LA OBRA MAESTRA DE TOM ODELL.

 

En Monster (2021), un álbum que es mucho mejor de lo que se dijo y que muy poca gente entendió, TOM ODELL cruzó un punto de no retorno con una serie de canciones incómodas para el gran público sobre la salud mental, la depresión y la ansiedad. Recuerdo que dijimos que era ese álbum oscuro, diferente a todo lo que se ha hecho anteriormente, que te hace perder fans. Aunque, a decir verdad, todos los que huyeron despavoridos tras este trabajo es un público que cualquier artista que esté madurando, quiera trascender y consagrarse, no necesita. En realidad, se quitan un enorme lastre de encima con la estampida de ese tipo de público. Como dijimos, es pura selección natural. A pesar de todo, Monsters (2021) no era un disco anticomercial en su forma, en su fondo sí lo era. Pero musicalmente era un trabajo bastante ecléctico. Este fin de semana se ha publicado BEST DAY OF MY LIFE y esta vez sí que estamos hablando de un trabajo que no hace ningún tipo de concesiones a la comercialidad. Musicalmente Odell ha reducido todos los efectos posibles, es un álbum minimalista en el que solamente prima piano y voz, como mucho algunas armonías puntuales y la creación de bellas atmósferas. Son cortes breves pero muy contundentes por su honestidad, sinceridad y a veces crudeza. Es cierto que existe un atisbo de esperanza en canciones como Smiling At The Way Home y que el título del álbum BEST DAY OF MY LIFE te hace pensar que algunas cosas han cambiado a mejor desde Monsters (2021). Pero no han cambiado. La canción Best Day Of My Life es toda una montaña rusa emocional. Y cuando escuchas el siguiente corte, Sad Anymore, empatizas con él y piensas en lo mal que lo debe estar pasando y lo imaginas repitiendo ese mantra cada mañana frente al espejo para poder continuar existiendo. Realmente una de las cosas que mejora en este trabajo con respecto a Monsters (2021) es que consigue que el oyente empatice con lo que se le está contando y se pueda llegar a sentir identificado. Quizás Monsters (2021) presentaba un muro que distanciaba al receptor y que se ha roto con este trabajo. TOM ODELL no está solo en esto aunque lo parezca, su cómplice se llama Laurie Blondell que co-escribe y co-produce este álbum junto a él. 

En el momento que escribimos esta reseña BEST DAY OF MY LIFE no está en Metacritic y solamente se han pronunciado tres medios importantes que sí están recogidos en Albumoftheyear (otra página similar a Metacritic que usa la media aritmética, en vez del algoritmo de aproximación). Los tres medios que lo han valorado son The Telegraph que le ha otorgado el pleno, el 100/100 y para Gigwise y Clash es un 80/100. De momento la media crítica se establece en un 87 sobre 100 y se convierte, de lejos, en el álbum mejor valorado de su carrera. Habrá que ver si mantiene esa media. Intuimos que sí. Estamos convencidos de que el resto de la prensa especializada que queda por valorarlo, lo hará al alza. A nosotros nos parece que se publique hoy día un álbum como BEST DAY OF MY LIFE toda una lección por parte de la industria musical británica, solamente por el hecho de que se apueste por álbumes como este, especialmente si viene firmado por alguien que fabricó hits tan brutales en el pasado como Another Love (2013), que todavía se siguen viralizando. Es una mezcla de sentimientos lo que nos ha provocado por diferentes motivos. Por un lado porque a pesar de la crudeza, es un álbum bastante didáctico que puede ser incluso sanador para muchos que hayan sentido todo lo que nos cuenta en sus letras. Luego está la parte anticomercial. Probablemente será el álbum menos vendido de su carrera, pero... ¡Qué pena que no lo hubiera llegado a hacer solamente por ese motivo! Nos hubiéramos perdido una Obra Maestra y mucha gente no se hubiera enterado por fin de que Tom Odell es el cantautor británico más interesante y de mayor talento de todos los de su generación. Algo que llevamos observando disco a disco y que hemos dicho en numerosas ocasiones ante la incredulidad de muchísimos lectores que ni se molestan en escribir un comentario para rebatirlo. Porque piensan que solamente es el One-Hit Wonder de Another Love (2013) y nos hemos vuelto todos locos. No tenemos ninguna duda de que BEST DAY OF MY LIFE es un 100 sobre 100 y una gran sorpresa con la que casi nadie contaba. 

MEDIA DE LA CRÍTICA: 87/100

VALORACIÓN EQUISITECES: 100/100

NOAH CYRUS: MUCHO MÁS QUE "LA HERMANA DE..."

 

Llevamos tiempo observando la trayectoria de NOAH CYRUS: sus singles, sus Eps, sus colaboraciones con otros artistas como Jake Bugg y nos ha gustado mucho seguir sus pasos, realmente hemos visto muchísimo talento en todo lo que ha ido mostrando. De hecho, no somos los únicos que lo hemos visto. Ese talento fue recompensado con una nominación al Grammy en la categoría de Best New Artist el año pasado. Por fin se ha materializado THE HARDEST PART, su álbum debut. Y aunque estamos convencidos de que en USA no está pasando desapercibido, tenemos la sensación de que en Europa Noah Cyrus todavía no tiene la misma proyección que tiene su hermana Miley y que tenemos que escribir sobre ella para que todo el mundo se entere de lo que se pueden perder si no escuchan THE HARDEST PART. Especialmente si no se escucha por prejuicios con el apellido Cyrus. 

Está claro que NOAH CYRUS ha mamado la música country en casa desde que era un bebé. Aunque lo que encontramos en este trabajo no es exactamente el country que hacía su padre Billy Ray Cyrus -que colabora en uno de los cortes- es un alt country con reminiscencias indies, bastante más adecuado a su personalidad. Además, es un álbum sin grandes artificios en el que predominan los sonidos acústicos. Digamos que no hay ni trampa ni cartón y se muestra tal y como es ella. Marcando una clara diferencia con su hermana mainstream. THE HARDEST PART tiene como productor principal a Mike Crossey conocido por sus trabajos para Wolf Alice y The Arctic Monkeys. Aunque cuenta con otros cuatro productores adicionales. Las canciones están co-escritas por la propia NOAH CYRUS con una decena de co-autores entre los que participa también Mike Crossey. Otra de las colaboraciones que podemos encontrar en este álbum es un dúo con Benjamin Gibbard de Death Cab For Cutie en una de nuestras canciones preferidas de este trabajo.

La crítica se ha posicionado a favor de este álbum. No es la primera vez, su primer Ep fue muy bien acogido. THE HARDEST PART ha conseguido una media de 88 sobre 100 que se distribuye de la siguiente manera: Variety 91/100; The Line Of Best Fit 90/100; Sputnick Music 88/100; The Telegraph, American Songwriter y Rolling Stone concluyen con un 80/100. A nosotros nos ha gustado muchísimo, incluso diríamos que es demasiado perfecto, muy equilibrado, con las canciones muy bien elegidas y unos brillantes arreglos musicales. Está claro que NOAH CYRUS quiere tener una carrera diferente a la de su hermana y como decíamos antes ha sabido marcar la diferencia en un trabajo aparentemente indie, pero no nos engañemos, no es una artista independiente tal y como nosotros concebimos la independencia musical y este álbum en realidad es tan mainstream como los de su hermana, pero han trabajado muchísimo para que no lo parezca y os diremos una cosa..., casi nos engañan. No obstante, tampoco queremos que esto que estamos contando se entienda como un "pero". En ningún momento lo es, ni desmerece el resultado final. Es un discazo como pocos y hay muchísimo trabajo detrás que seguramente será recompensado con nominaciones y premios a finales de año. Solo que nos gusta dejar las cosas claras y llamarlas por su nombre. Para nosotros THE HARDEST PART roza el 100/100 pero lo vamos a dejar en un 94 sobre 100. Porque si ha empezado con este nivel tan alto, estamos seguros de que ya tendremos tiempo de ponerle el 100/100 en próximos trabajos. 

MEDIA DE LA CRÍTICA: 88/100

VALORACIÓN EXQUISITECES: 94/100

GABRIELS: ¿EL MEJOR ÁLBUM DEL AÑO?

Detrás del nombre de GABRIELS encontramos a un trío de Soul de Compton (California), formado por Jacob Lusk, Ryan Hope y Ari Balouzian. A los que se le suma el productor de Hip Hop y R&B Mark Anthony Spears, más conocido como Sounwave. Entre los cuatro han compuesto todos los temas de ANGELS & QUEEN PART 1. que es su álbum debut, recurriendo puntualmente a Sam Beste y John Anderson como compositores adicionales. Muchos habréis deducido que si el álbum lleva escrito Parte 1 tras su título, es porque seguramente habrá una Parte 2. Pues estaríais en lo cierto. Si la Parte 1, que es de la que estamos hablando hoy, no lleva ni un mes editada, la Parte 2 está prevista que nos llegue en Marzo del 2023. De entrada no tenemos muy claro si estamos reseñando un álbum o medio álbum porque esta primera parte está compuesta por tan solo siete cortes. Eso sí, son siete cortes realmente alucinantes. Ya nos hemos pronunciado mil veces sobre lo que pensamos sobre el Soul y el R&B que se llevan haciendo en los últimos veinte años y cómo los han convertido en géneros en decadencia. Pero afortunadamente siempre aparece un álbum como ANGELS & QUEEN PART 1. que nos devuelve las esperanzas de que todavía se pueden hacer grandes álbumes de Soul y R&B aunque GABRIELS toca muchos más palos que enriquecen la fusión. Encontramos elementos de Jazz y Gospel y el resultado es una pequeña obra maestra de la música contemporánea. Una Master Class en su género.

Los críticos están flipando con este álbum. The Art Desk, Louder Than War y nada menos que The Guardian han decidido que este trabajo es un 100/100 y muchos de sus redactores lo han postulado como mejor álbum del año. Albumism le ha otorgado el 90/100 y las notas más bajas son los 80/100 del resto de medios: Mojo, The Telegraph, AllMusic y DIY. Para concluir con una media de 89 sobre 100. Una de las más altas del año. A nosotros nos ha sorprendido muy gratamente. Lo que ocurre es que saber que esto es la primera parte o la mitad de algo, lo convierte en un trabajo muy prometedor que no vamos a saber como termina hasta que se edite la segunda parte en Marzo, es como una buena serie con un gran cliffhanger para la siguiente temporada. Pero os recuerdo que la serie no ha terminado. Quizás no deberíamos pensar en eso y limitarnos a valorar lo que tenemos, estas siete canciones, que seguramente será lo que han hecho todos esos medios. Nos es imposible. Nuestra nota es un 95 sobre 100 porque es una verdadera maravilla su regusto clásico mezclado con la mejor y más modernas de las producciones, es un álbum de los que pasan a la historia porque revitaliza el R&B y el Soul. Lástima que solo sean siete canciones. Los cinco puntos que faltan para el 100/100 nos los guardamos para dárselo a ANGELS & QUEENS PART 2 en Marzo, si es que es capaz de igualar o superar a esta primera parte.

 

MEDIA DE LA CRÍTICA: 89/100

VALORACIÓN EXQUISITECES: 95/100

TAYLOR SWIFT Y CARLY RAE JEPSEN: DOS CARAS DE UNA MISMA MONEDA.

Ayer viernes se liberaron dos álbumes muy esperados: MIDNIGHTS de TAYLOR SWIFT y THE LONELIEST TIME de CARLY RAE JEPSEN. Este post iba a salir publicado el lunes. Pero cuando se trata de alguien como TAYLOR SWIFT, que en menos de venticuatro horas el disco ha sido muy escuchado (y vendido) con centenares de opiniones sobre él circulando por las Redes, ya vamos tarde. Muy tarde. Por eso hemos decidido adelantar la publicación a hoy Sábado. Empezaremos por ella...

Después de Folklore (2021) y Evermore (2021) sus últimos trabajos y dos de sus álbumes más reconocidos, todos teníamos mucha curiosidad por ver como continuaba la carrera de TAYLOR SWIFT. Hacía tiempo que llevaba anunciando en sus Redes la salida de MIDNIGHTS (es una auténtica genio promocionando sus discos y mandando mensajes enigmáticos a sus seguidores) y por fin se ha materializado. De nuevo vuelve a contar con Jack Antonoff en la producción y co-autoría de algunos de los cortes. También cuenta con una colaboración con otra de las principales clientas del señor Antonoff: Lana del Rey que está acreditada como "feat." y co-autora del corte en el que participa y más que un dúo, diríamos que le hace los coros. El concepto del álbum (y eso ya se ha contado en todas las reseñas que se han escrito del disco) es que se trata de canciones de origen nocturno, compuestas en mitad de la noche. Lo primero que tenemos que decir es que, tal y como esperábamos, es un álbum bastante coherente con la línea que inició con Folklore (2021). Es la progresión adecuada. Digamos que Swift ha madurado y ya ha alcanzado un estatus de cantautora seria y es complicado que retroceda para darnos algunos hits bastante más comerciales del pasado y no nos referimos precisamente a las canciones de 1989 (2014) como muchos estaréis pensando, canciones que combinaban muy bien la calidad con la comercialidad. Más bien nos referimos a otras canciones más ligeras, intrascendentes y bastante petardas de Reputation (2017) o Lover (2019). You Need To Calm Down es el ejemplo más claro de a lo que nos estamos refiriendo. Esa TAYLOR SWIFT queda ya muy lejos y aunque a su fandom (Los Swifties) seguramente le va a parecer maravilloso absolutamente todo lo que haga y a sus haters todo lo contrario. Swift tiene ahora mismo el compromiso de convencer a todos los que no estamos en ninguno de esos dos bandos radicalizados. A nosotros nos está convenciendo, de momento. Pero entendemos un poco a ese público que encuentra estos tres últimos discos un tanto alternativos y que reivindican su lado más comercial y petarda que CARLY RAE JEPSEN sabe combinar tan bien, como lo hacía TAYLOR SWIFT en el pasado. 

MIDNIGHTS se presenta en tres ediciones. La Standard Edition es de trece cortes, la Lavender Edition contiene tres cortes más y la 3 am edition, que es la que recomendamos, contiene siete cortes más. Viendo todo ese derroche de creatividad, nos entenderéis mejor cuando nos quejamos de esos álbumes de ocho cortes que en realidad son Eps encubiertos y se venden al mismo precio que una de estas ediciones tan completas de Taylor Swift.

La crítica ha vuelto a estar de su lado. Independent, The Guardian y Rolling Stone le han dado el pleno. El 100/100 y seguramente lo veremos en sus listas de lo mejor del 2022. 90/100 LA Times, Spin y American Songwriter; 80/100 Clash, DIY, The Telegraph y NME; 78/100 Paste; 75/100 Consequence; 70/100 The Line Of Best Fit y la peor nota proviene de The New York Times con un 50/100 para terminar con una media de 88 sobre 100 en el momento que escribimos esta reseña y siempre según metacritic. Nosotros seguimos pensando que sus mejores álbumes son Folklore (2021) y 1989 (2014) y no vamos a puntuar a MIDNIGHTS por encima de ellos. Eso sí, ni nos parece aburrido ni demasiado alternativo, como hemos leído entre las opiniones de la gente que lo ha escuchado y lo ha contado en las Redes Sociales. Así que nuestra nota es un 90 sobre 100.    

MEDIA DE LA CRÍTICA: 88/100

VALORACIÓN EXQUISITECES: 90/100

CARLY RAE JEPSEN es mucho más que el One-hit Wonder de Call Me Maybe. Escribió una página en la historia del pop con esa obra maestra que fue Emotion (2015). Ayer mismo se liberaba THE LONELIEST TIME coincidiendo con Midnights de TAYLOR SWIFT. Hay que reconocer que el disco de la Swift ha acaparado muchísima más atención mediática y tenemos la sensación de que ha eclipsado a este y a todos los álbumes que se han editado este fin de semana. Pero esto es una carrera de fondo y si hemos escrito esta reseña doble es porque estamos seguros de que muchos van a encontrar en THE LONELIEST TIME lo que buscaban en Midnights y no han encontrado. No nos extrañaría nada que todos esos que dicen que Midnights es aburrido migren en hordas hacia este álbum en cuanto lo descubran y se queden con él. CARLY RAE JEPSEN entiende muy bien el pop y está especialmente inspirada en este trabajo que está a la altura de los mejores álbumes de Madonna o Kylie Minogue. Es un álbum muy fresco, comercial y multiproducido (más de diez productores y decenas de co-autores) entre los que destacan Rostam Batmanglij. 

Qué alegría nos produce ver a Rufus Wainwright metido en el corte que da título al álbum, sacando su vena más petarda. Han pasado años desde los primeros himnos pop de Wainwright y reencontrarlo aquí ha sido como rememorar esos orígenes un tanto lejanos. En definitiva, pop comercial y muy honesto, en el sentido de que Rae Jepsen no está engañando a nadie con el tipo de producto que nos está vendiendo. Su media crítica es de un 78 sobre 100 que se distribuye de la siguiente manera; 83/100 Entertainment; 80/100 The Telegraph, The Skinny, Rolling Stone, DIY y NME; 75/100 AVClub; 70/100 MusicOMH y Slant y las notas más bajas el 65/100 de Pitchfork y el 60/100 de Clash. Sorprendentemente THE LONELIEST TIME tiene la media crítica más alta de toda su discografía, pensábamos que sería Emotion (2015) el que tuviera la media crítica más alta, pero estábamos equivocados, solamente consiguió un 77/100. Y es que parece que dentro del pop también hay clases y lo que hace CARLY RAE JEPSEN está injustamente infravalorado. Para nosotros este álbum merecería otro 90 sobre 100. La misma nota que le hemos puesto a Midnights, independientemente de que uno nos parezca mejor que el otro. Tampoco hemos escrito las dos reseñas en un mismo post para enfrentarlos, más bien para complementarlos. 

MEDIA DE LA CRÍTICA: 78/100

VALORACIÓN EXQUISITECES: 90/100  

    

EL REGRESO DE BROKEN BELLS.

BROKEN BELLS comenzó como un proyecto musical sin demasiadas pretensiones, pero ha acabado convirtiéndose casi en una alianza entre sus dos protagonistas: James Mercer -Que nos tiene un poco abandonados con banda The Shins sin editar un álbum desde el 2017- y Danger Mouse. Recientemente han publicado INTO THE BLUE y no lo hacían desde que escribimos aquel post en el que describíamos su álbum After The Disco (2014) como un álbum con reminiscencias disco de finales de los setenta y primeros ochenta que recordaba a los Bee Gees de Saturday Night Fever (1977). Muchos pensarán que ocho años de diferencia entre un álbum y otro es demasiado como para considerarlo un proyecto musical consolidado. Aunque en estos años habían publicado un par de singles que no están incluidos en este nuevo trabajo. Lo bueno de INTO THE BLUE es que parte de cero. Quien crea que va a encontrar algo mínimamente parecido a sus dos álbumes anteriores, está muy equivocado. Esta vez sí que reconocemos al James Mercer de The Shins. Aquí hay temas que bien habría podido firmar con su banda (We`re Not In Orbit Yet..., Invisible Exit) y no tenemos la sensación de que hayan hecho este álbum solo para divertirse y sin ningún tipo de pretensiones, como el anterior. En cuanto al estilo, básicamente es indie rock con un poco de pop clásico de los 80 (Love On The Run, One Night), totalmente alejado de los falsetes a lo Bee Gees de su álbum anterior, a lo que debemos sumar un cierto coqueteo con el Trip Hop que Danger Mouse siempre ha llevado en vena (Forgotten Boy). El resultado es un disco de nueve canciones y poco más de cuarenta minutos. En nuestro caso, lo único que ha conseguido recordarnos es que echamos de menos a The Shins. Quizás demasiado.

La crítica nunca ha sido muy generosa con ellos, inexplicablemente la media crítica de INTO THE BLUE es de un 75 sobre 100 y aún así es la más alta de toda su discografía, sus dos álbumes anteriores solo obtuvieron un 71/100 de media. Las valoraciones se distribuyen de la siguiente manera: 80/100 Mojo, The Observer y HipHopDX: 70/100 DIY, AllMusic y Uncut. La nota más baja es un 60/100 y proviene de NME. A nosotros el disco nos ha sabido a poco. Le tenemos la guerra declarada a todos esos discos con ocho o nueve cortes que, como este, apenas alcanzan los cuarenta y cinco minutos y mucho más si se trata de una banda que lleva años sin publicar. Pero hay que reconocer que son pocos cortes, pero no hay ninguno de relleno. Todos existen por algún motivo y la calidad musical es bastante alta. Por eso no entendemos demasiado bien el ninguneo de la crítica, porque además se ve una clara evolución y adaptación a los nuevos tiempos. Estaba claro que lo siguiente no iba a ser ni medianamente parecido a lo anterior simplemente porque no podía serlo. Habían pasado demasiados años. En ese sentido cumplen con creces y no se merecen menos de un 87 sobre 100 que es nuestra nota. 

MEDIA DE LA CRÍTICA: 75/100

VALORACIÓN EXQUISITECES: 87/100

BILL CALLAHAN Y SU ÁLBUM MÁS OPTIMISTA.

 

Aunque algún disco de BILL CALLAHAN ha terminado en nuestra lista de los mejores álbumes del año en otras ocasiones, nunca hemos reseñado nada suyo a pesar de estar en activo desde los 90 y tener una extensa discografía. Recientemente ha publicado YTI⅃AƎЯ (Reality escrito de manera inversa). Callahan (Maryland, Estados Unidos) se considera uno de los precursores del género lo-fi y su estilo deambula entre el country alternativo y el folk, se caracteriza por su voz de barítono y unas estructuras musicales aparentemente simples que se enriquecen con unas letras trascendentales, reflexivas y no exentas de cierta ironía y un humor un tanto peculiar, a veces muy negro. YTI⅃AƎЯ es un álbum post-pandemia y aunque nos encontramos baladas, algunas casi susurradas y que en su forma no transmiten alegría precisamente. En cuanto traduces sus letras y profundizas un poco sobre ellas, resulta ser uno de sus álbumes más optimistas, en gran medida porque nos han robado dos años de nuestras vidas y ahora es el momento de no aplazar todo lo que siempre hemos querido hacer, empezar a movernos e intentar disfrutar de la vida. En una primera escucha, una canción titulada Coyotes destaca sobre todo el resto. Aunque el álbum guarda algunos grandes momentos.

Los críticos siempre suelen valorar muy bien cada uno de sus trabajos, y este precisamente es uno de los que tienen la media más alta, un 88 sobre 100 que se distribuye de la siguiente manera: Mojo considera que es uno de los mejores álbumes del año y le otorga el 100/100 el resto de las valoraciones también son positivas: MusicOHM 90/100; Beats Per Minutes; 80/100 The Observer, The Guardian, The Skinny y Uncut; 73/100 Pitchfork y 70/100 Under The Radar. A nosotros nos parece un buen disco, pero al igual que nos quejamos de que hay autores a los que la crítica infravalora, este es un claro caso en el que se sobrevalora. Eso no significa que consideremos que YTI⅃AƎЯ sea un mal disco, no lo es en ningún caso. Si lo fuera no hubiéramos perdido varias horas entre las escuchas del álbum, la documentación y la redacción de esta reseña. Pero desde luego que no es de 100/100 y una media de 88/100 nos parece desorbitada. Para nosotros llega al 84 sobre 100 a duras penas. Hay discos peores valorados por la crítica este año que nos parecen infinitamente superiores.

 

MEDIA DE LA CRÍTICA: 88/100

VALORACIÓN EXQUISITECES: 84/100

BEN LEE O LA FÓRMULA DE LA FELICIDAD.

BEN LEE hace mucho tiempo que se quedó bastante lejos de lo que podría haber sido. Pero escuchando I'M FUN! su último trabajo, nos da la sensación de que no le importa en absoluto. Él sigue fiel a su estilo y a su manera tan especial de afrontar la canción pop perfecta y realmente hay momentos que lo consigue. En este trabajo, al margen de esa portada horrorosa que es otra prueba de lo que estamos diciendo, que el señor Lee ha llegado a un punto en el que le importa una mierda la repercusión y las consecuencias de lo que hace y solo lo hace para ser feliz. Realmente creemos que esa actitud es la más honesta. I'M FUN! es un disco que emparenta con los mejores trabajos de sus comienzos, aunque han pasado ya unos añitos y ya se va notando una cierta madurez, más por edad que por otra cosa, que recuerda un poco a algunos momentos de la carrera de Paul McCartney en solitario posterior a Wings. Aunque no lo vamos a negar, BEN LEE es el eterno Peter Pan del pop australiano y que se note demasiado esa madurez podría ser contraproducente. Este álbum probablemente sea uno de los más ambiciosos de su discografía en lo que se refiere a colaboraciones, en él encontramos los nombres de Sad13, Sally Seltman, Washington, Zoey Deschanel, Shamir, Georgia Maq o Eric D Johnson. Por no hablar de los co-autores y productores del álbum entre los que se encuentra Jon Brion junto a otros menos conocidos por el gran público.

Ahora tendríamos que hablar de lo que han dicho los críticos. ¿No? Pues bien... No han dicho nada. No hay nada recogido sobre las críticas ni en Metacritic, ni en Albumoftheyear, ni en Anydecentmusic. Solo hemos encontrado algunas reseñas de medios australianos y en algunos blogs nacionales e internacionales y podríamos traducir lo que hemos leído en valoraciones de entre 60/100 y 80/100. Pero los medios importantes de los que hablamos en esta parte de la reseña lo han obviado. Así que tendréis que confiar en nuestro criterio una vez más. Partimos de la base de que nosotros entendemos el Pop de la misma manera que BEN LEE, eso quiere decir que muy mal se tendría que dar para que le pongamos una mala nota. Digamos que no podemos ser objetivos con él. Aunque como conocemos muy bien su discografía lo vamos a evaluar comparando I'M FUN! con todo lo que ha hecho anteriormente y este trabajo independientemente de que haya pasado desapercibido por infinitos motivos que poco o nada tienen que ver con su calidad musical, nos recuerda a algunos de sus mejores álbumes del pasado. Es cierto que los dos últimos cortes del disco no están a la altura del resto. Pero Lee mantiene el listón bien alto aunque no nos de un disco tan redondo como Awake Is The New Sleep (2005) o Ripe (2007). Nuestra nota para I'M FUN! es de un 89 sobre 100 y nos da mucha pena que casi nadie haya hablado de él. No lo merece. 

MEDIA DE LA CRÍTICA: -----

VALORACIÓN EXQUISITECES: 89/100

EL (CUESTIONADO) DEBUT DE MARCUS MUMFORD EN SOLITARIO.

Qué pena que los tiempos de gloria de los Mumford & Sons se redujeran a sus dos primeros álbumes. Nos quedamos con ganas de mucho más. Recientemente MARCUS MUMFORD, el que fuera el alma máter de la banda, ha editado su primer álbum en solitario titulado (SELF-TITLED) y tenemos sentimientos encontrados con este álbum que de primeras tenía todos los ingredientes para ser un discazo con la producción de Blake Mills y las colaboraciones de Phoebe Bridgers, Monica Martin, Clairo y Brandi Carlile. Y no lo es. Tampoco es que sea horrible. Realmente es mejor álbum de lo que se está diciendo. Aunque quizás le falte identidad. Ha abusado un poco de las baladas. Ha querido jugar a ser Damien Rice y solamente le ha salido bien en uno de los cortes de los que hablaremos al final. El ritmo del álbum es un tanto monótono, con alguna explosión puntual (Cannibal) que nos recuerda a (los peores) Coldplay y en otros momentos incluso nos recuerda también a los U2 de los 80 (Grace). El estilo es folk, rock y pop. La parte folk es bastante moderada, no ese ese tercer álbum folky que la banda nunca hizo (ni se espera). Y quizás ese sea el gran error. Haber renunciado a lo que mejor sabía hacer. A su verdadera identidad. Aunque algunos críticos han dicho que esto es mucho mejor que todo lo que había hecho antes con Mumford & Sons, no se corresponde con las valoraciones que esos mismos críticos han otorgado. Este trabajo ha sido puntuado bastante bajo por la crítica. Cosa que nos parece muy injusta por otro lado. Porque tampoco es un mal disco, ni siquiera un disco fallido o equivocado. Te tienen que decir que el que suena es el de Mumford & Sons porque nunca lo reconocerías y eso es un arma de doble filo para alguien que ha tenido tantísimo sello en el pasado. De hecho, pensamos que no le ha beneficiado. Porque este trabajo se editó hace un mes, tuvo mucha más atención mediatica que otros que se editaron ese mismo fin de semana como el de Lissie. Y hoy parece que ya nos hemos olvidado de él. Tenemos la sensación de que ha pasado bastante desapercibido a pesar de que fuera Nº4 en los Charts del Reino Unido la semana que se liberó. 

En cuanto a la crítica, la media según Metacritic y su algoritmo de proximidad es de 69 sobre 100 que esta vez ha ido a la baja -No entendemos porque ese mismo algoritmo va al alza o a la baja con discos que obtienen exactamente la misma puntuación- 80/100 Mojo, NME, The Telegraph; 70/100 AllMusic, The Line Of Best Fit, Rolling Stone; 60/100 DIY, Pitchfork y The Independent. Uncut le otorga un 50/100 y es la nota más baja que recoge esta página. En cambio nos vamos a Albumoftheyear que no usa algoritmo de aproximación y prefiere la media aritmética de toda la vida y Oh Sorpresa! es aún más baja, un 66 sobre 100 porque además recoge la valoración de Record Collector que es nada menos que un 40/100. Lo dicho, mucho no les ha gustado. Nosotros no seríamos capaces de cargárnoslo con puntuaciones tan bajas. Es cierto que ya os anunciamos que NO va a estar en nuestra lista de lo mejor del 2022. Porque es un álbum un tanto irregular y hay muchos otros que lo merecen más. Pero eso no significa que no tenga canciones aisladas que merezcan la pena. Especialmente las cuatro en las que está acompañado por todas esas mujeres que hemos nombrado, para culminar con ese temazo co-escrito y a dúo con la gran Brandi Carlile que, como decíamos al principio, recuerda a las joyitas que hacía Damien Rice con Lisa Hannigan en el pasado y que seguramente colaremos de estranjis en la playlist que hagamos este año. Solo por eso, nosotros no podemos darle menos del 80 sobre 100. Esperábamos mucho más, pero tampoco consideramos que sea un mal álbum. Es más, a estos discos el tiempo les suele hacer justicia. 

MEDIA DE LA CRÍTICA: 69/100

VALORACIÓN EXQUISITECES: 80/100

NOVEDADES EN NUESTRAS REDES SOCIALES.

 

Hoy debería haberse editado otra de nuestras reseñas porque estamos en la recta final del año y ya publicamos tres posts a la semana. Lo que ocurre es que al ser día festivo en España nos la hemos guardado para el Viernes y aprovechamos para comentaros algunas novedades.

Además de las publicaciones en este blog estamos todos los días en nuestras Redes Sociales:

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En los próximos dos meses vamos a estar más activos en Facebook y Twitter. Os recomendamos que nos sigais en Twitter y activeis las notificaciones porque aunque nos sigais en Facebook, no es garantía de que aparezcamos en vuestro muro, ya que no estamos dispuestos a pagar dinero a Facebook para que nuestras entradas sean promocionadas y si no pagas, no llegan a todos tus seguidores. Para estar al día de todo tendríais que entrar a la cuenta constantemente y nadie hace eso en Facebook. Todos esperamos que aparezcan los artículos en nuestro muro, porque pensamos que van a aparecer siempre. Por eso os sugerimos que es mucho más fácil seguirnos en Twitter, activar las notificaciones y os desentendéis de todo y siempre estaréis informados. 

¿Y qué vamos a hacer estos dos meses? Pues muy sencillo. Recordaremos los mejores álbumes de lo que llevamos de año. Los enlazaremos a Spotify, escribiremos una frase o dos resumiendo la reseña que se escribió e irá acompañado de una valoración en Estrellas. Por supuesto que solamente aparecerán discos de cuatro y cinco estrellas. Los de cuatro irían del 85 al 90 sobre 100 y los de cinco del 91 al 100 sobre 100 y lo haremos solamente en nuestra página de Facebook y en nuestra cuenta de Twitter.

Ya se ha publicado el primer recordatorio y todos serán más o menos así:

¿Y por qué lo hacemos? Pues porque podemos. Este año hemos hecho mejor los deberes que ningún año. Estamos bastante relajados porque nos hemos organizado mejor a la hora de escuchar todos los discos que se han ido publicando. Es cierto que en estos dos meses que quedan antes de cerrar el año todavía quedan algunos álbumes interesantes por liberarse. Pero tenemos la sensación de que los mejores del año ya se han editado y hemos hablado de casi todos -Otros están en las listas de álbumes no reseñados- así que ahora solamente toca recordarlos. Serán unos 20 ó 25 álbumes que podrían ser Nº1 en nuestra lista de Diciembre. El problema es que solo habrá un único Nº1 como cada año. 

Esperamos que os guste. 

Midas

LA CONFIRMACIÓN DE BONNY LIGHT HORSEMAN.

BONNY LIGHT HORSEMAN es un supergrupo -o mejor un supertrío- de Folk formado por Eric D. Johnson (Fruit Bats, The Shins) Josh Kauffman (Hiss Golden Messenger, The National) que también es el productor del álbum y Anaïs Mitchell que este mismo año presentó su último trabajo y que con este álbum tiene doble opción a aparecer en las listas de lo mejor del 2022. BONNY LIGHT HORSEMAN grabó por primera vez en el 2020 un álbum homónimo que consiguió dos nominaciones al Grammy en las categorías de mejor álbum de folk y mejor interpretación de raíces americanas (American Roots). Este segundo trabajo titulado ROLLING GOLDEN HOLY se podría decir que es una segunda parte de aquel trabajo o, al menos, continua en la misma línea donde se quedaron. Básicamente lo que encontramos son canciones inéditas que recuerdan al folk tradicional americano que tanto admiran. Esa es la fuente principal en la que beben. Pero no es exactamente ese folk sujeto a viejos esquemas musicales. Digamos que se ha actualizado y se puede decir que BONNY LIGHT HORSEMAN tiene una vocación renovadora porque consiguen llevan al género hacia nuevos horizontes tanto en la parte musical como en la lírica y eso es justo lo que hace que valga la pena y que hayan obtenido también juntos ese reconocimiento que ya tenían por separado y que sin ninguna duda merecen.

 

Su álbum debut homónimo, según todas las biografías del supergrupo que hemos recopilado como documentación para escribir esta reseña, se considera un álbum aclamado por la crítica aunque solamente obtuvo un 78/100 de media. Pues bien, ROLLING GOLDEN HOLY lo supera con una media de 81 sobre 100. Las puntuaciones se distribuyen de la siguiente manera: 90/100 Uncut; 88/100 Northern Transmision; 80/100 Mojo, Paste, HipHopDx y American Songwriter; 70/100 Dusted Magazine; 64/100 Sputnick Music; 60/100 The Observer. Teniendo en cuenta esos resultados, es más que probable que BONNY LIGHT HORSEMAN vuelva a estar nominado a los Grammy por este trabajo en las mismas categorías que el anterior (y en alguna más). A nosotros nos fascinan todas estos supergrupos compuestos por gente que ya funciona bastante bien en solitario o con sus respectivas bandas. Quizás el gran problema al que se enfrentan es que las expectativas son siempre altísimas. En estos casos lo que nosotros recomendamos es dejarse sorprender sin esperar demasiado que es lo que hicimos con este trabajo que finalmente resultó ser bastante hechizante y cautivador. Para nosotros es un 90 sobre 100. 

MEDIA DE LA CRÍTICA: 81/100

VALORACIÓN EXQUISITECES: 90/100

   

LOOSE FUTURE DE COURTNEY MARIE ANDREWS: CASI PERFECTO.

 

Todavía estamos celebrando el 100/100 que le dimos a Old Flowers (2020) de COURTNEY MARIE ANDREWS y cómo terminó en el Nº4 de nuestra lista de los mejores álbumes del 2020. Hoy mismo se libera LOOSE FUTURE el nuevo trabajo de la cantautora de Arizona. Un álbum que cuenta con las colaboraciones de Chris Bear, Josh Kaufman, Dan Lead, Colin Nealis, Sam Owens, Jared Samuels y Austin Vaughn. LOOSE FUTURE es un disco de diez cortes que dura poco más de media hora y se aleja bastante de lo que nos trajo con Old Flowers (2020), recordemos que nos hablaba de una ruptura sentimental. Digamos que la tormenta ya pasó, las nubes se disiparon y salió el sol. Porque este álbum es mucho más luminoso. De hecho, se escribió con los paisajes veraniegos de Cape Cod como marco e inspiración. Sobre Courtney Marie Andrews decir que se supera una vez más y no solo como intérprete ya que es poseedora de un registro vocal único, como compositora está llegando muy lejos, los cimientos de sus canciones son muy sólidos. Tenemos la sensación de que reune lo mejor de Joni Mitchell, Emmylou Harris y Lucinda Williams en una sola persona. La producción musical de este trabajo es correcta. Aunque las canciones funcionarían muy bien en acústico sin algunos efectos que adornan, pero que en realidad, no necesitan, precisamente por todo esto que os estamos contando.

En el momento que estamos escribiendo esta reseña Metacritic recoge que LOOSE FUTURE  ha sido valorado por Uncut, Mojo, HipHopDX y The Line of Best Fit y todos coinciden en un 80/100 pero su algoritmo de aproximación arroja una media de 84 sobre 100 probablemente en previsión de lo que van a opinar los medios que quedan por valorar. Es una media provisional que iremos corrigiendo a lo largo de la semana. Si mantiene ese 84/100 sería la puntuación más alta de un disco suyo. Una gran parte del 100/100 que dimos a Old Flowers (2020) fue gracias a su caracter tan íntimo y cómo se abría en canal para contarnos sus historias, o al menos eso pensábamos nosotros. Porque este álbum no tiene tanta implicación personal y afectiva por parte de su autora y nos parece que merece igualmente el 100/100. Aunque hemos decidido dejarlo en un 99 sobre 100 para marcar la diferencia, ya que aquí nos sobran algunos efectos de la producción musical, por ponerle un "pero". Aunque tampoco lo tengáis demasiado en cuenta, es por ponernos un poco duros ante un álbum que es casi perfecto. Tanto... que podría ser nuestro Nº1 de la lista de los mejores álbumes del 2022 que verá la luz en Diciembre.    

MEDIA DE LA CRÍTICA: 84/100

VALORACIÓN EXQUISITECES: 99/100

UNA VEZ MÁS... THE BETHS

 

Ya hemos celebrado otras veces todo lo bueno que nos viene desde las antípodas. EXPERT IN A DYING FIELD es el tercer álbum de estudio (y el tercero que reseñamos) de la banda neozelandesa de Elisabeth Strokes THE BETHS. En su momento nos sorprendió la frescura y la falta de pretensiones de Future Me Hates Me (2018) el álbum debut de esta banda y vimos claramente que habían venido para quedarse en su segundo trabajo Jump Rope Gazers (2020). No es que encontremos grandes cambios en el estilo que sigue siendo pop con reminiscencias punk, quizás esta vez más power-pop que nunca, ni tampoco en el funcionamiento de esta banda en este tercer álbum. Elisabeth Strokes compone con la ayuda de los otros miembros de la banda y Jonathan Pearce produce al igual que en los otros dos álbumes editados. Pero como viene siendo habitual en algunas bandas y artistas nuevos, controlan muy bien los tiempos y siempre se guardan algún as en la manga para conseguir progresos muy medidos y que cada álbum sea mejor que el anterior. ¿Qué tiene de distinto este tercer álbum? Tal y como comentamos en la entrada de Julia Jacklin, ellos también retratan las ansiedades de su generación en las letras de las canciones de manera certera. Pero no renuncian a su frescura característica. En esta ocasión las canciones están adornadas con brillantes riffs de guitarras y grandiosas armonías. Quizás el sonido esté ligeramente más depurado y mejorado en comparación con sus dos trabajos anteriores. Pero como decíamos antes, tenemos que usar la palabra "ligeramente" porque los progresos son evidentes, pero están muy medidos. 

Antes de hablar de la recepción crítica vamos a dar nuestra propia nota que sería un 90 sobre 100. Nosotros puntuamos Future Me Hates Me (2018) con un 85/100 y Jump Rope Gazers (2020) con un 89/100. La pequeña diferencia de EXPERT IN A DYING FIELD con respecto a los otros dos trabajos es porque consideramos que es ligeramente superior. Pero se puede decir que nos gustan los tres por igual. Así que aprovecharíamos para recomendarlos de nuevo. La crítica especializada le ha otorgado una media de 83 sobre 100 -Igual que la obtenida por Future Me Hates Me (2018)- que se distribuye de la siguiente manera: 90/100 Slant; 80/100 Mojo, NME, Pitchfork, AllMusic, MusicOHM, Uncut, Exclaim!, Sputnick Music y The Telegraph; 79/100 Paste siendo las notas más bajas el 75/100 de Under The Radar y el 60/100 de The Skinny. Nosotros consideramos que bandas como THE BETHS suponen un balón de oxígeno al Indie Pop, un género que ha vivido momentos mucho mejores. 

 

MEDIA CRÍTICA: 83/100

VALORACIÓN EXQUISITECES: 90/100

ALISON SUDOL DA LA CARA.

Puede que si hoy día preguntamos a alguien quien es ALISON SUDOL la respuesta inmediata sea que es la actriz que da vida a Queenie Goldstein en la adaptación cinematográfica de los libros de la saga de "Animales Fantásticos..." de J.K. Rowling que, por cierto, su participación en la saga resultó ser uno de los mayores aciertos del casting. Pero lo que mucha gente no sabe o ha olvidado es que antes de que ALISON SUDOL se forjara una carrera como actriz participando en series y películas -Sus padres son profesores de interpretación- originariamente era una cantante y compositora excepcional y había grabado tres álbumes entre 2007 y 2012 como A Fine Frenzy, su propio proyecto musical. De los cuales, los dos primeros fueron brillantes y dieron grandes canciones que todavía hoy escuchamos en series de televisión y películas. Han pasado diez años desde Pines (2012) su último trabajo como A Fine Frenzy -El tiempo que ha necesitado para desarrollar su carrera como actriz- y es tantísimo tiempo que su presentación con su propio nombre, ALISON SUDOL en este nuevo trabajo titulado STILL COME THE NIGHT es como volver a debutar y realmente parte de cero. Porque sigue una línea muy distinta a la que inció con A Fine Frenzy. 

ALISON SUDOL en su primera etapa con A Fine Frenzy nos dió grandes baladas sustentadas al piano en su primer álbum One Cell In The Sea (2007) y coqueteó con la electronica y sonidos syhnthpop en su segundo trabajo Bomb In A Birdcage (2009) que continuaría en Pines (2012) un álbum conceptual de valores ecológicos, acompañado de un corto dirigido por la propia ALISON SUDOL cargado de atmósferas y paisajes sonoros que muy poca gente entendió. El presente con STILL COME THE NIGHT pinta bastante bien, aunque echamos de menos que no haya recuperado el piano de One Cell In The Sea (2007) porque se trata de un disco de indie pop con elementos de rock en el que la guitarra juega un papel bastante importante y explora también otros registros vocales que no habíamos visto antes. Aunque es su voz, lo único en común con su pasado con A Fine Frenzy. El álbum está producido por la propia Alison Sudol y por Chris Hyson y todos los temas están también co-escritos por ellos dos y Alex y Lloyd Haines. 

En cuanto a la recepción crítica, en el momento que estamos escribiendo esta reseña, es inexistente. El álbum se liberó el pasado viernes 30 de Septiembre y ningún medio lo ha reseñado y valorado por el momento. Tendréis que confiar en nuestro criterio una vez más. Como decíamos antes, lo más destacable de este nuevo trabajo es que se aleje tanto de sus inicios y orígenes. Algo que puede resultar positivo y negativo a partes iguales. Los que esperen un álbum como los primeros de A Fine Frenzy se van a llevar una decepeción. En cambio, los que estén dispuestos a dejarse sorprender, les va a gustar bastante. Nosotros somos los del segundo grupo, el álbum nos ha convencido. No es un álbum perfecto (es imperfectamente hermoso), ni todas las canciones son singles potenciales. Pero el nivel de calidad es altísimo, tanto en la parte de la producción musical como en la compositiva. Por eso no podemos darle menos de un 88 sobre 100. 

MEDIA DE LA CRÍTICA: ------

VALORACIÓN EXQUISITECES: 88/100