NUESTROS CÓMPLICES:

lunes, 30 de agosto de 2021

LORDE: ECOLOGISMO DE POSTAL.


El pasado 20 de Agosto se ponía a la venta el tercer álbum de estudio de LORDE titulado SOLAR POWER repitiendo con Jack Antonoff como productor. Las expectativas estaban altísimas porque Melodrama (2017) se convirtió en uno de sus discos más aclamados por crítica y público. Una de las novedades de este trabajo es que no va haber Cd. LORDE alude que por motivos ecológicos -ha centrado la campaña promocional de SOLAR POWER en la ecología- y nos vende una caja de carton vacía del tamaño de las cajas de Cd con el artbook, los créditos y un código de descarga. Algo que nos parece una soberana estupidez si tenemos en cuenta que parece que el único material contaminante es el de que están hechos los Cds, porque si entramos en su tienda online nos vende tres ediciones distintas de su vinilo de SOLAR POWER, cada una en un color, que sí contienen vinilo real dentro. Y ya el cúlmen de la incoherencia y la idiotez es que también nos vende tres botellas diferentes de plástico pertenecientes al merchandising de SOLAR POWER. Hay muchas bandas que ya no graban en Cd, lo hacen directamente en descargas digitales y vinilos y no aprovechan la coyuntura para hacerse los ecologistas de postal como LORDE, simplemente no graban en Cd porque no les da la gana o no les resulta rentable. Seguramente LORDE tambíén ha decidido no grabar en Cd por cualquiera de esos motivos. Pero prefiere comportarse como una influencer de pacotilla de Instagram que actúa por simple postureo y aprovechar esa decisión para vendernos la moto del ecologismo y que la promoción del disco quede más "bonita". ¡Tres botellas distintas de plástico! Hace falta ser hipócrita. (Lo podeis comprobar Aquí. Aquí y Aquí)


Pero esto es un blog de música y todavía no hemos empezado a hablar sobre SOLAR POWER realmente, que merece que hablemos mucho sobre él y vamos a ser objetivos y no va a influir en nuestra valoración lo de no editar en CD. Normalmente dejamos el capítulo de la crítica para el final, creemos que es necesario adelantarlo en esta ocasión. Porque al igual que hubo unanimidad con Melodrama (2017) y a la mayoría de los medios le pareció de lo mejor de su año de producción, con SOLAR POWER la crítica está muy dividida. Y el hecho de que el 80% de los medios hayan opinado ya sobre el álbum, recibiendo muchísimas más valoraciones que las que recibe cualquier álbum, hace que haya obtenido una media muy baja. La más baja de su carrera. Por un lado tenemos al Team Lorde formado por NME que considera que este disco es un 100 sobre 100, The Quietus y Clash (90/100), Variety (86/100), The Observer y The Guardian (80/100), Paste (77/100), Entertainment (75/100), MusicOHM, The New York Times, Los Ángeles Times, DIY, Rolling Stone y Slant (70/100) y luego tenemos al otro Team que no sabemos si llamarlo Anti-Lorde porque os recordamos que un 60/100 son tres estrellas y no se considera una mala nota, aunque para alguien con su promedio quizás sí lo sea. Este segundo Team estaría formado por Allmusic, PopMatters, The Skinny y The Telegraph (60/100), Consequence (58/100), AVCLUB, Sputnick Music y SPIN (50/100) para finalizar con The Line Of Best Fit y The Independent (40/100) todo esto hace una media de 69 sobre 100 que dista muchísimo del 91 sobre 100 que consiguió con Melodrama (2017).

 

Y ahora nos toca posicionarnos y decir si estamos con el Team Lorde o no. Nosotros sí hemos visto una relativa evolución en SOLAR POWER con respecto a sus trabajos anteriores, y el disco nos gusta. Si bien es cierto que a lo mejor no tiene ninguna canción que te atrape en una primera escucha. A pesar de ser un pop muy complaciente y para todos los públicos. En cuanto a la producción, es más que impecable, el sonido que imprime Antonoff es elegantísimo y depurado y es justo en la producción musical donde sí que encontramos madurez y evolución con respecto a Melodrama (2017). Por eso decíamos que la evolución era relativa, porque está en la producción musical, pero se ausenta en la parte que se supone que ha creado la propia Lorde. Quizás lo que menos nos enganche son las historias que nos cuenta. Toda esa complacencia y autocomplacencia reside en sus letras. En las letras de Melodrama (2017) había mucha más profundidad y honestidad. Pero ojo, con la perspectiva que nos da el tiempo también tenemos un poco la sensación de que ni Melodrama (2017) era tan buenísimo como se dijo, ni SOLAR POWER es tan malo como sugieren todos esos medios que lo han puntuado por debajo del 60/100. Independientemente de que Lorde nos parezca una petarda por muchos motivos, eso no está reñido con su talento, que lo tiene a raudales y encima sabe sumar rodeandose de genios como Antonoff. Un disco como SOLAR POWER nunca podría ser malo. Qué quizás se le está mandando el mensaje de que aburre un poco desde su zona de confort, es probable. Pero no es malo. Sería injusto darle menos de un 80 sobre 100 y esa va a ser nuestra nota. Esperemos que la cordura impere cuando llegue Navidad y las reediciones y todas esas cajas vacías se rellenen con un CD físico.


 

MEDIA CRÍTICA: 69/100

VALORACIÓN EXQUISITECES: 80/100

jueves, 26 de agosto de 2021

LA AVENTURA AMERICANA DE JADE BIRD.

 


DIFFERENT KIND OF LIGHTS es el segundo, y muy esperado por nosotros, álbum de JADE BIRD que nos enganchó muchísimo con su álbum debut homónimo que dos años después seguimos escuchando y no solo nos gusta mucho más que cuando lo reseñamos, es que consideramos que fue mucho mejor de lo que se dijo. En aquella reseña destacamos sobre todo el gran poderío de JADE BIRD capaz de hacer muy bien demasiadas cosas. Tantas, que resultaba realmente abrumador. Cuando escriben sobre las influencias de Jade Bird hablan de pop, americana, folk rock y Country. En este segundo álbum notamos que concreta un poco más que en su álbum debut y en vez de tocar tantos palos, se ha decantado por un álbum de folk rock grabado en Nashville y producido por Dave Cobb que es el productor americano del momento, responsable de algunos de los mejores trabajos de Brandi Carlile, Sturgill Simpson o Chris Stapleton. Recordemos que Bird es británica y este es un álbum pensado para el mercado americano. Aunque a los americanos tampoco les va a sonar como esos otros discos de artistas americanos que produce Cobb. Un arma de doble filo porque puede que finalmente ni llegue a convencer a los americanos, ni a los británicos. Porque tampoco tiene nada que ver con lo que hacen los artistas británicos que triunfan ahora mismo. Pero mejor que dejemos de elucubrar lo que podría ser y hablemos de lo que es. Es un excelente trabajo. Hay una cosa que no ha cambiado con respecto a su álbum debut, los cortes duran de dos a tres minutos y son contundentes y muy concisos. Tenemos un buen puñado de canciones redondas. Compositivamente da una lección de como deberían ser las canciones. Bird ha escrito todos los cortes del disco sola o con la ayuda de Lucky Kilmartin.


En cuanto a la crítica no le ha ido muy mal si tenemos en cuenta que su álbum debut homónimo terminó con un 75 sobre 100 y DIFFERENT KIND OF LIGHTS ha comenzado con un 74 sobre 100. Siendo Variety quien lo ha puntuado más alto con un 89 sobre 100. DIY, Clash y NME con un 80 sobre 100. The Line Of Best Fit y PopMatters con un 70 sobre 100 y las notas más bajas vienen de Mojo y Uncut con un 60 y 50 sobre 100 respectivamente. Nosotros consideramos que tanto el 75 sobre 100 de su álbum debut homónimo como este 74 sobre 100 son una auténtica ridiculez. Porque visto hoy con cierta distancia Bird tuvo uno de los debuts más impresionantes de la última década y con este segundo trabajo ha apostado por lo que realmente quiere hacer a pesar de saber que está nadando contracorriente y que probablemente su próximo disco se lo tendrá que autoeditar ella misma o buscar una discográfica más modesta porque sus posiciones en los Charts están siendo muy tímidas. Nosotros recomendamos encarecidamente este trabajo desde aquí. Estamos convencidos de que les va a encantar a nuestros lectores más fieles, tanto como nos gusta a nosotros y nuestra nota es un 90 sobre 100 dejando claro también que hoy por hoy y teniendo en cuenta lo mucho que lo hemos escuchado en estos dos años, también subiríamos la nota de su álbum debut.


MEDIA CRÍTICA: 74/100

VALORACIÓN EXQUISITECES: 90/100


lunes, 23 de agosto de 2021

EL RENACIMIENTO DE MARTHA WAINWRIGHT


Han pasado cinco años desde la publicación del excelente Goodnight City (2016). Entonces no sabíamos que aquel trabajo cerraría un capítulo en la carrera musical de MARTHA WAINWRIGHT. Porque LOVE WILL BE REBORN supone un nuevo comienzo, ella misma lo califica como "Un renacimiento más que un resurgimiento" y es que toda su primera etapa estaba marcada por su colaboración con el productor Brad Albetta que posteriormente se convirtió en su marido y en el padre de sus dos hijos. Pero se divorciaron en 2018 y esta ruptura además de sentimental, ha terminado siendo profesional. No ha contado con él para LOVE WILL BE REBORN que probablemente sea el trabajo más personal de su carrera, en el que compone absolutamente todos los temas letra y música. Nos sorprende que con los años que lleva en la música, no haya dado el salto a la producción con este nuevo álbum, que viene firmado por el productor canadiense Pierre Marchand. Si bien es cierto que Albetta hizo un excelente trabajo con sus primeros discos que, con los años, se han convertido en los más emblemáticos de la artista. Se podría echar de menos la presencia de Albetta si no fuera porque Martha Wainwright tampoco ha cambiado demasiado su forma de hacer las cosas, en LOVE WILL BE REBORN no vamos a encontrar grandes cambios más allá de las letras que ahora pertenecen al universo de una mujer divorciada y en cierto sentido liberada. Eso sí, no es un disco que entre facilmente en una primera escucha, existe cierta complicación en la arquitectura de las canciones. Pero todos los que hemos comprado sus álbumes anteriores nos convertimos en auténticos adictos cuanto más enrevesadas nos parecen sus canciones que luego, una vez aprendidas, no lo son. Algunos críticos han dicho que su voz suena mejor que nunca y que brilla más en cada corte. Nosotros la encontramos exactamente igual de brillante que siempre.
 
 
 


Cuando una artista regresa con un divorcio y un nuevo trabajo que puede suponer un nuevo comienzo, recibe mucha más atención mediática que cualquier otra promoción rutinaria. El público es así de chismoso y este tipo de historias suelen llamar más la atención que la calidad musical. Venimos notando que gracias a estos factores LOVE WILL BE REBORN no está pasando desapercibido. No podríamos decir que es el mejor álbum de la carrera de la Wainwright, ni siquiera el más sincero. Porque no tiene un álbum menos sincero que otro, siempre ha sido muy sincera y honesta. Pero nos alegramos mucho de que se esté hablando de ella porque es una artista que siempre ha merecido mayor reconocimiento del que ha obtenido hasta el momento. Pensábamos que eso cambiaría con el tiempo. Pero los años pasan y ese público nuevo que va naciendo y regenerándose no sabe quien es Martha Wainwright. Esperemos que la conozcan ahora con este trabajo. La media crítica se queda en 76 sobre 100. De momento, solamente ha sido valorado por Uncut, The Independent y Mojo que le han dado como nota más alta 80 sobre 100 (Cuatro estrellas) y luego tenemos a Slant y Exclaim! que le otorgan un 70 sobre 100 (Tres estrellas y media). Por lo que parece que hay unanimidad por parte de los críticos. Para nosotros es un 86 sobre 100 porque a pesar de todos los cambios (más o menos perceptibles) Wainwright sabe mantener el nivel y no decae en ningún momento. Habrá que seguirle la pista a partir de ahora para comprobar si la Martha Wainwright renacida, liberada y empoderada nos gusta más que la de antes y, para finalizar, quisiéramos mandarle un mensaje desde aquí: "Querida Martha tienes que empezar a pensar en producir tus propios discos. Estás sobradamente preparada y lo sabes".
 
 



MEDIA CRÍTICA: 76/100

VALORACIÓN EXQUISITECES: 86/100



jueves, 19 de agosto de 2021

KINGS OF CONVENIENCE: PAZ... O AMOR.


Para quien no lo sepa KINGS OF CONVENIENCE es un dúo noruego formado por Erlend Øye y Eirik Glambek Bøe que llevan en activo desde finales de los noventa. PEACE OR LOVE es su último trabajo y el sexto de su discografía. No hemos hablado nunca de ellos porque no editaban desde Octubre del 2009, justo el mes y el año que abrimos estas EXQUISITECES y en un principio nuestros contenidos no se centraban en las novedades. Nos hemos fijado en este álbum, entre el maremágnum de discos nuevos por reseñar que tenemos este verano, porque encaja muy bien en el tipo de álbumes que recomendamos habitualmente. El sonido predominante es el de las guitarras acústicas que acompañan a bellas melodías muy agradables, que podrías escuchar de fondo mientras disfrutas de tu bebida favorita tumbado en una hamaca a la sombra. Aunque PEACE OR LOVE es mucho más que una música chill out que escuchar de fondo. Y cuando decimos chill out nos referimos a lo que entendemos nosotros por chill out que, desde luego, no es lo que suele entender todo el mundo. Gente tan dispar como Björk o Damien Rice podríamos decir que han hecho Chill Out en algún momento de sus carreras. Lo que queremos dejar claro es que KINGS OF CONVENIENCE estarían más cerca del Chill Out de esos artistas y no tienen nada que ver con esas porquerías de recopilatorios (ficticios) de la primera mitad de los 2000 que andan por ahí y que bajo el título Chill Out se enumeraban por volúmenes como si fueran churros y recuerdo que algunos estaban producidos a la sombra por personajes realmente siniestros de la música española.


 

No obstante, este trabajo está etiquetado como Indie Pop, o Pop alternativo para adultos, en todas las fichas que hemos mirado, en ningún momento se usa el término Chill Out, seguramente porque es un término que está muy pervertido y denostado por culpa de toda esa basura que comentábamos antes. Una de las características de este dúo es que le dan un toque de Bossa Nova al sonido de sus guitarras en algunos cortes y en esta ocasión han contado con la colaboración de Feist -No es la primera vez que colaboran con la artista canadiense- En cuanto a los críticos, la media es de un 76 sobre 100. La nota más alta procede de Uncut con un 90 sobre 100 y la más baja de Mojo y The Independent con un 60 sobre 100. Predomina sobre todo el 80 sobre 100 en la mayoría de las valoraciones (The Guardian, AllMusic...) Aún así, es el disco mejor valorado de la carrera de este dúo. Para nosotros es un 87 sobre 100. Para asegurarnos de que pasa el corte y se cuela entre lo mejor del año. De entrada es un disco que cumple lo que promete: Paz y Amor, y consigue relajarte y que desconectes de tus problemas durante su reproducción y posee momentos realmente brillantes a la par que hermosos como el corte en el que interviene Feist, que ya podría tomar nota y hacer algo así en su próximo trabajo y terminar ya de una vez con los experimentos.



MEDIA DE LA CRÍTICA: 76/100

VALORACIÓN EXQUISITECES: 87/100

lunes, 16 de agosto de 2021

YOLA: MÁS EMPODERADA QUE NUNCA.

 

Han pasado tres años desde que YOLA nos sorprendió a todos con esa pequeña joya en forma de debut titulada Walk Through The Fire (2019) que generó tres nominaciones a los Grammy y el hecho de que su nombre empezara a sonar al gran público americano. En aquella ocasión destacamos la presencia de Dan Auerbach encargado de la producción y muy implicado en el proyecto, hasta el punto que podríamos decir que el éxito fue tanto de la propia YOLA, como suyo. Y aunque popularmente se dice que "segundas partes nunca fueron buenas" creemos que lo más inteligente y lo más coherente por parte de YOLA era seguir contando con él para este segundo álbum titulado STAND FOR MYSELF. En esta ocasión nos encontramos con algunos temas que YOLA guardaba en la recámara y que había sido incapaz de terminar en los últimos años. La pandemia la mantuvo confinada en Nashville y le dió tiempo a terminarlos y a grabar este álbum que además de tener a Auerbach en la producción y la co-escritura de algunos cortes, contó también con Natalie Hemby, Liz Rose, Ruby Amanfu y Joy Oladokun. El estilo de YOLA de todos es conocido, una increíble mezcla de Country con Soul que se ha convertido prácticamente en su idiosincrasia. Recordemos que a pesar de que Yola se mueva como pez en el agua en estos géneros tan populares en U.S.A., es británica.


Aunque a la crítica y sobre todo al público -porque el recibimiento de este álbum está siendo un tanto tibio- les gustó mucho más Walk Through The Fire (2019). Se trata de dos álbumes complementarios pero nosotros tenemos la sensación de que con STAND FOR MYSELF Yola dispone de más medios y ha llegado un poco más lejos de lo que llegó con su trabajo anterior. Aquí YOLA se presenta más empoderada que nunca, estamos ante el nacimiento de una Diva de las de verdad, de las que están en peligro de extinción. La factura del álbum es inmaculada, otra cosa son los gustos del público que varían cada año. Porque se trata de un disco aparentemente algo más comercial y complaciente con el gran público que su álbum anterior y resulta que, de momento, no está superando las expectativas de ventas. Una lástima, porque merece tanto la pena como Walk Through The Fire (2019).

 


Con respecto a los Charts, aunque STAND FOR MYSELF fue Top 6 en el Top Americana/Folk del Billboard, digamos que un puesto 196 en el Billboard 200, no es un buen dato. Pero como decimos siempre, nada que no se pueda arreglar con una reedición y posterior relanzamiento. Para ser justos también tenemos que apuntar que la cantidad de discos que se están editando cada semana es abrumadora y la mayoría con tantísima calidad como este. Es el primer Agosto, en muchísimos años, que no paramos de escribir reseñas sobre novedades. Es normal que entre tanto lanzamiento alguno corra peor suerte. Pero para eso estamos nosotros. Aportando nuestro granito de arena para que STAND FOR MYSELF no pase desapercibido. La media crítica de este trabajo es un 82 sobre 100 -Tres puntos menos que su aclamado álbum debut- Y el abanico de puntuaciones va desde HipHopDX como el medio que lo puntúa más alto con un 90 sobre 100 hasta The Observer, el único que le da la puntuación más baja a con un 60 sobre 100. Para nosotros es un 90 sobre 100. Porque es un disco intemporal. Lo que digamos de él no tiene fecha de caducidad, como sí ocurre cuando hablamos de otros discos que son víctimas de su propio contexto. Hoy puede que no se venda, que sea menos popular que otros lanzamientos. Pero puede ser un disco a reivindicar en un futuro. Su factura es impecable y es un excelente trabajo. Da igual cuando leas esto.

 

MEDIA DE LA CRÍTICA: 82/100

VALORACIÓN EXQUISITECES: 90/100 

jueves, 12 de agosto de 2021

LAURA STEVENSON: LOS EFECTOS DEL CAOS.

 


The Big Freeze (2019) fue un disco mágico que terminó en nuestro Top3 del no menos mágico 2019, aquel año que vivimos peligrosamente sin mascarillas. LAURA STEVENSON vuelve este 2021 con un álbum homónimo que es el sexto de su discografía. Y una vez más, nos tiene rendidos a sus pies. Releyendo la reseña anterior encasillamos a la Stevenson en el Folk o el pop Folk pero creemos que nos quedamos algo cortos al no hablar de los temas que Stevenson trata en sus letras, si aquel era un álbum que hablaba de vulnerabilidad, incluso de autolesiones. Este álbum está marcado por los efectos de un suceso traumático que no ha trascendido -Stevenson lo ha guardado para su privacidad y no lo sabemos- pero que ha debido dejarle algunas secuelas. Y expresa sus sentimientos de la manera más realista posible. El álbum empieza con un corte titulado State y es la canción instrumentalmente más contundente. Es como abrir el álbum dando un golpe sobre la mesa para captar nuestra atención. Para luego continuar regalándonos esos cortes suaves y delicados a la vez que desgarradores a los que nos tiene acostumbrados. Durante la gestación de este álbum, Stevenson se quedó embarazada de su primer hijo, pero aparte de la imagen de la portada de la mujer portando su bebé, no existe referencia alguna a la maternidad en sus letras o, al menos, no de manera explícita, aunque se percibe un sentimiento de protección velado en algún corte que podría estar relacionado con el sentimiento maternal. Pero se trata de algo aislado. Todo se centra en los efectos de ese suceso desagradable que nunca sabremos.

Stevenson ha compuesto todos los temas del álbum y ha contado con el productor John Agnello y la colaboración de Jeff Rosenstock, un habitual en su discografía. Es un disco indie, cuya única promoción la está llevando la propia Laura Stevenson en sus Redes Sociales. Está disponible en Streaming, CD y Vinilo. Es un disco muy reciente y los datos críticos que tenemos en este momento se reducen al 73 sobre 100 de Pitchfork y el 70 sobre 100 de Allmusic, con una media provisional de 72 sobre 100 (unas tres estrellas y media) que prometemos corregir o reescribir en cuanto tengamos más datos. Porque estamos convencidos de que acabará alcanzando la media obtenida con The Big Freeze (2019) que fue de un 80 sobre 100. Para nosotros este álbum homónimo de la Stevenson es un 95 sobre 100. Ya no solo por la calidad de las composiciones. También está esa manera contradictoria a la hora de contar sus historias que deambulan entre la transparencia y lo enigmático y musicalmente todo encaja. Ha sido uno de esos discos esperadísimos, con los que tienes las expectativas muy altas y finalmente no te decepcionan. Laura Stevenson nunca decepciona.


MEDIA DE LA CRÍTICA: 72/100

VALORACIÓN EQUISITECES: 95/100


lunes, 9 de agosto de 2021

LOS VERANOS DE JACK SAVORETTI

 


La última vez que hablamos de JACK SAVORETTI fue hace dos años a colación de su excelente Singing To Strangers (2019). Recuerdo que dijimos que se había superado una vez más, regalándonos el mejor álbum de su discograía. Tanto, que teníamos mucha curiosidad por ver qué vendría después y, por fin, ya conocemos la respuesta. Lo último se llama EUROPIANA que como aclara el propio Savoretti: "Europiana no es un sonido. Es una referencia a las aspiraciones y emociones que evoca". Adelantamos ya que no es mejor que su trabajo anterior. Pero eso es algo que llegados a este punto importa muy poco. Porque es un álbum excelente que está gustando muchísimo al público británico. Ha conseguido colocarse en el Nº1 de todos los Charts nada más editarse. Y consideramos que sacar este álbum retro, fresco, veraniego y, sobre todo, nostálgico, diametralmente opuesto al anterior y a todo lo que ha hecho antes, es una jugada maestra porque consigue que nos fijamos solamente en él y hace que se desvíen cualquier tipo de comparaciones. Digamos que EUROPIANA ha conseguido, por derecho propio, el verdadero protagonismo que merece.


Las referencias que ha confesado Jack Savoretti para crear EUROPIANA se centran en la música de los veranos de su infancia, revisitada y puesta al día. Y siendo más explícitos esas referencias podrían ir desde los cantantes clásicos europeos como Salvatore Adamo o Raphael -Los coros infantiles, un tanto siniestros, de I Remember Us y War Of Words, los cortes que abren y cierran el álbum, suenan tan sesenteros que no desentonarían entre los sonidos propios de estos cantantes- aunque una de las grandes fuentes de inspiración de este trabajo nos lleva hasta el Italodance de los 80 y otros temas bailables de la época no necesariamente encasillados en ese género. Cualquiera que tenga más de 40 años va a caer rendido ante una y cada una de las referencias de este brillante trabajo, que fagocita sonidos muy petardas para convertirlos en oro puro. Ya dijimos hace tiempo que Jack Savoretti tiene una personalidad arrolladora y que no se parece a casi ningún otro intérprete británico, en gran medida por su ascendencia Mediterránea. Esa personalidad de la que hablamos posibilita que solo él y nadie más que él sea capaz de hacer un álbum como EUROPIANA en 2021.

 

En esta ocasión ha vuelto a repetir con el productor Cam Blackwood, a pesar de que el corte de adelanto Who's Hurting Who lo grabó con Nile Rodgers. En el apartado de colaboraciones -además de su mujer y sus hijos que han hecho algunos de esos coros que hemos comentado antes- ha contado con el legendario John Oates y con Gizmo Varilla. En cuanto a la crítica... Ya sabéis que Savoretti no resulta nada cool a los críticos más jóvenes y suelen obviarlo casi siempre. De momento, la media está en 80 sobre 100 en gran medida a las cinco estrellas o los 100 sobre 100 que le ha otorgado Retropop -el mejor dato crítico obtenido hasta la fecha- porque The Arts Desk lo ha puntuado con tres estrellas o 60 sobre 100. Aunque ya os hemos dicho que objetivamente no es mejor que Singing To Strangers (2019) a nosotros nos ha gustado mucho más este EUROPIANA, a pesar de algún momento chirriante aislado que forma parte del encanto de esta revisitación retro. Así que no nos duele en prendas puntuarlo con un 92 sobre 100, dos puntos más de lo que dimos a Singing To Strangers (2019). Por cierto... No nos extrañaría -y lo acogeríamos con los brazos abiertos si es igual de bueno que este- un EUROPIANA II. Porque Savoretti acaba de dar con un buen filón.


MEDIA DE LA CRÍTICA: 80/100

VALORACIÓN EXQUISITECES: 92/100

jueves, 5 de agosto de 2021

CLAIRO: UNA PEQUEÑA OBRA MAESTRA.


El segundo álbum de estudio de CLAIRO titulado SLING es otra de las grandes sorpresas de este verano. CLAIRO es una cantante y compositora americana (Atlanta, 1998) que se dió a conocer en Youtube publicando un tema titulado Lo-Fi Pretty Girl en 2017 y a partir de ahí surgió una carrera que comenzaría con un Ep titulado Diary001 (2018) y continuaría con su álbum debut Inmunity (2019). Aunque CLAIRO es muy conocida en algunos circuitos y ha estado nominada a varios premios tras esta corta andadura, se puede afirmar que SLING va a suponer su espaldarazo definitivo en su carrera. Un álbum que ella misma ha co-escrito y co-producido con el ubicuo Jack Antonoff cuya influencia está muy presente en este trabajo. Solo hay que escuchar primero Inmunity (2019) -álbum que también recomendamos- y a continuación SLING para notar la impronta de Antonof. A pesar de que Inmunity (2019) también estaba producido por otro grande: Rostam Batmanglij (Vampire Weekend), consideramos que CLAIRO ha definido su sonido y su personalidad en este segundo trabajo, una pequeña obra maestra que ha sido etiquetada como Vintage Pop, folk acústico, pop barroco, folk rock o chamber folk.


 


SLING ha despertado mucha expectación por parte de la crítica y a pesar de que su media es la resultante de la valoración de más de veinte profesionales de la prensa musical especializada, CLAIRO ha salido muy bien parada con un 84 sobre 100. Os recuerdo que cuantos más críticos valoran un álbum, su nota suele tender a bajar más que otros álbumes valorados por menos críticos y es que para NME es un 100 sobre 100 y uno de los discos que encabezará su lista de lo mejor del año y el resto de medios no bajan de 90 y 80 sobre 100. Solamente Slant y MusicOMH le han otorgado un 60 sobre 100 que es la nota más baja recibida y que muy poco o nada ha afectado a la media final, al tratarse de casos bastante aislados. Aún así, os recuerdo que un 60 sobre 100 equivale a tres estrellas y tampoco se considera una mala nota en términos generales. A nosotros SLING es uno de los lanzamientos de este verano que más nos ha gustado. Se trata de una colección de canciones pequeñitas y delicadas que encierran todo un universo propio de la artista. Y como no, la participación del gran Jack Antonoff un tipo al que gente como Lana Del Rey, Taylor Swift, Lorde y ahora CLAIRO, le deben su reconocimiento crítico. Siempre que nos topamos con un disco que produce Jack Antonoff nos preguntamos cómo hubiera sido ese disco sin él y excepto Gaslighter (2020) de The Chicks -en el que hubiera dado igual el productor porque todos suelen ser fagocitados por el sello tan potente del trío, hasta los más grandes- es una pieza clave en uno y cada uno de ellos. Nos unimos a NME y le otorgamos a SLING de CLAIRO nuestro 100 sobre 100.




MEDIA DE LA CRÍTICA: 84/100

VALORACIÓN EXQUISITECES: 100/100

lunes, 2 de agosto de 2021

MOLLY BURCH NOS VUELVE A SORPENDER.

 


Hace cuatro años nos sorprendía una jovencísima (aún lo sigue siendo) MOLLY BURCH con una pequeña gema titulada Please Be Me (2017) un álbum indie con regusto exquisito en el que se inspiraba en las clásicas Billie Holiday o Patsy Cline, que se colaba en la primera mitad de nuestra lista de los mejores álbumes del 2017. En todos estos años MOLLY BURCH ha tenido tiempo de editar un más que aceptable segundo trabajo: First Flower (2018) y hasta un álbum navideño en 2019. ROMANTIC IMAGES es su tercer álbum de estudio y su gran apuesta para este 2021. Además de una gran sorpresa porque es muy distinto a todo lo que había hecho hasta ahora, en realidad, los tres álbumes que tiene editados hasta la fecha son muy distintos entre sí. Con First Flower (2018) se afianzó y nos enseñó que a pesar del clasicismo de su primer trabajo y esa apariencia de alumna aventajada, estaba directamente emparentada con la voz de su generación, esa estirpe de jóvenes brillantes compositoras indies como Marika Hackman, Lucy Dacus o Julen Baker por citar algunas.

 

Sinceramente, nos ha pillado muy desprevenidos este ROMANTIC IMAGES, más o menos teníamos una idea preconcebida de lo que podía ser este trabajo sin escucharlo, a tenor de lo que conocíamos de ella hasta el momento. Pero cuando lo hemos escuchado nos ha roto los esquemas y para bien. Porque nos hemos topado con un cambio de registro hacia el pop con Mayúsculas. Un pop en el que entra en juego la influencia de la Kate Bush menos experimental que siempre hemos amado, con momentos absolutamente brillantes en los que la voz de MOLLY BURCH nunca antes había sonado igual, además de jugar con algunos sonidos que tienen más que ver con el pop electrónico que con todo lo que había hecho anteriormente. Todo un riesgo cuando formas parte de una industria en la que la tendencia habitual consiste en tener a todo el mundo encasillado y bien etiquetado y todos estos cambios se suelen interpretar de manera negativa. En vez de destacar la apertura de mente del artista hacia nuevas propuestas y sonidos y destacar también su versatilidad, esta versatilidad se suele interpretar de manera negativa, como sinónimo de falta de personalidad que, desde luego, no es el caso.

 

Todo lo que hemos comentado hasta ahora suele descolocar mucho a los críticos. Es más, que en un periodo de cuatro años hayamos visto esa evolución tan brutal y tantas ganas de hacer cosas diferentes, es algo que los tiene a todos bastante desubicados. Quiás por eso ROMANTIC IMAGES sea el álbum que ha acabado teniendo la media crítica más baja de los tres: Please Be Mine (2017) 75/100; First Flower (2018) 77/100 y ahora ROMANTIC IMAGES tiene una media de 73 sobre 100, que se distribuye de la siguiente manera: Un 80 sobre 100 por parte de The Line Of Best Fit, 74 sobre 100 de Beats Per Minute y cierta unanimidad con el 70 sobre 100 por parte de Clash, Uncut y AllMusic, siendo un 60 sobre 100 la nota más baja por parte de American Songwriter. Para nosotros es un claro 88 sobre 100 precisamente por su versatilidad interpretada como un valor en alza y esa capacidad para rompernos los esquemas que hemos comentado antes y porque vamos a encontrar una colección de grandes canciones en este trabajo compuestas por la propia Molly Burch y producidas por Tennis' Alaina Moore y Patrick Riley y en el apartado de las colaboraciones cuenta con Wild Nothing.


MEDIA DE LA CRÍTICA: 73/100

VALORACIÓN EXQUISITECES: 88/100

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