Lo bueno de todo esto, es que nosotros podemos decir una vez más que lo vimos primero. Angel Numbers (2023) no solamente consideramos que fue el mejor álbum del 2023, es que probablemente sea el mejor álbum de los últimos diez años y A FIRMER HAND ha llegado demasiado pronto. Un año y cinco meses después. Dice su autor que ya lo tenía medio escrito cuando se publicó Angel Numbers (2023). De hecho, todo comenzó con la canción Questionable Hit que en un principio estaba destinada para Angel Numbers (2023) pero se dió cuenta de que desentonaba. Así que pensó que encajaría mejor en otro álbum con otra temática diferente ya que Hawk intenta lograr la cohesión en sus álbumes (y lo consigue) y así surgió el germen de A FIRMER HAND. En esta ocasión se trata de un álbum mucho más personal que los anteriores. A FIRMER HAND trata de su relación con los hombres, es una idea que está en todo el álbum. Pero que culmina en la canción Men Like Wire que el propio Hawk define de la siguiente manera: "Se trata de hombres. Hombres que he conocido y hombres que no he conocido, hombres que he visto, oído, amado y perdido. Hombres con los que me he sentado en bodas, paradas de autobús y cenas, en trenes, camas y bancos de parques. Todos están ahí, para bien y para mal". Aunque en la entrada anterior no comentamos nada sobre la vida privada del artista porque consideramos que no hacía falta. Cuando se le preguntó si se etiquetaría a sí mismo como un artista abiertamente gay o LGBTIQ+, dijo: "No me importa definirme de ninguna manera en particular" y añadió: "Creo que eso se debe probablemente a que pasé años tratando de hacer precisamente eso, y me causó un sinfín de confusión interna, y al final no llegué a ninguna parte". 

Musicalmente A FIRMER HAND podría encasillarse en géneros como art rock, sophisti pop o post-punk aunque a Hawk no le gustan las etiquetas y deja que todo fluya de manera orgánica. Las canciones de sus álbumes están compuestas por el propio HAMISH HAWK y por el guitarrista Andrew Pearson y el batería Stefan Maurice que representan el motor de su banda. El álbum está producido por Rod Jones. En cuanto a la crítica notamos mayor entusiasmo que el año pasado cuando presentó Angel Numbers (2023) ya os digo que no ha habido medio que no haya hablado de este trabajo, cosa que el año pasado no ocurrió. Incluso aparecerá en muchas más listas de lo mejor del año con A FIRMER HAND de las que apareció el año pasado, porque digamos que ya está en el mapa. Aún así, la media de A FIRMER HAND es de 83 sobre 100 frente a la de 88/100 de Angel Numbers (2023). Medios como The Skinny le han otorgado el 100/100 como ya lo hicieron también con Angel Numbers (2023). MusicOHM y Far Out Magazine 90/100; Mojo, Gods Is In The Tv, Record Collector y The Quietus 80/100 y la nota que le ha alejado de la media final de Angel Numbers (2023), porque prácticamente estaba revalidando todas las valoraciones del año pasado, ha sido la de Uncut que esta vez lo ha bajado a 60/100 con respecto a su trabajo anterior al que valoraron con un 80/100. Nosotros anunciamos ya que este año HAMISH HAWK no va a volver a ser nuestro Nº1 con A FIRMER HAND. Pero es muy probable que termine en nuestro Top15 porque es un gran álbum. Uno de los más importantes de los que se han editado en lo que llevamos de año. Como siempre, sus letras son irónicas, crípticas y plagadas de referencias de la cultura pop contemporánea, que como él mismo afirma no recurre a ellas para hacer ver lo culto que es. Como siempre, todo fluye. Y fluye tan bien... Es tan alucinante que alguien presente un trabajo tan bueno como este y sobre todo viniendo de una auténtica OBRA MAESTRA como fue Angel Numbers (2023) y que encima sea un trabajo totalmente diferente. Por nuestra parte, no merece menos de un 95 sobre 100.   

MEJORES MOMENTOS: Big Cat Tatoos, Men Like Wire, Nancy Dearest, Juliet As Epithet, Machiavelli's Room, Milk An Ending, Questionable Hit... En realidad, nos gustan todas. 

MEDIA CRÍTICA: 83/100

NUESTRA VALORACIÓN: 95/100