IN TIMES OF DRAGONS: TORI AMOS SIGUE ESCRIBIENDO SU PROPIA MITOLOGÍA.

 

Había muchísima expectación con IN TIMES OF DRAGONS, primero porque un nuevo disco de TORI AMOS siempre es un acontecimiento y no publicaba un álbum de estudio desde Ocean To Ocean (2021) y segundo porque es un álbum sobre poder, corrupción y abuso estructural que viene acompañado de una narrativa sobre la fragilidad de la democracia, un tema candente en esta segunda era Trump y como la propia Tori comentaba en una entrevista que concedió a Paste: "Nadie me necesitaba cuando los Obama estaban en el poder. Seamos realistas". 

Es cierto que estamos ante otro nuevo álbum conceptual con la política de trasfondo como ya ocurriera con American Doll Posse (2007) en el que ajustaba cuentas con George Bush. Pero ya sabéis que TORI AMOS suele ser compleja a la hora de escribir y puede crear todo un universo mezclando esa trama política con autoficción, mitología celta, reptilianos, hasta crear una ópera magna de más de diez personajes, como es el caso de IN TIMES OF DRAGONS.

Hasta el punto que se tiene la sensación de que si ella no nos contara en sus entrevistas la temática de sus discos y la prensa especializada no se dedicara a explicarlos, seguramente nos daríamos de bruces contra unas letras crípticas repletas de enigmas por descifrar, especialmente si eres hispanohablante y no tienes un dominio del inglés aceptable para esto. En estos casos es mejor dejarse llevar y escucharlo como si estuviésemos viendo una de esas películas de David Lynch que te hacen sentir mil emociones, aunque no sepas del todo lo que está pasando. Porque es muy difícil que este disco no te remueva nada por dentro con tan solo una escucha. Aunque no estés entendiendo absolutamente nada.

Musicalmente sigue siendo TORI AMOS y esto implica una arquitectura compositiva superior a la media. Por eso decíamos que es imposible que este álbum te deje indiferente. Es cierto, que como ella ha reconocido en sus entrevistas, el tiempo ha hecho mella en su voz. Pero ha sabido adaptarse a esa novedad fisiológica sacándole el mayor partido posible. Sus graves nunca han sonado mejor. 

En este álbum encontramos un eco a tres álbumes de su discografía, uno ya lo hemos citado antes: American Doll Posse (2007); el otro es Scarlet's Walk (2002) porque en IN TIMES OF DRAGONS también asistimos a un viaje iniciático por América; y el tercero, y al que más puede recordar, es Boys For Pele (1996) por su marcado tono feminista y porque recupera el famoso clavecín de Tallulah en canciones como Provincetown o Blue Lotus dos de los grandes momentos del disco. 

Lo interesante de TORI AMOS es que es una excelente storyteller y consigue álbumes con un arco narrativo perfectamente cohesionado. Pero luego las canciones tienen alma propia para poder sobrevivir fuera de ese contexto. Un ejemplo es Shush el corte que abre el álbum; un tema estremecedor que gana con cada nueva escucha que habla de abusos de poder, haciéndote pensar sin querer en Epstein. O incluso en el Me Too y esas mujeres silenciadas por el poder patriarcal. Hay un momento en el que, con un simple "Thanks Courtney", le está diciendo a Courtney Love: "Gracias hermana, porque fuiste la primera en ver cosas que no vimos y nadie te creyó. Yo si te creo". 

O ese final tan sentido y verdadero con 23 Peaks que es la gran apoteosis de este álbum y el final del viaje con su mutación en mujer dragón. Es una apuesta muy arriesgada donde llama más la atención cómo está cantada que como está compuesta. Amos está al borde del desgarro en cada momento, sin red de seguridad. Es, sobre todo, una canción que únicamente la podría cantar TORI AMOS, no admitiría versión posible. Muchos la están alabando en sus reseñas y nosotros no queremos crear hype al respecto. Solo diremos que es una canción culmen que va a dar tanto que hablar como Yes, Anastasia (Under The Pink) y se va a revalorizar con el tiempo, como ha ocurrido con toda su obra. El resto del viaje entre esos dos puntos está repleto de buenas canciones como Provincetown, Gasoline Girls, Veins, Strawberry Moon, Song Of Sorrow o Stronger Together.     

El álbum está producido por TORI AMOS aunque tiene acreditados a Mark Hawley, Adrian Hall y Jon Astley como mezcladores. En el apartado compositivo, todo el disco corre a cargo de TORI AMOS y su arreglista de grabación John Philip Shenale. Cabe destacar que hay cuatro canciones (Veins, Strawberry Moon, Song Of Sorrow y Stronger Together) que están co-escritas con su hija Tash Hawley. Tash lleva apareciendo en la obra de Amos como vocalista invitada o haciendo coros desde Night Of Hunters (2011) siendo prácticamente una niña y ha continuado en discos posteriores. Tanto en Ocean To Ocean (2021) como en IN TIMES OF DRAGONS empieza a ser acreditada como co-autora, siendo en este álbum en el que su participación como compositora es mucho más amplia y visible. Parece que el legado de TORI AMOS está en buenas manos.   

La media crítica hasta el momento es de 79 sobre 100 distribuida de la siguiente manera: PopMatters, AllMusic, Classic Rock y Spill Magazine 90/100; MusicOMH, Uncut y Mojo 80/100; Rolling Stone, The Line Of Best Fit y Slant Magazine 70/100; Pitchfork 68/100 y The Irish Times 60/100. Viendo estos resultados podemos afirmar que a excepción de Pitchfork o The Irish Times, por fin los críticos han aprendido qué hacer con un álbum de TORI AMOS. Y decimos esto porque cuando se lanzó Boys For Pele (1996) no supieron qué hacer con él y necesitaron revisitarlo hace poco para rectificar lo que escribieron en su día. Treinta años después ya tienen un marco para saber evaluar IN TIMES OF DRAGONS como merece ser valorado y no todos saben hacerlo.  

IN TIMES OF DRAGONS es otra obra maestra de una artista adelantada a su tiempo (suficientemente argumentado por lo que ocurrió con Boys For Pele), IN TIMES OF DRAGONS no está hecho para la inmediatez de los nuevos tiempos. Está hecho para sentarse a escucharlo tranquilamente y acompañar a Tori en una odisea psicológica, política y mitológica con muchos matices de autoficción. En IN TIMES OF DRAGONS no solo destaca su arquitectura compositiva, también su ejecución vocal, no sabemos si es demasiado consciente de lo muchísimo que llega a transmitir con este álbum, pero lo hace. Se puede decir que traspasa la grabación original. Especialmente en temas como Shush y 23 Peaks. Nuestra nota es un 95 sobre 100.  

MEJORES MOMENTOS: Shush, Provincetown, Gasoline Girls, Veins, Strawberry Moon, Song Of Sorrow, Flood, Blue Lotus, Stronger Together, 23 Peaks...

MEDIA CRÍTICA: 79/100

NUESTRA VALORACIÓN: 95/100

ÁLBUMES REPESCADOS: THE WOMBATS, BASIA BULAT, NINA NESBITT, PATTERSON HOOD, ANDY BELL, LISA, JENNIE, THEA GILMORE, TORI AMOS y LADY GAGA.

Un post de álbumes repescados de lo más variado, que va desde los álbumes de dos veteranos como Patterson Hood o Andy Bell. Cantantes salidas de la misma banda de K-pop como Lisa o Jennie. Cantautoras legendarias como Tori Amos o Thea Gilmore que nos presentan unos últimos trabajos, un tanto especiales. Incluso recuperamos un álbum de Nina Nesbitt que ha sido reeditado y nos reencontramos con The Wombats y Basia Bulat después de muchos años. Eso sin olvidarnos de que Lady Gaga tiene álbum nuevo... Esperamos que os guste. 

THE WOMBATS - OH! THE OCEAN

THE WOMBATS son unos viejos conocidos nuestros. Reseñamos el segundo de sus álbumes This Modern Glitch (2011) hace catorce años y en todo este tiempo, no hemos hablado mucho de ellos porque ha sido una banda que fuera del Reino Unido ha tenido un perfil bajo, aunque si echáis un vistazo a las reproducciones de este nuevo trabajo titulado OH! THE OCEAN, casi todos sus singles superan el millón de reproducciones. Nosotros siempre describimos a THE WOMBATS como una banda de indie pop sin pretensiones, y sinceramente, nunca pensamos que llegarían a grabar seis álbumes. Imaginábamos que sucumbirían antes entre las modas y nos ha gustado reencontrarnos con ellos y comprobar que han mantenido su estatus e incluso que han madurado, aunque su música siga siendo prácticamente igual de intrascendente. Aunque también estamos convencidos de que siempre ha sido una intrascendencia muy buscada y pensada. Porque tras seis discos y que nunca hayan hecho ninguno que rompiera con todo eso, debe ser porque es una de sus señas de identidad y siguen trabajando para que sea así, y por lo visto, les funciona. OH! THE OCEAN consigue un 74 sobre 100 de la crítica y medios como God Is In The Tv le otorgan un 90/100; HipHopDX, Clash y Dork 80/100; Uncut y Spill Magazine 70/100 y MusicOHM 60/100. Solamente PopMatters se los ha cargado con un 30/100. Por nuestra parte, obviamente no estaría nunca en una lista nuestra de lo mejor del año. Pero no siempre tenemos que escuchar una música inteligente y sesuda, a veces hay que dejarse llevar por melodías, letras y ritmos facilones y teniendo en cuenta el tipo de producto que es, no merece menos de un 80 sobre 100.     

MEJORES MOMENTOS: My Head Is Not My Friend; Sorry I'm Late, I Didn't Want To Come; Can't Say No; Blood On The Hospital Floor; Grim Reaper

MEDIA DE LA CRÍTICA: 74/100

NUESTRA VALORACIÓN: 80/100

BASIA BULAT - BASIA'S PALACE

Hacía tiempo que no hablábamos de la cantautora canadiense BASIA BULAT cuya discografía está bien recogida en nuestras páginas. Recientemente nos ha sorprendido con un nuevo álbum titulado BASIA'S PALACE y nos ha llamado la atención porque se trata de uno de sus álbumes peor valorados de su discografía con un 66 sobre 100. Algo que nos ha sorprendido porque BASIA BULAT no tiene ningún disco malo. Ni siquiera este lo es. Hay medios que le han dado un 80/100 como MusicOHM pero Mojo, The Art Desk y Record Collector le han otorgado un 60/100 y han conseguido que esa media baje considerablemente. Obviamente, esas notas no han ocasionado ningún prejuicio en nosotros. Porque nunca lo hacen. Pero una vez que hemos escuchado este disco hemos entendido esas valoraciones. Se trata de un álbum de pop de cámara y de cantautora con reminiscencias soft rock y de urban cowboy. Pero la notamos un tanto dispersa si tenemos en cuenta que BASIA BULAT siempre se ha caracterizado por tener una identidad propia que marcaba la diferencia con el resto. Aquí encontramos canciones que si no supiésemos que hemos puesto un disco de BASIA BULAT tendríamos que usar el Shazam para confirmarlo. Porque hay veces que suena como Natalie Merchant y otras suena como Sharleen Spiteri de Texas y todo resulta un poco caótico. Especialmente porque todos sus discos hasta ahora siempre habían sonado a BASIA BULAT. Quizás de cara a la comercialidad y a la hora de complacer al público, este disco lo haga mucho más que otros de su discografía, ya sabéis que la crítica y el público nunca van de la mano. Pero enfrentarse a él ha sido un tanto desconcertante. En cualquier caso, tampoco creemos que sea un mal álbum y no podríamos darle menos de un 78 sobre 100 de nota. Aunque queda muy lejos de pasar el corte para que lo tengamos en cuenta para nuestra lista de los mejores álbumes del año.   

MEJORES MOMENTOS: My Angel, Baby, Disco Polo, Daylight, 

MEDIA DE LA CRÍTICA: 66/100

NUESTRA VALORACIÓN: 78/100

NINA NESBITT - MOUNTAIN MUSIC (THE SUMMITT)

Incluir este álbum de NINA NESBITT tiene un poco de trampa. Porque Mountain Music (2024) es un álbum del año pasado. Pero como recientemente se ha publicado una reedición de 2025 incluyendo cuatro canciones nuevas, titulada MOUNTAIN MUSIC (THE SUMMIT) hemos decidido escribir esta reseña porque esas cuatro canciones cierran a la perfección un trabajo notable. NINA NESBITT es una cantante y compositora escocesa, en MOUNTAIN MUSIC (THE SUMMIT) nos regala un álbum de folk pop intimista plagado de buenas canciones y nos da la sensación de que es ese álbum que Nesbitt siempre había querido hacer tras sus anteriores incursiones en el pop. Se trata de un álbum independiente que ella misma ha manufacturado desde su propio sello discográfico Apple Tree Records. El álbum está producido por la propia artista y por Peter Miles. La crítica le otorgó un 70 sobre 100 de media a la primera edición del álbum. Normalmente no suelen volver a reseñar las reediciones. Pero en el apartado de "Mejores Momentos" hemos añadido algunas de las canciones nuevas porque merecían estar ahí realmente. La nota más alta obtenida es un 80/100 por parte de The Line Of Best Fit y la más baja un 60/100 de The Skinny. A nosotros nos ha convencido. Es cierto que intuimos que si la crítica no le ha dado mayores notas es por prejuicios ya que nunca perdonan a ciertos artistas que vienen del pop mainstream hacer un álbum intimista, despojado de artificios y con una instrumentación prácticamente minimalista y que siga siendo lo suficientemente comercial para amasar los millones de reproducciones que consiguen algunas de las canciones de este álbum. Especialmente los singles. Nosotros vamos a ser mucho más generosos porque tenemos muchos menos prejuicios y nuestra nota es un 85 sobre 100.   

MEJORES MOMENTOS: Mansion, Pages, Crooked Teeths, Enough, On The Rub, I'm Coming Home...

MEDIA DE LA CRÍTICA: 70/100

NUESTRA VALORACIÓN: 85/100

PATTERSON HOOD - EXPLODING TREES & AIRPLANES SCREAMS

Para quien no lo sepa PATTERSON HOOD es un veterano. Lleva en la música más de tres décadas desde que fundara en 1996 su banda Drive-By Truckers. EXPLODING TREES & AIRPLANES SCREAM es su cuarto álbum de estudio en solitario y cuenta con la producción de Chris Funk de The Decemberists y con las colaboraciones de Lydia Loveless, Waxahatchee y Wednesday. No se dejen llevar por su horrible portada (esperamos no tener problemas por publicarla). Lo que llama la atención primordialmente es la calidad de esta propuesta, sobre todo si tenemos en cuenta que Hood ha sido un músico bastante prolífico y mientras otros que están en su misma situación hacen discos como churros, él mantiene un nivel de lo más interesante. Es único creando personajes y contando historias con letras de una profundidad un tanto inusual para los tiempos que corren. Absolutamente todas las canciones están compuestas por él mismo y aunque se podría etiquetar como Country Alternativo, Americana o música de cantautor, aquí encontramos algunos arreglos de folk, jazz o electrónicos y tenemos la sensación de que el señor Hood sabe muy bien lo que está haciendo. En cuanto a la crítica, ha obtenido una media de 86 sobre 100. El médio que lo ha valorado más alto es Uncut con un 90/100 y el que más bajo Spectrum Culture con un 74/100. Sin olvidar los 80/100 de AllMusic, Mojo y Slant. Por nuestra parte, apreciamos muchísimo este trabajo y sobre todo que artistas veteranos sean capaces de traer una brisa de aire fresco. Por lo que no podemos darle menos de un 90 sobre 100. 

MEJORES MOMENTOS: The Pool House, A Werewolf And A Girl, The Forks Of Cypress, Exploding Trees

MEDIA DE LA CRÍTICA: 86/100

NUESTRA VALORACIÓN: 90/100

ANDY BELL - PIMBALL WANDERER

Vaya por delante que casi todos los álbumes de ANDY BELL nos parecen una genialidad y que aprovechamos para reivindicar Flicker (2022) una pequeña joya oculta de la discogratía británica de la última década. El tercer álbum de estudio de Bell del que vamos a hablar se llama PIMBALL WANDERER. Un álbum muy distinto al anterior que ha producido y escrito él mismo, aunque también aparece acreditado el nombre de The Passions como co-autores de algunos temas y en el apartado de colaboraciones ha contado con Dot Allison y Michael Rother de Neu. Si en Flicker (2022) nos mostraba que el mejor britpop gozaba de muy buena salud, e incluso se atrevió a surcar los vericuetos del dream pop de manera acertadísima, tanto que nosotros llegamos a pensar que este nuevo álbum pondría al dream pop del revés y reinventaría el género. Pero no. No ha sido así en ningún caso. Nos hemos encontrado un álbum más concreto, con tan solo ocho cortes, en el que hay momentos para la experimentación y para crear uno de los mejores álbumes de neopsicodelia del año. La crítica le ha otorgado una media de 83 sobre 100. La nota más alta es un 90/100 por parte de Uncut y la más baja un 60/100 de The Record Collector. Aunque ha conseguido varios 80/100 por parte de Mojo, The Quietus y AllMusic. Obviamente, nosotros nos quedamos con Flicker (2022) porque nos pareció un disco revolucionario y nos lo sigue pareciendo hoy día. Y aunque PIMBALL WANDERER probablemente esté muy adelantado a su tiempo, no alcanza la categoría de obra maestra. Por nuestra parte es un 85 sobre 100.

 

MEJORES MOMENTOS: I'm In Love, Panic Attac, Apple Green Ufo...

MEDIA DE LA CRÍTICA: 83/100

NUESTRA VALORACIÓN: 85/100

LISA - ALTER EGO

Si alguien nos hubiera dicho algún día que acabaríamos reseñando discos de las estrellas emergentes del K-pop, nunca nos lo hubiéramos imaginado. No es la primera vez que hablamos de Blackpink, la banda femenina de más éxito del K-pop. Lo hicimos cuando Rosé, una de sus componentes, editó Rosie (2024) su primer disco en solitario. Se puede decir que las otras tres también han hecho lo propio, y aunque hoy no vamos a hablar de Jisoo. En este post empezaremos hablando de LISA, que ha editado recientemente su álbum en solitario titulado ALTER EGO. Si os contamos que Rosé había dado un giro inesperado en su trabajo en solitario acercándose más a artistas como Gracie Abrams o Taylor Swift. LISA ha seguido manteniendo la esencia de Blackpink para su trabajo en solitario y comercialmente es un éxito sin precedentes. En realidad, las cuatro componentes han tenido millones de reproducciones en sus álbumes en solitario. Pero LISA quizás sea la más comercial, dentro de lo comercial. Porque no olvidemos que estamos hablando del mainstream más brutal que pueda existir. En cuanto a los géneros que transita, obviamente los que están de moda: Pop, Pop Rap, K-pop, Trap, Edm, Dance-Pop. Sí leeis estos artículos que escriben algunos medios que parecen que hacen crítica musical, pero luego no la hacen (básicamente mezclan artículos promocionales con crítica). Seguramente habréis leído que LISA ha presentado el mejor disco de las cuatro componentes de Blackpink. A efectos comerciales puede que sea verdad. Seguramente será el que más se oiga de los cuatro y el que amase más reproducciones en Spotify y mira que los otros no se quedan cortos. Pero la crítica la ha sentenciado con una media de 58 sobre 100 con valoraciones de 40/100 por parte de The Skinny y The Observer. Lo mejor que dicen es que su sonido es terriblemente obsoleto y que todo suena a música de laboratorio. Las valoraciones más altas recibidas vienen por parte de NME con un 60/100 y de Rolling Stone con un 70/100. Un panorama bastante desolador para un disco con ventiocho productores y más de cincuenta co-autores y que cuenta con las colaboraciones de Raye, Doja Cat, Rosalía, Tyla, Future y Megan Thee Stallion. Ya lo dijimos en una ocasión, a nosotros nos parece preocupante que para que un disco funcione comercialmente hoy día deba tener un despliegue de medios enorme y costar una millonada como ALTER EGO. Para que luego la crítica vaya y se lo cargue sin ninguna piedad. Y realmente, la crítica tampoco está mintiendo. ALTER EGO es eso. ¿Música obsoleta?, Puede. ¿De laboratorio?, ¡Por supuesto! Pero mucho nos tememos que es el signo de los tiempos. Esto está de moda hoy. Mañana no sabemos. Es música de usar y tirar y como poco, hay que disfrutarla en ese contexto. Nosotros no nos lo vamos a cargar porque valoramos todo el esfuerzo, que probablemente será directamente proporcional al dinero que ha costado y seguramente colocaremos muchas de estas canciones en algunas de nuestras fiestas. Pero obviamente, no podemos comparar esto con la música de la que se escribe aquí habitualmente. Con quien sí que la vamos a comparar es con JENNIE la otra Blackpink de la que hablaremos a continuación y que también ha sacado disco nuevo recientemente. Por nuestra parte ALTER EGO de LISA no merece menos de un 60 sobre 100.

  

MEJORES MOMENTOS: Born Again, Moonlit Floor (Kiss Me), New Woman, Rockstar, Elastigirl, Thunder

MEDIA DE LA CRÍTICA: 58/100

NUESTRA VALORACIÓN: 60/100

JENNIE - RUBY

Sinceramente, pensabamos que tras escuchar Alter Ego de Lisa, tendríanos una sensación de Dèjá Vu al enfrentarnos a RUBY de JENNIE pero afortunadamente hay diferencias sustanciales. Por supuesto que comparten reproducciones millonarias y colaboraciones de postín. Esta vez la lista es la siguiente: Dominic Fike, Dua Lipa, Doechii, Childish Gambino y Kali Uchis. Curiosamente, no hay ningún nombre que coincida con las de su compañera. Eso suele ser algo que está muy estudiado. También es un álbum con ventitres productores (cinco menos que los de Lisa) y con más de cuarenta co-autores, una locura. Aunque JENNIE juega en otra liga y deambula por estilos como R&B contemporáneo, pop, rap pop, pop alternativo, Dance pop y Neosoul. Digamos que tiende hacia un cierto clasicismo en las melodías que siempre le funciona. Pero no creemos que nadie vaya a decir que suena obsoleto. Por mucho que en algunos momentos nos den las vibraciones de las Destiny's Child de los noventa. En cuanto a la crítica se puede decir que JENNIE es la mejor valorada de las tres Blackpink que han sacado álbum porque Jisoo ha editado solamente un Ep. La crítica le otorga un 78 sobre 100 y medios como Clash un 90/100. Su nota más baja es un 70/100 de Rolling Stone. En lo que a nosotros respecta, también pensamos que es el mejor álbum de los tres. Aquí encontramos además de buenas ideas algunas de las mejores canciones del pop contemporáneo, que seguramente aguantarán mejor el paso del tiempo que otros productos similares. No podemos darle menos de un 80 sobre 100 y reconocer que ha sido todo un placer escuchar un álbum que a priori te podía generar ciertos prejuicios. 

MEJORES MOMENTOS: Love Hangover, Handlebars, Like JENNIE, Extral., Mantra, F.T.S., Filter, twin...

MEDIA CRÍTICA: 78/100

NUESTRA VALORACIÓN: 80/100

THEA GILMORE - THESE QUITE FRIENDS

Que THEA GILMORE es una de las mejores cantautoras británicas más infravaloradas y desconocidas que existen, es un hecho que intentamos cambiar un poco cada vez que escribimos algo sobre ella. Da la sensación de que nos haya estado acompañando toda la vida y solamente tiene cuarenta años y un catálogo de más de veinte álbumes que comenzó en 1998. Este 2025 regresa con THIS QUIET FRIENDS el segundo álbum de covers de su discografía y nos presenta una colección de canciones dispares e inconexas unas con otras que ella consigue unir de alguna manera consiguiendo un álbum bastante cohesionado, muy sentido y con canciones desnudas y directas (Nunca había sonado Cabaret antes así y casi que nos gusta mucho más). Si alguien espera un álbum de covers de estos que ponen del revés las canciones con versiones imposibles, no es ese tipo de álbum. La mayoría de las veces respeta mucho las versiones originales de cada canción y lo único que aporta es su carisma y sobre todo su verdad. Nos ha recodado mucho a los álbumes de covers de Eva Cassidy, por ejemplo. La voz de Gilmore se luce en cada una de las versiones como quizás no lo haya hecho en sus álbumes de canciones compuestas por ella misma. El repertorio es el siguiente y nos parece un repertorio muy bien elegido:  

1. Cabaret (Jill Haworth cover) 

2. Sweet Child O’ Mine (Guns N’ Roses cover) 

3. The Killing Moon (Echo & the Bunnymen cover) 

4. Crazy He Calls Me (Billie Holiday cover) 

5. End Of A Century (Blur cover) 

6. Hey Jealousy (Gin Blossoms cover) 

7. Dancing In The Dark (Bruce Springsteen cover) 

8. Sunday Morning (Velvet Underground cover) 

9. Everybody Hurts (R.E. M. cover) 

10. Wrecking Ball (Miley Cyrus cover) 

11. Tonight You Belong to Me (Irving Kaufman cover)

En cuanto a la crítica, Mojo le ha otorgado un 80 sobre 100 y es la única valoración que se ha recogido por el momento. Nosotros pensamos que cada cosa que nos llega de THEA GILMORE es un must y un álbum de cover es una herramienta perfecta para conocer los gustos y la cultura musical de los artistas y nos sirve para saber más de ella y cómo respira. Porque no ha podido regalarnos una colección más íntima y sentida de canciones que tenemos muy interiorizadas en algunos casos por sus intérpretes originales y ahora puede que también recordemos sus aportaciones. Nuestra valoración es un 85 sobre 100. 

MEJORES MOMENTOS: Sweet Child O' Mine, Hey Jeaulousy, Dancing In The Dark, Cabaret, Everybody Hurts, Wrecking Ball... 

MEDIA DE LA CRÍTICA: 80/100

NUESTRA VALORACIÓN: 85/100

TORI AMOS - THE MUSIC OF TORI AND THE MUSES

TORI AMOS no grababa un álbum con material inédito desde Ocean To Ocean (2021) pero suele tener contentos a sus fans porque nunca está desaparecida del todo. Siempre está muy activa en sus Redes con algo nuevo que ofrecerles. El pasado mes de diciembre liberó un álbum en directo con lo mejor de su última gira titulado Diving Deep Live (2024) que os lo enlazamos a Spotify por si queréis escucharlo, ya que no lo hemos reseñado porque no reseñamos álbumes en directo, ni recopilatorios. Pero obviamente, es un álbum en el que Amos sigue demostrando que es una virtuosa del piano y que si está donde está es porque nadie le ha regalado nada. Y recientemente ha escrito también un libro infantil titulado Tori And The Muses que viene acompañado de las ilustraciones de Demelsa Haughton y para el que ha compuesto nueve canciones complementarias en un álbum titulado THE MUSIC OF TORI AND THE MUSES. Hay muchas artistas que han grabado discos infantiles: Jewel, Laura Veirs o Lisa Loeb que se puede decir que ha construido otra carrera paralela a la suya en este género. Pero la visión de TORI AMOS es muy diferente, ella no renuncia a la gravedad de sus solos de piano de más de dos minutos que pueden resultar complicados incluso para el oído de un adulto nada melómano. Obviamente, si analizas las letras sí ves que son canciones infantiles, pero musicalmente ella sigue aplicando sus propias reglas poco convencionales, algo que la hace única incluso en este tipo de trabajos que se podrían considerar menores y realmente no lo son. Este álbum es ante todo y sobre todo un álbum de TORI AMOS. Da igual que se venda bajo la etiqueta de álbum infantil. Es cierto también que si tienes hijos pequeños probablemente nunca te pidan un álbum como THE MUSIC OF TORI AND THE MUSES. Seguramente, te pedirían mucho antes el último de Sabrina Carpenter. Así que nosotros pensamos que el público potencial de este álbum no son los niños. Son esos papás cultos que quieren que sus hijos amen la música. Que para eso, es tan válido comprarles el de Sabrina Carpenter como este. Pero eso ellos no lo saben. Siempre van a preferir regalarles el libro de ilustraciones y este álbum de TORI AMOS porque seguramente lo considerarán mucho más estimulante. Serán los niños los que finalmente tengan la última palabra. Obviamente, esto es toda una rareza y la crítica musical no se ha pronunciado al respecto y nosotros creemos que tampoco deberíamos hacerlo. Porque no tenemos un máster en discos infantiles. Solo podemos apreciar la calidad y con TORI AMOS la encontramos a radudales y bastaría también con dejar claro que su creatividad no tiene límites y que es capaz de salir victoriosa de cualquier reto que se proponga.

MEJORES MOMENTOS: Infantil o no, siempre será un álbum de Tori Amos y recomendaríamos la escucha completa.  

MEDIA DE LA CRÍTICA:----

NUESTRA VALORACIÓN:----

LADY GAGA - MAYHEM

Cada disco nuevo de LADY GAGA es un acontecimiento. Sobre todo teniendo en cuenta lo poco que se prodiga (sus fans necesitarían un disco cada año). Después del tropiezo de Joker: Folie à Dèux, necesitaba levantarse y seguir caminando y pronto caldeó el ambiente con sus singles Disease, Die With The Smile junto a Bruno Mars que se convirtió en una de las canciones del año y a continuación Abracadabra ese himno autoreferencial que recuerda vagamente a Bad Romance. En realidad LADY GAGA se ha convertido en la reina del pastiche. En MAYHEM encontramos homenajes velados, y no tanto, a Siouxsie And The Banshees (Abracadabra); David Bowie y Prince (Killah); Michael Jackson (Shadow Of A Man) o Taylor Swift (How Bad U Want Me) o a Blondie y Madonna. Además de jugar con referencias temporales. En The Beast te lleva a los ochenta usando la caja de ritmo 808 típica del pop de esa época y con Zombieboy entramos de lleno en los noventa. Aunque también encontramos referencias a las dos últimas décadas en el resto de las canciones. Además de Bruno Mars, la lista de colaboraciones se cierra con Gesaffelstein que también han ejercido de productores junto a Cirkut, D'Mille o Andrew Watt y la propia LADY GAGA. La crítica le ha otorgado una media de 85 sobre 100 y en general es un álbum que ha gustado bastante, The Independent le ha otorgado el 100/100; MusicOHM 90/100 y la mayoría de medios han sido unánimes con el 80/100 The Observer, The New York Times, AllMusic, Rolling Stone o The Guardian entre otros. La nota más baja es un 60/100 de Slant Magazine. Por nuestra parte, también pensamos que estamos ante uno de los mejores trabajos de LADY GAGA, si no el mejor y nuestra nota es un 90 sobre 100. Porque por más que queramos encontrar algún fallo, todo son aciertos.  

MEJORES MOMENTOS: Die With The Smile, Abracadabra, Disease, Killah, Shadow Of A Man, How Bad U Want Me, The Beast, Zombieboy...

MEDIA CRÍTICA: 85/100

NUESTRA VALORACIÓN: 90/100

TORI AMOS: VIAJES IMAGINARIOS.

 

Siempre que TORI AMOS va a lanzar un nuevo trabajo el reclamo de la prensa especializada para crear el Hype suele ser el siguiente: "Tori vuelve a sus orígenes", "De nuevo la Tori Amos de Little Earthquakes o Under The Pink"... Seamos honestos. Todo mentira. Ya no hay retorno a esos años gloriosos. Pero... Relajaos y disfrutad porque Tori Amos nunca defrauda. En ningún caso nos va a dar un mal disco y vamos ya por el décimosexto. OCEAN TO OCEAN, como todos los trabajos de TORI AMOS, no surge por casualidad. En un principio, estaba trabajando en otro disco diferente, muy crítico con la política de Trump. Pero tras las elecciones y la victoria de Biden, Trump ya era historia y le surgieron las dudas sobre si ese material seguiría teniendo vigencia cuando se publicara y si realmente era lo suficientemente bueno. Así que terminó desechándolo. No obstante, ha reconocido que parte de lo escrito en las canciones de este álbum, también es una reacción a los disturbios en el Capitolio. Pero no queda solo ahí, en los discos de Amos los temas surgen, convergen, se mezclan y/o se solapan y no se habla de una única cosa. El proceso de composición de OCEAN TO OCEAN tuvo lugar en pleno tercer confinamiento en Cornwall (Inglaterra), donde la artista vive con su familia. La inspiración proviene desde los paisajes y la mitología de Cornwall, hasta el sentimiento de pérdida y cómo lo afronta -Tori Amos perdió a su madre- así como exorcizar todos sus demonios interiores componiendo música para evadirse de la propia Pandemia y todo lo que genera estar encerrado, mientras viajaba mentalmente hacia Nueva York... Así contado, parace un batiburrillo de situaciones y experiencias, pero cuando Tori Amos lo explica en sus entrevistas, todo cobra sentido. Toda la parte promocional de este trabajo, así como las entrevistas que está concediendo a la prensa especializada está siendo realmente impecable.

Musicalmente a este que os escribe OCEAN TO OCEAN no le ha sorprendido demasiado, pero eso no es algo negativo. Creo que conozco mejor a Tori Amos que a alguna de mis propias hermanas. Es normal que no me sorprenda. Pero escuchando el disco atentamente -Llevo dos horas haciéndolo en bucle desde que lo colgaron en Spotify- he encontrado algunas cosas de las que hablar. Primero, que en este trabajo el piano está presente, como siempre. Pero da la sensación de que está menos presente que otras veces porque las canciones que más destacan y llaman la atención tienen como protagonistas a unas guitarras que nunca antes habían sonado tan bien en un disco de Tori Amos, se nos viene a la cabeza otros temas suyos como God o Cars and Guitars de discos anteriores en los que predominaban las guitarras y sonaban francamente bien. Pues estos suenan aún mejor. Esa podría ser una de las sorpresas para los que sí se sorprendan. Segundo..., que nos hemos hartado de escuchar esos reclamos que comentábamos al principio sobre que Amos volvía a sonar como en sus primeros discos. Si tuvieramos que emparentar este disco con algún otro de su carrera, tiene más que ver con los tres discos que hizo con Epic,-discográfica con la que acabó fatal- concretamente más con Scarlet's Walk (2002) que con ningún otro. Y tercero..., también hemos detectado algunos sonidos retro muy puntuales que nos han recordado muchísimo al Mike Oldfield de los 80 en temas como Speaking With Trees o Metal Water Wood y ha resultado ser un detalle bastante refrescante en todo el conjunto.

 

En definitiva, a estas alturas el Hype le viene muy mal a Tori Amos. Con esos reclamos de "vuelta a los orígenes" se pueden generar falsas expectativas, y hay que ser realistas, si ahora sacara un disco en el que realmente volviera a la casilla de salida, no nos gustaría. Es abismal cómo ha crecido como productora musical. Puede que sus primeros álbumes tengan mejores canciones y nos gusten más. Pero la producción musical de su obra ha evolucionado muchísimo con el paso de los años y concretamente la de OCEAN TO OCEAN es una de las mejores producciones que recordamos en un disco suyo. Dos medios han puntuado este álbum con un 90 sobre 100: Albumism y Spill Magaine. Pero el resto de la crítica coincide unánimemente en el 80 sobre 100: Allmusic, Mojo, The Line of best fit, HipHopDx, The Quietus, Popmatters, MusicOHM y The Art Desk. Y la nota más baja recibida es un 60 sobre 100 por parte de Slant. Finalmente, la media es de 82 sobre 100.

En cuanto a nosotros, siempre nos ocurre lo mismo cuando nos toca valorar a Tori Amos. Si comparásemos este disco con cualquiera de otros artistas de los que hemos hablado en este blog a lo largo del año, le pondríamos el 100 sobre 100 sin dudarlo. Pero Tori Amos siempre compite con Tori Amos y aunque la crítica si sigue por ese camino, puede que destaque a este disco como uno de los mejores de su carrera, nosotros consideramos que tiene discos mejores y que nos gustan más que este. Eso sí, con respecto a sus últimos trabajos, es de los mejores. No podemos darle menos de un 95 sobre 100.

  

VALORACIÓN EXQUISITECES: 95/100

MEDIA DE LA CRÍTICA: 82/100

TORI AMOS Y LA RESILIENCIA.

Hoy ha salido a la venta NATIVE INVADER, el decimoquinto álbum de estudio de TORI AMOS. Un trabajo muy esperado después de demostrar que estaba en plena forma con Unrepentant Geraldines (2014), que supuso su regreso al pop. NATIVE INVADER es un álbum un tanto espinoso que está basado en una idea principal; la resiliencia en dos de sus vertientes: la psicológica y la ecológica, a la que se entrelazan transversalmente otras ideas como: la inmigración, el cambio climático, la madre naturaleza o la maternidad, además de otras cuestiones sociopolíticas propias de la era Trump, bastante cuestionables.
Muchos lo han tildado de disco conceptual para no perder la costumbre, y se podría entender como tal porque está emparentado con dos de sus discos conceptuales más aclamados: Scarlet's Walk (2002) y American Doll Posse (2007). En cualquier caso, se trata de otro disco trascendente de TORI AMOS hijo de su propio tiempo, el presente, -Atención a ese guiño a Juego De Tronos en la portada- y, como siempre, nada surge de la casualidad y nunca se da una puntada sin hilo.

Han salido algunas críticas del disco y, de momento, la mayoría son muy buenas. Tiene dos de esas que llaman "mixtas" (regulares) y ninguna mala. Aún tienen que salir muchas más. Pero es suficiente para que nosotros comencemos a "criticar a los críticos". Un ejercicio que últimamente nos encanta hacer. 

El problema de una crítica regular para alguien capaz de ofrecerte un trabajo tan complejo como NATIVE INVADER es que se acaba interpretando como una crítica mala. Tenemos la sensación de que la crítica le exige mucho más a TORI AMOS que a cualquier niño bonito del pop que cumple con un par de riffs de guitarra y una canción molona. Y es que Amos nos ha acostumbrado tanto a esas canciones de arquitectura difícil y esos brotes de genialidad que ya no los valoramos lo suficiente.

Siendo justos, no todo es perfecto en NATIVE INVADER, cuando se editó el primer adelanto Cloud Rider tenemos que decir que no nos pareció nada novedoso y sentenciamos: "Que se había quedado anclada en los 90", luego llegó Up The Creek que es uno de los grandes momentos del álbum y nos tapó la boca, cómo con otros muchos excelentes cortes: Breakaway o Mary's Eyes, por citar un par de ellos.

Aún así, creemos que sería muy bueno que TORI AMOS confiase la producción musical de su próximo trabajo a otra persona. Ella misma ha producido todos sus discos en los últimos años y todo resulta muy casero y entrañable cuando cuenta con la guitarra de su marido o los coros de su hija Tash. Y seguramente que ese universo (cerrado) daría para varios discos más, tan buenos como este o mejor. Pero nos gustaría que se abriese a otras tendencias y a otras colaboraciones con otros músicos, para seguir teniendo la sensación de que TORI AMOS no ha tocado techo todavía y puede crecer mucho más. En definitiva, que nunca pierda la capacidad de sorprender incluso a los que conocemos bien su obra. Lamentablemente, no hay factor sorpresa en NATIVE INVADER. Solamente es un muy buen disco de Tori Amos, que no es poco.

Por lo demás, este trabajo es todo un acontecimiento. Un hito histórico, como cada álbum de esta genio contemporánea, a veces incomprendida. 

Seguimos insistiendo en que los trabajos de Amos funcionan mucho mejor como álbumes y hay que valorarlos en todo su conjunto, aunque la tendencia actual sea analizarlos por canciones sueltas. De hecho, las dos críticas "mixtas" provienen de críticos que han diseccionado el disco canción por canción, sin analizar la cohesión del álbum. Algo que nos parece un error garrafal.

Una vez más recomendamos encarecidamente NATIVE INVADER de TORI AMOS no solamente a los fans. Nunca es tarde para descubrir a una de las artistas más completas, peculiares y carismáticas del Siglo XXI. 

LA PRINCESA INGRÁVIDA DE TORI AMOS

La última vez que hablamos sobre TORI AMOS lo hicimos para presentar su regreso al pop con Unrepentant Geraldines. Un año antes, Amos había estado embarcada en la composición y producción del musical londinense THE LIGHT PRINCESS del que se edita el Cd con el casting original en estos días y se convierte en el último lanzamiento musical de Amos, aunque en un registro algo diferente al que le conocemos.

The Light Princess es un cuento escocés original de Michael McDonald publicado en 1864. Nos narra la historia de una princesa con una ingravidez literal y metafórica. Ni siquiera puede pisar el suelo. Hasta que consigue el amor que le haga poner los pies en la tierra.

Una historia que podía tener su propio musical y que no se paró hasta conseguirlo. La dramaturgia y su adaptación al teatro corrieron a cargo de Samuel Adamsom, siendo Tori Amos la autora del libreto musical y Marianne Elliott su directora.

Y se convirtió en uno de los grandes éxitos de la cartelera teatral británica del 2013/14, consiguiendo nominaciones para importantes premios del teatro británico. Su protagonista femenina Rosalie Craig estuvo nominada a varios, consiguiendo por fin el prestigioso Evening standard’s award a la mejor actriz. La coreogafía, iluminación, diseño de escenario y la música de Amos también consiguieron un montón de nominaciones para la cosecha de premios del 2014.

Y justo en este 2015, se está estudiando la posibilidad de llevar el musical a Broadway. Aunque Amos confesó en una entrevista que tenía cierto temor, porque no era una historia del gusto del público americano.

Tori Amos produjo y dirigió la grabación del cd con las 33 canciones de The Light Princess que se grabaron el año pasado con todo el elenco de la obra durante los parones de su gira Unrepentant Geraldines Tour. En esa grabación interviene su marido Mark Hawley como ingeniero de sonido. Y por fin ha salido a la venta. Propiciando así ese posible estreno en Broadway. Aunque quien sabe... Quizás tenga su propia adaptación cinematográfica.

Comenta Amos que es una suerte que se haya podido grabar el disco con las canciones de The Light Princess, porque de un tiempo a esta parte -por culpa de la crisis- muchos musicales londinenses, aún teniendo éxito, no llegan a grabar el álbum. Claro que… Un disco firmado por Tori Amos suele tener un mínimo bastante alto de ventas aseguradas. Y tenemos que decir que hemos escuchado esta obra y es una auténtica maravilla que bien puede ser comparada con los grandes musicales de la historia. Esto es Darkest Hour interpretado por la propia Amos, un detallito que encontraremos en el Cd. Aunque seríamos muy injustos si no destacásemos la labor de Rosalie Craig, la protagonista, hoy toda una estrella de las tablas londinenses gracias a su interpretación en The Light Princess.

LOS MEJORES ÁLBUMES DEL 2014: PUESTOS 10-1.

Durante la última semana hemos dividido en cuatro entradas la lista de EXQUISITECES con los 50 mejores álbumes del 2014 y hoy por fin, esta serie finaliza con la quinta entrega que contiene nuestro Top10.
Quisiéramos agradecer la excelente acogida de la lista -Hemos doblado las visitas- y la atención prestada por nuestros muy activos seguidores de Facebook.

Si te has perdido nuestra presentación de la lista y las posiciones reseñadas detalladamente que van del 50 al 41, del 40 al 31, del 30 al 21 y del 20 al 11, las puedes ver AQUÍ , AQUÍ , AQUÍ y AQUÍ.

Aunque os recordamos la lista una vez más:

PUESTOS 50-41

-Nº50: LYKKE LI - I NEVER LEARN
-Nº49: MORRISSEY - WORLD PEACE IS NONE YOUR BUSSINES
-Nº48: FIRST AID KITT - STAY GOLD
-Nº47: DAMIEN JURADO - BROTHERS AND SISTERS OF THE ETERNAL SON
-Nº46: KATY B - LITTLE RED
-Nº45: PERFUME GENIUS - TOO BRIGHT
-Nº44: SUZANNE VEGA - TALES OF THE REALM OF THE QUEEN OF PENTACLES
-Nº43: PALOMA FAITH - A PERFECT CONTRADITION
-Nº42: MIRANDA LAMBERT - PLATINUM
-Nº41: CHARLOTTE MARTIN - WATER BREAKS STONE

PUESTOS 40-31
 

-Nº40: IMELDA MAY - TRIBAL

-Nº39: ANASTACIA - RESURRECTION

-Nº38: VIENNA TENG - AIMS

-Nº37: BROKEN BELLS - AFTER THE DISCO

-Nº36: THE PIERCES - CREATION

-Nº35: RAY LAMONTAGNE - SUPERNOVA

-Nº34: JENNIFER NETTLES - THAT GIRL

-Nº33: SPOON - THEY WANT MY SOUL

-Nº32: CHRISSIE HYNDE - STOCKHOLM

-Nº31: TINA DICO - WHISPERS

PUESTOS 30-21

-Nº30: INGRID MICHAELSON - LIGHTS OUT

-Nº29: HOZIER - HOZIER

-Nº28: PASSENGER - WHISPERS

-Nº27: JONATHA BROOKE - MY MOTHER HAS 4 NOSES

-Nº26: THE BLACK KEYS - TURN BLUE

-Nº25: DAMON ALBARN - EVERYDAY ROBOTS

-Nº24: ED SHEERAN - X

-Nº23: THE BOTH - THE BOTH

-Nº22: SIA - 1000 FORMS OF FEAR

-Nº21: RUMER - INTO COLOUR

PUESTOS 20-11

-Nº20: SAM SMITH - IN THE LONELY HOUR

-Nº19: PAUL HEATON & JACQUI ABBOTT - WHAT HAVE WE BECOME

-Nº18: GEORGE EZRA - WANTED ON VOYAGE

-Nº17: SARAH MCLACHLAN - SHINE ON

-Nº16: SHARON VAN ETTEN - ARE WE THERE

-Nº15: PAOLO NUTINI - CAUSTIC LOVE

-Nº14: LAKE STREET DIVE - BAD SELF PORTRAITS

-Nº13: NATALIE MERCHANT - NATALIE MERCHANT

-Nº12: COUNTING CROWS - SOMEWHERE UNDER WONDERLAND

-Nº11: BEN HOWARD - WE FORGET WHERE WE WERE

Que se completa con...

Nº10

JENNY LEWIS

THE VOYAGER

THE VOYAGER es un gran disco a pesar de su falta de pretensiones y JENNY LEWIS se confirma como una de las compositoras e intérpretes más completas e inteligentes de su generación, capaz no solo de no quemarse con casi catorce años de carrera a sus espaldas con su banda Rilo Kiley y enlazando otros proyectos musicales, con su carrera en solitario. Es que cuando toca reinventarse a si misma, como lo ha hecho para THE VOYAGER, es tan sumamente camaleónica que nos deja a todos perplejos. Además de ser de esas artistas que siempre sabes que lo próximo va a ser arriesgado, te va a seguir sorprendiendo. Pero seguro que va a ser mejor, si cabe. Con ella nunca tienes la sensación de que esté repitiendo fórmulas de éxito. La prueba de ello es que ninguno de sus tres discos se parecen entre sí. Y esta vez, toca un caos de contradicciones musicales que nos retrotraen a los ochenta y con el lujo de tener al gran Ryan Adams en la producción. ¿Se puede pedir más? 

Nº9

ANGUS & JULIA STONE

ANGUS & JULIA STONE

Este excelente trabajo homónimo de ANGUS & JULIA STONE es un paso de gigante en la carrera de este dúo. Temas bien construidos y mejor ejecutados con unas guitarras que dificilmente olvidaremos gracias a la mejor producción de Rick Rubin. Que ha dicho sobre este dúo que "son únicos, auténticos y puros, que hacen las cosas desde el corazón y que nunca había trabajado con nadie como ellos". Esa pureza de la que habla Rubin está patente en este álbum extraordinario en el que destaca la experimentación con diferentes texturas de guitarra. Puede que las melodías sean menos complacientes que en trabajos anteriores. Pero a pesar de eso, no le resta ni un ápice de la magia a la que nos tienen acostumbrados. 

Nº8

DAVID GRAY

MUTINEERS

DAVID GRAY sigue fiel a su estilo que en los noventa resultaba bastante adelantado para su tiempo. Por aquello del uso de elementos electrónicos con temas básicamente folk. El uso de estos elementos electrónicos se ha depurado bastante en estos años y ahora fluyen en perefecta armonía en sus temas. No suenan pretenciosos, ni siquiera chirrían un poco. Porque nadie como él sabe usarlos con tanta inteligencia. El disco está producido impecablemente por Andy Barlow que co-escribe cuatro cortes con Gray. Pero si citamos a Barlow es por cuestiones informativas y de cortesía. Porque la personalidad de David Gray es tan sumamente magnética que todos los demás nombres que aparecen en los créditos del disco son fagocitados por ella. Si repasamos los viejos discos de gray podemos decir que su música es inmortal. Y ese es el destino de MUTINEERS un disco de diez sobre diez que no va a defraudar a los seguidores de Gray y que en poco tiempo pasará a ser también inmortal.

Nº7

THE NEW PORNOGRAPHERS

BRILL BRUISERS

Un disco de THE NEW PORNOGRAPHERS siempre es una fiesta. No sólo por su carácter especial de supergrupo. Y que nacen solo cuando la banda tiene algo bueno que contar. Es que, además, con BRILL BRUISERS consiguen que lo pasemos pipa, con sus melodías pegadizas con las que te sorprendes tarareando de muy buena mañana. Todo un ejemplo de frescura y diversión que no insulta nuestra inteligencia y sin perder ni un átomo de calidad. Ya lo dijimos cuando lo reseñamos. Ojalá cada semana tuviésemos que escribir sobre discos como este. Porque son pequeñas obras maestras encubiertas en un magma de buen rollo.

Nº6

ELBOW

THE TAKE OFF AND LANDING OF EVERYTHING

Cuanta belleza se esconde en este magnífico THE TAKE OFF AND LANDING OF EVERYTHING de ELBOW. Especialmente después de un anterior trabajo un tanto irregular como Build a Rocket Boys! (2011), nos alegramos de que estos chicos vuelvan a darnos otro de esos discos tan especiales.

Se ha hablado de la influencia de Génesis y de Peter Gabriel en este álbum, pero ya quisiera Gabriel editar hoy día -y estamos hablando de un genio- un disco tan inspirador como este. 

No tenemos ni idea si este álbum aparecerá en otras listas de lo mejor del año, porque cuando se trata de Elbow es una banda que tiene que competir consigo misma constantemente, porque cuenta con varios álbumes magistrales en su discografía. A nosotros no nos cabe la duda de que este es uno de ellos y tenemos que advertir que una vez que lo escuchas un par de veces, es altamente adictivo.

Nº5

THE WAR ON DRUGS

LOST IN THE DREAM

THE WAR ON DRUGS ha sido otra de las grandes sorpresas del año. Se trata de una banda adscrita al Indie Rock de Philadelphia que publicaba el pasado 2014 su tercer álbum de estudio titulado LOST IN THE DREAM, y que se ha convertido en el disco de mayor repercusión de su carrera. Algo que no es de extrañar porque el resultado es un disco que sin dar nada nuevo -bebe de muchas influencias del pasado. A bote pronto, se nos ocurre las atmósferas Roxy Music, por ejemplo- resulta de lo más novedoso. Es como si hubiésemos olvidado sonidos que nos gustaban y ya existían y esta banda tuviese la misión de recordárnoslos (y fagocitar esos sonidos del pasado). Un disco especialmente recomendable para nostálgicos compulsivos... Y para todo el mundo.

Nº4

RYAN ADAMS

RYAN ADAMS

En el 2014 RYAN ADAMS también nos dejó su álbum homónimo y el décimocuarto de su carrera. Un trabajo más rockero que su álbum acústico del 2011. Sinceramente, no es que aporte gran cosa a la carrera de Adams que está repleta de discos excelentes e influyentes. -También hay mucho de Adams en lo último de The War on Drugs-. A estas alturas, lo que más llamaría la atención es que Ryan Adams bajase el listón.

Este álbum homónimo es igual de bueno que el resto de su discografía. Es de esos trabajos que escuchas de principio a fin y cada canción te parece mejor que la anterior y, por supuesto, que ninguna está de relleno. Material de primera clase al cien por cien. Y si a eso le sumas que es un disco que puede funcionar igual de bien ahora que dentro de veinte años, tenemos dos de las virtudes que consideramos que todo disco que aparezca en listas como estas -y más en el Top10- debe poseer.

Nº3

TORI AMOS

UNREPENTANT GERALDINES

Cualquier noticia relacionada con TORI AMOS siempre es un acontecimiento. Y este año, desde que supimos de la existencia de UNREPENTANT GERALDINES intuimos que no solo sería un trabajo importante en la discografía de la artista, porque supone su regreso al pop desde el 2009 sin renunciar a las influencias clásicas de sus últimos trabajos. También intuimos que sería uno de los álbumes importantes del año. Y cuando pudimos escucharlo, no nos quedó ninguna duda. No solo se trataba de un álbum simplemente importante, también estábamos ante uno de los mejores trabajos del año.
Amos había vuelto a lo grande, con una fuerza descomunal y completamente renovada. Consiguiendo que olvidásemos el desgaste que apreciamos en Abnormally Attracted to sin (2009). Unrepentant Geraldines es un álbum inspirado en el arte visual contemporáneo, ha gustado bastante a la crítica en líneas generales. Y también convence al público. Está siendo muy reivindicado en blogs y páginas musicales. Al parecer, la gente que lo descubre, le gusta. Y está teniendo su mejor publicidad en el boca-oreja.
Este trabajo cuenta con algunas de esas gemas en las que el piano es el sustento de todo como Selkie, Oyster o Invisible boy y otros cortes algo más experimentales como 16 Shades of Blue o Giant's rolling pin. Nuestros favoritos: Wild Way y Promise.

Nº2

DAMIEN RICE

MY FAVOURITE FADED FANTASY

MY FAVOURITE FADED FANTASY de DAMIEN RICE es un álbum que nos produjo sentimientos encontrados. En un principio, pesaba mucho la vuelta con esos (aparentemente) escasos ocho temas, después de ocho años sin tener noticias de él. Pero finalmente, apartando los prejuicios y las altas expectativas por tratarse de un creador que ha escrito una página en la historia de la música contemporánea. No tardamos en llegar a la conclusión de que My Favourite Faded Fantasy es otra obra maestra de su discografía. Ocho cortes fundamentales. Desde The Box que es una de esas canciones en la que la emoción va in crescendo, hasta que acabas con un nudo en la garganta. O Trusty and True de arquitectura perfecta y con reminiscencias celtas en los coros. El single de presentación es I don't want to change you es una canción de desamor -como no podría ser de otra manera- en la que una vez más la sensibilidad de Rice se puede llegar a palpar.

Mención aparte la producción musical del inmenso Rick Rubin que se merecería todos los premios del mundo por este trabajo. 

Nº1

BECK

MORNING PHASE

GENIO es la palabra que mejor definiría a BECK. Seguir su carrera a lo largo de estos años ha sido toda una lección magistral de eclecticismo y os aseguramos que, por lo menos, a nosotros nos ha alegrado mucho la vida. No la concebimos sin esas mariposas en el estómago que tenemos cuando sabemos que está a punto de editarse un nuevo disco de BECK que no se va a parecer a ninguno de sus otros discos anteriores. Aunque en el caso de MORNING PHASE podemos decir que por primera vez recuerda ligeramente a un trabajo del pasado: Sea Change (2002). Esta similitud fue intencionada desde el principio porque Morning Phase se presentó a la prensa como un "compañero" de Sea Change. Beck volvía a las impresionantes canciones, armonías e incluso "artesanías" que tanto sorprendieron emocionalmente en ese trabajo. Solo que en MORNING PHASE ha conseguido no solo superar con creces todo lo conseguido anteriormente. Es que es un trabajo que pasará a la posteridad por ser una auténtica obra maestra. Nosotros tuvimos muy claro desde que escuchamos Morning Phase que era el mejor disco del año y que no tenía rival.