DORA JAR Y SU ÁLBUM DEBUT REVOLUCIONARIO.

 

DORA JAR es una cantante y compositora neoyorkina y nos ha presentado este año su álbum debut titulado NO WAY TO RELAX WHEN YOU ARE ON FIRE, aunque no se podría decir que es una novata. Porque lanzó su primer Ep en 2021 y ha teloneado a Billie Eilish en 2022 y a The 1975 en 2023 y otros artistas como Conan Gray o Remi Wolf -Que también han sacado álbum este año- la citan como una influencia prominente en sus trabajos. Hay incluso gente que llega más lejos y afirma que DORA JAR ha reinventado el Indie Pop. Seguramente, reinventarlo no. Pero enriquecerlo, mucho. Desde luego, es de las que nos gustan. De las que tienen una vocación renovadora. Porque no nos engañemos, en los últimos tiempos llevan saliendo bandas y artistas de indie pop a patadas que hacen lo mismo que hacía Veruca Salt hace treinta años (Se lo comentábamos el otro día a nuestro compañero Nahim en su blog porque escribió un post sobre esta banda) y los críticos de ahora, que ni saben quienes son Veruca Salt, (y los que lo saben, no se acuerdan), lo suelen dar todo por bueno y novedoso. Nosotros somos perros viejos ya, y con el indie pop siempre ha habido muchísimo postureo y muchas mentiras. Porque nunca se debería usar la palabra indie cuando tienes detrás a una gran discográfica a tu servicio y generalmente, se usa. Y en el indie pop no todo es bueno y novedoso. Probablemente NO WAY TO RELAX WHEN YOU ARE ON FIRE sí lo sea. Pero sí que tiene el apoyo de una gran discográfica y cuenta con una decena de productores entre los que destacan la propia DORA JAR, Rostam, Ralph Castell, George Daniel o Solomonophonic y algunos de ellos también se encuentran entre los trece co-autores que han escrito las canciones junto a DORA JAR. Además de Indie Pop, también se puede etiquetar como Art-Rock, Art-Pop, Folk Rock, Indietrónica o Neopsicodelia. Aunque sinceramente, esta última etiqueta la vemos muy pillada por los pelos.

En cuanto a la crítica, han sabido valorarlo. Aunque hay una tendencia a hinchar un poco las notas del indie pop por encima de las de otros géneros. Nos quejamos siempre de eso desde aquí. NO WAY TO RELAX WHEN YOU ARE ON FIRE ha obtenido una media de 87 sobre 100 que se distribuye de la siguienete manera: Sputnikmusic le ha otorgado el pleno 100/100 y se completa con los 80/100 de DIY y Dork. Por nuestra parte, es un disco que es cierto que representa lo mejor del Indie Pop contemporáneo que coloca a DORA JAR la altura de las más Top del género que podrían ser Soccer Mommy o Snail Mail por citar a dos que se nos vienen a la cabeza ahora mismo. Porque son artistas que no renuncian nunca a la parte de cantautoras que llevan dentro y en el caso de NO WAY TO RELAX WHEN YOU ARE ON FIRE es un álbum muy diverso y ecléctico que no te da tregua ni te aburre un segundo. De hecho, es un álbum debut de esos que ponen el listón demasiado alto para futuros trabajos. Nuestra nota es de un 85 sobre 100. 

MEJORES MOMENTOS: Timelapse, Ragdoll, She Loves Me, Puppet, No Way To Relax When You're On Fire... 

MEDIA CRÍTICA: 87/100

NUESTRA VALORACIÓN: 85/100

ASHE: EN EL BUEN CAMINO.

 

WILLSON es el tercer álbum de estudio de la cantante y compositora ASHE. Ha utilizado su nombre real que es Ashlyn Rae Willson para titular los tres álbumes que tiene editados hasta la fecha y que aparentemente componen una trilogía: Ashlyn (2021), Rae (2022) y el que hoy nos ocupa que es WILLSON que se diferencia de los otros en que pertenece a otra etapa de la artista que ya es completamente independiente después de terminar con la discográfica indie mom+pop con la que grabó sus dos primeros discos. Lo decimos siempre, por muy indies que sean las discográficas, si los resultados no cubren las expectativas, lo más normal es que no te renueven. A ASHE le fue bien con Ashlyn (2021), pero no tan bien con Rae (2022) y el resultado es que WILLSON no cuenta con ningún apoyo discográfico. A todo esto, imaginamos que no hace falta que aclaremos que ese tipo de decisiones no tienen nada que ver con la calidad del producto, más bien con todo lo que rodea a su recepción. Rae (2022) no entró en tantos charts como Ashlyn (2021) y hoy WILLSON es un álbum independiente al 100%. Aunque tampoco creemos que eso haya influido algo en el resultado final. Estamos seguros de que este disco hubiera sido exactamente igual que lo estamos escuchando hoy, si lo hubiera editado también su antigua discográfica. Porque ella ha sido bastante honesta en el tipo de música que quería hacer. Está producido por Collin Pastore y Jake Finch que han co-escrito con ASHE todas las canciones del disco.  

ASHE pertenece a esta nueva corriente de cantautoras muy jóvenes que se adscriben a lo que hoy se puede consierar un género, que es el de los álbumes confesionales. Titular sus discos con su nombre ya es un indicativo de lo que vamos a escuchar. Es cierto que WIILSON se acerca mucho más a lo que todos entendemos como álbum confesional que sus dos antecesores. Nos ha recordado en algunos momentos a Sasha Alex Sloan y precisamente tienen en común que se ha escrito poco sobre ellas en los medios y se les ha prestado menos atención a sus últimos trabajos y seguramente nos están presentando álbumes mejores que otras que sí han conseguido más fama y más atención mediática. Léase Gracie Abrams, por ejemplo o incluso Maya Hawke si hilamos muy fino. En cuanto a la crítica, los dos álbumes anteriores de ASHE obtuvieron una media de 70/100. WIILSON ha sido un poco ignorado. No hemos encontrado ninguna valoración. Nosotros no podemos darle menos del 85 sobre 100 para que pase el corte y lo tengamos en cuenta para nuestra lista de los mejores álbumes del 2024. Es cierto que hay muchísimas cantantes de este estilo y este año tendremos que descartar a algunas y quedarnos con otras, no todas van a pasar a nuestra lista. Pero aunque descartemos a muchas, seguimos pensando que no nos sobra ninguna. ASHE se revela en este álbum como una notable compositora que brilla especialmente en las baladas y es capaz de darnos grandes canciones como las dos que hemos elegido en los vídeos. Por cierto, Carole King es uno de sus referentes y se nota en su manera de componer. Ojalá más artistas jóvenes que la reivindiquen. 

MEJORES MOMENTOS: Running Out Of Time, I Wanna Love You (But I Don't), Ashe, Please Don't Fall In Love With Me, I Hope You Die First, Pull The Plug...

MEDIA CRÍTICA:----

NUESTRA VALORACIÓN: 85/100

SUKI WATERHOUSE SE REBELA (Y SE REVELA, TAMBIÉN).

 

Ya advertimos que había mucho talento en I Can´t Let Go (2022) el álbum debut de la cantante, compositora, modelo y actriz británica SUKI WATERHOUSE que nos ha presentado recientemente MEMOIRS OF A SPARKLEMUFFIN un paso más en su carrera musical y un álbum bastante más ambicioso que su álbum debut. Tanto, que merecía una reseña individual en este blog antes de que cerráramos el año. El álbum nos presenta nada menos que quince canciones con algunas colaboraciones muy jugosas de artistas como Brad Cook, Greg González de Cigarettes After Sex, Johnathan Rado, Rick Nowels y Natalie Findlay y Jules Apollinaire de TTRRUUCES. Aunque se puede decir que se trata de un álbum de Indie Pop, Waterhouse juega con muchas otras posibilidades. Encontramos algo de rock (Getaway Drug), algo de Dance-pop (OMG y My Fun), algo de baladas de piano con líneas melódicas inquietantes (Everybody Breaks Up Anyway y Lullaby)... En genaral, el paisaje sonoro de este álbum es variado. Pero ha conseguido una buena cohesión como álbum, a pesar de que está repleto de singles potenciales. En cuanto a las letras encontramos cierta crudeza (Supersad) o nos cuenta historias reivindicativas como lo poco que respetan las discográficas a las artistas multidisciplinares como ella (Model, Actress, Whatever). Aunque es un hecho que ya está en el mapa porque los singles de este álbum han sido todo un éxito y ha llegado a telonear a Taylor Swift en The Eras Tour por el Reino Unido.    

En cuanto a lo que han dicho los críticos de MEMOIRS OF A SPARKLEMUFFIN digamos que puede que sigan teniendo prejuicios precisamente porque consideren a SUKI WATERHOUSE una simple Mocatriz que dirían nuestros admirados Ojete Calor. Porque si no no se explica una media de tan solo 75 sobre 100 que se distribuye de la siguiente manera: La nota más alta es un 80/100 de AllMusic y The Independent; 70/100 DIY y The Line Of Best Fit; 63/100 Paste y Under The Radar hunde este disco en la miseria con un lamentable 50/100. Todo bastante injusto, por cierto. Puede que SUKI WATERHOUSE sea como una versión mucho más divertida y petarda de Lana Del Rey o Angel Olsen, aunque también sabe ponerse tan seria e intensa como ellas, si se lo propone y puede que a nosotros nos guste incluso más que ellas. Por nuestra parte no podemos darle menos de un 85 sobre 100. Nos interesaría mucho escuchar las opiniones de nuestros comentaristas sobre este disco. Estamos convencidos de que les va a gustar.  

MEJORES MOMENTOS: My Fun, OMG, To Love, Think Twice, Supersad, Blackout Drunk, Faded, Lawsuit, Model Actress Whatever...

MEDIA CRÍTICA: 75/100

NUESTRA VALORACIÓN: 85/100

ÁLBUMES REPESCADOS: DAVID NANCE, JAKE BUGG, ANDREW BIRD & MADISON CUNNINGHAM, BISHOP BRIGGS, MEGAN MORONEY, JEAN DAWSON, PORRIDGE RADIO, JAZMIN BEAN, TOBY LEE, JORDANA, THE SOFTIES y HA VAY

Si nuestros cálculos son correctos y no surge ningún imprevisto, este es el penúltimo post de álbumes repescados que vamos a publicar. Nos queda muy poco para cerrar el año. Mientras tanto, os recordamos que estos posts no son ninguna lista y que el orden en el que escribimos sobre los álbumes es totalmente aleatorio. 

DAVID NANCE - DAVID NANCE & MOWED SOUND

Reconocemos que DAVID NANCE & MOWED SOUND de DAVID NANCE, es un disco que se nos había pasado. Se publicó en Febrero y nos dimos cuenta de su existencia repasando nuestras notas de entonces. Habíamos escrito que tenía mucho potencial para aparecer en las listas de lo mejor del año. Porque es un álbum de rock sin más y viene apadrinado por Jack White que sugirió a DAVID NANCE que grabara con MOWED SOUND para Third Mand Record y el resto es historia. DAVID NANCE es un guitarrista y cantautor de Nebraska con varios álbumes y Ep publicados, aunque parece que este, es de momento, su álbum de mayor trascendencia. Se trata de un álbum muy influido por el rock clásico de los setenta, como siempre los Rolling Stones (Cut It Off) están muy presentes, también suenana algunas guitarras a lo Ry Cooder (Cure Vs Desease) o incluso hay un momento para el folk contemporáneo a lo Iron & Wine (In Orlando) o con Pearl Lovejoy Boyd (Tumbleweed). Aparte de Pearl Lovejoy Boyd, también nos encontramos las colaboraciones de Megan Siebe y Skye Junginger. DAVID NANCE & MOWED SOUND ha obtenido una media crítica de 79 sobre 100. Con notas mayoritarias de 80/100 por parte de Paste, AllMusic y Mojo. La nota más baja es un 67/100 por parte de Pitchfork. Por nuestra parte también sería un 80 sobre 100.    

MEJORES MOMENTOS: Mock The Hours, Tumbleweed, Side Eyed Sam, Cut It Off, In Orlando, 

MEDIA CRÍTICA: 79/100

NUESTRA VALORACIÓN: 80/100

JAKE BUGG - A MODERN DAY DISTRACTION

Hemos seguido la carrera de JAKE BUGG desde sus comienzos e incluso hemos apostado por álbumes suyos por los que nadie daba ni dos céntimos, como On My One (2016). La última vez que hablamos de él fue con Saturday Night, Sunday Morning (2021) un álbum repleto de hits que como siempre supimos, consiguió superar las expectativas de la multinacional (RCA) para la que trabaja y renovar para este A MODERN DAY DISTRACTION que ha sido producido por Mark Taylor y Patrick Mascall, y hay novedades al respecto... La crítica siempre ha tratado mal a Jake Bugg. Su nota media más elevada es la de su álbum debut y desde entonces lo han estado mareando. Ya lo contamos detalladamente en el post anterior. Pues bien, digamos que A MODERN DAY OF DISTRACTION ha gustado tanto como sus dos primeros trabajos. Un disco suyo no recibía un 100/100 por parte de un medio desde los años de Shangri-La (2013) y A MODERN DAY OF DISTRACTION lo ha recibido de la mano de MusicOHM. Aunque la media se queda en un 75 sobre 100 porque a pesar de esa buena nota y los 80/100, 73/100 y 70/100 de AllMusic, Spectrum Culture y Clash respectivamente. Luego están los que siempre lo han puntuado bajo como Uncut o Record Collector que han optado por un 60/100 que han impedido que la media llegara a 80/100. Aunque para ser sinceros, Bugg posee ya una estabilidad y está tan consolidado que no creemos que importe lo que digan los críticos. El disco es un éxito asegurado y seguimos manteniendo que es el trovador rockero británico de más talento de su generación. Y lo bueno para nosotros es que con A MODERN DAY OF DISTRACTION no sentimos que tengamos que defenderlo como nos ha pasado con otros álbumes suyos con respecto a la crítica. Estamos muy seguros de que este álbum es lo mejor que ha hecho en años. No tenemos ninguna duda. Lo mejor de todo es que van pasando los años, ya es un treintañero y sus letras van madurando. En este álbum sobrevuelan algunas reflexiones políticas y sociales. Aunque siempre prevalecen las melodías pegadizas. Estamos muy contentos de darle un 90 sobre 100 y que sea una buena opción para entrar en nuestra lista. 

MEJORES MOMENTOS: Zombieland, All Kinds Of People, I Wrote The Book, Keep On Moving, Got To Let You Go, Never Said Goodbye, Breakout... 

MEDIA CRÍTICA: 75/100

NUESTRA VALORACIÓN: 90/100

ANDREW BIRD & MADISON CUNNINGHAM - CUNNINGHAM BIRD

Segundo álbum de ANDREW BIRD este año. Esta vez junto a la cantante folk MADISON CUNNINGHAM en un álbum, que es una rareza en sí mismo, titulado CUNNINGHAM BIRD. Decimos que es una rareza porque se trata de un álbum de versiones de otro álbum titulado Buckingham Nicks (1973) de Lindsey Buckingham y Stevie Nicks. Hasta ahí todo bien, pero es que resulta que se trata de un álbum inédito. Hemos estado moviendo nuestros hilos para ver si era posible escuchar el original de 1973, porque es obvio que si ANDREW BIRD & MADISON CUNNINGHAM lo han versionado, tiene que haber alguna manera de llegar a las canciones originales. Pero nos ha sido imposible. En Spotify no aparece y en toda la información que hemos encontrado, aseguran que nunca se editó, al menos en cd. Aunque la verdad es que si lo pensamos bien, tampoco importa demasiado que no hayamos podido escuchar el original. Porque este es el típico álbum de covers que no parece un álbum de covers, básicamente porque nadie conoce las canciones que se están versioanando y en el caso de ANDREW BIRD & MADISON CUNNINGHAM mucho menos porque lo han hecho para llevárselas a su territorio folk, con lo que sería aún más difícil relacionarlas con las originales. De hecho, cualquiera que desconozca esta información pensaría que es un disco convencional de colaboraciones y que el material lo han compuesto ellos mismos. Y esa es justo la magia de todo esto. Que nos hubiera gustado más que hubiera sido material propio..., seguro que sí. Pero lo que nos encontramos en este álbum es el fruto de la profesionalidad de dos grandes músicos que consiguen hacer suyo un material ajeno que seguramente seguiría perdido en algún cajón de no ser por ellos. Quizás es el momento de que Buckingham y Nicks, que siguen vivos, le dieran una vuelta a ese material y lo publicaran. Cuando se anunció que se editaría CUNNIGHAM BIRD, nosotros lo consideramos un lanzamiento totalmente prioritario y pensábamos que iba a despertar mucho más interés en los medios. No ha sido así, solo se ha recogido una valoración que pertenece a la reseña de Spill Magazine y es de un 80 sobre 100. Por nuestra parte no podemos darle menos de un 85 sobre 100 porque el álbum es una masterclass de buen folk y ellos son dos artistas que reivindicamos desde aquí porque nunca nos defraudan.  

MEJORES MOMENTOS: Crying In The Night, Without A Leg To Stan On, Crystal, Don't Let Me Down Again...

MEDIA CRÍTICA: 80/100

NUESTRA VALORACIÓN: 85/100

BISHOP BRIGGS - TELL MY THERAPIST I'M FINE

Cuando BISHOP BRIGGS se viralizó con River, todos esperábamos que su carrera fuera algo más que un One-Hit Wonder. Si leeis los comentarios que suscitó en el post que le dedicamos a su debut Church Of Scars (2018), todos estábamos encantados con ella y queríamos mucho más. Pero hoy por hoy es lo que es. Aunque en su caso, ha sido complicado llegar hasta TELL MY THERAPIST I'M FINE, su tercer álbum de estudio. Es cierto que entre Church Of Scars (2018) y este nuevo trabajo, editó Champion (2019), que no tuvo ninguna trascendencia fuera del Reino Unido, y un Ep titulado When Everything Went Dark (2023). TELL MY THERAPIST I'M FINE se puede interpretar como un resurgir, un pasar página. Porque Sarah McLaughlin (que así se llama) ha pasado por experiencias traumáticas como la enfermedad y muerte por cáncer de su hermana con la que estaba muy unida, porque además era su representante. Un hecho que también ha debido influir en que su carrera no haya terminado de despegar al nivel que merecería y que la haya llevado a hacer cosas como presentarse a la novena temporada de The Masked Singer como Medusa. TELL MY THERAPIST I'M FINE se lanzó el pasado mes de octubre y no hay reseñas ni valoraciones. Todas las canciones están co-escritas por Sarah McLauglin con otros autores y se trata de un álbum multiproducido, aunque el nombre que más se repite en los créditos es el del productor Andrew Wells. Independientemente de que su portada es bastante mejorable (Las tres portadas de sus discos lo son) en el interior encontramos un pop hecho a la medida de su voz y su fuerza, aunque suena un tanto anacrónico. El tipo de álbum que les solían hacer en el pasado a las divas británicas del pop tipo Jessie J o Leona Lewis. Que quizás, no sea buena idea citarlas porque ambas andan desaparecidas del panorama musical ahora mismo y se trata de que hay que relanzar la carrera de BISHOP BRIGGS. Ojalá lo consiga. Nuestra nota para TELL MY THERAPIST I'M FINE es un 80 sobre 100. 

MEJORES MOMENTOS: Good For Me, Mona Lisa On A Mattress, My Serotonine, Hurt Me Now, Here Comes The Flood... 

MEDIA CRÍTICA: ----

NUESTRA VALORACIÓN: 80/100

MEGAN MORONEY - AM I OK?

El año pasado MEGAN MORONEY debutaba con Lucky (2023). Cómo muchos álbumes que escuchamos al año, no lo pudimos reseñar y acabó en una de nuestras listas de álbumes no reseñados. Nos quedamos con ganas de hacerlo porque fue un debut que gustó tanto al público como a la crítica y a nosotros también nos gustó. Lo puntuamos con un 85/100 y tenía opciones para haber aparecido en nuestra lista de los mejores álbumes del 2023. Lo bueno es que este año tenemos la oportunidad de reseñar AM I OK? su segundo álbum de estudio que también está siendo todo un éxito. Ha debutado en los charts mucho mejor posicionado que Lucky (2023). Y MEGAN MORONEY tiene madera de estrella del country mainstream. AM I OK? está producido por Kristian Bush que también se encargó de Lucky (2023). Moroney co-escribió las catorce canciones del álbum. En cuanto a la temática, puede ser un country muy estereotipado sobre amores, rupturas, relaciones tóxicas y un manual de cosas que no se deben hacer en esos casos. Pero es suficiente como para que enganche con el gran público. Las reproducciones de este álbum en Spotify dan auténtico Vértigo. La crítica le ha dado una media de 73 sobre 100 basado en tres reseñas: 80/100 de AllMusic y 70/100 de American Songwriter y Rolling Stone. Lucky (2023) tuvo un 90/100 pero fue porque solamente lo reseñó un medio, AllMusic. Por nuestra parte creemos que no merece menos de un 80 sobre 100 y estamos seguros que vendrán álbumes mucho mejores que los dos que tiene editados hasta el momento.     

MEJORES MOMENTOS: Third Times The Charm, No Caller ID, Man On The Moon, Miss Universe, Heaven By Noon, Hell Of A Show... 

MEDIA CRÍTICA: 73/100

NUESTRA VALORACIÓN: 80/100

JEAN DAWSON - GLIMMER OF GOD

JEAN DAWSON es un músico mexicano-estadounidense que ha sido etiquetado como artista de pop experimental. GLIMMER OF GOD es su cuarto álbum de estudio. Es cierto que Dawson juega aquí con muchos elementos: Rock, R&B, Hip Hop y electrónica. También tira de sintetizadores y cuenta que es un homenaje a sus raíces mexicanas evocando la música que su madre le ponía durante su infancia. De hecho, hay un tema completamente en castellano titulado Murciélago. Pero habiendo escuchado este álbum unas cuantas veces, tampoco es para que cargue con la etiqueta de pop experimental de por vida. A nosotros nos ha recordado a Outkast o incluso a The Weeknd y si hilamos muy fino, incluso a Prince. En el apartado de colaboraciones nos encontramos a Lyl Yachty y Bones. En cuanto a la crítica, solamente dos medios lo han valorado: Clash con un 90/100 y The Needle Drop con un 70/100. Logrando una media de 80 sobre 100. Por nuestra parte, es un disco que nos ha parecido muy interesante y mucho más accesible de lo que te imaginas cuando lees la etiqueta de "Pop Experimental". También hemos escuchado sus tres trabajos anteriores y se puede decir que existe una gran evolución en GLIMMER OF GOD. No podemos darle menos de un 80 sobre 100.  

MEJORES MOMENTOS: Die For Me, Houston, The Boy And The Swan, Darlin', Black Sugar, Play Dead, P4IN, 

MEDIA CRÍTICA: 80/100

NUESTRA VALORACIÓN: 80/100

PORRIDGE RADIO - CLOUDS IN THE SKY THEY WILL ALWAYS BE THERE FOR ME

PORRIDGE RADIO es una banda británica de indie rock formada en Brighton en 2015. Están liderados por la vocalista, compositora y guitarrista Dana Margolin. Los otros miembros son el teclista Georgie Stott y el batería Sam Yardley. Maddie Ryall fue la bajista de la banda hasta el año pasado. CLOUDS IN THE SKY THEY WILL ALWAYS BE THERE FOR ME es el séptimo álbum de estudio de la banda y el primero que graban sin la presencia de su bajista. Con una trayectoria relativamente corta es una banda que ha ido adquiriendo prestigio con el paso de los años hasta el punto de haber sido nominados al Mercury Prize. Las canciones de este álbum comenzaron como poemas y las escribió Dana Margolin después de terminar una relación. Es un álbum de desamor, desasosiego y muy visceral, la voz de Dana Margolin surge desde las profundidades más oscuras de sus entrañas y con letras totalmente devastadoras. Es un álbum de rock alternativo, indie pop y de cantautora a la vez. Se ha comparado a Margolin con Adrianne Lenker o con Florence Welch. Las comparaciones sobran con un trabajo como este. La crítica le ha otorgado un 84 sobre 100 de media. Consiguiendo la nota más alta por parte de NME que es un 100/100. La nota más baja es un 60/100 de Record Collector. Pero la valoración que más coincidencias tiene es la de 80/100 de AllMusic, Under The Radar, DIY, The Guardian... Nosotros considreamos que un 80 sobre 100 es también la nota que merece. Pero es un álbum que tienes que tener cierta predisposición para escucharlo. No es para escucharlo en cualquier momento y si estás pasando por una ruptura amorosa complicada, mejor ni te acerques a él... O sí, por si te sirve de catarsis. 

MEJORES MOMENTOS: A Hole In The Ground, Sick Of The Blues, Anybody, You Will Come Home, In A Dream I'm Painting... 

MEDIA CRÍTICA: 84/100

NUESTRA VALORACIÓN: 80/100

JAZMIN BEAN - TRAUMATIC LIVELIHOOD

JAZMIN BEAN es una cantante y compositora londinense, además de una artista del maquillaje, que ha presentado este año su álbum debut oficial TRAUMATIC LIVELIHOOD. Y decimos "oficial" porque como pasa siempre en estos casos, JAZMIN BEAN editó antes Worldwide Torture (2020) un Ep que se amplió a álbum posteriormente en el que coqueteaba con el metal alternativo.  Ella proviene de una familia de músicos. Su padre es el guitarrista, cantante y compositor Ginger Wildheart y su madre la batería Angie Adams. TRAUMATIC LIVELIHOOD ha sido un lanzamiento importante, hemos contado unos nueve productores entre los que destacan Travis Baker, Matt Schwartz, Johnny Coffer o John Feldmann y en el apartado compositivo JAZMIN BEAN escribe o co-escribe todas las canciones del álbum, la mayoría de ellas con Matt Schwartz. Se trata de un álbum que esta vez se aleja del metal y ha sido etiquetado como pop alternativo, rock alternativo o indie pop. Pero a pesar de la imagen de estrella underground de JAZMIN BEAN, sus nueve productores y toda la parafernalia que rodea a este álbum nos hace pensar que es más mainstream que otra cosa. TRAUMATIC LIVELIHOOD tiene una edición estándar de catorce canciones y una edición Deluxe con cinco canciones más que incluye alguna que otra sorpresa. A la crítica le ha gustado y no nos extraña. Ha conseguido una media de 82 sobre 100, La valoración más alta para TRAUMATIC LIVELIHOOD es de un 90/100 por parte de Still Listening y el resto de los medios (DIY, Kerrang!, The Forty-Five y NME) han optado por el 80/100. Este ha sido un año en el que muchas mujeres con mucho talento han presentado su álbum debut. JAZMIN BEAN probablemente sea de las más reconocibles e inolvidables. Lo que más nos ha gustado es esa oscuridad que esconden sus canciones (solamente tiene 21 años) y su manera cruda de abordarlas vocalmente. Por nuestra parte no merece menos de un 85 sobre 100.

MEJORES MOMENTOS: Terrified, Piggie, Favourite Toy, Shit Show, You Know What You've Done, Traumatic Livelihood, 

MEDIA CRÍTICA: 82/100

NUESTRA VALORACIÓN: 85/100

TOBY LEE - HOUSE ON FIRE

De TOBY LEE hay muy poco publicado en castellano. Es un guitarrista, cantante y compositor británico que recientemente ha lanzado su álbum debut HOUSE ON FIRE con solo diecinueve años. Tiene un pasado de niño prodigio. Con diez años ya tocaba la guitarra y emulaba a B.B. King, uno de sus ídolos e influencias, y colgaba sus vídeos en Youtube llegando a viralizarse. Lee deambula entre el blues, el soul, el blues rock y el rock 'n' roll y su voz profunda no parece la de un chaval de diecinueve años. TOBY LEE además es un virtuoso de la guitarra y se curtió en las tablas londinenses interprentando a Zack en el musical de School Of Rock en 2016 y su curriculum se completa con una colaboración con Joe Bonamassa (Uno de los Reyes del Blues en la actualidad) tocando con él y cantando en el Royal Albert Hall y está anunciada su participación en el próximo álbum de Peter Frampton. Para nosotros ha sido todo un descubrimiento. El blues es un género que permite pocos cambios e innovaciones y necesita savia nueva. Porque cada vez van quedando menos leyendas vivas del blues. TOBY LEE aporta cierta frescura y continuidad al género. Cuando se lanzó HOUSE ON FIRE no tuvo ninguna reseña ni valoración. Unas semanas más tarde Mojo le escribió una reseña y lo puntuó con un 80 sobre 100 que adoptaremos como media de la crítica. Toby Lee ha co-escrito todas las canciones del álbum junto a Daniel Zak Watts, Gareth Young y Sam Collins. La producción viene firmada por Shadowhands. Por nuestra parte, creemos que es un artista y un álbum muy alejado de las modas y de lo que suena en las radiofórmulas, por eso quizás deberíamos apoyarlo y apostar por él. Por eso y porque HOUSE ON FIRE es sorprendente y fascinante desde la primera escucha. Nuestra nota es un 85 sobre 100.  

MEJORES MOMENTOS: House On Fire, Patiently Waiting For Love, Just Hold On, No Need To Lie, Into The Light... 

MEDIA CRÍTICA: 80/100

NUESTRA VALORACIÓN: 85/100

JORDANA - LIVELY PREMONITION

LIVELY PREMONITION es el cuarto álbum de estudio de JORDANA, una vieja conocida de este blog que ya os presentamos cuando hablamos de su álbum anterior Face The Wall (2022). Ella misma se define como un camaleón musicalmente hablando y no quiere ser encasillada. En este nuevo trabajo después de haber explorado todos los vericuetos del Lo-Fi, nos vuelve a dar un álbum de indie pop con reminiscencias folk, aunque es bastante más variado que su álbum anterior y si lo analizamos corte por corte es cierto que se presenta como un viaje musical en el que nos encontramos a una JORDANA que deambula entre la nostalgia del pasado y la posibilidad de cambiar en el futuro, no achicándose ante una gran diversidad de sonidos y un imaginario lírico infinito con el que poder jugar. De hecho, es su álbum mejor valorado por la crítica con una media de 90 sobre 100 basada en tres reseñas con tres valoraciones altas: Dork 100/100; AllMusic 90/100 y The Line Of Best Fit 80/100. Nosotros necesitábamos un álbum como LIVELY PREMONITION para empezar a tomar en cuenta a JORDANA ya que Face The Wall (2022) había generado cierto hype y a nosotros nos dejó un tanto fríos. Este nos ha gustado más. Nuestra nota es un 85 sobre 100.   

MEJORES MOMENTOS: Like A Dog, We Get By, Anything For You, Heart You Hold, This Is How I Know, Wrong Love... 

MEDIA CRÍTICA: 90/100

NUESTRA VALORACIÓN: 85/100

THE SOFTIES - THE BED I MADE

Detrás de THE SOFTIES nos encontramos a las dos veteranas cantautoras americanas Rose Melger y Jen Sbragia que están metidas en otras bandas y proyectos musicales y como THE SOFTIES llegaron a telonear a Elliot Smith en los noventa cuando estaba vivo. THE BED I MADE se considera su vuelta a la música después de venticuatro años después de su último trabajo, Holiday In Rhode Island (2000). Aunque el año pasado hicieron una avanzadilla grabando el disco de colaboraciones: Tony Molina & The Softies: Pacific Norwest Tour Tape (2023) que no tuvo ninguna atención mediática y en comparación con este, pasó desapercibido. El estilo de THE SOFTIES se podría definir como Twee Pop, Jangle Pop o incluso Slowcore, sin olvidar que es un álbum de cantautor. Se caracterizan por el minimalismo absoluto, grabaciones de dos guitarras y dos voces en canciones que apenas superan los tres minutos de duración. Lo más interesante es la profundidad y la espiritualidad que subyace en la obra de estas veteranas. Esperemos que no desaparezcan otros veintitrés años y tengan más continuidad. La crítica le da una media a THE BED I MADE de 83 sobre 100. Siendo un 90/100 por parte de AllMusic la nota más alta. El resto de medios no han bajado del 80/100 (Paste, Far Out Magazine, Pitchfork...). Por nuestra parte no podemos darle menos de un 85 sobre 100. No existen ya bandas tan auténticas como THE SOFTIES que hagan esto mismo sin parecer que estén de postureo.   

MEJORES MOMENTOS: I Said What I Said, California Highway 99, The Bed I Made, Go Back In Time, To You From Me... 

MEDIA CRÍTICA: 83/100

NUESTRA VALORACIÓN: 85/100

HA VAY - BABY I'M THE WOLF

Detrás de HA VAY nos encontramos a la cantante y compositora Lila Thompson y al productor Elliot Woodbridge. Aunque a Lila no le gusta usar su nombre y prefiere que la conozcan por HA VAY que es el nombre chino que eligió su abuela para ella y está en un dialecto del Cantonés. Según sus propias palabras: "'Ha' significa verano, nací en el solsticio de verano, y 'Vay' significa algo así como la inteligencia y la gracia de la calle...". Este verano presentaron BABY I'M THE WOLF, su álbum debut tras un Ep y varios singles. La música de HA VAY se podría encasillar como art-pop, chamber pop o incluso dream pop. Cita a Lana del Rey como una de sus influencias, así como a Mazy Starr y Sus composiciones tratan sobre nostalgia, curiosidad infantil, autodescubrimiento, espiritualidad, madre naturaleza y empoderamiento femenino, concretamente en este trabajo compara el espíritu indómito de las mujeres con los hombres lobo. Digamos que es una formación reciente y bastante alternativa y BABY I'M THE WOLF no ha sido reseñado y valorado por muchos medios, solamente por Sputnikmusic con un 86 sobre 100 que adoptaremos como media crítica. Nosotros hemos encontrado con una propuesta un tanto singular para tratarse de un álbum debut. Es cierto que había material anterior a este álbum como para pensar que ha sido fruto de la casualidad y no del trabajo, pero es que se han logrado unas composiciones que no parecen de unos debutantes, por no hablar de la producción, que es una de las más brillantes que hemos escuchado este año en un álbum debut. Nuestra nota para este trabajo es un 85 sobre 100.   

MEJORES MOMENTOS: Moon Girl, Baby I'm The Wolf, Ophelia, Angel! Wild! Superstar!, Pretty Baby, The Huntress...

MEDIA CRÍTICA: 86/100

NUESTRA VALORACIÓN: 85/100

PARIS PALOMA UN DEBUT IMPRESIONANTE.

 

CACOPHONY es el álbum debut de la cantante, compositora y guitarrista británica PARIS PALOMA que viene precedido con el éxito viral de su single Labour descrito como un himno feminista sobre el trabajo doméstico no remunerado que las mujeres han tenido que realizar a lo largo de la historia. Esta canción consiguió más de un millón de reproducciones en Spotify en tiempo record y no es lo único interesante de este álbum. Hay muchísimo más. PARIS PALOMA es ante todo una cantante feminista que denuncia la opresión del patriarcado siempre que tiene ocasión y también ha escrito muy buenos temas de empoderamiento femenino. Es profunda y reflexiva y este álbum también es en cierto sentido catártico. Aunque la inspiración de CACOPHONY bebe de muchas otras fuentes como la mitología griega o la literatura gótica. En cuanto al estilo, es básicamente indie pop y folk pop aunque hay algo en PARIS PALOMA que evoca mucha nostalgia, nos recuerda a todas esas maravillosas cantantes celtas en algunos momentos. De hecho, algunos arreglos puntuales de este álbum nos ha recordado a Clannad. El álbum está producido por Justin Glasco, MyRiot, Elrik Helia y la propia artista. Las Canciones están escritas por PARIS PALOMA o co-escritas con Erik Hella y Markella. En el apartado de colaboraciones nos encontramos a Old Sea Brigade para la canción Yeti. 

CACOPHONY ha recibido una media de 82 sobre 100 que se distribuye de la siguiente manera: Xs Noize y DIY 90/100; Dork y The Telegraph 80/100 y Pitchfork 68/100. La realidad es que es un álbum debut impresionante por todos los matices de cada una de las canciones y todo lo que consigue transmitir, que no es poco. Además se trata de un álbum variado dentro de su estilo y su universo propio, quizás haya sido un tanto ambicioso lanzar quince pistas, a lo mejor todo se hubiera redondeado más con tan solo doce. Pero lo que está claro es que si esto es un álbum debut, el listón lo ha puesto altísimo para siguientes trabajos. Nosotros no podemos darle menos de 90 sobre 100 y cuando lo comparemos con otros álbumes a los que le hemos dado esa misma puntuación, seguramente estará muy por encima. No podíamos cerrar el año sin dedicarle un espacio a este álbum y a esta artista que cumple todos los requisitos para inspirar este blog y que sigamos unos cuantos años más por aquí.  

MEJORES MOMENTOS: My Mind (Now), Labour, Drywall, Boys Bugs And Men, As Good A Reason, Last Woman On Earth, His Land, Yeti... 

MEDIA CRÍTICA: 82/100

NUESTRA VALORACIÓN: 90/100

JOHNNY BLUE SKIES EL NUEVO PROYECTO DE STURGILL SIMPSON.

Sturgill Simpson dijo que solamente sacaría cinco álbumes firmados como Sturgill Simpson y, de momento, lo está cumpliendo. Este verano editó PASSAGE DU DESIR su nuevo proyecto musical firmado como el alter ego JOHNNY BLUES SKIES un alias con el que un camarero de Lexinton (Kentucky) lo presentaba, cuando era menos conocido, en sesiones de micros abiertos. Aunque se ha originado un poco de lío con esto y es probable que encontreis este álbum en algunos sitios como Johnny Blue Skies Featuring Sturgill Simpson. Simpson ha declarado que este álbum representa una nueva fase en su carrera y no fue precedido por sencillos promocionales. Aunque cantará sus canciones en su próxima gira. Compuso las canciones de PASSAGE DU DESIR en Paris y las grabó en los estudios Abbey Road en Londres y en los estudios de grabación Clement House en Nashville. Está producido por David R Ferguson y el propio Sturgill Simpson y una de las colaboraciones más insólitas que nos hemos encontrado en este álbum es que Jake Bugg está acreditado como músico de grabación tocando la guitarra acústica. En PASSAGE DU DESIR nos encontramos solamente ocho canciones. Pero qué ocho canciones... Siempre hemos dicho que tanto Chris Stapleton como Sturgill Simpson son dos músicos que han venido a poner el Country del revés. Su vocación es totalmente renovadora, al igual que lo fuera Garth Brooks en los 90. Pero incluso nos atreveríamos a decir que mucho más interesante.    

Simpson asume algunos riesgos que van desde la composición de unas letras que cargan mucho las tintas (Swamp Of Sadness) y a veces no sabes si tomarlas en serio o no, hasta adentrarse en el country cósmico del que ya hemos hablado siempre que nos toca reseñar algún álbum de Honey Harper que es otro que también ha venido para cambiar las cosas. El resultado es que Simpson se reafirma en su papel de Outsider que no ha perdido desde los tiempos de A Sailor's Gide To Earth (2016), su obra maestra. La crítica está muy a favor de PASSAGE DU DESIR con una media de 89 sobre 100 que se distribuye de la siguiente manera: 97/100 Paste; 91/100 Consequence; 90/100 AllMusic y Uncut; 85/100 Pichfork; 80/100 The Observer, BPM, Sputnikmusic, Glide, Mojo, Slant y Rolling Stone. Por nuestra parte, nunca lo hemos tenido más claro y ya que Paste se ha quedado a tres puntos del 100 sobre 100, esa va a ser nuestra nota. Ojalá más artistas como Sturgill Simpson y más discos como PASSAGE DU DESIR que, por cierto, existe una librería erótica y sex shop, muy conocida de París con el mismo nombre que este álbum. ¿Coincidencia?

MEJORES MOMENTOS: Tiene auténticos temazos como Right Kind Of Dreams, Jupiter's Faerie o One For The Road. Pero son solo ocho canciones y hay que escucharlas todas tal y como están presentadas y sin usar el modo aleatorio. 

MEDIA CRÍTICA: 89/100

NUESTRA VALORACIÓN: 100/100

LEON BRIDGES SIGUE CONVENCIENDO.

LEON BRIDGES vuelve con LEON su cuarto álbum de estudio. Bridges es un artista al que hemos apoyado desde el principio en este blog. Hemos hablado de todos sus álbumes. La última vez que lo hicimos fue cuando escribimos la reseña de su álbum anterior Gold-Diggers Sound (2021) y dijimos que temíamos que en un futuro se convirtiera en algo más convencional y predecible como lo es John Legend en la actualidad, cuyos últimos trabajos son la mediocridad absoluta. LEON todavía no está en esa línea. Se notan ciertos esfuerzos por seguir haciendo cosas interesantes y no caer en lo predecible. Pero os recordamos que LEON BRIDGES aunque sea para exquisitos, no deja de ser un astista mainstream y no nos olvidemos nunca de que esto es un negocio. De hecho, el disco ha entrado en varios Charts y no le está yendo mal en reproducciones. Porque está haciendo algunas concesiones para complacer al gran público. Es innegable que LEON es un producto de mucha calidad. Solamente hay que leer los créditos y encontramos a dos productores estrellas como son Ian Fitchuck y Daniel Tashian y algunos co-escritores muy puntuales dignos de ser nombrados como John Mayer o Natalie Hemby. También juega con la baza de lo personal, evocando historias de su infancia en su barrio de su estado Natal, Texas. Por algo ha titulado este trabajo con su nombre. Nos está indicando que es su álbum más personal. Pero con LEON BRIDGES cuando se adentra en esos territorios nunca nos lo terminamos de creer del todo porque nos da la sensación de que nos está contando solamente lo que nos quiere contar y que se está guardando muchas cosas que son importantes. Obviamente no es su culpa que no lo creamos y está en su derecho de no contarlo todo. Pero son las vibraciones que nos da. Ya sabéis que a pesar de que intentamos ser objetivos, gran parte de nuestro trabajo también es intuitivo.   

Con respecto a la crítica nos hemos sorprendido mucho. Pensábamos que lo iban a puntuar más bajo que a otros trabajos suyos. Porque no se puede agradar al público y a la crítica al mismo tiempo. Pues parece ser que LEON BRIDGES sí que lo ha conseguido. Porque LEON consigue su máxima valoración media con un 79/100 según Metacritic y un 81 sobre 100 según Abumoftheyear.org. Nosotros siempre nos quedamos con la media que favorece más al artista. Aunque en este caso, la de Albumoftheyear.org es más alta porque se han testado más reseñas de mayor puntuación que Metacritic ha ignorado. The Observer le ha otorgado el 100/100 y considera que es una de los mejores álbumes del año y el resto de los medios han valorado de la siguiente manera: Far Out Magazine y Clash 90/100; AllMusic, DIY, Mojo y Uncut 80/100 y las notas más bajas provienen de Pichfork 67/100 y Rolling Stone 60/100. Es un buen disco en el que haciendo honor a la experiencia de Bridges de crecer en For Worth, Texas toma prestadas las influencias de la música folk y country que se le atribuyen a su escena musical y las fusiona con el Soul. Eso es lo mejor del álbum. Por nuestra parte no merece menos de un 85 sobre 100. Aunque nos está gustando mucho más los derroteros que ha tomado la carrera de Amos Lee. Nos parece mucho más arriesgada y honesta.   

MEJORES MOMENTOS: Laredo, That's What I Love, Paceful Place, When A Man Cries, Ain't Got Nothing On You, Simplify, Can't Have It All... 

MEDIA CRÍTICA: 81/100

NUESTRA VALORACIÓN: 85/100

OTRA GEMA MÁS DE NERINA PALLOT.

 

NERINA PALLOT se ha convertido en una artista necesaria en este blog. Representa un poco algunos de los valores que defendemos en un artista, como la independencia real. Es una de nuestras inspiraciones constantes. No lo tenía muy fácil con su octavo álbum de estudio A PSALM FOR EMILY SALVI viniendo de una obra maestra como fue I'm Don't Know What I'm Doing (2022) pero tenemos que adelantar ya que debe sentirse muy orgullosa del resultado. A PSALM FOR EMILY SALVI nace del dolor y de la pérdida. En poco tiempo perdió a tres de sus tíos y a su hermana. La Emily Salvi del título es una seguidora con la que intercambiaba mensajes y le ayudó a sobrellevar su situación recomendándole que estudiara los Salmos. NERINA PALLOT es una artista muy cercana que siempre contesta todos sus comentarios en sus Redes Sociales y tiene una relación muy sana con sus seguidores. Nosotros hemos intercambiado comentarios con ella en más de una ocasión y es realmente encantadora. También podríamos interpretar este A PSALM FOR EMILY SALVI como una carta de amor de la autora a todos sus seguidores, porque es totalmente conocedora del feedback casi sanador que produce su música en ellos. Que nadie se piense que por inspirarse en la pérdida y el dolor nos ha presentado un disco deprimente, mínimamente sensiblero o demasiado intenso. Quienes conocemos su manera mordaz de escribir sobre la vida, sabemos que eso no sería posible. Sobre lo que nos ofrece en este trabajo, no nos cansamos de decir lo influyente e importante que fue en su música un álbum que parece que ha pasado un tanto desapercibido como Stay Lucky (2017), A PSALM FOR EMILY SALVI bebe un poco de esa influencia. Aunque no podríamos decir que tiene su mismo corte. Porque NERINA PALLOT dentro de su paleta de sonidos, suele ser un tanto ecléctica y tampoco puedes etiquetar cada álbum con absoluta precisión. Lo que sí que es cierto es que en este álbum cada canción suya o posee un destello de brillantez en algún momento o son completamente brillantes. Siempre te golpea con estribillos muy certeros difíciles de olvidar (Higher, Regrets) y en este álbum su plato fuerte son las baladas (You Could Be So Pretty, Lover o Madison -Que la podría haber compuesto Elton John & Bernie Taupin, pero es suya-). A PSALM FOR EMILY SALVI tampoco es un álbum complaciente. La artista sigue fiel a su instinto y ejerce su independencia que está presente en cortes como Pressure o And Here A Garden que abren y cierran este álbum respectivamente. 

Con el paso de los años NERINA PALLOT se ha involucrado mucho más en sus proyectos y se puede decir que tiene el control total de lo que escuchamos. Ha compuesto todas las canciones del álbum y además se ha encargado de la producción musical. Lo decimos siempre. Su carrera se volvió mucho más interesante desde que terminó su relación con las grandes discográficas. Con respecto a la crítica, de momento, no aparece en ningún agregador de críticas. Ni Metacritic, Ni Anydecentmusic. En Albumoftheyear si que lo han recogido, pero sin valoraciones de la crítica, de momento. Aunque nos consta que medios como Louder Than War lo ha reseñado y lo ha valorado con un 80 sobre 100 en una crítica bastante positiva. Con I Don't Know What I'm Doing (2022) ocurrió un poco lo mismo, tardó en llegar a Albumoftheyear (los únicos que lo acabaron recogiendo) y las reseñas que se escribieron no se escribieron inmediatamente. Nos alegró mucho que Albumism lo valorara posteriormente con un 100/100 porque fue la misma nota que le habíamos puesto nosotros y ya sabéis que nos gusta especialmente que otros medios reconozcan algo que nosotros llevamos diciendo mucho tiempo, y que lo hemos dicho primero. Con este álbum imaginamos que ocurrirá lo mismo, lo valorarán otros medios próximamente y si es necesario, escribiremos una actualización de este apartado como ocurrió con su álbum anterior para recoger esas nuevas valoraciones y su media final. Por nuestra parte, no merece menos de un 95 sobre 100. Ella sigue acumulando pequeñas obras maestras aunque no se valoren lo suficiente. Como sugerían en la crítica de Louder Than War eso ocurre porque hace mucho tiempo que se convirtió en una artista de culto.    

MEJORES MOMENTOS: FAFO, Lover, Regrets, Hold My Hand, Call Your Momma, Pressure, High Time, You Could Be So Pretty, Madison...

MEDIA CRÍTICA: 80/100

NUESTRA VALORACIÓN: 95/100

ÁLBUMES REPESCADOS: SNOW PATROL, NICK LOWE, FIL BO RIVA, FINNEAS, BEN LEE, JAMES BAY, NAIMA BOCK, HAYDEN THORPE, HONEYGLAZE, PALE WAVES, FRANCIS OF DELIRIUM y DAGNY.

 

A continuación otro de nuestros posts de álbumes repescados. Quedan un par más además de este antes que terminemos el año. Como siempre, os recordamos que están seleccionados aleatoriamente y que esto todavía no es una lista de preferencias. Para eso habrá que esperar al 25 de Noviembre que será el día que desvelemos el primer tramo de nuestra lista. 

SNOW PATROL - THE FOREST IS THE PATH

SNOW PATROL regresó este 2024 con THE FOREST IS THE PATH tras seis años de silencio y algunas bajas en la formación. Ya no están ni el bajista Jonny Quinn, ni el batería Paul Wilson. En realidad, SNOW PATROL ahora es un trío y el único miembro original que queda es su solista, Gary Lightbody. Sabemos que existe la creencia de que cuando hay bajas en las bandas es sintomático de que las cosas no van bien y que terminará afectando negativamente al producto final. A veces es una idea infundada. Porque con THE FOREST IS THE PATH si algo queda demostrado es que la banda goza de muy buena salud y que nadie es imprescindible. Lo que vamos a encontrar es un nuevo disco de SNOW PATROL, que sigue siendo una banda muy reconocible. Esta vez el productor es Fraser T Smith, pero siguen sonando igual que siempre y creemos que tendrían un problema si no lo hicieran. Para nosotros probablemente THE FOREST IS THE PATH es su mejor trabajo en años y para la crítica también lo es porque ha conseguido una de las medias más altas de toda su carrera con un 72 sobre 100. Con valoraciones máximas de 80/100 por parte de Record Collector, The Telegraph o AllMusic y mínimas de 60/100 de Mojo y 50/100 de MusicOHM. La crítica nunca ha sido muy generosa con ellos, sus discos de mayor éxito apenas llegan al 70/100. A nosotros nos parece una banda atemporal, aunque pueda dar la sensación de que siguen instalados en los 2000. Sus fans estarán encantados con este disco. Lo que vemos difícil es que capten a un público más joven del que ya tienen que debe rondar sobre los cuarenta. Nuestra nota para THE FOREST IS THE PATH es un 80 sobre 100. Porque a pesar de todo, siguen funcionando.   

MEJORES MOMENTOS: The Beggining, All, This Is The Sound Of Your Voice, Talking About Hope, 

MEDIA CRÍTICA: 72/100

NUESTRA VALORACIÓN: 80/100

NICK LOWE & LOS STRAITJACKETS - INDOOR SAFARI

NICK LOWE es un veterano músico, compositor, cantante y productor británico que lleva publicando discos desde hace cinco décadas y no editaba un larga duración desde el 2013 con lo que INDOOR SAFARI se ha convertido en todo un acontecimiento. Y esta vez viene de la mano de su banda de acompañamiento favorita, los rockeros de surf mexicanos LOS STRAITJACKETS se puede pensar que con 75 años ya sería el momento de volver con un disco tranquilo, repleto de medios puntos o baladas. Nada más lejos de la realidad. Hacía tiempo que NICK LOWE no nos regalaba un álbum tan enérgico y acelerado, lleno del mejor rock y power pop que se puede imaginar con ese regusto retro que sabes que solo pueden aportar los artistas con un bagaje profesional como el suyo y que están en las antípodas de los músicos que suenan en la actualidad. Digamos que esto es una reliquia, pero para bien. Porque decir de algo que es una reliquia, se puede interpretar como algo negativo. Lo que nos presenta no es un material 100% inédito, hay canciones propias que ha reelaborado, pero ya estaban editadas en algún Ep, otras las ha tomado prestadas, pero dos de ellas son nuevas. La crítica le ha otorgado una media de 84 sobre 100. Su valoración más alta es el 90/100 de Record Collector y la más baja el 70/100 de Rolling Stone. Siendo 80/100 la nota que más se ha repetido. A nosotros nos ha parecido un disco curioso y muy resultón. No podemos darle menos de un 80 sobre 100.  

MEJORES MOMENTOS: Went To A Party, Different Kind Of Blue, Blue On Blue, Tokyo Bay, Raincoat In The River, Love Starvation... 

MEDIA CRÍTICA: 84/100

NUESTRA VALORACIÓN: 80/100

FIL BO RIVA - MODERN MELANCHOLIA

FIL BO RIVA es el nombre artístico de Filippo Bonamici un joven cantante, compositor, músico y productor italiano que ha vivido en Roma e Irlanda y reside en Berlín desde 2012. Nos presenta su segundo álbum de estudio titulado MODERN MELANCHOLIA. Su estilo mezcla elementos de indie rock, indie pop, folk y soul y posee una de esas voces tan peculiares y personales que tienen algunos cantantes italianos. A nosotros nos recuerda a Paolo Nutini o especialmente a un joven Jack Savoretti. FIL BO RIVA es un ejemplo de que en Europa existen más mercados además del mercado británico y que si conquistas el mercado germánico o el holandés, también te puede ir muy bien. Solo hay que echar un vistazo a las reproducciones en Spotify de MODERN MELANCHOLIA para darse cuenta de que también pasan cosas interesantes en el resto de Europa. FIL BO RIVA tiene esa pátina de músico europeo cosmopolita y nos ha dado un álbum más que decente. No hay mucho publicado sobre él en la red, ni tampoco han reseñado este álbum. Así que no hay valoraciones críticas, por lo que tendréis que confiar una vez más en nuestro criterio. Es cierto que con él nos ha pasado como con Jack Savoretti, que empiezas escuchándolo como un guilty pleasure y al final lo acabas amando, porque son músicos que están un poco al margen de los estándares y te pueden parecer muy antiguos y muy modernos al mismo tiempo y MODERN MELANCHOLIA es un disco con canciones que te enganchan y que se acaba disfrutando casi tanto como el Europiana (2021) de Savoretti. Nuestra nota para este álbum es un 85 sobre 100 y lo recomendamos desde aquí.  

MEJORES MOMENTOS: Running In Circles, Lost In Life, Young And Free, Modern Melancholia, 

MEDIA CRÍTICA:---

NUESTRA VALORACIÓN: 85/100

FINNEAS - FOR CRYIN' OUT LOUD

FINNEAS ha presentado recientemente su segundo álbum de estudio titulado FOR CRYN' OUT LOUD y ha obtenido una media de 63 sobre 100. La nota más alta recibida es un 80/100 de DIY y MusicOHM se lo ha cargado sin ninguna piedad con un 40/100. Tenemos que añadir que Optimist (2021) su álbum debut solo consiguió un 72/100. Dos únicos álbum y cada vez más alejado de conseguir una media de 80/100 que es a lo que aspiran casi todos los artistas. ¿Qué es lo que está pasando? FINNEAS tiene un perfil muy discreto en la carrera de su hermana Billie Eilish. Pero es el responsable del 50% de su éxito. Y los críticos suelen deshacerse en elogios con sus álbumes. De hecho Hit Me Hard And Soft va a estar en todas las listas de lo mejor del año. Se nota que FOR CRYIN' OUT LOUD tiene la misma mano que Hit Me Hard And Soft. ¿Por qué se está invalidando? No tenemos las respuestas. Pero lo exponemos porque nos parece muy significativo. A nosotros nos gusta FINNEAS es cierto que en este nuevo trabajo se reafirma como cantautor pop y es menos experimental que su álbum debut. Pero tiene calidad suficiente como para que no se ninguneara como lo están haciendo. Billie Eilish está presente de alguna manera, habla de su vínculo con ella en la canción Family Feud. A nosotros FOR CRYIN' OUT LOUD nos gusta y no le daríamos nunca menos de un 80 sobre 100.   

MEJORES MOMENTOS: What's It Gonna Take To Break Your Heart?, Family Feud, Cleats, Starfucker, 2001, For Cryin' Out Loud, Lotus Eater...

MEDIA CRÍTICA: 63/100

NUESTRA VALORACIÓN: 80/100

BEN LEE - THIS ONE'S FOR THE OLD HEADZ

Amamos a BEN LEE. Nunca ha sido un secreto. Consideramos que es un mago del pop y en este blog hemos apoyado absolutamente todos sus discos y lo vamos a seguir haciendo. THIS ONE'S FOR THE OLD HEADZ es su décimo quinto álbum de estudio, fue producido en California por Justin Stanley y ha sido descrito como un retroceso a los álbumes clásicos de artistas de power pop como Teenage Fanclub, The Replacements, Big Star y The Lemonheads. Muchos direis que todo esto son solo palabrerías para presentar el álbum y que al final va a ser lo mismo de siempre. Porque lleva años haciendo lo mismo. Quizás tengais razón. Aunque a nosotros no nos importa lo más mínimo que siga haciendo lo mismo. Porque la vida es mucho más llevadera con una canción de BEN LEE. Sus estribillos te acaban poseyendo y os aseguramos que tenemos una respuesta para todo con un estribillo random de BEN LEE. No todo el mundo es capaz de ejercer semejante influencia. Por eso decíamos que es un mago. Es cierto que en THIS ONE'S FOR THE OLD HEADZ nos encontramos auténtico power pop de manual y lo más fuerte es que Lee lo ha grabado en tan solo tres días. De verdad..., todas estas bandas que empiezan en el pop, tendrían que meterse por el culo toda la discografía de Lee. Es el p*** amo. Aunque la crítica suele infravalorarlo. Esta vez ni siquiera se han molestado en puntuar este álbum. Así que nos toca a nosotros hacerlo. Se trata de un álbum que se mantiene muy arriba casi todo el tiempo pero decae un poco en las canciones finales. Nuestra nota es de un 80 sobre 100 y os recomendamos escuchar a BEN LEE para que seais más felices.    

MEJORES MOMENTOS: Lovers, Heavy Metal, So Damn Hard (to Be so Damn Good), Positive Energy,

MEDIA CRÍTICA:---

NUESTRA VALORACIÓN: 80/100

JAMES BAY - CHANGES ALL THE TIMES

Con CHANGES ALL THE TIME, aunque no hay tantos cambios como sugiere el título. Los cambios que hizo en algún momento quedaron muy atrás con Electric Light (2018), JAMES BAY se consolida como uno de los mejores cantautores británicos de su generación y reclama su sitio en el mercado americano virando hacia el country. Para ello ha presentado Up All Night uno de los singles más potentes de su carrera que ya tiene más de un millón de reproducciones en Spotify y cuenta con las colaboraciones de The Lumineers y Noha kahan. Bay ya nos sorprendió con Leap (2022) un álbum más que notable que ha superado con este CHANGES ALL THE TIME que contiene canciones redondas, no hay ninguna prescindible. Como ocurre siempre, en cuanto tienes publicados más de tres discos, la atención mediática decae. Solamente Clash ha valorado este trabajo con un 70 sobre 100 con una crítica bastante positiva que auguraba una mayor puntuación. Nosotros pensamos que JAMES BAY superó el bache que supuso Electric Light (2018), que hoy sigue siendo su álbum más disruptivo, y por fin tomó el control de su carrera. El resultado es que nos está dando muy buenos álbumes. CHANGES ALL THE TIMES podría ser el mejor de su discografía. Nuestra nota es un 85 sobre 100.  

MEJORES MOMENTOS: Up All Nights, Hope, Easy Distraction, Everburn, Speed Limit, Dogfight,  

MEDIA CRÍTICA: 70/100

NUESTRA VALORACIÓN: 85/100

NAIMA BOCK - BELOW A MASSIVE DARK LAND

Hubo un tiempo que la cantante y compositora británica NAIMA BOCK firmaba como Naima Jelly y era la bajista de la banda post punk Goat Girl. Pero la realidad es que nosotros nos fijamos en ella mucho después. Cuando nos sorprendió con su álbum debut Giant Palm (2022) que tuvo excelentes críticas y lo tuvimos muy en cuenta para la lista de los mejores álbumes de su año de producción. Recientemente ha presentado BELOW A MASSIVE DARK LAND que ha gustado a los críticos más aún que su álbum anterior. Ha conseguido una media de 84 sobre 100 cuyas valoraciones más altas son el 95/100 de Still Listening y el 90/100 de The Line Of Best Fit. La nota más baja es el 80/100 en el que coinciden el resto de los medios (Mojo, Uncut, Clash). No todo el mundo consigue que sus dos discos publicados superen el 80/100. Ya lo habéis visto cuando hemos hablado de Finneas en este mismo post. Sobre BELOW A MASSIVE DARK LAND tenemos que decir que es un disco que puede resultar un tanto árido al principio porque no está hecho para complacer a todo tipo de públicos. Nos ha recordado un poco a los primeros discos de Laura Marling o a Aldous Harding. Es un disco de Freak Folk (por eso algunos la han emparentado con Jessica Pratt) y de chamber pop. Recurre a elementos mínimos. Aunque tampoco se nos ocurriría etiquetarlo de minimalista. Sobre todo por el uso del saxo en varios cortes y algunos temas que requieren el apoyo de un coro. Es un folk de cantautora muy poco convencional en cualquier caso. Por nuestra parte, nuestra nota es un 85 sobre 100.  

MEJORES MOMENTOS: Kaley, Gentle, Feed My Release, Age, My Sweet Body...

MEDIA CRÍTICA: 84/100

NUESTRA VALORACIÓN: 85/100

HAYDEN THORPE - NESS 

HAYDEN THORPE regresa con un trabajo conceptual titulado NESS basado en la novela del mismo título de Robert Macfarlane. Orford Ness es una península en la costa este de Inglaterra. Durante las dos guerras mundiales y la Guerra Fría, sirvió al Ministerio de Defensa británico como una base militar para pruebas secretas de armas (incluso nucleares). Hoy en día, Orford Ness es una reserva natural. En su libro Ness, el autor Robert Macfarlane describe poéticamente cómo el mar, la tierra, la hierba, los árboles y el cielo están reclamando lentamente su territorio y tratando de sanar las cicatrices dejadas por la ira del hombre. Pero el alma de la tierra sigue contaminada por su oscura historia. Esta historia fascinó a HAYDEN THORPE y se puso manos a la obra hasta el punto que se ha mimetizado con la novela y ha sido capaz de traducirla en sonidos. Desde que Thorpe debutó en solitario con el excelente Diviner (2019), no ha seguido una trayectoria convencional. Sus siguientes trabajos han sido más experimentales y concretamente, NESS es uno de los más complejos. Sus arreglos lúdicos, de múltiples capas, también crean imágenes en la mente de cómo podría ser Ordford Ness, a qué huele allí y cómo debe sentirse caminando por la costa. Los sonidos, ritmos y voces de Thorpe parecen estar vivos. Es un trabajo en el que predomina lo artístico sobre lo comercial. Realmente, es una obra de arte. La crítica le ha otorgado una media de 84 sobre 100. Su valoración más alta es el 90/100 de Clash y MusicOHM y la más baja un 60/100 de DIY. De sus tres álbumes publicados en solitario es el mejor valorado. Aunque nosotros seguimos pensando que Diviner (2019) es su mejor álbum. Lo cierto es que NESS es un trabajo muy ambicioso porque existe el referente de la novela. Pero Thorpe supera el reto con nota porque no es necesario saber toda la historia de Orford Ness, ni haber leído la novela para que este disco te atrape. Nuestra nota es un 85 sobre 100.  

MEJORES MOMENTOS: V., They, In The Green Chapel, He...

MEDIA CRÍTICA: 84/100

NUESTRA VALORACIÓN: 85/100

HONEYGLAZE - REAL DEAL 

HONEYGLAZE es un trío de indie rock londinense formado por Anouska Sokolow (Cantante), Tim Curtis (Bajo) y Yuri Shibuichi (Batería) y REAL DEAL es su segundo álbum de estudio y del que según ellos se sienten más orgullosos. Porque han tenido mucha más libertad creativa que la que tuvieron con su álbum debut y definen este nuevo trabajo como reaccionario y ecléctico ya que tenían referencias musicales abstractas, dinámicas, estructuras y los estilos de batería siempre cambiantes de Shibuichi, la banda tuvo una oportunidad real de explorar su sonido y lo que querían crear. En cuanto a los géneros y estilos que podemos encontrar en REAL DEAL digamos que tenemos Art Rock, Post-Rock o Math Rock, siempre dentro del Indie Rock. Don't es una canción loquísima que toma prestados elementos de Bills de Destiny's Child, aunque es difícil verlo aunque te lo digan. En esta ocasión el álbum ha sido producido por Claudius Mittendorfer. La crítica le ha otorgado una media de 84 sobre 100 siendo la valoración más alta el 90/100 de Clash y la más baja el 70/100 de The Line Of Best Fit. Nosotros hemos visto algunas similitudes con otra de las bandas de indie rock británicas del año: English Teacher. Y nos da la sensación de que si apareciese English Teacher en todas las listas, es muy probable que se olviden de HONEYGLAZE. Aunque también es muy probable que se olviden de ambas bandas. Por nuestra parte REAL DEAL no merece menos de un 80 sobre 100.   

MEJORES MOMENTOS: Pretty Girls, Cold Caller, Don't, Ghost, TMJ, 

MEDIA CRÍTICA: 84/100

NUESTRA VALORACIÓN: 80/100

PALE WAVES - SMITTEN

PALE WAVES es una banda de pop británica que acaban de lanzar SMITTEN, su cuarto álbum de estudio. Las presentaciones ya las hicimos cuando hablamos de ellos a colación de su álbum anterior Unwanted (2022). Y ahora tenemos que añadir que es una banda que va en ascenso porque este nuevo trabajo supera al anterior. Se trata de un álbum más maduro y contenido que el anterior en el que Heather Baron-Gracie su vocalista ha hecho un ejercicio parecido al que hizo Molly Burch con el excelente Daydreamer (2023) construyendo canciones inspirándose en el diario de su adolescencia, el resultado es el álbum más honesto, sincero y conmovedor de la banda, que se suma a la nueva tendencia generada por la serie Heartstopper que visibiliza las relaciones queer desde la adolescencia. Heather Baron-Gracie quería que su voz fuera menos intensa que la de Unwanted (2022) que era un álbum que debía tener mucha fuerza. Por lo tanto, gravitó hacia el trabajo de la desaparecida Dolores O'Riordan de The Cranberries que es una de sus referencias. Sobre esto dijo: "He aprendido que mi voz se parece más a la de Dolores O'Riordan" y añadió: "Quiere sonar celta, libre y frágil, en lugar de tocar esas notas sólidas y enormes". Nosotros vemos y apreciamos la intención y es cierto que su voz nunca ha sonado mejor. Pero la voz de O'Riordan, es solo de O'Riordan. Todavía quedan voces únicas e inimitables. En cuanto a la producción del álbum contó con Simon Oscroft, Iain Berriman y Hugo Silvani. La crítica le ha otorgado una media de 76 sobre 100 y se convierte así en su álbum mejor valorado. Parece que empiezan a tomarlos más en serio. Casi todos los medios coinciden en el 80/100 (Slant, DIY, Clash, NME, The Skinny...) y luego dos medios Kerrang! y The Telegraph le dan la valoración más baja que es un 60/100. Por nuestra parte creemos que es un álbum que merece estar entre lo mejor del año. Porque ha conseguido darnos canciones realmente buenas y honestas. Y ya está bien de categorizar la música por su intensidad y de infravalorar el buen pop. Esto parece sencillo, pero todos los que llevamos escuchando una media de 50 discos a la semana sabemos que no lo es. Nuestra nota es un 85 sobre 100.   

MEJORES MOMENTOS: Kiss Me Again, Perfume, Glasgow, Gravity, Thinkking About You, 

MEDIA CRÍTICA: 76/100

NUESTRA VALORACIÓN: 85/100

FRANCIS OF DELIRIUM - LIGHTHOUSE

Cuando hemos hablado de Fil Bo Riva hemos reivindicado todos esos músicos europeos que funcionan en otros mercados alternativos a los convencionales y ese es el caso también de FRANCIS OF DELIRIUM o lo que es lo mismo Jana Bahrich que es una cantante, compositora y músico luxemburguesa especializada en el corno francés y el banjo, dos instrumentos que son difíciles de integrar (y que no integra) en un Indie Pop en el que se mueve como pez en el agua entre guitarras y suaves armonías. LIGHTHOUSE es su álbum debut y es una de esas pequeñas gemas ocultas que se te pueden pasar solo por el hecho de que ella sea una artista Luxemburguesa. Y aunque nos aseguren que es relativamente conocida también fuera de Luxemburgo y que tiene cierta proyección internacional (Ha sido telonera de The 1975, Soccer Mommy o Kings Of Leon), es fácil que se os pueda escapar. Y la verdad es que sería una pena porque LIGHTHOUSE es un debut realmente brillante. Nos recuerda a Weyes Blood y hay que destacar el dato de que dos de las mejores canciones de este álbum (Real Love y First Touch) han sido producidas por Catherine Marks que ha trabajado con Boygenius. El resto del álbum está producido por Chris Hewett. La crítica es unánime en el 80 sobre 100 (DIY, Uncut, Sputnikmusic...). Para nosotros ha sido toda una sorpresa y no podemos darle menos de un 85 sobre 100 con muchas opciones de aparecer en nuestra lista.  

MEJORES MOMENTOS: Real Love, First Touch, Give It Back To Me, Ballet Dancer (Never Love Again), Want You, Blue Tuesday, Stars To Ends...

MEDIA CRÍTICA: 80/100

NUESTRA VALORACIÓN: 85/100

DAGNY - ELLE 

DAGNY es una joven cantante y compositora noruega de pop. Y sinceramente, siempre lo decimos. Los escandinavos son unos auténticos genios manufacturando pop comercial y DAGNY no es la excepción. Ella sabe hacer un pop que juega con elementos indie, dance, sintetizador, electronica y disco. Muchas de sus canciones de ELLE, su segundo álbum de estudio, tienen casi diez millones de reproducciones en Spotify. Quien quiera encontrar aquí letras profundas o cierta intensidad, este no es su disco. Es un disco pensado para el petardeo y el mamarracheo y no por eso hay que relegarlo a una segunda categoría. Cuando esos géneros se saben hacer bien, hay que hablar de ellos. De hecho, no entendemos como DAGNY no se ha presentado nunca a Eurovisión. Cualquiera de las nueve canciones de este álbum funcionarían en Eurovision hasta el punto de ganarlo. Mirando una entrevista de esta artista leemos según sus propias palabras que sus preferencias musicales se basan en "canciones pop con un poco de indie en un ambiente de centro izquierdas" y que su educación en el norte de Noruega ha influido en su enfoque de la música y la vida, siendo "dura por fuera, pero cálida por dentro"... Leer eso ha sido toda una revelación para nosotros. ¡Es como si la Superpop hubiera vuelto! ¿A que es una Joya? Como os podréis imaginar, los críticos normalmente piensan que no les pagan lo suficiente para hablar de esto y ni se han molestado en reseñar y valorar este disco. Nosotros no podemos ser tan hipócritas de no hacerlo. Si hablamos de Eurovisión en Tik Tok, también debemos hablar de DAGNY en este blog y valorar su álbum. Es cierto que DAGNY nos parece una versión mamarracha de Robyn y que nadie se ofenda cuando utilizamos estos términos porque para nosotros no son términos negativos, todo lo contrario. Y es muy necesario que existan estos discos y estos artistas. Porque todas las fiestas petardas y las celebraciones del Orgullo deben seguir teniendo nueva música para que sigan existiendo y esta chica es toda una reina. Nuestra valoración para ELLE de DAGNY y siendo muy conscientes del tipo de producto que es, nunca podría bajar de un 80 sobre 100.     

MEJORES MOMENTOS: Same Again (For Love), Heartbreak In The Making, Strawberry Dreams, Ray-Bans... 

MEDIA CRÍTICA:----

NUESTRA VALORACIÓN: 80/100