NUESTROS CÓMPLICES:

viernes, 28 de abril de 2017

JONATHA BROOKE: EN CRECIMIENTO CONSTANTE.


Siempre que tenemos oportunidad de hablar de JONATHA BROOKE lo hacemos, porque no es ningún secreto que es una de nuestras singer-songwriter preferidas. Últimamente utilizamos más la palabra singer-songwriter del inglés, que cantautor o cantautora. Porque en castellano es una palabra que adquiere una cierta carga negativa y tampoco es totalmente representativa del tipo de artista que escribimos. Aunque su signifiacado sea el mismo. 
Una vez hecha esta aclaración, continuaremos diciendo que el año pasado, justo cuando nosotros ya habíamos cerrado nuestra lista de los mejores álbumes del 2016, Brooke publicó MIDNIGHT. HALLELUJAH, así que como muchos otros discos que se editaron en el último bimestre del 2016, se tendrá en cuenta para la lista del año que viene. Después de todo, la mayoría de los singles de esos álbumes se van a ir desgranando durante el 2017. 
Si hemos tardado en escribir la reseña es simplemente porque ya sabéis que los blogs necesitamos los vídeos de Youtube que ilustran estas entradas -Luego se caen cuando menos te lo esperas y se quedan totalmente deslucidas- y JONATHA BROOKE es tan indie, y está tan al margen de la industria, que se toma su tiempo para subir los vídeos, siempre en directo o de algún momento en el estudio de grabación. Y no disponíamos de demasiados vídeos dónde elegir hace dos meses. La espera ha merecido la pena.


Y que decir de JONATHA BROOKE que no hayamos dicho antes... Pues simplemente que disco tras disco se supera a sí misma. Es muy atrevida con los proyectos que aborda, aunque esta vez MIDNIGHT. HALELLUJAH no es un musical, ni la adaptación de textos inéditos de un autor como Woody Guthrie, como sus dos excelentes trabajos anteriores. Pero si hablamos de la composición de las canciones de este nuevo álbum, podríamos decir que son toda una lección magistral. Son canciones concretas, muy directas tanto en la forma como en el fondo. Y de nuevo, destacar la riqueza de las letras de la Brooke. Capaz de transformar lo cotidiano en una experiencia sublime. Una gran narradora de historias -o story-teller- que te sumerge en un mundo del que no quieres salir.


Y si hablamos de la JONATHA BROOKE músico, es una excelente guitarrista muy dotada y capacitada para dirigir la producción musical de cada uno de sus trabajos, y lo vuelve a hacer en MIDNIGHT. HALELLUJAH aunque esta vez ha contado también con tres productores adicionales Mark Hornsby, Phil Naish y Eric Bazilian. En cuanto al resultado... No sabríamos decir si es el mejor álbum de Jonatha Brooke, porque no recordamos un disco malo suyo en casi veinte años de carrera. El nivel es altísimo y ella nunca baja el listón. Al contrario, siempre percibes pequeños detalles en sus canciones, que dán la sensación de que está subiendo ese listón constantemente. Es una artista en crecimiento constante y a la que la madurez le está sentando francamente bien en todos los aspectos. Nosotros no solamente recomendaríamos MIDNIGHT. HALLELUJAH, que lo hacemos encarecidamente. Recomedaríamos su obra completa.

miércoles, 26 de abril de 2017

SHERYL CROW VUELVE A SUS ORÍGENES.


Es muy curioso como la inmensa mayoría de las singers-songwriters que emergieron en los 90 se han mantenido en la música hasta el presente, edificando carreras realmente sólidas, y todavía hoy siguen sorprendiéndonos con nuevos trabajos. Se nos ocurren algunos nombres de mujeres de esa época que abrieron las puertas a muchas otras mujeres: Sarah McLachlan, Melissa Etheridge, Tori Amos o Sheryl Crow, porque nos hemos propuesto citar solamente unas pocas. Pero el listado es interminable.
Hoy hablaremos de una de esas mujeres: SHERYL CROW, que recientemente ha vuelto a la actualidad gracias a BE MYSELF, su último álbum de estudio (el noveno, ya) que se editó el pasado viernes.
Los cinco primeros discos de Sheryl Crow que van desde 1993 a 2005 tuvieron ventas millonarias. Todos ellos son multiplatino. Pero llegó Detours (2008) y con él, la primera vez que Crow se alejaría del multiplatino. Detours (2008) fue certificado disco de Oro, unas 700.000 copias frente a las 23'5 millones que vendió de sus trabajos anteriores. Y a pesar de que fue un disco que convenció a la crítica -Todos los discos de Crow tuvieron siempre críticas muy favorables-. A nosotros nos pareció un disco alimenticio, sin más. Y fue entonces cuando advertimos cierto desgaste y que le costaría remontar con trabajos posteriores. Algo que nos confirmó con 100 Miles For Menphis (2010) (219.000 copias vendidas) y Feels Like Home (2013), su incursión en el Country que registró las ventas más bajas de toda su carrera (65.000 copias). De nuevo, las críticas fueron razonablemente buenas.



Con BE MYSELF ya nos avisa desde el título lo que nos vamos a encontrar. Esta vez se presenta "siendo ella misma", y, de paso, nos recuerda que su incursión en el Country, se quedó solo en eso. Porque este es ese trabajo con el que SHERYL CROW pretende reconciliarse con ese público que hace unos años compraba sus discos. Ya que con la crítica no necesita reconciliarse, siempre la han mimado y BE MYSELF vuelve a gustar a los críticos... Y a nosotros especialmente. Porque Crow ha sacado toda su artillería pesada llamando al productor musical Jeff Trott, responsable del sonido de algunos de sus grandes éxitos como: If It Makes You Happy, Every Day is a Winding Road o My Favorite Mistake. Canciones de su época dorada que nos recuerdan a la mejor Sheryl Crow. Este trabajo se podría haber publicado perfectamente tras The Globe Sessions (1998) y no hubiera desentonado. Es un disco intemporal, emparentado directamente con su segundo álbum homónimo de 1996 y el citado The Globe Sessions (1998), paradójicamente intemporales también a pesar de ser dos claros referentes de los 90 en la teoría. Y nos devuelve a una Sheryl Crow pletórica, en plena forma, como hacía años que no la veíamos, además de que contiene grandes canciones que están a la altura de esos grandes éxitos.
El problema es el de siempre, que los gustos cambian con el paso del tiempo y el público de hoy quizás ya no sea el mismo de hace 20 años e igual Sheryl Crow se tiene que empezar a conformar con una carrera con ventas algo más modestas. Aunque esa no es la intención de este trabajo que pretende recuperar a la que fuera una de las singers-songwriters más emblemáticas de su generación.
Los que nos seguís habitualmente ya sabéis que en EXQUISITECES las ventas de los discos nos dan un poco igual. Porque hay discos buenos y malos independientemente de las copias que vendan. Pero cuando se trata de mujeres que han vendido más de veinte millones de copias de discos entre muy buenos y excelentes, nos gusta recordarlo. Porque merecen todo nuestro respeto. Y en el caso de Sheryl Crow, es cierto que ha acumulado unas críticas maravillosas a lo largo de su carrera y este nuevo disco también las tiene. Pero no creemos que su sello discográfico actual (Warner Bros) se conforme solamente con eso. O este BE MYSELF vende, como mínimo, las 700.000 copias (disco de Oro) o es muy probable que para el próximo disco tengamos a Sheryl Crow haciendo crowfunding en Internet, cómo Paula Cole, Rachael Yamagata o Heather Nova, porque ninguna major quiera volver a grabar con ella. No deis lugar a que ocurra algo así. Este disco merece la pena.

lunes, 24 de abril de 2017

KAREN ELSON Y EL PESO.


KAREN ELSON es una de esas intérpretes-compositoras que lleva una mochila a sus espaldas que pesa como una losa. El lastre de haber tenido un pasado como Top Model, sumado a que solamente la viesen como "la señora de" Jack White, su entonces marido y padrino musical cuando debutó hace siete años. Con ese handicap, por muy injusto que nos parezca, es normal que se tengan ciertos prejuicios con su música y que necesite más tiempo para ser reconocida como músico que otras cantantes-compositoras similares, pero de orígenes diferentes.
Hay muchos críticos que nunca han valorado musicalmente lo suficiente a Patti Scialfa, sólo por ser la esposa de Bruce Springsteen, y es una gran músico que se merece ese reconocimiento que le han negado. Y eso que Patti Scialfa nunca tuvo un pasado como Supermodelo. Porque, por desgracia, ser modelo es una profesión muy ingrata que acaba convirtiéndose en un estigma para muchas mujeres, cuando se acercan a la madurez e intentan reciclarse en otras facetas artísticas, como convertirse en actrices, intérpretes, músicos o escritoras... Y no son tomadas en serio, solamente por el hecho de haber sido (y ser) muy bellas. 


Es cierto que cuando KAREN ELSON debutó con The Ghost We Walk (2010) la influencia de su actual ex marido, Jack White se palpaba en cada uno de sus cortes y muchos la vieron como una intrusa. Pero en el presente, en este nuevo trabajo titulado DOUBLE ROSE, se puede decir que ha huido de esas influencias todo lo que ha podido. Para ser ella, de verdad. Y, sinceramente, ha ganado muchísimo con el cambio y la producción musical de Jonathan Wilson, figura habitual en los álbumes de Father John Misty, que también colabora en este disco y del que ha heredado todas esas florituras orquestales que potencian la bellísima voz de Karen Elson. Otra colaboración importante es la de Laura Marling. Y si el nombre de Marling aparece en un disco, es toda una garantía de calidad y confianza.
El resultado es un álbum bastante hermoso y debería bastar para que los prejuicios que se puedan tener, desaparezcan. Y que esa mochila tan pesada de la que hablábamos al principio, termine en el fondo del océano.
Nosotros creemos que con DOUBLE ROSE, ha llegado el momento de reconocerle a KAREN ELSON ciertos méritos que no se le han reconocido antes. Elson por fin ha encontrado su identidad musical y estamos ante el verdadero principio de una carrera más que prometedora.


viernes, 21 de abril de 2017

LA REINVENCIÓN DE IMELDA MAY.



“La vida cambió. Amo los álbumes que hice en el pasado. Eran coherentes mostrando la persona que yo era. Pero eso es el pasado… Ahora soy así”
IMELDA MAY

Ella no lo ha podido explicar mejor con esas tres frases. IMELDA MAY cerró una brillante etapa que la convirtió en todo un referente del Rockabilly con Tribal (2014) y ahora empieza una nueva vida musical con LIFE.LOVE.FLESH.BLOOD, un álbum en el que explora géneros como blues, soul, gospel, folk, rock con el material más auténtico y personal de su carrera.
Los amantes del Rockabilly deben estar dándose cabezazos contra las paredes y les costará aceptar este cambio, si es que son capaces de asimilarlo algún día. Pero seamos honestos, en Tribal (2014) ya se atisbaba cierto desgaste y a una Imelda May muy encorsetada y atrapada, deseando probar nuevos registros. Seguir por ese camino hubiese sido repetirse, hacer discos mediocres -Porque no todos iban a ser tan buenos como los dos primeros- o terminar versionando los clásicos del género. Y el talento de esta mujer está muy por encima de cualquier limitación impuesta por la pureza del Rockabilly.



Uno de los motivos que suponemos que ha facilitado esta evolución y apertura hacia otros registros, ha sido su ruptura amorosa y profesional con el guitarrista y compositor Darrel Higham, su marido durante trece años y una pieza clave en la carrera de May, de la que ella ya habla en pasado.
En LIFE.LOVE.FLESH.BLOOD, a priori, Imelda May ni siquiera parece estar en su zona de confort. Ya no está protegida por su banda o su marido. Se muestra ante el mundo sola y fuerte, a la vez que vulnerable, con una colección de canciones compuestas por ella misma que alcanzan altas cotas de intimismo y reflejan quien es Imelda May realmente. A eso, tenemos que sumar que ha tenido la suerte de contar con la producción de T Bone Burnett que ha hecho verdaderas maravillas en otras ocasiones para artistas como Rhiannon Giddens y esta vez vuelve a acertar de pleno consiguiendo mostrarnos a una Imelda May fascinante, todo un ser de luz. Colaboran también nada menos que Jeff Beck y el virtuoso del piano Jools Holland.



El veredicto para este blog, que os recuerdo que se llama EXQUISITECES, es que estamos ante el mejor álbum de la carrera de Imelda May. No pretendemos con esto desdeñar sus magníficos primeros trabajos de su época Rockabilly que poseían una frescura y exotismo que quizás haya perdido. Pero es que se trata de una colección de canciones excelentes de producción impecable, nuevos registros vocales que no le conocíamos y que nos encantan. Además de una sensibilidad que traspasa cada uno de los cortes. Un must en toda regla que recomendamos encarecidamente desde aquí.
El cd está disponible en dos ediciones. Nosotros recomendamos la edición Deluxe que añade cuatro cortes inéditos a la edición convencional. 



miércoles, 19 de abril de 2017

MICHELLE BRANCH PARTIENDO DE CERO.


A principios de este milenio surgieron una oleada de jóvenes compositoras e intérpretes multiinstrumentistas a las que la prensa vaticinó un futuro más que prometedor. Se nos ocurren ahora mismo los nombres de Avril Lavigne, Vanessa Carlton o Michelle Branch; Lavigne ha sido la eterna adolescente a la que su discográfica no le permitió crecer durante dos décadas. Vanessa Carlton sobrevivió a su hit planetario A Thousand Miles y ha gozado de una más que respetable carrera en la que nos ha podido demostrar que aquel éxito de sus inicios no fue una coincidencia. Pero... ¿Qué ocurrió con MICHELLE BRANCH?
A priori, Michelle Branch era un caballo ganador. Con tan solo 17 añitos fue fichada por Maverick -Discográfica de Madonna y filial de Warner Bros- y consiguió un par de hits con Everywhere y All You Wanted para su álbum The Spirit Room (2001) además de que la crítica la tomara en serio siendo tan joven. 


Aunque no sería hasta el 2002 cuando su nombre iría ligado al de Santana y su multipremiado disco de colaboraciones Shaman, siendo The Game Of Love otro hit planetario que además de sonar hasta el hartazgo, le proporcionó un Grammy. Un año después, editó Hotel Paper (2003) que consiguió colocar en las primeras posiciones de las listas de medio mundo y algún que otro single que machacar en las radiofórmulas de la época.
Michelle Branch nunca se desvinculó de la música. Posteriormente formó The Wreckers junto a su amiga Jessica Harp y grabó dos álbumes entre 2004 y 2007 de máxima repercusión en USA y completamente nula en Europa. Por eso existe una laguna de tiempo entre el oyente medio español que había perdido su pista desde sus hits Are You Happy Now? o Breath (2003), hasta el 2009 justo cuando Branch colabora con Chris Isaak en el tema I Lose My Heart de su disco Mr Lucky.



En el 2010 Michelle Branch reaparece con un Ep y la promesa de que editaría pronto un largo. No ha sido hasta abril de este año cuando por fin se ha editado HOPELESS ROMANTIC.
Y qué decir de este trabajo... Puede que para los americanos resulte más fácil ubicar este disco de Michelle Branch porque ellos si recuerdan su carrera completa, ya que sus álbumes tanto en solitario como con The Wreckers han estado en lo más alto de sus listas, además de que Michelle Branch ha compuesto canciones para otros intérpretes. Pero para el oyente medio europeo (y español) cuyos únicos referentes son sus hits Everywhere y The Game Of Love de los que han pasado dieciséis y quince años respectivamente. Es como partir de cero y redescubrirla. Branch abandona su etapa Country con The Wreckers y regresa al pop-rock de sus inicios. Pero ni aún así van a relacionar esas canciones y a esa cantante del pasado, con lo que van a escuchar (y ver en los vídeos) en el presente en HOPELESS ROMANTIC, que por otro lado, es un disco con grandes momentos que está recibiendo críticas muy positivas. Pero mucho nos tememos que si los blogs no lo reseñamos como merece, puede pasar totalmente desapercibido en España y sería una auténtica lástima.



lunes, 17 de abril de 2017

LA BÚSQUEDA DE JOHN MAYER



Cuando se trata de un músico, compositor e intérprete como JOHN MAYER nunca nos conformamos con que nos dé un producto de calidad o simplemente un buen disco, le pedimos muchísimo más. Porque con Mayer usamos otro rasero para medir y siempre le exigimos el 100% porque puede darlo, como lo hizo con su magnífico Born And Raised (2012). Aquel disco de folk con el que Mayer relevaba brillantemente a Dylan o a Young y que desgraciadamente no ha tenido continuidad en trabajos posteriores y mucho menos en este THE SEARCH OF EVERYTHING que como reza en su título, Mayer anda buscando algo (o todo) y se siente como pez en el agua con nuevas melodías souleras entremezcladas con algo de Folk y Country que sabe conciliar muy bien con el pop elegante que ha hecho siempre.
El disco está producido por el propio Mayer, Steve Jordan y el ingeniero de sonido Chad Franscoviat su compañero de piso de la época de sus comienzos y con el que ha trabajado anteriormente en álbumes como Continuum (2006) y con el que no lo hacía desde Battle Studies (2009).
Ocho de las canciones de THE SEARCH OF EVERYTHING ya se conocían porque fueron editadas en sendos Eps que se podían conseguir mediante descargas, titulados: The Search Of Everything: Wave 1 (20 Enero 2017) y The Search Of Everything: Wave 2 (24 Febrero 2017). El pasado 14 de abril se puso a la venta el largo del que hablamos hoy, que incluía las ocho canciones de esos dos Eps y cuatro más inéditas. El resultado es otro álbum excelente de JOHN MAYER más coherente con su carrera que ese Born And Raised (2012) que tanto nos gustó y que seguimos considerando su mejor trabajo.
En cualquier caso, como siempre, estamos hablando de un trabajo impecable, inmaculado. Mayer no tiene un disco malo o flojo y seguramente si lo tuviera sería bastante mejor que el mejor disco de otras bandas y artistas. Así que lo recomendamos encarecidamente desde estas páginas. Y tomamos buena nota porque seguramente estará en nuestra lista de los mejores álbumes del 2017.



viernes, 14 de abril de 2017

ELLAS: CELEBRANDO LA FIGURA DE LA MUJER EN LA MÚSICA EN SPOTIFY.



Los que nos seguís ya sabéis que siempre hemos reivindicado la figura (fundamental) de la mujer en la música de las últimas cuatro décadas. Y ya estábamos tardando en ofrecer una Playlist de SPOTIFY solamente de mujeres fuertes e interesantes. Por supuesto que ELLAS no es una Playlist completa, siempre nos faltarán muchas más mujeres fuertes e interesantes. Porque sobrar, lo que se dice sobrar, no nos sobra ninguna. Pero lo podemos arreglar, porque también puede ser una primera Playlist de una nueva serie si tiene aceptación. Ahora os toca a vosotros decidirlo.


La URL Para seguirnos en Spotify es:

https://open.spotify.com/user/exquisiteces



lunes, 10 de abril de 2017

OTRO DISCAZO DE THE NEW PORNOGRAPHERS.

Los que nos seguís desde que comenzamos nuestra andadura en Exquisiteces, sabréis que THE NEW PORNOGRAPHERS es uno de nuestros supergrupos favoritos. Cada disco suyo ha sido muy celebrado en estas páginas y siempre es un acontecimiento. Porque ya hemos comentado mil veces que todos sus integrantes tienen carreras paralelas en solitario y en otros proyectos musicales y cuando se reunen para hacer algo como THE NEW PORNOGRAPHERS siempre es porque tienen un buen material y sobre todo, les apetece divertirse. Máxime con un álbum como WHITEOUT CONDITIONS que es el álbum más chispeante de todos los últimos álbumes de la banda. 
En esta ocasión el supergrupo no está completo, falta Dan Bejar que estaba ultimando el nuevo trabajo de su banda Destroyer y se echan de menos algunas de sus excentricidades, así como sus agudas letras. Y cobra más protagonismo AC Newman que es la persona que ha compuesto todo el material y producido el disco junto a John Collins. Pero a pesar de la ausencia de Bejar, el resultado no desmerece del resto de la brillante discografía de esta banda que funciona perfectamente como un equipo y ha sacado adelante otro grandísimo trabajo.




En esta ocasión encontramos sintetizadores de la New Wave -Este es el año de la revitalización y mejora de la música New Wave, ya lo hemos comentado en dos ocasiones más- y armonías estrechamente mezcladas. Es otra vuelta de tuerca más a la música de los 80. Pero consiguiendo que suene fresca, novedosa y considerablemente mejorada. Sobre si es mejor que sus discos anteriores, recuerdo que tanto Bill Bruisers (2014) como Together (2010) nos gustaron muchísimo en el momento de editarse y posteriormente los hemos seguido escuchando. WHITEOUT CONDITIONS tiene muchísima más energía que esos dos trabajos y, como siempre, encontramos canciones realmente buenas en las que la vocalista Neko Case se convierte en una pieza fundamental de la banda.
Definitivamente, este álbum es otro gran acierto de una banda clave del Siglo XXI como es THE NEW PORNOGRAPHERS. Nosotros lo recomendaríamos a todos aquellos que tengan los discos anteriores de la banda y también a cualquiera que no los conozca. Porque WHITEOUT CONDITIONS es una excusa perfecta para descubrirlos y penetrar en el universo The New Pornographers. Y sobre todo, para divertirse con una música que está hecha con amor y pasión. Algo que se transmite desde la primera nota del primer corte, hasta la última del último. Cómo siempre..., estos chicos han vuelto a sorprendernos.



viernes, 7 de abril de 2017

FUTURE ISLANDS NOS VUELVEN A CONVENCER.


Ya sabéis lo que ocurre cuando una banda tiene un disco de muchísimo éxito. Los cuchillos están en alto para el siguiente trabajo y probablemente los mismos que subieron a la banda a un pedestal entonces, ahora los bajarán a pedradas. Muchas veces ocurre por puro esnobismo.
No es exactamente el caso de FUTURE ISLANDS que presentan THE FAR FIELD esta misma semana, tras haber conseguido la unanimidad entre crítica y público con su anterior trabajo Singles (2014). Pero tampoco estamos viendo que los críticos repitan las cinco estrellas que otorgaron a Singles (2004). El promedio ahora mismo de THE FAR FIELD está entre tres estrellas y media y cuatro, sobre cinco. Y tenemos un pequeño problema porque o Singles (2014) se sobrevaloró en su momento, o ahora están infravalorando este trabajo. Porque esos cambios y esa falta de coherencia de la crítica, a veces cuesta entenderla. 





Es cierto que con Singles (2014) se abrió una puerta a un universo que, como ocurre en el electropop actual, resultaba de lo más novedoso y atractivo sin llegar a serlo realmente. Porque estamos hablando de la revitalización -y considerable mejora- de la música New Wave de los ochenta. Y los que sobrevivimos aquella época todo esto nos produce una sensación de Déjà Vu muy acusada.
Honestamente, a este que suscribe THE FAR FIELD le ha parecido un excelente álbum, a la altura de Singles (2014) y si tuviera que otorgarle las estrellitas de rigor -que odio profundamente que se midan los discos con esas estrellitas- probablemente serían cuatro. 
Y ahora me diréis... "¿No te quejabas de que muchos críticos le habían dado cuatro estrellas?" 
Sí. Pero es que a Singles (2014) yo tampoco le hubiera otorgado cinco estrellas. Le hubiera puesto otras cuatro. Porque si subes a un pedestal o tiras por tierra un disco como Singles (2014), no puedes tener la poca vergüenza de no hacer lo mismo con THE FAR FIELD que es lo más parecido a una continuación, si no lo es. Y ahí es justo dónde quería llegar. Este disco no es mejor ni peor que Singles (2014) pero descuidad, que vais a leer que es peor en muchísimos sitios, menos aquí. Nosotros os recomendamos los dos (que son complementarios) y vosotros decidís.


miércoles, 5 de abril de 2017

EL REGRESO DE NELLY FURTADO.



Muchos pensaréis que NELLY FURTADO es una compositora e intérprete que no necesitaría salir en Exquisiteces porque es lo suficientemente conocida, además de una artista superventas. Nosotros también lo pensamos durante algún tiempo. Pero ya no lo pensamos. Ahora justificaremos el porqué.
NELLY FURTADO se ha distinguido por tener una carrera atípica. Sus discos siempre fueron algo dispersos e igual encontrabas algún tema en portugués o en castellano que nada tenían que ver con el resto del álbum, ni con lo que ella suele ofrecer al mercado anglosajón. Pero ahí estaban todos esos temas en sus discos y tanto los americanos, como los británicos se los tenían que tragar. Porque no os creais que esas canciones únicamente se incluían en las ediciones que se vendían en América Latina, España o Portugal. No. Eran cortes del mismo disco globalizado que igual lo podías comprar en Londres, Montreal que en Alcalá de Henares y su contenido era exactamente el mismo. La presencia de esas canciones muchas veces lograban sacarte del contexto del resto del álbum y siempre le achacamos cierta falta de concreción por ello. Aunque a eso también podríamos llamarlo "Riesgo" y no hacer concesiones de cara a la comercialidad. Con la suerte de que, a pesar de todo ello, Nelly Furtado siempre se ha distinguido por hacer unas más que decentes ventas de todos sus discos.




Hasta que Loose (2006) superó todas las expectativas imaginables. Pesó muchísimo el éxito de Loose (2006), que vendió diez millones de copias y del que llegó a editar hasta ocho singles y varias reediciones. Su éxito en todo el mundo se alargó hasta el 2009. Visto con perspectivas, todo aquello le vino muy grande. A pesar de la estrategia de marketing de sacar un disco en castellano inmediatamente después; Mi Plan (2009). Un disco dirigido al mercado hispano y, por lo tanto, de comercialidad restringida que nadie compararía con Loose (2006) porque se trataba de otro trabajo completamente diferente bajo la etiqueta de "Músicas del Mundo" y le haría ganar tiempo para sacar su siguiente álbum en Inglés, ese álbum que de otra manera hubiera estado abocado al fracaso tras el inmenso éxito de Loose (2006). The Spirit indestructible (2012), fue ese disco cuidadísimo y multiproducido que debió repetir el éxito de Loose (2006). Pero eso nunca ocurrió. The Spirit Indestructible probablemente sea el disco con las ventas más discretas de toda su carrera. Había pasado demasiado tiempo y quizás la estrategia de editar Mi Plan (2009) entre medias no fue tan inteligente como pudiera parecer en un principio.





2017 es el año de THE RIDE un trabajo que la propia Furtado ha descrito como "Un álbum de resaca" y curiosamente, el primer corte que escribió fue Phoenix. ¿Será THE RIDE ese álbum con el que resurgirá de sus cenizas como el Ave Fénix? Nos tememos que ya es complicado repetir un éxito como el de Loose (2006). Pero la Furtado ha conseguido hacerse un nombre y sigue siendo la más inusual de las cantantes y compositoras del panorama mainstream.
Esta vez ha contado solamente con dos productores John Congleton y Mark Taylor con los que ha co-escrito algunos de los temas del álbum. Un álbum bastante más concreto que el resto de su obra y muy bien cohesionado como álbum, que carece de esas canciones marca Furtado de las que hablábamos en un principio, en el que predomina el pop con mayúsculas -El primer corte no desentonaría en un álbum de Britney Spears- destacando sobre todo algunas baladas bastante interesantes en las que se luce muchísimo. Algo que no ha explotado lo suficiente a lo largo de su carrera.
Sobre si THE RIDE es mejor o peor que los del resto de su discografía, habría que decir que mantiene muy bien el nivel, a pesar de los años que han pasado entre disco y disco. Hay muchísima calidad en todas sus propuestas. Habrá que ver como funciona en ventas y si llega a escucharse tanto como Loose (2006). Porque, después de todo, ese es el objetivo de este tipo de trabajos.
En cualquier caso, es un disco que recomendaríamos y que os empezará a gustar a partir de la tercera o cuarta escucha.
Y si todas estas razones no os convencen para que Nelly Furtado, la estrella superventas, aparezca en Exquisiteces, concluiremos diciendo que los tiempos han cambiado muchísimo y con ellos los gustos del público. Tanto, que cualquier artista con más de diez años en la profesión que ya no esté en la brecha, necesita la ayuda de un blog tan humilde como este.




lunes, 3 de abril de 2017

CONOR OBERST SE REINVENTA EN SALUTATIONS


El 14 de Octubre del pasado año, CONOR OBERST editó Ruminations, que recogimos como uno de los 100 mejores álbumes del 2016 en nuestra lista. Se trataba de un material compuesto en su Omaha natal mientras se recuperaba de una serie de padecimientos que iban desde la laringitis,  hasta la ansiedad, pasando por el  agotamiento. Todos ellos diagnosticados en el 2015 cuando tuvo que suspender sus conciertos.
Oberst tenía muy claro que Ruminations sería un disco intimista, acústico, con muy pocos instrumentos (piano, guitarra y harmónica), con la nieve del frío invierno de Omaha golpeando su ventana, como única inspiración... Y solamente necesitó 48 horas para grabarlo.
Oberst ha conseguido una veteranía y un estatus dentro de la música indie que puede permitirse hacer prácticamente lo que quiera, obteniendo excelentes resultados y consiguiendo el respaldo de la crítica. Y si ya Ruminations nació como un proyecto arriesgado que nos encandiló a todos, Oberst riza el rizo y vuelve seis meses después con SALUTATIONS




Los diez cortes de Ruminations suponían una excelente materia prima; el "esqueleto". Si esas mismas canciones podían ser grabadas con más medios, mejorarían considerablemente. Y se trataba de un material tan bueno que merecía una segunda oportunidad. Y Oberst recupera esos diez cortes para SALUTATIONS y los reinterpreta con una banda. Digamos que si Ruminations representa la versión acústica de esas canciones, SALUTATIOS es la eléctrica. Además de estos diez cortes, cuenta con siete cortes inéditos añadidos. Algo que otorga al álbum cierta autonomía. Porque SALUTATIONS es mucho más que la versión corregida y aumentada de Ruminations. A nosotros nos ha gustado muchísimo más. A pesar de que siempre hayamos sido los abanderados del "menos es más". En nuestra defensa diremos que si "el más" es llamar a una banda de acompañamiento como The Felice Brothers, al productor Jim Keltner (John Lennon, Bob Dylan, Neil Young) y contar con colaboraciones de M. Ward, Jim James, Maria Taylor o Gillian Welch en los coros. Nosotros nos quedamos con "el más". Aunque también es justo decir que el material es tan sumamente bueno que funciona bastante bien de cualquier manera que su autor decida plantearlo.
SALUTATIONS es uno de esos discos que recomendamos encarecidamente desde Exquisiteces. Así como el resto de la discografía del gran Conor Oberst


viernes, 31 de marzo de 2017

EL MEJOR COUNTRY ROCK DE NIKKI LANE.


NIKKI LANE está etiquetada como cantante country. Pero no nos engañemos, si alguien espera una chica rubia, bien alimentada y de voz melosa -Por citar un estereotipo de la cantante country al uso- mejor que no siga leyendo. Porque las etiquetas a veces son bastante contraproducentes según a quien se les aplique. Porque Lane tiene aptitudes (y actitudes) muy marcadas de vocalista de rock y su country va justo en esa dirección. 
Recientemente ha publicado HIGHWAY QUEEN que ha tenido una muy buena recepción comercial en U.S.A. en gran medida gracias a su trabajo previo con los dos álbumes que grabó antes de HIGHWAY QUEEN, especialmente All Or Nothing (2014) que dejó muy buen sabor de boca.


Digamos que estamos hablando de un álbum muy esperado en los círculos donde se aprecia este tipo de música y parece ser que la respuesta está siendo muy favorable.  
HIGHWAY QUEEN es un disco bastante contundente desde la portada con esa foto alucinante de Nikki Lane sobre ese bellísimo toro, hasta sus dos singles editados en vídeo: Highway Queen y Jackpot. Una muestra de lo que podemos encontrar en este trabajo que también contiene otras gemas menos rotundas, pero que tampoco pasan desapercibidas como Send The Sun. Que interpretada en directo nos muestra justo a la Nikki Lane que más nos gusta.



Porque Lane es ante todo una artista de tablas, de esas que consiguen que una simple guitarra suene como una filarmónica. Y lo que os recomendamos es que echéis un vistazo a todos sus vídeos en directo. Son su mejor carta de presentación.
HIGHWAY QUEEN es un disco que hará las delicias de los amantes del Country Rock y Lane una artista con mucho futuro que funciona igual de bien con esos temas aplastantes en los que muestra su garra y fuerza, como con otros en los que se adivina vulnerable. Foolish Heart pertenece a esa categoría y es una de nuestra preferidas que incluimos en Nuestra Segunda Playlist de Spotify.


miércoles, 29 de marzo de 2017

TIFT MERRITT EN ESTADO DE GRACIA.



Recientemente TIFT MERRITT ha publicado su sexto álbum de estudio titulado STITCH OF THE WORLD y mucho nos tememos que os vamos a decir lo mismo de siempre: Que es todo un misterio sin resolver que TIFT MERRITT no sea una estrella y siga teniedo un perfil comercial minoritario. Porque desde que debutara allá por el 2002 con Ramble Rose, se puede decir que no ha editado un disco malo. Al contrario, todos ellos muy por encima de la media de lo que se cuece en Nashville o en la música americana. Y en esta ocasión, regresa con otro gran trabajo STITCH OF THE WORLD. Un disco en el que se ha rodeado de grandes músicos, pero en el que ella brilla por encima de todo (y de todos) con bastante determinación.




Una de las grandes bazas de este trabajo es la presencia de Sam Beam (Iron & Wine) que ha producido y prestado su guitarra acústica y su voz en algunos cortes del disco. El resultado; una auténtica delicia en la que Tift Merritt despliega carácter, fuerza y madurez. Una madurez vocal que la coloca entre lo mejor de Emmylou Harris y Dolly Parton.
Como anécdota, comentar que este trabajo fue grabado en un corto periodo de tiempo cuando ella estaba embarazada de seis meses.
El disco se puede encontrar en dos ediciones: una normal con diez canciones y una edición limitada con tres cortes más -En los tres participa Sam Beam- Una pena que exista una diferencia de precio abismal entre las dos ediciones. Por sensatez, todo el mundo se decantará por la edición normal. 




Como ya sabréis, Merritt se mueve como pez en el agua en Folk y Americana. En STITCH OF THE WORLD continúa con estos géneros pero encontramos también algunos guiños hacia el Country.
El disco ha generado muchísimas críticas positivas, acumulando entre cuatro y cinco estrellas sobre cinco. Y a nosotros nos parece simplemente mágico, incluso nos gusta más que algunos de sus últimos trabajos que ya eran excelentes.
Sinceramente, ya estamos resignados a que Tift Merritt no venda muchos discos, que en España sea una auténtica desconocida o que esta reseña no la lea ni la comente nadie. Pero gracias a trabajos como este, siempre nos rendiremos ante la evidencia de que probablemente estemos frente a la mejor cantante-compositora de su generación.
Y os avisamos ya que STITCH OF THE WORLD tiene todas las papeletas para estar entre los primeros puestos de nuestra lista de los mejores álbumes del 2017. Luego que no os pille de sorpresa.




lunes, 27 de marzo de 2017

AIMEE MANN VUELVE A EMOCIONARNOS.


La última vez que hablamos de AIMEE MANN fue en el 2014 cuando os presentamos The Both, su proyecto musical junto a Ted Leo, con quien vuelve a contar en este nuevo álbum titulado MENTAL ILLNESS pero esta vez solamente en los coros.
Aimee Mann retoma su carrera en solitario después de cinco años desde Charmer (2012) un álbum que gustó muchísimo y se alejaba de sus parámetros habituales, revisando la música y el estilo de los 70 y 80. 
Mann ha definido MENTAL ILLNESS como su disco más triste, más lento y más acústico, y como siempre, ha usado su sentido del humor e ironía titulándolo Enfermedad Mental riéndose de sí misma y de ese cliché de cantante deprimente con el que piensa que la percibe cierta parte del público.
Decir que la música de Aimee Mann es deprimente sería simplificar demasiado. En el caso de que lo fuera, que no lo es. Y para eso habría que echar otra mirada a Charmer (2012).





Es cierto que en Mentall Illness encontramos preciosas e inteligentes canciones de desamor -¿Será esa la enfermedad mental a la que se refiere realmente?- y a una Aimee Mann algo más expuesta y mucho menos cínica que en Charmer (2012). En cuanto a si es mejor o peor disco dentro de su discografía. Diremos que está a la altura de los mejores discos de Aimee Mann y que el tiempo terminará de hacer el resto.
Comercialmente, ya sabéis que Aimee Mann es la artista indie por excelencia que graba lo que quiere y cuando quiere bajo su propio sello discográfico y que sus discos tienen la repercusión mediática ni comercial de un artista mainstream. Teniendo en cuenta todo eso, Mental Illness es uno de esos discos que, en pequeña escala, funcionará muy bien en el momento que alguien lo escuche y se lo recomiende a otra persona. Porque esa es la mejor difusión que tienen este tipo de trabajos: Que alguien te lo recomiende con mucho cariño. Por eso nosotros os sugerimos que si os gusta, lo compartáis con esas personas que significan algo para vosotros.




viernes, 24 de marzo de 2017

NUESTRA SEGUNDA PLAYLIST.


Hoy Viernes os traemos NUESTRA SEGUNDA PLAYLIST de SPOTIFY con lo mejor de las novedades del primer trimestre del 2017. Y alguna sorpresa añadida del pasado más reciente y del futuro inmediato. Os recuerdo que esta Playlist no pertenece a la serie de CANCIONES. Esta es justo la que estabais esperando todos aquellos a los que os gustó nuestra primera Playlist. Esperamos que la disfrutéis.

La URL Para seguirnos en Spotify es:

https://open.spotify.com/user/exquisiteces




miércoles, 22 de marzo de 2017

SEMPER FEMINA DE LAURA MARLING: OBRA MAESTRA.


Los que nos seguís habitualmente sabéis que somos bastante metódicos y que lo normal es que hablemos de un álbum cuando lo hemos escuchado al completo. Pero a veces hacemos excepciones y nos ocurrió cuando escuchamos los dos maravillosos adelantos de SEMPER FEMINA, el último trabajo de LAURA MARLING. Creíamos que ya habíamos escuchado suficiente como para empezar a construir una reseña que se publicó el 16 de Enero de este año y acertamos de pleno con lo que escribimos, ya que nuestra intuición no nos falló. Eso sí, dejamos algunos cabos sueltos que hoy atamos después de haber disfrutado de la escucha de este trabajo en bucle estos doce días que lleva publicado.


Laura Marling nos sorprendió cuando editó su segundo trabajo I Speak Because I can (2010) y todo lo que vino después, disco a disco, nos sorprendió aún más porque superaba lo anterior, que ya era bastante bueno. Se podría decir que ha estado encadenando auténticas Obras Maestras. Y nos vamos a detener un momento en sus dos últimos trabajos anteriores a SEMPER FEMINA. Once I Was An Eagle (2013) y Short Movies (2015). Estos dos álbumes fueron proclamados Obras Maestras por la crítica. Nosotros estuvimos de acuerdo y lo corroboramos en su día en nuestras páginas. 
También es cierto que con Once I Was An Eagle (2013) hubo unanimidad por parte de los críticos a la hora de calificarlo como Obra Maestra y sin embargo Short Movie (2015), fue más cuestionado porque había un sector de la crítica que consideraba que era un excelente disco, pero no una Obra Maestra, tal y como opinaba una gran mayoría. Para nosotros no solamente lo era (y lo es). Es que se convirtió en nuestro disco favorito de Laura Marling.







Llegados a este punto, nosotros consideramos que Short Movies (2015) ha sido lo mejor de su discografía hasta este SEMPER FEMINA que está a la altura o incluso lo supera. Porque es cierto que Once I Was An Eagle (2013) fue un disco inteligentísimo, sublime, magistral. Pero no creemos que conectara con el público de la misma manera que lo hizo con Short Movies (2015). Tenemos la sensación de que los cuatro primeros discos de Laura  Marling podían resultar bastante áridos en algunos momentos para el oyente medio -Aunque a los que estamos acostumbrados a escuchar mucha música nunca nos lo pareciera- con Short Movies (2015), esa sensación se erradica por completo.
SEMPER FEMINA es otra Obra Maestra más -en una discografía que no tiene un álbum menor- y posee lo mejor de todos sus trabajos, sigue siendo intimista, sensual, sutil y además, como ocurriera con Short Movies (2015) sabe conectar con el público y nos podemos identificar con sus canciones aunque pertenezcan a un universo muy personal y propio creado por la artista.
El VideoClip de The Valley cierra la trilogía de vídeos dirigidos por Laura Marling para Semper Femina.



lunes, 20 de marzo de 2017

FRANCES Y SU ESPERADO ÁLBUM DEBUT.


El año pasado ya os hablamos de FRANCES, fue algo excepcional que lo hiciéramos porque solo había editado un par de canciones y la publicación de su álbum debut estaba todavía en el aire. Pero no podíamos dejar de dárosla a conocer teniendo en cuenta el gran impacto que nos causó, al igual que había causado en la crítica británica.
FRANCES venía de ser finalista del Brit de la Crítica y del BBC Sound Of 2016. Ambos reconocimientos ganados por un Jack Garratt que finalmente ha sido completamente eclipsado tanto por la propia FRANCES, como por muchos de sus otros compañeros de nominación con un futuro algo más incierto y que, a priori, parecía que iban a correr menos suerte que él.




Aunque en el caso de FRANCES no creemos que haya sido una cuestión de suerte. Ha sido una cuestión de talento y perseverancia, porque el próximo 24 de Marzo ve la luz THINGS I'VE NEVER SAID -Que está disponible en descargas desde el día 17-, un disco en el que lleva trabajando desde que os la presentamos, ya que ya ha ido desvelando poco a poco algunas de sus canciones durante el 2016 como es el caso de Don't Worry About Me o Say It Again que se convirtió en un hit de relativo éxito y muchos lo escuchásteis en vuestras radiofórmulas favoritas entre Agosto y Septiembre del año pasado, incluso en España.
El álbum se presenta en dos ediciones, la sencilla con once cortes y la edición Deluxe que incluye cinco cortes inéditos. Recomendamos la edición Deluxe porque en ella podréis encontrar Borrowed Time otra de esas canciones que también sacó como adelanto durante el 2016 y únicamente ha sido editada en la edición Deluxe.




Quizás la manera de trabajar de Frances en este tiempo, intentando conseguir la canción perfecta, haya dado como resultado final que su THINGS I'VE NEVER SAID sea un disco que cuenta con trece productores distintos, entre los que encontramos a la propia Frances -Es una virtuosa del piano, muy dotada como músico y compositora. Y está perfectamente capacitada para encargarse de la producción musical de algunos de sus temas, a pesar de su corta edad- y a productores emergentes como Two Inch Punch -Rag'n'Bone Man- o Greg Kurstin que viene de trabajar con la mismísima Adele. Ya os dijimos que Frances sumaba la fragilidad de Birdie y la sensibilidad de Adele. Algunos críticos han dicho que pasa muchísimo tiempo cada vez que surge una artista tan completa como Frances y han tildado de acontecimiento su irrupción en la música. Nosotros ya sucumbimos a sus primeras canciones y esto no ha hecho más que empezar... THINGS I'VE NEVER SAID es un gran disco que seguramente estará en nuestra lista de los mejores álbumes del 2017.








viernes, 17 de marzo de 2017

OTRO DISCO BUENO DE ELBOW...


Un nuevo disco de ELBOW siempre es un acontecimiento. Y es curioso como una banda que se presentaba como lo más rompedor y moderno de la pasada década, haya madurado para convertirse en una banda para un público adulto con cierto criterio y buen gusto.
¡Y qué bien le ha sentado la madurez al señor Guy Garvey! Si ya nos sorprendió muy gratamente con The Take Off And Landing Of Everything (2014) en el que nos evocaba a un Peter Gabriel en su época dorada, LITTLE FICTIONS sigue un poco la senda marcada por aquel trabajo. Sin olvidarnos que Guy Garvey editó en solitario entre medias Courting The Squall (2015) que era justo ese buen álbum de Elbow, tan sumamente intimista y personal, que Garvey no podía hacer con Elbow y que subrayaba aún más esa madurez a la que nos referimos. LITTLE FICTIONS además, es un álbum que viene marcado por la ausencia de Richard Jupp miembro fundador y batería que dejó Elbow el año pasado.




El disco está producido una vez más por Craig Potter, teclista y corista de la banda. Y ese es otro plato fuerte de los discos de Elbow, la producción musical y los arreglos.
La tendencia de contar con una gran orquesta cuando es necesario para la canción, consiguiendo una amplitud sonora que consigue erizarte el vello, era algo que ya estaba presente en otros trabajos anteriores de la banda. Aquí vuelve a repetirse y en esta ocasión han contado con la colaboración de The Hallé Orchestra que es una de las orquestas sinfónicas más importantes de Manchester que es especialmente famosa por sus coros de voces de acompañamiento, que también aparecen en algunos cortes de este álbum de una manera muy sutil.


De un tiempo a esta parte, nosotros pensamos que un disco de Elbow siempre es un must en toda regla. También somos muy conscientes de que no es una música destinada para cualquier tipo de públicos. Hay que tener un oído entrenado para disfrutarlos -Estamos convencidos de que a estas alturas, la mayoría de nuestros lectores lo tienen- y haciendo esa salvedad, aprovechamos para recomendar este gran trabajo de esta banda británica que siempre nos sorprende. Y esta vez, llegan con un álbum que está a la altura de los mejores trabajos de su discografía.

miércoles, 15 de marzo de 2017

INFALIBLE RACHAEL YAMAGATA.

El próximo 5 y 6 de Mayo de 2017, RACHAEL YAMAGATA tiene previstos sendos conciertos en Barcelona y Madrid respectivamente -El de Madrid ya ha colgado el cartel de NO HAY ENTRADAS- en los que, además de recordar algunas de las mejores canciones de su repertorio, se centrará sobre todo en su último trabajo titulado TIGHTROPE WALKER que se editó a finales del 2016.
Los que seguís este blog desde el principio, sabréis que RACHAEL YAMAGATA es una de nuestras cantantes-compositoras favoritas y siempre hemos informado puntualmente de sus discos. Excepto en esta ocasión, que hemos aprovechado que la gira pasa por nuestro país para hablar de este nuevo trabajo del que tendríamos que haber hablado hace tiempo.
En realidad, TIGHTROPE WALKER tendría que haber aparecido en nuestra lista de los mejores álbumes del 2016. Entre los puestos Nº20 y Nº25. Tiene su explicación que ni siquiera apareciera en la lista finalmente. Pero es demasiado larga para escribirla en este texto. Lo aplazamos para la sección de comentarios, siempre que vosotros nos pregunteis qué ocurrió 😉.



RACHAEL YAMAGATA no editaba desde Chesapeake (2011), recordamos que algunos de los comentarios que se recibieron entonces, reivindicaban un concierto de la artista por estos lares. Así que creo que estamos de enhorabuena. Pero mejor hablemos de TIGHTROPE WALKER que ella misma produce junto a John Alagia responsable de Chesapeake (2011) y Happenstance (2004) dos de sus trabajos más celebrados. ¿Y qué nos vamos a encontrar en este nuevo disco...?
El proceso creativo, al parecer, fue parecido al que vivió con Chesapeake en el 2011, se encerró en una casa con las puertas abiertas a la naturaleza junto a sus músicos, y tuvieron su Woodstock particular en grado superlativo de inspiración. Pero los resultados son algo distintos. Si Chesapeake lo definimos como una colección de canciones bastante potentes sin ninguna cohesión entre ellas -Algo que no es positivo, ni negativo. Simplemente se acerca más a la manera de vender la música en el presente, cuando el concepto de álbum casi ha fallecido- En TIGHTROPE WALKER también encontramos esas mísmas canciones potentes, pero sí que existe cohesión entre ellas y funciona bien el concepto de álbum tal y como lo entendíamos algunos dinosaurios que nos dedicamos a escribir estas reseñas. Y eso hace que nos guste un poco más. Porque, en realidad, estamos hablando de dos álbumes excelentes.
La verdad es que Rachael Yamagata no tiene un disco malo o flojo en su discografía y poder asistir a uno de sus conciertos para disfrutar todo su repertorio, debe ser una auténtica experiencia.




Comercialmente, ya sabéis que Yamagata ha tenido que recurrir al crowdfunding en alguna ocasión. Ya hemos dicho mil veces que nos parece muy injusto que gente con tantísimo talento como ella, Heather Nova o Paula Cole tengan que recurrir a este tipo de financiación por falta de apoyo de las discográficas. Pero es probable que para el próximo disco no tenga que volver a hacerlo. Porque los resultados de TIGHTROPE WALKER no pueden ser mejores. Que haya podido financiar hasta tres videoclips es bastante significativo de que las ventas del disco marchan bastante bien -y aún se pueden sacar un par de singles más-. Aunque no nos engañemos, su facturación es la de un artista indie. Desgraciadamente no estamos hablando del mismo dinero que manejan todos esos artistas que están en el ojo del huracán y que poseen toda una maquinaria detrás como Beyoncé, Lady Gaga, Katy Perry o el mismísimo Ed Sheeran que ya ha ascendido a jugar en esa misma liga. Es cierto que no creemos que Rachael Yamagata llegue a codearse con ellos algún día, y tampoco sabemos si nos gustaría que sucediera. Porque sería menos nuestra. Pero por lo menos que no tenga que volver a mendigar más en esas páginas de crowdfunding para poder grabar maravillas como TIGHTROPE WALKER. Un poco de respeto y apoyo a los artistas por parte de las discográficas, por favor.






lunes, 13 de marzo de 2017

THE SHINS: EL MEJOR ANTIDEPRESIVO.


Han pasado cinco años desde que THE SHINS dejara de ser la banda indie americana por excelencia y comenzara su andadura en una major como Columbia Records con su celebradísimo Port Of Morrow (2012). Recordemos que entonces os contamos que su líder James Mercer sustituyó a los miembros originales de la banda por otros músicos que consideraba más adecuados para el sonido que tenía en mente para ese álbum. O, al menos, esas fueron las explicaciones que dió a los medios en ese momento.
Estamos en el 2017, THE SHINS ha regresado con HEARTWORMS y Mercer lo ha vuelto a hacer. Ha cambiado a su antojo a los músicos de la banda y esta vez ignoramos si ha dado algún tipo de explicaciones al respecto. Para que os hagáis una idea os enlazamos un esquema de todos los miembros con los que ha contado THE SHINS desde sus inicios. Esquema que pone de manifiesto algo que nosotros sospechábamos desde Wincing The Night Away (2007) y es que THE SHINS es James Mercer -Esta vez productor absoluto del álbum- y solo él, y nadie más que él, marca los tiempos en la banda. De hecho, hay miembros que han participado en este trabajo activamente y ya no están en THE SHINS como el teclista Richard Swift.



¿Y qué nos vamos a encontrar en este nuevo trabajo de THE SHINS...? Pues una evolución a partir de Port Of Morrow (2012), que marcó una segunda etapa en la carrera de la banda de Mercer. Siguen conservando la frescura, con estribillos pegadizos y algunos falsetes de su vocalista, que ya se han convertido en una seña de identidad. Quien espere un retorno a Wincing The Night Away (2007) -que hoy por hoy sigue siendo su mayor éxito comercial y crítico- mejor que siga esperando. A nosotros casi que nos gusta muchísimo más esta segunda etapa, aunque para ser justos hay que decir que la discografía de esta banda no ha perdido vigencia y se puede recuperar en cualquier momento.
Tendríamos que recordar también que han sido cinco años sin The Shins pero no sin James Mercer que reapareció hace tres con su proyecto musical Broken Bells junto a Danger Mouse. Y tenemos que mencionarlo porque hay bastante más del Mercer de Broken Bells en esta segunda etapa de The Shins que lo que podamos encontrar del Mercer de The Shins en Broken Bells.
En cualquier caso HEARTWORMS es ese album necesario en esos días en los que se aplica la Ley de Murphy y todo tiende a empeorar. Porque si hay una banda capaz de alejarte de los problemas cotidianos, son ellos. Siempre han sabido transmitir amor a la vida. Y para este que suscribe, son unos de los mejores antidepresivos naturales. Lo más parecido a consumir una onza de chocolate negro diaria. Y este disco está repleto de onzas de chocolate negro en forma de canciones que nos alegrarán la vida una vez más. Nosotros recomendamos este trabajo encarecidamente porque nos parece una de las mejores propuestas de lo que llevamos de año.






a mi padre 



viernes, 10 de marzo de 2017

JO HARMAN: UN REGRESO MUY ESPERADO.


Desde que descubrimos a JO HARMAN con su maravilloso Dirt On My Tongue (2013) que consideramos el mejor disco de su año de producción, estábamos muy pendientes de su Página Oficial y de su Facebook esperando este segundo trabajo pacientemente. Porque en un principio iba a llamarse The Reformation (como uno de los cortes del disco) y se anunció para la segunda mitad del 2016. Finalmente el álbum acabó titulándose PEOPLE WE BECOME y se editó el pasado mes de Febrero.
Harman ha tenido tiempo para escoger bien las canciones de este trabajo que es un álbum que está un poco al margen de las modas, la industria y está destinado a un público adulto con cierto criterio. 
Es mucho más concreto que Dirt On My Tongue y también mucho más puro. Además de una apuesta por el Soul en mayúsculas y sin medias tintas. Para su primer single ha elegido la canción When We Were Young compuesta por la propia Jo Harman -No confundir con la canción de Adele del mismo título- y para la que ha contado con la colaboración de Michael McDonald en los coros. Otra declaración de intenciones.
PEOPLE WE BECOME no es tan redondo como Dirt On My Tongue pero tiene momentos realmente sublimes. Digamos que esos momentos bastan para que este disco sea bastante superior a la media.
Nosotros lo dijimos en su momento, si Jo Harman no tiene un reconocimiento planetario como Norah Jones o Adele es porque ha optado por una carrera artesana, sin presiones de las majors y a su ritmo. Seguimos pensando que es una de las grandes y nos reafirmamos en que es la reencarnación de Eva Cassidy
Por supuesto que recomendamos este y cualquier trabajo de Jo Harman. Así como que no os perdáis sus directos si tenéis oportunidad.



miércoles, 8 de marzo de 2017

NUESTRAS PLAYLISTS EN SPOTIFY.


Entre el 2010 y el 2013 este blog abría cada miércoles con una sección de canciones que tuvo muchísima aceptación. En esas entradas dejaba el plural a un lado y os contaba en primera persona cualquier cosa que se me pudiera ocurrir, o incluso vivencias propias que tuvieran relación con cinco canciones de todos los tiempos. No se trataba de nada intelectual. Ni tampoco se hacía crítica musical. De hecho, he podido releer algunos textos que escribí en esas entradas y siento verdadero pudor y hasta un poco de vergüenza por las cosas que os contaba. Porque ante todo, se trataba de una sección emocional. Y gracias a vuestra participación, no tardó en convertirse en una tertulia entre amigos. Porque vosotros también me contábais si os gustaban esas canciones, si habían significado algo para vosotros o incluso lo que estábais haciendo en el año que sonaron.
Ahora, ha llegado el momento de conservar todas esas canciones en una serie de Playlists en SPOTIFY. Espero que os gusten.

MIDAS


CANCIONES 1





CANCIONES 2





CANCIONES 3





CANCIONES 4





CANCIONES 5





CANCIONES 6





CANCIONES 7





CANCIONES 8





CANCIONES 9




CANCIONES 10


 
 

lunes, 6 de marzo de 2017

JENS LEKMAN: BUEN ROLLO DESDE SUECIA.


Uno de nuestros álbumes indies preferidos de esta temporada se llama LIFE WILL SEE YOU NOW de JENS LEKMAN
Lo confesamos, adoramos el pop escandinavo. Creemos que los suecos tienen la fórmula del mejor pop y si la mayoría no llegan a ser números uno planetarios es por factores de mercadotecnia que poco tienen que ver con la calidad de las propuestas que nos ofrecen. Para quien no conozca a Lekman decir que es todo un veterano que comenzó su carrera a mediados de la pasada década. Life Will See You Now es su cuarto álbum de estudio. Está producido por él mismo y mezclado por Ewan Pearson y todas las canciones del álbum han sido compuestas por él, exceptuando dos de ellas escritas a cuatro manos, una con Malin Nordström y la otra con Tracey Thorn que además aparece como vocalista invitada en ese corte. Así como la cantante sueca Loulou Lamotte en los dos primeros cortes del álbum.
Lekman se caracteriza por construir un pop sofisticado de letras irónicas e incluso bizarras, a nosotros nos ha recordado a Ben Lee. Porque al igual que Lee, Jens Lekman consigue transmitirnos muy buen rollo. Aunque sus influencias confesas poco tengan que ver con el artista australiano y vayan desde Johnathan Richman hasta Belle & Sebastian.
Si no se olvidan de este álbum -se editó en Febrero y quedan diez meses de año todavía- es muy probable que aparezca en todas las listas de lo mejor del 2017. Porque la crítica ha caído rendida. The Guardian le ha otorgado cinco estrellas de cinco y para el resto, no baja de las cuatro estrellas. Por eso nos gustaría comentar que, de momento, solo hay un vídeo con la canción What's The Perfume That You Wear? Que no es ni de lejos la mejor del álbum. Os recomendamos que escuchéis el álbum entero porque está repleto de auténticas gemas. Y os anunciamos que nosotros ya le hemos hecho un hueco en nuestra lista. Porque discos como este son un balón de oxígeno en nuestra rutina.




viernes, 3 de marzo de 2017

ED SHEERAN NO DIVIDE: SIGUE SUMANDO Y MULTIPLICANDO.


A estas alturas de la película... ¿Tiene algún sentido que un humilde blog como EXQUISITECES hable del DIVIDE de ED SHEERAN? Obviamente no. Lo hacemos por el cariño con el que recibimos su primera incursión en la música con The-A Team y su primer álbum +, cuando fuimos de los primeros blogs en castellano que habló de él y dijimos que era brillante, que llegaría muy lejos...
Eso ya ha pasado. Y ha llegado mucho más lejos de lo que pudiesemos imaginar. Cuando un artista irrumpe en una gala de los Grammy con su nueva canción, en una actuación estelar y sin estar nominado, es que ya es una estrella internacional. Y nos guste más o menos debemos asumir que ED SHEERAN ya es menos nuestro. Es de todas las emisoras de radio. Ya juega en ligas mayores del universo mainstream junto a Bruno Mars, Katy Perry, Lady Gaga o Taylor Swift en gran medida gracias al tremendo éxito de X su álbum anterior.


Si con su primer álbum sumó y con el segundo multiplicó, con este no estamos nada convencidos de que vaya a dividir. ¿Dividir a quien? Al público desde luego no. Ya que el álbum está repleto de singles que sonarán todos en la radio, nos cansaremos de cantarlos y recibirá premios por ellos. Y lo mejor de todo es que no se aprecia ningún desgaste como le ocurre a otros artistas. Las canciones fluyen con una naturalidad apabullante.
Ni que decir tiene que si vais a comprar el disco, no lo dudeis y elegid la edición Deluxe que viene con cuatro cortes inéditos extra, tal y como ocurriera en sus dos álbumes anteriores. Aunque por ponerle un "pero" los cortes extra de los discos anteriores eran bastante mejores que los de este. En esta edición Deluxe hay alguna que otra canción de relleno. Pero aún así, solo por Save Myself el baladón que cierra esa edición, merece la pena.


Los que decíamos que ED SHEERAN debía dejar el Hip Hop para los raperos de verdad, estamos de enhorabuena porque el único corte sustentado por varias estrofas rapeadas es Eraser, el primero que abre el álbum, y exceptuando algún otro fraseo en otro corte, no hay ninguna sombra de Hip Hop en todo este trabajo, que probablemente sea el más folk de los tres, destacando principalmente los medios tiempos y las baladas y desmarcándose como uno de los grandes baladistas de la música contemporánea. Una de nuestras favoritas es How Would You Feel (Paean).
En cuanto a los críticos... Esos sí que han estado divididos: The Guardian se lo ha cargado con dos estrellas de cinco. Pero tanto NME como The Daily Telegraph como The Independent le han otorgado cuatro estrellas de cinco. A nosotros nos ha parecido un disco muy inteligente que hace gala de la buena salud compositiva de Ed Sheeran, que todavía puede llegar mucho más lejos.




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