NUESTROS CÓMPLICES:

lunes, 16 de octubre de 2017

BECK REINA TAMBIÉN EN EL SIGLO XXI.



Después de adelantos tan interesantes como los vídeos que hemos colgado de Dear Life y Up All Night y otras canciones como Wow o Colors que también están disponibles en Youtube, teníamos muchas ganas de que COLORS, el nuevo trabajo de BECK cayera en nuestras manos.
Pocos pueden presumir de tener una carrera tan sumamente ecléctica porque siempre hemos dicho que ningún álbum de Beck suele parecerse a otro, excepto la dicotomía intencionada Sea Of Change (2002) - Morning Phase (2014) que nos traía justo al Beck que más nos gusta.
¿Dónde encuadraríamos COLORS en su discografía?
COLORS es un álbum que reivindica viejos sonidos de los ochenta mezclados con algo de psicodelia, aunque algunos usan la etiqueta de pop experimental para definirlo, con toda la carga negativa de la palabra "experimental". Nosotros no estamos nada de acuerdo. O en tal caso, liberaríamos esa carga negativa. Porque los cortes de este disco no solamente son bastante audibles. Te atrapan desde la primera escucha, se te quedan pegados a la piel e incluso te hacen recordar a Bowie en momentos muy puntuales.



COLORS probablemente sea el álbum más alegre y luminoso de BECK con permiso de otros álbumes como Midnite Vultures (1999) o Guero (2005) que también destacan por ser álbumes coloristas. Los críticos han puntuado este trabajo con una media de cuatro estrellas sobre cinco y, sinceramente, lo entendemos. Porque si BECK tiene algo bueno es que ha sabido adaptarse a los nuevos tiempos sin renunciar a ser él mismo y es absolutamente genial que un músico que publica su álbum decimotercero consiga el sonido de COLORS, que es un álbum capaz de mantener al público que ya tiene y conquistar a otro público unos veinte años más joven. Hoy día esa es la clave del éxito: la regeneración de tus seguidores y BECK lo consigue una vez más.
Se ha dicho también que BECK ha sido el niño mimado de la crítica todos estos años porque sus discos siempre han sido calificados entre la genialidad y la excelencia. Algunos de nuestros lectores nos lo echaron en cara cuando proclamamos que Morning Phase era el mejor álbum del 2014, y nos sugirieron que las críticas a ese y otros álbumes de su discografía estaban un tanto hinchadas. Porque no consideraban que BECK fuera ni la mitad de bueno de lo que se ha dicho. Nosotros estamos totalmente en desacuerdo y hablamos desde nuestro propio criterio a la hora de puntuar discos. BECK podría salir perdiendo la mayoría de las veces si sus discos no estuvieran a la altura de las (enormes) expectativas que genera. No sabemos cómo lo hace. Pero siempre alcanza esas expectativas o las supera. Y nuestras críticas positivas son la consecuencia de ese hecho.





viernes, 13 de octubre de 2017

LA COMPLICIDAD DE COURTNEY BARNETT & KURT VILE.



Hace un mes que conocimos Over Everything,  el adelanto de LOTA SEA LICE de COURTNEY BARNETT y KURT VILE y estábamos deseando de que saliese el álbum para escuchar mucho más porque nuestro último recuerdo de las carreras de ambos por separado fueron dos discos importantes en el 2015, aclamados por la crítica indie que nosotros recogimos AQUÍ y AQUÍ.
La primera decepción es que el dúo se suma a la nueva moda de los discos de nueve cortes. No diez, ni once... ¡Nueve! Lo que quiere decir que tendréis que escucharlo en bucle unas cuantas veces para no tener la sensación de que termina justo en lo mejor y que os habéis quedado a medias.
A nosotros los discos de colaboraciones que más nos gustan son aquellos en los que existe una distancia diametral entre sus componentes y aún así, saben encontrar un punto en común y darnos una lección de buena música a todos.
En este caso, Barnett y Vile están hechos el uno para el otro. Los dos hablan exactamente el mismo lenguaje y no existe ninguna sorpresa en el resultado, no nos dan ninguna master class, ni tampoco lo pretenden. Algo que sí ocurría con otros discos de colaboraciones del año pasado -Love Letter To Fire de Bean/Hoop o Case/Lang/Veirs por citar un par de ejemplos muy celebrados en este blog- Con esto, tampoco queremos desmerecer este trabajo que posee una frescura innata, derivada de la gran complicidad de sus dos autores.




Y la gran pregunta que se suele hacer cuando se está ante un disco de colaboraciones es... ¿Quien de los dos artistas se ha llevado el disco a su terreno? -y en algunas ocasiones hasta "el gato al agua"-
Y en este caso, la respuesta es: Courtney Barnett. Este disco es mucho más Barnett que Vile aunque lo firmen los dos. Para Kurt Vile este trabajo es un paréntesis en su carrera. En cambió si que guarda cierta continuidad con el disco debut de Courtney Barnett.
A nosotros este trabajo nos ha dejado un poco fríos, no es que nos parezca un disco malo, que por supuesto no lo es. Es bastante bueno. Pero nuestras expectativas estaban muy altas tratándose de ellos y esperábamos mucho más. Error nuestro, porque como decíamos anteriormente, se nota que se lo están pasando muy bien tocando y componiendo juntos sin ningunas aspiraciones a crear el discazo del año o a tomarse demasiado en serio a ellos mismos.
En diciembre desvelaremos si nos ha acabado encantando con sucesivas escuchas y si lo tendremos en cuenta para nuestra lista de lo mejor del 2017.







miércoles, 11 de octubre de 2017

JP. COOPER APUNTA MUY ALTO.



Qué sería de nosotros sin estos maravillosos intérpretes y compositores británicos que hacen historia cada vez que graban un álbum... Hoy le toca el turno a John Paul Cooper, o mejor JP. COOPER tal y como ha firmado su álbum debut RAISED UNDER GREY SKIES que se editó por fin la semana pasada.
JP. COOPER ha estado trabajando los dos últimos años en sus canciones, que se han ido lanzando poco a poco y, concretamente, September Song ha funcionado muy bien en listas y se ha vendido mucho mejor, certificando el platino en UK y Suecia y el Oro en Bélgica y Canadá. Y como suele ser habitual en el mercado británico últimamente, los discos debut no parecen discos debut. Más bien parecen discos de grandes éxitos de un artista consagrado. Algo que por un lado es muy bueno, porque todos estos artistas nos están dando auténticas pequeñas obras maestras del pop contemporáneo. Pero por el otro... Algunos se están quedando vacíos de cara al segundo o tercer disco. Y luego vienen los parones como le ocurrió a Adele o Sam Smith. Porque este chico pretende jugar en la misma liga que ellos.




Concretamente RAISED UNDER GREY SKIES cuenta nada menos que con trece productores distintos y algunos cortes del disco, se puede decir que están sobre-producidos. De hecho, no nos gusta demasiado la producción para la versión principal de September Song del disco. Nos gusta mucho más la del vídeo que os hemos enlazado o la de su versión acústica, que incluye la edición Deluxe del disco con veinte cortes.
Antes hemos nombrado a Sam Smith y es que JP. COOPER también viene con ánimos para renovar el Soul con su gran voz. Sin todos estos artistas británicos que aportan un gusto excelente a la hora de componer y, sobre todo, interpretar cada una de sus canciones, el Soul o Neo Soul no estaría viviendo su mejor momento. Además, Smith y Cooper comparten uno de los productores determinantes dentro del género: Ben Ash; más conocido como Two Inch Punch.




Sinceramente RAISED UNDER GREY SKIES es una apuesta muy ambiciosa. Y no deja de ser una apuesta que puede resultar ganadora y conseguir grandes ventas y premios, emulando a los artistas ya citados. Pero también podría fracasar y nunca volveríamos a saber nada más de JP. COOPER.  Depende en gran medida de la recepción del público que empieza a identificar a demasiados cantantes en este tipo de géneros. Nosotros creemos que el disco está hecho para vender copias y que le guste a todo el mundo y de cara a ser premiado, solo tiene un claro competidor: Rag 'N' Bone Man -También producido por Two Inch Punch- que tal y como le ha ido el año, se perfila como uno de los ganadores del 2017 en el panorama mainstream.  La ventaja de JP. COOPER es que haber editado en Octubre garantiza a este RAISED UNDER GREY SKIES que suene bastante durante el 2018 y que incluso opte a premios el año que viene, si antes de su edición ya se han cerrado las listas de candidatos a premios de este año.
Nosotros es un disco que recomendaríamos a todas aquellas personas que vibran con Adele, Sam Smith o Rag 'N' Bone Man. Y lo tenemos muy en cuenta para nuestra lista de los 100 mejores discos del 2017.


lunes, 9 de octubre de 2017

JAMIE LAWSON Y LOS ACCIDENTES FELICES.



Teníamos muchas ganas que llegase el momento en el que JAMIE LAWSON volviera a la carga con un nuevo trabajo y el pasado 29 de Septiembre veía la luz HAPPY ACCIDENTS, en un fin de semana repleto de novedades muy esperadas como el retorno de Shania Twain o el nuevo trabajo de Miley Cyrus que eclipsaron injustamente, de cara a los medios, este nuevo álbum de Lawson que es igual de bueno o incluso mejor que su álbum homónimo del 2015 del que fuimos los primeros en hablar.
La figura de Ed Sheeran, amigo y mecenas de Lawson sigue estando muy presente en este segundo trabajo. Sheeran sabe que cualquier vídeo que publica en Youtube obtiene millones de visitas, por eso grabaron juntos una versión acústica del single de presentación de Jamie Lawson Can't See Stright, porque muchas veces no hay mejor promoción que ir de la mano del artista del momento. 
Y seamos honestos... Sin desmerecer Divide de Ed Sheeran, nos gusta muchísimo más HAPPY ACCIDENTS de JAMIE LAWSON, aunque no creemos que las canciones de este trabajo vayan a sonar en medio planeta como las de Sheeran y no por falta de calidad. Sheeran es el cantante de moda de los Millennials. El público de Lawson es adulto. Probablemente, los papás de los Millennials.
Uno de los grandes retos de este trabajo cuya edición Deluxe tiene nada menos que dieciséis cortes, es que todo el material es nuevo. Porque recordemos que Lawson había publicado un par de álbumes antes de su álbum homónimo del 2015 que contenía una brillante selección de las mejores canciones de esos trabajos. Un auténtico discazo que relanzó su carrera tal y como se esperaba.



En esta ocasión, son canciones completamente nuevas escritas para este "segundo" trabajo y el resultado es mejor que bueno. Tampoco es que asuma grandes riesgos con respecto a su trabajo anterior, pero es que no necesita asumirlos. Él consiguió un sonido acústico muy reconocible. Su propio sonido, desde su primer trabajo. Es una idiotez cambiar algo que está bien. De hecho, uno de los errores más típicos que se cometen cuando se cuenta con una producción más cara que la que se tenía para trabajos previos, consiste en visibilizar ese dinero recargando y sobre-produciendo. Lawson no comete ese error. Sus canciones siguen sonando como siempre, quizás cuenta con más instrumentos y apoyo vocal que antes, pero no hace ostentación de ello. Todos los sonidos fluyen en perfecto equilibrio.
No tenemos muchos datos de los críticos. Los más "importantes" no se han molestado ni en opinar sobre el disco, así que tendréis que confiar en nosotros cuando os decimos que es un cuatro estrellas sobre cinco. Nosotros lo recomendamos desde aquí y empezamos a tenerlo en cuenta para nuestra lista de lo mejor del 2017.





miércoles, 4 de octubre de 2017

HASTA LA VISTA, TOM PETTY.


Ya sabéis que en este blog odiamos las necrológicas muchísimo, porque una necrológica suele tener un esquema formal y si te fijas en muchas de ellas, llega un momento que sólo hay que cambiar el nombre de la persona y algunos datos, para acabar convirtiéndose en una fotocopia unas de otras y decir lo mismo de siempre lleva a que algunas palabras pierdan toda la carga de su significado. Y alguien como TOM PETTY no se merece eso.
En la blogsfera también podéis encontrar entradas muy trabajadas, en las que no falta un solo detalle. Como ejemplo; la de mi amigo Alberto de Común Sin Sentido a la que poco o nada podríamos aportar nosotros musicalmente hablando. Así que hemos decidido rendir tributo a TOM PETTY ahondando en nuestra parte emocional. Por un momento abandonaremos el plural estilístico del blog -ejercicio que estoy haciendo demasiado últimamente- y os contaré lo que ha supuesto en mi vida este gran músico que nos ha dejado prematuramente.



Tengo que confesar que descubrí a TOM PETTY bastante tarde si tenemos en cuenta que comenzó a publicar como Tom Petty & The Heartbreakers en 1976. Entonces yo tenía seis añitos y a pesar de que era un niño bastante precoz que ya prefería a Pink Floyd antes que otros subproductos patrios destinados para niños de esa edad, en casa tampoco había entrado ningún disco de Tom Petty, que ya sabéis como funcionaban las cosas en aquella época. Mis hermanas tenían una colección de vinilos, pero siempre había dos o tres vinilos perdidos que un día dejaron a alguien, que se lo dejó a otro alguien y nunca regresaron. Pero, a cambio, aparecían milagrosamente otros tres o cuatro vinilos ajenos que empezaban a formar parte de la colección de discos de mis hermanas y saldaban así sus cuentas de que nadie devolviese los discos que prestaba. Esa era una de las maneras en las que Tom Petty se podría haber colado en casa como se colaron otros muchos y nunca salieron de ella. Pero no, mis hermanas no estuvieron muy finas con los trueques y yo descubrí a Tom Petty muchos años después.



Tardé más de una década en descubrirlo y de rebote, porque no sé si recordaréis aquellos discos mágicos de un supergrupo llamado Traveling Wilburys con George Harrison, Bob Dylan, Roy Orbison, Tom Petty y... Jeff Lynne. Si seguís este blog y habéis visto alguna vez la sección de canciones sabréis que soy muy fan de E.L.O. y para mi Jeff Lynne siempre ha sido el puto amo. Consiguió un sonido propio y característico que imprimía en todas sus producciones, incluidas las que hacía para otros artistas. Y para mi, ese sonido siempre ha sido lo más parecido a la felicidad.
A finales de los 80, Lynne produjo algunos trabajos para Tom Petty; con esos trabajos y su incursión en The Traveling Wilburys, Petty me ganó para siempre. Sus canciones me daban muy buen rollo. De hecho, si estoy de bajón no sé qué tiene Learning To Fly que enseguida hace que me recupere. Y luego estaban los malditos ochenta y todas esas canciones vergonzosas que escuchaba la gente tipo Modern Talking que hoy día son indispensables para que suenen en una fiesta retro, y yo soy el primero que las pincha. Porque todo el Reggaetón y la basura que ha venido detrás, las ha hecho buenas. Pero entonces, me parecían una auténtica mierda y prefería refugiarme en Talking Heads, Suzanne Vega o estos discos de Tom Petty con Jeff Lynne



En aquellos tiempos era un simple estudiante que disponía de dos mil pesetas a la semana. Mil para salir un sábado y otras mil para salir un domingo. Y a pesar de que los adolescentes se vuelven intratables, considero que no he dado demasiada guerra. No era de pedir más dinero del que mis padres me quisieran dar. Pero ahora que lo pienso... Las dos mil pesetas estiraban muchísimo, porque prefería guardarlas y comprar discos antes que salir. Podía ir al cine un domingo por la tarde, pero poco más. Y en circunstancias como esta, cuando se tiene un capital tan limitado, alguien con una carrera detrás como la de Tom Petty te lo ponía francamente difícil si te querías poner al día con su discografía anterior. Así que esperé y esperé como agua de Mayo un recopilatorio que tardó muchísimo en llegar. Tanto, que cuando se editó en 1993 yo ya estaba en la Universidad y me había dejado seducir por la estética y los sonidos grunge. Pero lo disfruté como un auténtico enano y todavía hoy lo tengo a mano y lo escucho de vez en cuando. Y ese videoclip de Mary Jane's Last Dance con una bellísima Kim Basinger, lo tengo grabado en la retina.





Pero si hay una canción de Tom Petty que me ha acompañado media vida esa es You Don't Know How It Feels de Wildflower (1994) y es curioso porque cuando se editó solamente tenía 24 años y me parecía simplemente una canción buena. Entonces no me identificaba demasiado con la letra porque no me consideraba una persona demasiado complicada. Pero cuando cumplí los 30 y comenzó el rosario de crisis existenciales que he tenido a lo largo de mi vida -antes de los 30 no había tenido ninguna- digamos que esa canción se apoderó de mi porque su letra explicaba muy bien todo lo que me estaba ocurriendo y yo mismo era incapaz de expresar con palabras. En ese momento hubiera agradecido que en mi entorno hubiera una sola persona que supiese inglés, además de mi, porque se la hubiera pinchado y me hubiera ahorrado largas horas de conversaciones que no iban a ningún lado.





El año pasado Tom Petty volvió a publicar un segundo volumen como MUDCRUTCH -su banda inicial- un álbum que hizo que me reencontrara con él después de mucho tiempo y es un trabajo de quitarse el sombrero. Parece mentira que alguien que lleva casi cinco décadas en la música pueda sorprendernos con un disco como Mudcrutch 2 que muchas listas -incluida la nuestra- destacaron como lo mejor del 2016.
Precisamente por este trabajo que nos regalaba a un Tom Petty en plena forma y con muchísimo que contar todavía, hemos sacado como conclusión que la vida es impredecible y solamente sabes que te has despertado esta mañana. Lo de después, es una sorpresa. Hoy día que la esperanza de vida ha aumentado en varios años y que los cuarenta, cincuenta y sesenta de ahora no son los mismos cuarenta, cincuenta y sesenta de hace veinte años, fallecer con sesenta y seis es horrible para el que se va. Pero si además es un genio como Tom Petty que ha conseguido hacernos felices con sus canciones durante décadas, es igualmente horrible para los que nos quedamos. Afortunadamente nos deja un legado que se va a revalorizar ahora que no está. Porque fue uno de los mejores, aunque no se reconociera lo suficiente en vida.
Descanse en paz.








lunes, 2 de octubre de 2017

HISS GOLDEN MESSENGER: TIEMPOS DIFÍCILES.



Nunca hubiéramos imaginado que HISS GOLDEN MESSENGER editara tan pronto ALLELUJAH ANYHOW y que además fuera un disco tan grande, si tenemos en cuenta que todavía no ha hecho ni un año de la publicación de su anterior trabajo Heart Like a Levee (2016) -incluido en nuestra lista de los mejores álbumes del 2016- que nos parecía insuperable y hubiera merecido un tiempo mayor de atención.
Ahora es cuando reprocharíamos la inmediatez de los tiempos y que todo vaya tan rápido, pero no lo vamos a hacer porque ALLELUJAH ANYHOW es una auténtica maravilla. Nos atreveríamos a decir que es incluso mejor que Heart Like a Levee (2016).
Detrás de HISS GOLDEN MESSENGER se esconde el músico, intérprete y compositor Mc Taylor. Podríamos decir que sus últimos trabajos deambulan entre el Indie Folk, Folk Rock o incluso Country Alternativo. Nosotros hemos encontrado ciertos paralelismos con John Mellencamp que este año ha brillado especialmente con Sad Clowns & Hillbillies (2017).
Ya sabéis que estas entradas se suelen escribir en plural por puro estilo EXQUISITECES y aunque suene a que hay toda una redacción escribiéndolas, se puede decir que estoy solo la mayoría del tiempo y pocas veces hablo como Midas, el que escribe. Hoy lo voy a hacer. 



Cada semana se editan muchísimos discos de todos los estilos y géneros, os aseguro que los escucho todos, para escribir estas reseñas y poder confeccionar la mejor lista que se pueda hacer de los mejores discos del año. Una que abarque unos 1.000 ó 1.500 discos escuchados al año, para luego quedarnos con 100. Os contaré que llevaba unos días muy rutinarios, escuchaba un disco tras otro. Técnicamente y musicalmente podía decir cosas sobre ellos y destacar lo positivo de cada uno, porque llevo ya años en esto y sé hacer mi trabajo. Pero en el plano afectivo, no podía decir nada. Ninguno de esos discos había conseguido tocarme emocionalmente, ninguno me estaba haciendo sentir nada y me estaba replanteando si tomarme esto con más calma, porque no estaba disfrutando de la música.
Afortunadamente, llegó ALLELUJAH ANYHOW y cambió esta percepción por completo. Me atrapó y me enamoré del disco tras las primeras notas de la primera canción. Es un disco que me ha hecho sentir y eso ya son cinco estrellas por mi parte.
No sé lo que han dicho los críticos importantes de este trabajo, ni me voy a molestar en mirarlo esta vez. Porque francamente me importa una mierda y creo que ya he demostrado sobradamente que tengo olfato para esto. Y mis cinco estrellas valen tanto como las de ellos.
También os diré que ha sido "amor puro". Pero tampoco ha sido el único flechazo que he tenido este año, ha habido otros. Porque en el amor a la música no existe la monogamia. Cuanto más promiscuos seamos, mejor. 
ALLELUJAH ANYHOW es un disco bastante oportuno, tiene que ver también con la resiliencia de la que nos hablaba Tori Amos en Native Invader o cómo mantener la sonrisa cuando todo se está derrumbando a tu alrededor. Es ese disco para recordar que vivimos tiempos difíciles, muy difíciles. Pero siempre hay una salida.
Un álbum que recomiendo encarecidamente desde estas páginas porque ha significado ese balón de oxígeno que necesitaba para llegar a Diciembre sin tirar la toalla.


viernes, 29 de septiembre de 2017

EL REGRESO DE SHANIA TWAIN.

Hoy ha salido a la venta NOW el nuevo disco de SHANIA TWAIN que no publicaba un álbum de estudio con canciones inéditas desde 2002 con Up! y ya tenemos una excusa para hablar de una mujer importante que escribió una página en la historia de la música, consiguiendo el triple disco de diamante en USA por las ventas millonarias de su obra, en especial Come On Over (1997). Pero ese no fue su único logro. Twain revolucionó el country y lo paseó por todo el planeta. Es cierto que lo que ella hacía era country pop, un género bastante más agradable y complaciente para oídos poco acostumbrados al country. Pero nos consta que su éxito generó tendencia -Recordad a la Madonna de aquella época con su sombrero country en Music (2000)- y abrió las puertas de Europa a otros artistas que nunca habían trascendido de la escena estadounidense, haciendo más por el country de lo que nunca hubiera imaginado.
Aunque muchos puedan pensar que esta artista canadiense estaba retirada porque ganó suficiente dinero como para poder hacerlo, se equivocan. En todo este tiempo Shania Twain tuvo su propio programa en la televisión canadiense y también su show en Las Vegas como su compatriota Celine Dion.




El presente para cualquier artista que lleve quince años sin grabar un disco es bastante complicado. Hemos escuchado NOW y nos parece un disco arriesgado. Primero porque nos cuesta reconocer a la Shania Twain de los 90 sin la producción de su entonces marido "Mutt" Lange, su voz suena unos tonos más bajos que de costumbre en algunos cortes, y segundo porque hay muy poco de country, es solamente pop y un pop que a pesar de contar con una producción impecable y vanguardista a cargo de Ron Aniello, Jake Gosling, Jacquire King, Matthew Koma y la propia Twain dudamos mucho que despierte algún interés entre los menores de venticinco, precisamente hoy que también se ponen a la venta los discos de Miley Cyrus y Demi Lovato que son dos claros exponentes de ídolos millennials para público millenial. Y lo mejor que le puede pasar a un artista veterano para relanzar su carrera es atraer a un público varias generaciones más joven que el público que ya le sigue.
En cuanto a las pocas críticas que hemos podido recoger, le otorgan una media de tres estrellas sobre cinco. Entre otras cosas alaban la producción del disco y dicen que por fin se ha demostrado que la Twain no era la marioneta del productor "Mutt" Lange y que puede hacer algo bueno con otros productores o incluso autoproduciéndose ella misma.
Nosotros no estamos de acuerdo, creemos que para este NOW lo más sensato hubiera sido reunirse con su ex, el señor Lange -que todavía genera hits como You And I de Lady Gaga- para continuar donde se quedaron con UP! en el 2002. Porque si es complicado conquistar nuevo público, por lo menos intenta conservar el que te queda después de quince años de ausencia. Especialmente si revisamos Come On Over (1997) que ya ha cumplido veinte años y sigue en perfecta vigencia.



miércoles, 27 de septiembre de 2017

THE KILLERS HAN VUELTO.



WONDERFUL WONDERFUL es el quinto trabajo de THE KILLERS. Un disco muy esperado porque la banda no publicaba un álbum de estudio desde el 2012 con Battle Born. Aunque tuvimos noticias de Brandon Flowers en el 2015, que compagina sus discos en solitario con los de la banda, y es precisamente él quien compone muchos más temas para The Killers que sus otros integrantes. 
En ese sentido, Flowers es bastante interesante si tenemos en cuenta que lo que él hace en solitario es bastante distinto a lo que suele hacer con la banda. Es cierto que algún single aislado de sus dos discos en solitario podría haber sido un hit de The Killers. Pero creemos que ha dado con la fórmula y el sonido que funcionan a la perfección para THE KILLERS. Y si normalmente a otras bandas les exigimos que arriesguen, con THE KILLERS queremos que mantengan el listón de sus primeros discos y WONDERFUL WONDERFUL es una puesta al día de esos trabajos, porque recordemos que estamos hablando de una banda que reinó en la década pasada. Y ahora nos sorprenden con una colección de canciones que probablemente sean las mejores de su discografía.
The Man fue el primer adelanto y es una canción con toque retro New Wave que a este que suscribe le recuerda a una extraña suma entre Talking Heads y The Bee Gees.




A los críticos WONDERFUL WONDERFUL les está gustando mucho, con una promedio de tres estrellas y media sobre cinco. Hemos estado observando las valoraciones de los otros álbumes de la carrera de la banda y nos ha sorprendido descubrir que tienen valoraciones más bajas que la de este nuevo trabajo, tratándose de discos de ventas millonarias en todo el planeta. Y es que algunos críticos nunca les perdonaron que vendieran tantísimo y que durante un tiempo estuvieran hasta en la sopa.
Algunos dicen que WONDERFUL WONDERFUL es el mejor álbum de la banda desde Sam's Town (2006), y desde luego que reúne auténticos hits potenciales para rodar muchos videoclips y encabezar todas las listas de las radiofórmulas con cada una de sus canciones, aunque ya no estamos en 2006. 
A nosotros nos encanta ese Brandon Flowers grandilocuente y excesivo que está a punto de rozar el ridículo y que se crece cuando está amparado por su banda. Y en este trabajo hay mucho de todo eso. En definitiva, este es un disco de los mejores THE KILLERS y con eso debería estar todo dicho. Sus fans van a quedar muy complacidos. De todas formas, no nos gusta ser agoreros pero han pasado más de diez años de sus ventas millonarias y tampoco creemos que vayan a  revalidar esas ventas, a pesar de que el disco lo merece.


lunes, 25 de septiembre de 2017

LA CATARSIS DE KESHA.


Muchos se sorprenderán al ver a KESHA en EXQUISITECES y es cierto que nosotros la teníamos catalogada como chica florero sin ningún talento y subproducto de discográfica. Pero desde el año pasado decidimos escuchar prácticamente toda la producción anual y, hoy por hoy, creemos que si se pretende hacer una lista de los mejores discos del año, hay que abarcar el mayor material posible y confesamos que si no es por esa decisión de escucharlo todo, probablemente nos hubiéramos perdido RAINBOW por culpa de nuestros propios prejuicios. Y es que pesan mucho esas actuaciones de KESHA en los premios MTV del pasado, totalmente empañadas por sus adicciones y que, además, fuera la responsable de Tik Tok una de las canciones más idiotas de la música contemporánea.




Luego, se han sabido muchas historias para no dormir de cómo la pobre Kesha era solamente un corderito encerrado en una habitación llena de Tiburones, Leones y otras bestias que habitan la industria musical americana. Y no nos vamos a parar a comentar su juicio con el productor Dr. Luke porque hay cientos de páginas que lo han seguido con todo detalle en la red. Pero con todo lo que ha ocurrido, KESHA tenía todas las papeletas para convertirse en un juguete roto de las discográficas y acabar en el ostracismo con la etiqueta de "Persona Conflictiva", a pesar de haber sido una víctima de un sistema que apesta.




Pero lo que hace un buen músico -y a partir de este momento retiramos lo de chica florero y subproducto- es intentar superar sus problemas, encerrarse a componer y darnos lo mejor que tiene. Y eso es justamente RAINBOW una catarsis en la que KESHA se abre en canal y deja fluir sus sentimientos. Y no es una casualidad que este trabajo se gestara durante su estancia en una clínica de rehabilitación. Encontramos canciones un tanto tristes y explícitas como Bastards que habla de poner límites a los matones o Woman inspirada por un comentario machista de Donald Trump. Aunque probablemente la canción que pase a la historia como un himno de superación es Learn To Let Go
Lo que tienen en común todas estas canciones es que en todas existe un lugar para el perdón y la redención. Kesha perdona y no olvida. Pero prefiere seguir adelante en vez de regodearse en el rencor. Algo que la hace aún más fuerte y más grande. 
Musicalmente nos ha encantado esos giros que van desde el pop hacia el Country Alternativo y el momentazo junto a Dolly Parton, sin ninguna duda de lo mejor de un álbum emocional, vital y que se adscribe al concepto de empoderamiento femenino.





En cuanto a la crítica, RAINBOW es el álbum de KESHA mejor valorado de su discografía con una media de cuatro estrellas sobre cinco, algo que tampoco nos ha extrañado y nuestros lectores lo apreciarán porque ya hemos dejado claro que nos hemos saltado nuestra línea editorial. Pero es que RAINBOW es un gran trabajo y estará en nuestra lista de los mejores álbumes del 2017 y preferimos reseñarlo ahora para que los más puntillosos se vayan haciendo el cuerpo, antes que provocarles un infarto el último día.
Bromas aparte, liberaos de prejuicios como hemos hecho nosotros y escuchad RAINBOW es un auténtico discazo. Atentos también a las próximas nominaciones a los Premios Grammy. Kesha va a estar seguro.






viernes, 22 de septiembre de 2017

CHARLOTTE MARTIN VUELVE A EMOCIONARNOS.



Hoy queremos hablar de RAPTURE el nuevo trabajo de CHARLOTTE MARTIN. Un disco que no ha entrado en ninguna lista de ventas, ni ha recibido ninguna crítica por parte de un medio importante, ni siquiera sabemos si vamos a encontrar vídeos en Youtube para acompañar esta entrada. 
Un disco que si queréis comprarlo, lo podéis hacer mediante descarga digital a través de iTunes -En Amazon también está disponible en descargas- pero si queréis el CD en formato físico, solamente se puede comprar en la página oficial de la artista; cuesta unos 15 Euros, más otros 16 de gastos de envío si lo pides desde España.
Os estamos contando todo esto para que os hagáis una idea de lo extremadamente indie que las circunstancias han convertido a esta gran intérprete y compositora. Y aunque uno de los requisitos importantes cuando escribimos nuestras reseñas es que la compra del CD del que hablamos debe ser accesible para el lector, no podíamos cerrar el año sin hablar de RAPTURE. Porque es uno de los mejores trabajos del 2017.




CHARLOTTE MARTIN probablemente sea la mejor compositora de su generación. Su estilo al piano, tesitura y color de voz generaron comparaciones con Tori Amos al inicio de su carrera allá por el año 2004, fecha de lanzamiento de On Your Shore, su álbum debut. Y es cierto que Amos fue una fuente de inspiración confesa al principio. Y que la discográfica que lanzó a CHARLOTTE MARTIN jugó un poco con lo de "La nueva Tori Amos" y le salió el tiro por la culata. Porque la vieja todavía tenía mucho que decir. Pero la carrera de Martin hace años que tomó su propio rumbo, justo en cuanto ella tomó el control y se curtió como artista indie que se autoproduce sus propios discos. 
RAPTURE probablemente sea su mejor trabajo desde esa pequeña obra maestra titulada Stromata (2006), Martin sigue cimentando la arquitectura de sus canciones en su piano y hace mucho tiempo que domina la electrónica y sabe crear auténticas atmósferas jugando con todos esos elementos y los matices de su propia voz en diferentes escalas. Una auténtica delicia de trabajo repleto de baladas emocionantes que recomendamos encarecidamente desde aquí.
Afortunadamente, se puede escuchar también en Spotify y os colgamos la lista de reproducción. No os lo perdáis.

miércoles, 20 de septiembre de 2017

SAMPHA REVITALIZA EL R&B.


Si el R&B, género trillado donde los haya, tiene salvación (y redención) es gracias a trabajos como PROCESS del cantante, compositor y productor británico SAMPHA. PROCCES es un ejemplo de cómo van a ser los discos de R&B en un futuro inmediato y nosotros estamos muy contentos de que así sea. 
SAMPHA SISAY debuta con este álbum. Pero se ha curtido trabajando con estrellas como Solange, Drake, Kanye West, Jessie Ware o nuestra querida Katy B antes de publicar este trabajo que nos ha cautivado desde el primer corte. 
Es cierto que para quien no esté acostumbrado a estos nuevos sonidos -También etiquetados como neo soul- va a necesitar un par de escuchas para saber apreciarlos. A nosotros nos parecieron muy interesantes e inquietantes en la primera vuelta, porque queríamos mucho más y necesitábamos saber mucho más de su responsable. Además de despertar cierta ternura en nosotros con esas letras en las que nos cuenta su proceso vital.
Sisay ha realizado labores de producción con algunos de los artistas citados y en su disco también las cumple, pero además ha contado con la colaboración del productor escocés Rodhaid McDonald responsable de algunos de los mejores sonidos de The XX, Daughter o Vampire Weekend





La crítica está bastante satisfecha con este trabajo que no baja de las cuatro estrellas. Solamente por la parte innovadora, las merece (incluso cinco). Aunque a los que no le gusta tanta innovación, y sean amantes de las de las grandes voces. Quizás piensen que le sobra la parte electrónica y que SAMPHA se luciría muchísimo más con unos arreglos algo más tradicionales. Es muy cierto que esa voz privilegiada no necesita ningún artificio de laboratorio. Pero, de momento, la gracia de PROCESS está precisamente en cómo mezclar una voz como la suya, con esos artificios empleados con tantísima inteligencia. 
Aunque este álbum tiene cortes para todos los gustos. A los que acusen a este trabajo de ser demasiado moderno, les recomendaremos esa maravilla titulada (No One Knows me) Like The Piano.
Otro de los grandes aciertos es que a pesar de que Sampha haya trabajado con raperos, y que el R&B suela ir acompañado de algo de rap o hip hop en algunas ocasiones, en este álbum no hay ni una sola estrofa rapeada. En ese sentido, ha querido huir de lo obvio. Aunque si la hubiera incluido, el disco seguiría siendo igual de bueno y nos hubiera parecido exactamente igual de inquietante, interesante e incluso excitante.



lunes, 18 de septiembre de 2017

JACK JOHNSON CONTESTA A DONALD TRUMP.



JACK JOHNSON es otro de esos viejos amigos que regresan con un nuevo trabajo. Se titula ALL THE LIGHT ABOVE IT TOO y es el séptimo en su carrera.
Y habría que hablar mucho sobre cómo JACK JOHNSON, con sus dos primeros discos, fue uno de los artistas más cool del primer lustro del milenio y de cómo dejó de serlo con su transición posterior al mainstream que se inició con In Between Dreams (2005) y que continuó con dos discos que aburrieron bastante, hasta que volviera a sorprendernos con From Here To Now To You (2013) un álbum que recuperaba el pulso de sus dos primeros trabajos, que tampoco devolvió a Johnson a la primera línea. Nosotros en su momento advertimos que ese trabajo quedaba un tanto lastrado por un exceso de baladas.
Ahora es el momento de ALL THE LIGHT ABOVE IT TOO un álbum del que han dicho que está emparentado con Sleep Through The Static (2008) y puede que sea cierto en meros aspectos formales. Pero ALL THE LIGHT ABOVE IT TOO suena bastante mejor y tiene suficientes ingredientes como para que Johnson reactive su carrera engatusando a un público mucho más joven del que le ha seguido hasta la fecha.



El propio Johnson ha comentado que las canciones de este álbum no las ha compuesto en su casa o en su estudio, porque le resultaba más inspirador componerlas en acampadas o navegando. Y los que ya conocéis a Johnson como activista ecologista y persona concienciada con su tiempo, no os sorprenderá saber que algunas de las canciones son auténticas réplicas a las opiniones de Donald Trump sobre el calentamiento global y otros aspectos ecológicos. Precisamente The Times UK ha machacado este disco otorgándole dos de cinco estrellas con el argumento de que "Sus canciones están muy politizadas". Un argumento poco válido si tenemos en cuenta que normalmente se usa cuando la línea editorial del medio que lo proclama, no comulga con las ideas expuestas en las canciones. Por lo que no se puede considerar una crítica estrictamente musical.
El resto de los críticos no han mezclado churras con merinas y han respondido favorablemente. Nosotros tenemos la sensación de que este trabajo puede hacer mucho por la carrera de Johnson, porque ya se nos había olvidado que podía sonar así de bien y hemos atisbado cierta frescura que no encontrábamos desde sus tres primeros discos. El productor elegido esta ocasión ha sido Robbie Lackritz y ha conseguido potenciar su elegancia de siempre y la brillantez que ya conocíamos en otros de sus álbumes más acústicos.






viernes, 15 de septiembre de 2017

EL LADO ROMÁNTICO DE JAKE BUGG.



JAKE BUGG vuelve al ataque con HEARTS THAT STRAIN cuando todavía estamos peleándonos con todos los que dijeron que On My One (2016) fue uno de los peores discos del año pasado. Recordemos que la polémica surgió porque Bugg dio el salto a la producción musical, algo que muchos de los críticos consideraron que fue un error. Nosotros, siempre a contracorriente, lo valoramos muy positivamente y seguimos pensando que está perfectamente capacitado para seguir haciéndolo.
En este nuevo trabajo Bugg ha decidido que Dan Auerbach sea el productor principal y se ha reservado un lugar como productor adicional. Pero ni por eso se ha librado de algún que otro palo de algunos medios británicos. Ya se ha entrado en una dinámica en la que estos críticos buscan cierta notoriedad y es muy fácil que terminemos hablando de ellos, cuando machacan por sistema al artista más prometedor que ha surgido en los últimos cinco años. 
Sinceramente, Jake Bugg continua teniendo el respaldo del público. Porque si le hubiera importado solo un poco la recepción crítica de su trabajo anterior, probablemente se lo hubiera tomado con más calma y se hubiese planteado editar este disco en el 2018. Pero no, él va casi a disco por año y se lo puede permitir porque no solo no se atisba ni un mínimo de desgaste en esta nueva propuesta. Es que Bugg incluso evoluciona.




HEARTS THAT STRAIN es el disco menos rockero de los cuatro que tiene publicados, con On My One la transición al Pop ya estaba hecha. Aunque realmente, Bugg fue etiquetado en el Brit Pop y el Rock desde el principio. La particularidad de este trabajo es que nos muestra un lado romántico que nos había enseñado de pasada en sus trabajos anteriores. Porque en HEART THAT STRAIN predominan las baladas de desamor -Algunas con reminiscencias country como This Time- y brilla especialmente Waiting, una balada de corte retro en la que cuenta con la colaboración de Noah Cyrus la hermana pequeña de Miley Cyrus que ya empieza a hacer sus pinitos. Es el primer dúo de Bugg de su carrera.
A nosotros HEART THAT STRAIN nos ha gustado. Es cierto que sigue sin superar sus dos primeros trabajos, pero por lo menos explora otros territorios inexplorados anteriormente y huye del encasillamiento sin renunciar a sus influencias, que son las mismas que ya hemos comentado en otras ocasiones.
Recordemos que Jake Bugg comenzó su carrera con 18 años y tiene 23. Es bueno que experimente, que juegue e incluso que cometa errores. El gran problema es que el mercado británico es tan despiadado que no te puedes premitir el lujo de cometer demasiados errores. Cada día aparecen artistas nuevos, con más talento y mejor dotados como músicos que los que ya están en la palestra. A Jake Bugg le puede hacer mucho daño Declan McKenna. Aunque nosotros pensamos que hay espacio para los dos.




miércoles, 13 de septiembre de 2017

¿POR QUÉ NOS GUSTA TANTO THE WAR ON DRUGS?


Por fin estamos hablando de A DEEPER UNDERSTANDING de THE WAR ON DRUGS un esperadísimo álbum que se ha colado en los primeros puestos de todas las listas de varios países del mundo, en gran medida gracias al éxito de Lost In The Dream (2014) que fue el álbum que los colocó en el disparadero. De no existir aquel álbum, probablemente hoy no estaríamos hablando de ellos, a pesar de que Adam Granduciel y su banda no son ningunos debutantes, A DEEPER UNDERSTANDING es su cuarto álbum de estudio y estamos convencidos de que no será el último.




-¿Por que nos gusta tanto THE WAR ON DRUGS?-
Nos gustaría hacer esta misma pregunta a alguien que tenga 18 años, esté empezando a escuchar música desde hace poco tiempo y haya descubierto que THE WAR ON DRUGS es una de sus bandas favoritas. Seguramente, sus razones nos sorprenderían mucho más que las que podemos argumentar nosotros, que ya estamos cerca de los 50 y llevamos tanta música sobre nuestras espaldas. Porque para nosotros THE WAR ON DRUGS rezuma lo mejor de las bandas de mediado de los ochenta. Y no es que nos recuerden exactamente a Dire Straits o Roxy Music por citar dos ejemplos claros, es que nos recuerdan mucho más a la magia de un momento concreto de nuestras vidas. Al olor, los sabores y colores de una época en la que éramos realmente felices. Y hay un trocito de felicidad encerrada en cada uno de esos punteos de guitarra y en esas atmósferas que se crean en cada canción. 
Por eso nos gusta tanto THE WAR ON DRUGS. Y aunque básicamente nos sustentemos en la nostalgia para responder a la pregunta, también diremos que objetivamente hacen muy buenos discos.



La crítica está valorando A DEEPER UNDERSTANDING prácticamente igual que valoraron Lost In The Dream que os recordamos que fue proclamado mejor disco del 2014 por muchos medios importantes de la prensa especializada. Y como decía al principio, la acogida en listas oficiales de ventas y/o popularidad de este cuarto álbum ha sido mayor que las de Lost In The Dream, gracias precisamente a Lost In The Dream que fue un disco que no se vendió de golpe y aguantó muchísimas semanas en listas. Es muy probable que todo el que lo compró durante los últimos tres años, haya comprado ahora A DEEPER UNDERSTANDING nada más editarse. Sumado a que la discográfica había colgado varios adelantos de este nuevo trabajo en Youtube. Y el público podía comprobar que no se equivocaba si los elegía.
-¿En qué se diferencian?-
Quizás A DEEPER UNDERSTANDING sea más de canciones concretas y directas y en Lost In The Dream había más espacio para divagar, soñar... Pero en esencia, los dos te regalan sensaciones parecidas con el universo sonoro que saben crear en cada corte.
Lost In The Dream se convirtió en uno de nuestros discos de cabecera, en su momento. A DEEPER UNDERSTANDING va por el mismo camino, e incluso intuimos que va acabar gustándonos más. Pero todavía no nos atrevemos a decirlo. 
Para concluir, sólo nos queda recomendar la discografía de THE WAR ON DRUGS, incluso sus dos primeros álbumes, que da la sensación de que han sido fagocitados por dos los últimos y también contienen grandes momentos con Kurt Vile incluido.



lunes, 11 de septiembre de 2017

CIGARETTES AFTER SEX: TRISTEZA POSTCOITAL


El pasado mes de Junio por fin se editó el disco homónimo de CIGARETTES AFTER SEX un título un tanto sugerente que en cuanto se escucha el disco, no deja lugar a dudas. Pero mejor, contar primero que se trata de una banda de ambient pop con origen en El Paso, Texas que tiene como miembro fundador a Greg González que es el vocalista, autor y productor musical de todos los temas del disco, le acompañan los otros tres miembros de la banda: Phillip Tubbs, Randy Miller y Jacob Tomsky.
CIGARETTES AFTER SEX lleva en activo desde el 2008 y tras editar varios Eps, la publicación del primer largo no se ha materializado hasta este 2017.
Hace unos días nos comentaba uno de nuestros queridos lectores, vía mensaje privado, que la música indie en los últimos tiempos estaba plagada de cantantes susurrantes de letras muy tristes. Que no sabía si responsabilizar a Lana del Rey de esa nueva tendencia. Quizás Lana del Rey sea el ejemplo más visible, pero a nosotros se nos ocurre otros artistas como Max Jury o Flo Morrissey, que aunque no estén adscritos al ambient pop, sus canciones pueden producirte la misma tristeza postcoital que producen las de CIGARETTES AFTER SEX.




A la crítica le ha gustado bastante este trabajo y ha sido valorado con una media de cuatro estrellas. Nosotros tenemos que decir que estamos muy enganchados y no precisamente porque seamos adictos al drama. Es que son diez cortes que una vez que los has escuchado, hacen que te sientas muy vivo y eso es bastante más de lo que un disco pop puede darte hoy día.
Nosotros recomendaríamos este disco para una velada romántica en la que vaya a haber sexo. Nos da igual si el disco se pincha antes o después. Los de CIGARETTES AFTER SEX, como su propio nombre indica, lo recomiendan para después. Nosotros pensamos que se pueden conseguir grandes avances si se pincha antes o incluso durante.
Bromas aparte, lo que sí que anunciamos ya es que este álbum estará en nuestra lista de lo mejor del 2017. Así que id escuchándolo para que luego no os llevéis una sorpresa. Y recomendamos, sobre todo, que escuchéis el disco, la grabación original. Porque hemos encontrado estos vídeos que para lo único que sirven es para demostrar su solvencia en directo y que no son un producto de laboratorio. Pero nos tememos que su música es incompatible con verles las caras. Te lo crees todo mucho más si no los ves, por muy duro que suene decirlo.





viernes, 8 de septiembre de 2017

TORI AMOS Y LA RESILIENCIA.


Hoy ha salido a la venta NATIVE INVADER, el decimoquinto álbum de estudio de TORI AMOS. Un trabajo muy esperado después de demostrar que estaba en plena forma con Unrepentant Geraldines (2014), que supuso su regreso al pop. NATIVE INVADER es un álbum un tanto espinoso que está basado en una idea principal; la resiliencia en dos de sus vertientes: la psicológica y la ecológica, a la que se entrelazan transversalmente otras ideas como: la inmigración, el cambio climático, la madre naturaleza o la maternidad, además de otras cuestiones sociopolíticas propias de la era Trump, bastante cuestionables.
Muchos lo han tildado de disco conceptual para no perder la costumbre, y se podría entender como tal porque está emparentado con dos de sus discos conceptuales más aclamados: Scarlet's Walk (2002) y American Doll Posse (2007). En cualquier caso, se trata de otro disco trascendente de TORI AMOS hijo de su propio tiempo, el presente, -Atención a ese guiño a Juego De Tronos en la portada- y, como siempre, nada surge de la casualidad y nunca se da una puntada sin hilo.




Han salido algunas críticas del disco y, de momento, la mayoría son muy buenas. Tiene dos de esas que llaman "mixtas" (regulares) y ninguna mala. Aún tienen que salir muchas más. Pero es suficiente para que nosotros comencemos a "criticar a los críticos". Un ejercicio que últimamente nos encanta hacer. 
El problema de una crítica regular para alguien capaz de ofrecerte un trabajo tan complejo como NATIVE INVADER es que se acaba interpretando como una crítica mala. Tenemos la sensación de que la crítica le exige mucho más a TORI AMOS que a cualquier niño bonito del pop que cumple con un par de riffs de guitarra y una canción molona. Y es que Amos nos ha acostumbrado tanto a esas canciones de arquitectura difícil y esos brotes de genialidad que ya no los valoramos lo suficiente.
Siendo justos, no todo es perfecto en NATIVE INVADER, cuando se editó el primer adelanto Cloud Rider tenemos que decir que no nos pareció nada novedoso y sentenciamos: "Que se había quedado anclada en los 90", luego llegó Up The Creek que es uno de los grandes momentos del álbum y nos tapó la boca, cómo con otros muchos excelentes cortes: Breakaway o Mary's Eyes, por citar un par de ellos.




Aún así, creemos que sería muy bueno que TORI AMOS confiase la producción musical de su próximo trabajo a otra persona. Ella misma ha producido todos sus discos en los últimos años y todo resulta muy casero y entrañable cuando cuenta con la guitarra de su marido o los coros de su hija Tash. Y seguramente que ese universo (cerrado) daría para varios discos más, tan buenos como este o mejor. Pero nos gustaría que se abriese a otras tendencias y a otras colaboraciones con otros músicos, para seguir teniendo la sensación de que TORI AMOS no ha tocado techo todavía y puede crecer mucho más. En definitiva, que nunca pierda la capacidad de sorprender incluso a los que conocemos bien su obra. Lamentablemente, no hay factor sorpresa en NATIVE INVADER. Solamente es un muy buen disco de Tori Amos, que no es poco.
Por lo demás, este trabajo es todo un acontecimiento. Un hito histórico, como cada álbum de esta genio contemporánea, a veces incomprendida. 
Seguimos insistiendo en que los trabajos de Amos funcionan mucho mejor como álbumes y hay que valorarlos en todo su conjunto, aunque la tendencia actual sea analizarlos por canciones sueltas. De hecho, las dos críticas "mixtas" provienen de críticos que han diseccionado el disco canción por canción, sin analizar la cohesión del álbum. Algo que nos parece un error garrafal.
Una vez más recomendamos encarecidamente NATIVE INVADER de TORI AMOS no solamente a los fans. Nunca es tarde para descubrir a una de las artistas más completas, peculiares y carismáticas del Siglo XXI. 



miércoles, 6 de septiembre de 2017

¡SHELBY LYNNE Y ALLISON MOORER POR FIN JUNTAS!


Muchos teníamos la esperanza de que llegase el día en que SHELBY LYNNE y ALLISON MOORER colaborasen en un disco. Más que nada porque son hermanas y parecía que no lo iban a hacer nunca. Ya que este NO DARK YET es el décimoquinto álbum de estudio de Shelby Lynne y el décimo de Allison Moorer
Lo que nos cuesta comprender es que si NO DARK YET se ha convertido en todo un acontecimiento, porque cuenta con la unión de dos de las compositoras e intérpretes mas brillantes de la música americana contemporánea, se haya decidido anular precisamente su vertiente de compositoras optando por un disco de covers
Es cierto que Is It Too Much, el corte número diez que cierra el disco, es la única canción inédita compuesta por las dos hermanas para este trabajo. Todo un regalo que nos deja con ganas de mucho más made Lynne & Moorer y la presencia de ese corte hace que nos reafirmemos en la idea de que este esperado encuentro no debería haber sido únicamente un disco de covers con tan sólo diez cortes. Se hubiera agradecido mucho, al menos, cinco o seis cortes más con canciones inéditas.




El productor escogido para este trabajo fue el británico Teddy Thompson y el repertorio es bastante ecléctico. Desde el inevitable Bob Dylan con su No Dark Yet que da título al álbum. Hasta Nirvana The Killers, pasando por The Louvin Brothers o Nick Kave & The Bad Seeds. También versionan algunos temas de autores folk y country como Jason Isbell o Townes Van Zandt dónde brillan especialmente. 
Nuestra única discrepancia con un disco que nos parece realmente impecable es que si decides hacer una versión de una canción de Nirvana, lo mejor que puedes hacer es lo que hizo Sinèad O'ConnorTori Amos o Sturgill Simpson en su momento. Llevarla a tu territorio sin miedo de ponerla del revés, si hace falta. Lo que Lynne & Moorer hacen con Lithium no es que llegue a ser inaudible precisamente. Pero respetan tantísimo la versión original, que esta revisión es un tanto innecesaria.
En definitiva, que NO DARK YET es un buen disco. Pero, puestos a soñar, pensamos que podría haber sido mucho mejor si hubieran invertido más tiempo en componer canciones nuevas, que en seleccionar posibles covers. Aún así, por el simple hecho de reunir a las dos hermanas por primera vez, está teniendo mucha más aceptación en las listas que los últimos discos de ambas en solitario. Y era muy necesario devolver a la primera línea a estas dos grandes mujeres.


lunes, 4 de septiembre de 2017

IRON & WINE: EL PASO DEL TIEMPO Y EL TRÁNSITO.


La semana pasada se ponía a la venta BEAST EPIC el nuevo trabajo de IRON & WINE. Tendríamos que hacer un poco de memoria y recordar que la última vez que Sam Beam firmó como Iron & Wine fue en el 2015 con Sing Into My Mouth el disco de versiones junto a Ben Bridwell de Band Of Horses. Un trabajo excelente, pero un tanto ajeno a la discografía de Iron & Wine tal y como se había quedado en el 2013 tras la publicación de Ghost On Ghost, un álbum en el que Beam había tocado techo consiguiendo la mayor amplitud sonora de toda su carrera. Aunque nosotros siempre hemos defendido que el disco realmente importante y que marcó la dirección a seguir fue Kiss Each Other Clean (2011). 
Un crítico definió BEAST EPIC como "Un paso atrás consciente por parte del autor". Nosotros no estamos nada de acuerdo con esta afirmación. Es cierto que BEAST EPIC es un disco de Folk Acústico más emparentado con el celebradísimo Our Endless Numbered Days (2004) o con Love Letter To Fire, el disco que firmó como Sam Beam junto a Jesca Hoop el año pasado, que con una supuesta secuela de Ghost on Ghost. Secuela imposible a todos los efectos. Porque este que suscribe ya auguró en una de las contestaciones a los comentarios de nuestra entrada de ese disco que Beam había llegado a un punto en el que resultaba bastante difícil que pudiera seguir por ese camino y que a lo mejor retomaría la senda que inició con The Shepher's dog (2007). Pero en ningún caso considerábamos que esto fuera un paso atrás, sino adelante. Porque para regresar a ese "menos es más" de BEAST EPIC debió pasar antes por las casillas de Kiss Each Other Clean (2011) y Ghost on Ghost (2013) y demostrarnos a todos (y a él mismo) que era capaz de salir bastante airoso complicando la arquitectura musical de sus canciones, jugando con muchos más elementos y abandonando el minimalismo de sus primeras obras. De hecho, BEAST EPIC objetivamente es mejor trabajo que Our Endless Numbered Days (2004) que está considerado como una pequeña obra maestra. Aunque por factores temporales y emocionales, BEAST EPIC nunca va a alcanzar esa distinción hasta que no pase un poco de tiempo y deje ese poso que dejan todos los discos de IRON & WINE.






Precisamente, según su autor, BEAST EPIC está inspirado por la idea del paso del tiempo, el tránsito y el crecimiento personal, temas recurrentes cuando te acercas a la madurez y evalúas cómo ha transcurrido tu vida. La producción musical y la composición de todos los temas corren a cargo del propio Sam Beam. En cuanto a la crítica, hasta este preciso momento, ha sido positiva. Pero no entusiasta: Una media entre 3'5 y 4 estrellas sobre 5. Aunque su posición en las listas de diez países consultados se aleja muchísimo de la que consiguieron sus discos anteriores. En cualquier caso, el disco no lleva ni una semana en la calle y todo esto es susceptible de cambios. Nos consta que Sub Pop ya ha colgado un par de vídeos del disco en Youtube y está haciendo una promoción lo suficientemente aceptable como para que ascienda en posiciones en las listas y adquiera más estrellas de los críticos. El disco, desde luego, lo merece. Es más, nos vamos a mojar -cómo siempre- y vamos a decir que si esta vez no entierran a Sam Beam en premios Grammy y este disco no se proclama mejor disco del año en listas más importantes que la nuestra, es simplemente porque la industria musical y la prensa musical especializada están bastante podridas.










viernes, 1 de septiembre de 2017

HURRAY FOR THE RIFF RAFF: LA PASIÓN DE ALYNDA SEGARRA.


Septiembre... Último cuatrimestre del año y tenemos tres meses para confeccionar nuestra lista de los mejores álbumes del 2017. Estamos muy atentos a todos esos discos muy esperados que se editan próximamente y optan a nuestra lista (y a todas las listas). Pero mientras se editan, en este mes intentaremos recuperar algunos de esos discos que consideramos que deberían estar, y no hablamos de ellos en el momento que vieron la luz.
Ese es el caso de THE NAVIGATOR de HURRAY FOR THE RIFF RAFF que se editó en Marzo de este año y es uno de esos discos que lo tiene absolutamente todo para formar parte de todas esas listas, incluida la nuestra.
HURRAY FOR THE RIFF RAFF es una banda que bebe de las influencias de la música de Nueva Orleans y fusiona folk, Country y Americana. Pero lo más distintivo es la personalidad arrebatadora de su alma mater, Alynda Segarra, una cantante y compositora del Bronx de ascendencia portorriqueña que juega con todos esos estilos y etiquetas sumado a la reivindicación de sus propias raíces latinas, consiguiendo con THE NAVIGATOR uno de los trabajos más auténticos, contundentes y realistas que hemos tenido la suerte de escuchar en años.




Alynda Segarra no es una debutante. HURRAY FOR THE RIFF RAFF lleva en activo desde el 2007 y THE NAVIGATOR es su sexto álbum de estudio y el mejor valorado por la crítica hasta la fecha, con una media de cuatro estrellas sobre cinco, con publicaciones como The Observer que le han otorgado el pleno de las cinco estrellas. Nosotros entendemos perfectamente este entusiasmo por parte de la crítica porque nos encontramos con una mujer que dinamita géneros y estilos muy trillados y consigue hacer algo que suena muy diferente a cualquier cosa que hayáis escuchado antes. El sueño de todos los que nos gusta escribir sobre la música que hacen otros. 
Uno de los cortes más significativos de lo que es THE NAVIGATOR es ese himno titulado Pa'lante que no olvidaréis jamás en cuanto lo hayáis escuchado la primera vez.
El disco está producido por Paul Butler (Guitarrista de The Bees) que ha sabido potenciar aún más, si cabe, el enorme talento de Segarra. 
Es cierto que este disco se aleja un poco de la línea musical de este blog. Y es probable que muchos se sorprendan al leer esta reseña. Sólo decirles que estamos abiertos a otros sonidos y a otras propuestas, siempre que sean tan buenas como esta.



miércoles, 30 de agosto de 2017

PAUL HEATON + JACQUI ABBOTT LOS REYES DEL VERANO BRITÁNICO.


No podíamos terminar el mes de Agosto sin hablar de una de las mayores sorpresas de este verano en el Reino Unido. Se trata de CROOKED CALYPSO de nuestros queridísimos PAUL HEATON & JACQUI ABBOTT, el tercer álbum de estudio de una nueva etapa que comenzó como quien no quiere la cosa con What Have We Become? (2014) y continuó con ese delicioso Guilty Pleasure que fue Wisdom, Laughters and Lines (2015).
Aunque los críticos le han otorgado a los tres álbumes una media de cuatro estrellas sobre cinco, a nosotros nos gustaría diferenciarlos de algún modo sin no decir antes que a pesar de que guardan cierta relación, nunca lo llamaríamos "Trilogía". Porque imaginamos que tardarán un año o dos en editar un cuarto disco que seguirá por los mismos derroteros y convenciendo a la crítica una vez más. 
En cuanto al público, se puede decir que el álbum que más ha gustado de los tres, es precisamente este divertidísimo CROOKED CALYPSO que se colocó entre los primeros puestos de las listas británicas nada más editarse y ha sido uno de los discos del verano en Inglaterra.
Nosotros no podríamos decir todavía si nos gusta tanto o más que What Have We Become? (2014) que era nuestro favorito hasta la fecha. 
En esta ocasión Paul Heaton compuso la música junto a su guitarrista Jonny Lexus en Gran Canaria y luego se retiró a Amsterdam a escribir las letras en solitario. Vocalmente, predomina en el disco la voz de Jacqui Abbott que se vuelve a lucir muchísimo más que Heaton. Y sinceramente, no importa demasiado. Abbott tiene una de las voces más bellas del panorama británico desde la época de Beautiful South. Su protagonismo va en favor de obra. Es un hecho probado que el disco funciona como un reloj suizo. ¿Cual sería la fórmula...? 
Tendríamos que sumar los conocimientos de Heaton sobre la cultura popular británica y su ironía a la hora de escribir las letras, a ese sonido un tanto pasado de moda marca de la casa, que en algunos momentos roza el Guilty Pleasure.
El disco se presenta en una edición normal con doce canciones y otra Deluxe muy completa que incluye cuatro canciones más y un DVD con uno de sus conciertos. Obviamente, la edición Deluxe es unos cinco o seis euros más cara. Pero si os gusta el disco una vez que lo hayáis escuchado en Spotify, igual os merece la pena. Nosotros lo tendremos muy en cuenta en nuestra lista de los mejores álbumes del año. 



viernes, 25 de agosto de 2017

PASSENGER POR PARTIDA DOBLE.


Después de tomarnos diez días de descanso, volvemos con PASSENGER y su nuevo trabajo: THE BOY WHO CRIED WOLF
Esperamos tener más accesibilidad al CD de THE BOY WHO CRIED WOLF en los próximos meses que la que hemos tenido hasta ahora. Porque de momento, se puede conseguir la edición digital para descargas. Los ingleses sí que lo pueden comprar en CD en el portal británico de Amazon. Pero los españoles no. Ya que no lo sirven a España en este caso y en Amazon España no está disponible todavía. Se supone que también se puede comprar en la página oficial del artista y ofrece incluso ediciones en Vinilo (?).
El caso es que está en la calle desde el pasado día 28 de Julio y este que suscribe todavía no ha podido comprar el Cd. 
No es la primera vez que PASSENGER edita en digital y se reserva una discreta edición de pocas unidades en CD y Vinilo. Ya lo hizo con Whispers II (2015). Y no entendemos muy bien por qué no le ha dado más cancha a este nuevo trabajo. Quizás porque es muy prolífico y teme saturar al oyente medio o por las tibias críticas recibidas por su álbum del año pasado. Aún así THE BOY WHO CRIED WOLF ha sido Top5 en las listas británicas, Top6 en Australia y Top11 en USA en la lista de discos independientes del Billboard. Se puede decir que el público todavía no le ha dado la espalda.





Y qué vamos a decir nosotros de THE BOY WHO CRIED WOLF...
No vamos a negar que es lo mismo de siempre (con diferencias muy sutiles que solo aprecia el fan), y con un artista con tanto sello como PASSENGER, mejor que sea así. Por eso, a sus haters este trabajo les irritará exactamente igual que en los tiempos de Let Her Go. Pero hay una buena noticia para los que todavía confían en PASSENGER: Este álbum es bastante menos ambicioso que su trabajo anterior y vuelve a la simplicidad de sus primeros discos. Y podrá gustar más o menos, pero la calidad y el buen hacer se imprime en cada una de las notas de sus bellas canciones. Young As The Morning Old As The Sea (2016) fue un trabajo un tanto irregular. No podemos decir lo mismo de THE BOY WHO CRIED WOLF que es un álbum bastante cohesionado que te atrapa desde el primer corte al último. A nosotros nos ha gustado más.


En esta y en otras reseñas anteriores sobre PASSENGER hemos hecho alusión a su prolífica carrera, y en el 2017 no solamente ha editado THE BOY WHO CRIED WOLF, casi a la vez nos sorprendió con SUNDAY NIGHT SESSIONS -También se puede conseguir mediante descargas- un álbum en el que recopilaba todos los covers que alguna vez ha tocado en directo. Una revisión de auténticas joyas musicales como Hotel California de Eagles, Fast Car de Tracy Chapman, Losing My Religion de R.E.M. o Space Oddity de David Bowie, entre otras muchas, cuyo resultado final ha quedado bastante audible.



Related Posts Plugin for WordPress, Blogger...