FATOUMATA DIAWARA: DE LA REVELACIÓN A LA MAESTRÍA.

 

Hay discos que llegan en un momento en el que parecen pertenecer a muy poca gente. Fatou (2011), el primer álbum de FATOUMATA DIAWARA, tenía esa cualidad de descubrimiento: la sensación de estar ante una artista que acababa de aparecer con una identidad completamente formada, pero que todavía no había alcanzado la dimensión internacional que hoy tiene. Era un álbum de enorme cercanía, construido alrededor de su guitarra, de su voz y de una escritura que conectaba la tradición mandinga con una sensibilidad contemporánea. Para muchos oyentes fue la presentación de una artista que parecía guardar un secreto que, con el tiempo, acabaría compartiendo con el mundo entero. Nosotros fuimos de los primeros en reseñar su debut en España y, desde entonces, hemos seguido su trayectoria con un interés especial. 

La evolución de FATOUMATA DIAWARA ha sido constante. Fatou mostró una personalidad artística ya definida; Fenfo (2018) supuso el gran salto hacia una audiencia internacional más amplia gracias a una producción más ambiciosa y una mirada más abierta, sin perder el vínculo con sus raíces. Más tarde, London Ko (2023) confirmó esa expansión, integrando con naturalidad la tradición de Malí, el pop global, la electrónica y las colaboraciones internacionales. Ya no buscaba un lugar en el panorama mundial: lo ocupaba con una propuesta propia. 

En ese recorrido aparece ahora MASSA, un álbum que no representa tanto una ruptura como una reafirmación. Después de ampliar su público y llevar su música a escenarios internacionales, Fatoumata vuelve a demostrar que su mayor virtud consiste en evolucionar sin perder la raíz, modernizando su lenguaje sin convertirlo en una simple adaptación a las tendencias globales. 

Su importancia también debe entenderse dentro de la historia de las mujeres africanas en la música internacional. Durante décadas, las grandes figuras femeninas africanas con reconocimiento mundial fueron excepciones dentro de una industria dominada por otras narrativas. La referencia inevitable es Miriam Makeba, una artista que llevó la música africana a una dimensión planetaria y que además convirtió su voz en un símbolo de lucha contra el apartheid y de defensa de la dignidad de su pueblo.

Pero FATOUMATA DIAWARA no pretende ocupar el mismo lugar que Makeba ni repetir su camino. Su contexto es diferente y su discurso pertenece a otra generación. Mientras Makeba fue una figura fundamental en la representación política y cultural de África durante el siglo XX, Fatoumata representa una África contemporánea, conectada con la diáspora, las nuevas tecnologías y una escena musical global en constante transformación. 

Su trayectoria se puede leer también junto a otras grandes mujeres africanas que han abierto caminos: Cesária Évora, que convirtió la melancolía de Cabo Verde en una emoción universal; Oumou Sangaré, símbolo de la fuerza del wassoulou y de la reivindicación femenina en Malí; o Angélique Kidjo, que ha construido un puente entre las raíces africanas y la música internacional contemporánea. Cada una representa una forma distinta de presencia africana en el mundo. 

FATOUMATA DIAWARA pertenece a esa tradición, pero también la continúa desde otro lugar. Es compositora, guitarrista, intérprete y creadora de su propio universo. Su música no presenta África como un recuerdo del pasado, sino como una cultura viva, cambiante y plenamente contemporánea. Por eso MASSA llega como la obra de una artista que ya no necesita ser descubierta, sino escuchada con la atención que merece.

La diferencia entre Fatou y MASSA permite entender mejor la evolución de FATOUMATA DIAWARA. El primer álbum siempre conservará un lugar especial porque pertenece a ese momento en el que todavía era un descubrimiento para muchos oyentes. Era una obra que parecía llegar desde un lugar casi privado, una pequeña revelación compartida entre quienes encontraron aquella voz antes de que su nombre alcanzara proyección internacional. 

Escuchar MASSA hoy permite comprobar hasta qué punto aquella artista ha crecido. La esencia sigue intacta -la conexión con sus raíces, la sensibilidad melódica y la fuerza de su voz-, pero el salto en el terreno sonoro es evidente. FATOUMATA DIAWARA ya no solo interpreta canciones: construye espacios, controla los silencios y sabe con precisión cuándo debe aparecer cada elemento. 

Ese dominio marca la diferencia entre ambos discos. No porque Fatou careciera de personalidad, sino porque era el trabajo de una artista que mostraba una identidad extraordinaria. MASSA, en cambio, pertenece a una creadora plenamente consciente de todas las herramientas expresivas que tiene a su alcance. 

La evolución entre ambos álbumes es también la distancia que separa una revelación de una autora que domina su propio lenguaje. En Fatou impresionaba la pureza de una voz nueva; en MASSA, la seguridad con la que esa voz ocupa su lugar dentro de una producción de enorme precisión, donde arreglos e interpretación parecen responder a una visión artística completamente definida.

 

El mayor triunfo de FATOUMATA DIAWARA quizá sea haber crecido sin perder aquello que hizo especial su debut. La artista que emocionó a quienes la descubrieron en Fatou sigue estando presente, pero ahora cuenta con una experiencia, una perspectiva internacional y una madurez que convierten MASSA en la obra de una creadora plenamente consciente de su dimensión artística.

Resulta complicado encerrar MASSA en una sola etiqueta. El término afropop puede servir como una aproximación inicial, pero también corre el riesgo de simplificar una obra mucho más rica. Como ocurre con frecuencia bajo la categoría de "músicas del mundo", se terminan agrupando propuestas muy diferentes únicamente por su procedencia geográfica. 

MASSA no es una simple actualización de sonidos africanos para un público global. En él conviven la tradición maliense, la sensibilidad del pop contemporáneo, una producción sofisticada, la electrónica sutil y una concepción muy cuidada del espacio sonoro. FATOUMATA DIAWARA no utiliza sus raíces como un elemento decorativo, sino como el punto de partida desde el que construye un lenguaje propio.

Quizás la mayor sorpresa del álbum sea descubrir un virtuosismo que en sus trabajos anteriores permanecía más contenido. En Fatou ya estaban la personalidad, la emoción y una voz extraordinaria; Fenfo reveló a una compositora con una visión más amplia; pero en MASSA emerge con claridad una artista que domina el ritmo interno de sus canciones y administra cada recurso con una precisión admirable. 

La grandeza del disco no reside en la acumulación de elementos, sino en saber cuándo utilizarlos. FATOUMATA DIAWARA entiende el valor del silencio, de la espera, de la repetición hipnótica y de la entrada exacta de cada instrumento. El álbum transmite la seguridad de una creadora que ya no busca una identidad sonora: la ha construido y la controla plenamente. 

Los créditos, que siempre leemos después de escuchar un disco, refuerzan esa impresión. Fatoumata firma todas las canciones y comparte la composición, los arreglos y la producción con -M- (Matthieu Chedid). Esa implicación explica la coherencia de MASSA, que nunca suena como una colección de temas aislados, sino como una obra concebida desde una visión artística unitaria. La evolución respecto a Fatou es enorme, no porque aquel debut haya perdido valor, sino porque demuestra hasta dónde ha sido capaz de desarrollar una voz que ya entonces era inconfundible.

La crítica ha otorgado a MASSA una media de 83 sobre 100, basada en las reseñas de Far Out Magazine (90/100), Mojo (80/100) y Uncut (80/100). Es exactamente la misma media que obtuvieron Fatou y Fenfo, mientras que London Ko alcanzó un 82/100. Aunque algunos críticos consideran que sigue alejándose del sonido más orgánico de sus primeros trabajos, existe un amplio consenso en que mantiene intactas dos de sus mayores virtudes: la fuerza de su voz y su capacidad para escribir canciones memorables. Esa continuidad explica que la recepción haya vuelto a ser claramente favorable.

Por nuestra parte, MASSA merece un 90 sobre 100. Las canciones mantienen un nivel de calidad muy alto y en ningún momento transmiten la sensación de ser un simple relleno. La producción es sofisticada sin eclipsar la voz de FATOUMATA DIAWARA, integra con naturalidad elementos electrónicos y contemporáneos sin romper el vínculo con la tradición musical de Malí y ofrece nuevos matices con cada escucha. Su interpretación vocal continúa siendo uno de los grandes pilares del álbum, capaz de transmitir fuerza y delicadeza con la misma naturalidad. 

Además, hay un aspecto que difícilmente puede reflejar una puntuación: la personalidad. Existen artistas técnicamente excelentes cuyos discos podrían confundirse entre sí; con FATOUMATA DIAWARA ocurre exactamente lo contrario. Bastan unos segundos para reconocer su voz, su forma de tocar la guitarra, su sentido del ritmo y el canto en bambara. Esa identidad, construida a lo largo de toda su trayectoria, es también la razón por la que MASSA no representa únicamente otro buen disco en su discografía, sino la confirmación de una de las voces más singulares de la música africana contemporánea.

Hoy, cuando FATOUMATA DIAWARA ya forma parte de la conversación musical internacional, resulta inevitable recordar aquel primer descubrimiento. MASSA demuestra que algunos secretos no desaparecen cuando dejan de serlo: simplemente encuentran la forma de llegar mucho más lejos.

MEJORES MOMENTOS: Djanne, Fala, Massa, Sigui, Mogo, Denko, Farana...   

MEDIA CRÍTICA: 83/100

NUESTRA VALORACIÓN: 90/100

RYAN BEATTY: COMO ESTAR EN CASA.

 

RYAN BEATTY es un cantante y compositor californiano. Comenzó su carrera siendo apenas un adolescente, cuando la industria del pop trató de convertirlo en un producto más antes de que pudiera desarrollar plenamente una identidad artística propia. En aquellos primeros años se esperaba de él una imagen que encajara con los cánones comerciales del momento, incluyendo la presión de proyectar una imagen heterosexual que no reflejaba quién era realmente. 

Su salida del armario marcó un antes y un después. Hablar abiertamente de su identidad como hombre gay no solo supuso un acto de libertad personal, sino también el punto de partida de una transformación creativa que le permitió escribir desde la honestidad y construir un lenguaje artístico propio. Fue un proceso largo, complejo y lleno de obstáculos, pero también el que terminó definiendo su carrera.

Con esa nueva libertad llegaron discos cada vez más personales, aunque fue Calico (2023) el que terminó situándolo en el radar de un público mucho más amplio y consolidó el reconocimiento de una trayectoria que llevaba años madurando. Lejos de ser el comienzo de esa búsqueda, el álbum representó la confirmación de un artista que por fin podía mostrarse tal y como era. Ese impulso se tradujo también en nuevas oportunidades, como su participación como compositor en cuatro canciones de Cowboy Carter (2024) de Beyoncé. Su trabajo en el álbum le permitió formar parte del equipo galardonado con el Grammy a Álbum del Año en 2025, un hito que amplificó aún más su proyección internacional. 

El presente se llama SWEET FORTUNE y Beatty parece dispuesto a iniciar un nuevo capítulo. Todo apunta a una etapa de mayor expansión y visibilidad, en la que sigue explorando su identidad musical desde la misma autenticidad que ha convertido en el sello de su obra.

En el apartado de producción, SWEET FORTUNE supone una evolución natural del universo sonoro que RYAN BEATTY empezó a desarrollar en Calico. Beatty vuelve a asumir un papel central como productor, acompañado por Ethan Gruska, que también estuvo en Calico y es una de las piezas clave del sonido del álbum. Juntos construyen un paisaje mucho más rico en matices, donde la sencillez de las composiciones convive con arreglos progresivamente más elaborados. 

La producción apuesta por la calidez y la organicidad antes que por la espectacularidad. Las canciones parten a menudo de estructuras minimalistas y dejan espacio para que las voces, las guitarras acústicas, los pianos, las cuerdas y los arreglos de raíz americana respiren con naturalidad. Gruska, colaborador habitual de artistas como Phoebe Bridgers, aporta esa capacidad para crear atmósferas envolventes donde cada elemento parece colocado al servicio de la emoción, mientras Beatty mantiene el control de una identidad sonora que ya no necesita buscar aprobación externa. 

Si Calico destacaba por una producción más desnuda y contemplativa, SWEET FORTUNE amplía el lienzo sin perder intimidad. Hay más colores, más instrumentación y una mayor vocación de arreglista: ecos de country-pop, americana, folk e incluso pequeños detalles de jazz aparecen integrados en un sonido que sigue teniendo como centro la voz y la narrativa de Beatty. Es un álbum que entiende la producción no como un escaparate, sino como una extensión de la emoción de las canciones.

La recepción crítica de SWEET FORTUNE, ha sido más contenida que la de Calico. En el momento de escribir estas líneas, el álbum cuenta con una media de 65 sobre 100 basada en dos únicas reseñas: la de Rolling Stone 80/100 y la The Needle Drop 50/100. Frente al 85/100 de Calico incluyendo un 100/100 de The Guardian. Como suele pasar cuando un artista entrega una obra especialmente celebrada, SWEET FORTUNE ha tenido que cargar con la inevitable comparación con Calico, un álbum que elevó considerablemente las expectativas alrededor de RYAN BEATTY. La recepción de su nuevo trabajo ha sido algo más irregular, aunque parte de esa lectura parece venir de la tendencia habitual a medir cualquier nuevo lanzamiento contra la cima alcanzada por su predecesor.

Entre las valoraciones más comentadas de Sweet Fortune se encuentra el 50/100 de Antony Fantano en The Needle Drop. Una nota que ha tenido su correspondiente eco dentro de la conversación musical online, aunque resulta llamativo ponerla en contraste con Calico, el álbum que marcó un antes y un después en la trayectoria de RYAN BEATTY, cuando no existe constancia de que llegara a reseñarlo. De hecho, bases de datos como AOTY recogen su crítica de SWEET FORTUNE, pero no una de su predecesor.

Más allá de una puntuación concreta, el debate vuelve a poner sobre la mesa el peso que han adquirido determinadas voces en la crítica musical actual: una cifra puede llegar a condicionar la percepción de un disco incluso sin un marco comparativo dentro de la propia evolución de un artista. Quizás ese sea uno de los riesgos de la era de las puntuaciones: que una nota termine pesando más que el contexto, la trayectoria o la escucha reposada de una obra.

Ya sabéis que nos encanta buscar referencias cuando escuchamos a un artista. Estas referencias no se deben tomar del todo en serio, solo sirven a modo de ubicación para el lector más despistado. Y con RYAN BEATTY enseguida hemos encontrado paralelismos con Tobias Jesso Jr. o incluso con una figura que puede resultar inesperada para quienes no estén familiarizados con el pop de autor de los años setenta: Gilbert O'Sullivan.

Hay algo en algunas canciones (Phantom, White Lightning) que nos lleva, de forma completamente inesperada, a Gilbert O'Sullivan. No es una cuestión de sonido ni de época, sino de una manera muy concreta de entender la canción: como un pequeño relato en el que los detalles cotidianos terminan adquiriendo una dimensión emocional enorme. O'Sullivan tenía una capacidad casi cinematográfica para retratar escenas, personajes y recuerdos, como si cada composición fuera una pequeña viñeta extraída de una vida cualquiera. En algunas canciones, RYAN BEATTY transita por un camino parecido: parece más interesado en contar una historia, en capturar un momento o una sensación, que en perseguir un estribillo diseñado para impactar de inmediato. Su forma de escribir tiene ese aire conversacional e íntimo, como si estuviera pensando en voz alta y permitiera al oyente asomarse a un instante privado. 

Con Tobias Jesso Jr. la conexión resulta quizás más evidente. Ambos comparten una sensibilidad basada en melodías desnudas, arreglos contenidos y una vulnerabilidad que nunca parece impostada. Son compositores que entienden que una canción no necesita grandes gestos para emocionar; muchas veces basta con una frase, una melodía sencilla o un detalle aparentemente pequeño para revelar algo mucho más profundo. En sus mejores momentos, ambos construyen baladas donde la emoción no nace de la grandilocuencia, sino de la cercanía. 

La diferencia está, evidentemente, en el lenguaje musical. O'Sullivan pertenece a la tradición del pop de autor de los años setenta; Jesso Jr. recupera una sensibilidad clásica desde una mirada contemporánea; y Beatty mezcla el folk, el indie y el R&B para crear un espacio propio. Pero los tres comparten algo esencial: la capacidad de transformar una experiencia personal en un relato universal. 

Sus canciones parecen desarrollarse en la intimidad de un salón, en un lugar donde el oyente no siente que está escuchando una interpretación, sino que está siendo invitado a formar parte de una conversación. Quizá por eso Phantom y también White Lightning transmiten esa sensación tan difícil de conseguir y tan fácil de reconocer: la de estar en casa. Una calidez que no viene de la nostalgia ni de una producción excesivamente acogedora, sino de la honestidad con la que están construidas. RYAN BEATTY, como O'Sullivan y Jesso Jr., entiende que a veces la forma más poderosa de conectar con alguien es simplemente abrir una puerta y dejar que la canción hable desde dentro.

SWEET FORTUNE confirma que RYAN BEATTY no está interesado en repetir la fórmula de Calico, sino en seguir avanzando desde el punto en el que aquel álbum le dejó. La evolución se percibe en cada detalle: en una producción más amplia, en una escritura más segura y en la manera en que se permite explorar nuevos territorios sin perder la intimidad que siempre ha sido su mayor virtud. Nosotros sí hemos querido valorar ese recorrido y creemos que este disco apunta en una dirección muy prometedora. Porque más allá de etiquetas o comparaciones, lo que permanece es la honestidad de un artista que ha tardado años en poder ocupar un lugar propio y que ahora parece plenamente cómodo habitándolo. SWEET FORTUNE vuelve a demostrar esa capacidad tan especial de Beatty para crear canciones que no solo se escuchan, sino que se sienten como un lugar al que volver: esa extraña y reconfortante sensación de estar en casa. Nuestra valoración: 90 sobre 100. 

MEJORES MOMENTOS: Secret Language, Phantom, White Lightening, Too Many Ways, Virtuoso, Delancey, Fleur De Lis

MEDIA CRÍTICA: 65/100

NUESTRA VALORACIÓN: 90/100

SIENNA SPIRO: EL DEBUT QUE LA CRÍTICA NO HA SABIDO LEER.

 

SIENNA SPIRO es una cantante, compositora y pianista británica de tan solo veintiún años que se ha consolidado como una de las voces emergentes más destacadas del pop y el soul contemporáneo. Comenzó a escribir canciones durante su infancia y, siendo todavía adolescente, empezó a publicar en TikTok interpretaciones de temas de artistas como SZA y Emeli Sandé, además de composiciones propias. Su potente registro vocal y un estilo influenciado por el soul clásico, el jazz y el R&B despertaron rápidamente el interés de millones de usuarios, lo que le permitió construir una sólida comunidad antes incluso de lanzar música de manera profesional. 

En 2024 debutó con el sencillo Need Me, aunque fue MAYBE. el tema que marcó su irrupción comercial al convertirse en su primera entrada en la lista oficial de éxitos del Reino Unido. El verdadero impulso internacional llegó entre finales de 2025 y 2026 con Die On This Hill, una canción que se convirtió en un fenómeno viral gracias a TikTok, donde inspiró millones de creaciones y acumuló miles de millones de visualizaciones, además de cientos de millones de reproducciones en plataformas como Spotify. 

Su éxito la llevó a alcanzar el Top 10 del Official Singles Chart británico y el Top 20 del Billboard Hot 100 estadounidense, consolidando su presencia en ambos mercados. Paralelamente publicó su primer EP, Sink Now, Swim Later (2025), siendo señalada por medios especializados como una de las grandes promesas de la música británica.

Su rápido crecimiento también se ha visto respaldado por el reconocimiento de la industria, al ser finalista del BRIT Awards Critics' Choice 2026 que finalmente ganó Jacob Alon, formar parte de la lista Forbes 30 Under 30 Europe en la categoría de Entretenimiento o recibir dos nominaciones a los American Music Awards 2026. 

Toda esta introducción es para situarnos justo en el punto en el que nos encontramos en este preciso momento: SIENNA SPIRO lanza su álbum debut VISITOR este mismo fin de semana y, de momento, está recibiendo unas críticas un tanto tibias para las altísimas expectativas que se tenían con ella.

La media crítica, en el momento que escribimos esto, se sitúa en un 62 sobre 100. Medios como Slant Magazine (80/100) y Hot Press (70/100) han reaccionado favorablemente. NME y Rolling Stone le han otorgado un 60/100. Pero probablemente la crítica que más le ha podido doler es la de The Guardian con una valoración de 40/100.

Normalmente no hacemos esto. Pero si no lo decimos, vamos a reventar: la crítica de The Guardian es un claro ejemplo de lo que consideramos que NO se debe hacer. Nosotros cuando escribimos estas reseñas intentamos ser lo más objetivos posibles. Es cierto que siempre tiene que existir algún punto de subjetividad, es normal e incluso necesario. Pero en nuestro caso, no nos gusta que eso sea el centro de la reseña. Porque escribir una crítica no va sobre que nos guste mucho un disco o no nos guste nada. Eso lo puedes aportar como bonus extra, si quieres, y a discreción del lector. Más bien de manera orientativa para los que nos siguen desde hace años y confían en nuestro criterio. Lo interesante es que digas cuáles son los puntos fuertes y débiles del disco y hagas un análisis. 

Basarnos únicamente en nuestros gustos personales para escribir una crítica sería un acto egocéntrico y onanístico. Así que cuando nos dispusimos a leer la crítica de The Guardian, esperábamos que por lo menos ese 40/100 estuviese explicado y justificado de alguna manera. La justificación es que al autor de la crítica no le ha gustado el álbum. Ella le parece demasiado intensa en algunas canciones, tildándola incluso de "agotadora" y la letra de He's Not My Baby, I'm His tampoco le agrada porque la considera inapropiada y de mal gusto. 

Luego hay un momento en el que proporciona una información innecesaria sobre quiénes son los padres de SIENNA SPIRO que no viene al caso. Porque nada tiene que ver en cómo ha podido influir en su música. Solo lo hace para dejar caer que pertenece a una clase privilegiada. Y se pasa parte del texto dirigiéndose a ella como "la nueva Adele" y diciendo que tiene en común con ella que borda ese tipo de canciones en las que "tu novio te ha dejado". 

A nosotros se nos ocurre que lo que sí tiene en común Spiro con Adele es que a Adele le hicieron exactamente lo mismo en The Guardian. También se cargaron su álbum debut 19 (2008) con otro 40/100. Y no ha sido el único caso, a Freya Ridings le dieron un 20/100 en su debut. Parece que tienen cierta fijación con las jóvenes promesas emergentes británicas.

La realidad es que VISITOR no es un álbum perfecto. Aunque eso tiene poco que ver con una producción muy cuidada por parte de un equipo formado por la propia SIENNA SPIRO y siete personas más entre las que destacan Omer Fedi y Michael Pollack que también son coautores de algunas de las canciones. Incluso se recupera una composición de Arif Mardin para This Is My House, por lo que el legendario productor y compositor aparece acreditado pese a haber fallecido hace dos décadas. 

Tiene más que ver con el planteamiento del álbum, concebido prácticamente como un greatest hits debut. Es una paradoja: un disco de vocación clásica, elegante y sofisticado que, sin embargo, parece construido para ofrecer un gran momento tras otro. Quizás habría agradecido una secuencia menos pendiente de la inmediatez. Pero esa lógica responde también a la forma en que hoy se consume música y TikTok ha tenido mucho que ver en ello.

VISITOR es un álbum de pop vocal tradicional cercano al adult contemporary que tan poco le suele gustar a la crítica. Son géneros muy populares, pero nunca habían conectado tantísimo con gente muy joven y hay una oleada de artistas que lo están consiguiendo. Laufey abrió la veda y SIENNA SPIRO ha seguido por ese mismo camino.

Pero viendo la recepción crítica de VISITOR, tenemos la sensación de que TikTok ha sido una etiqueta de la que difícilmente se va a desprender. Si una artista cuyo fuerte es la voz y la interpretación queda identificada ante el gran público como "La Chica De TikTok" algunos críticos pueden escuchar el disco con un marco mental distinto del que tendrían si ese mismo artista apareciera como una nueva cantautora presentada en festivales, radios especializadas o prensa musical. 

Y mucho nos tememos que algunos de esos 60/100 que le han otorgado algunos medios, se convertirían en 80/100 si su origen no fuera TikTok. La crítica desprecia lo que es susceptible de vulgarizarse. De hecho, a Laufey nunca la trataron de la misma manera porque a pesar de que estalló también en TikTok, su origen previo fue otro bien distinto, ya que su legitimación llegó antes a través del circuito jazzístico, los Grammy y una narrativa de artista "seria".

VISITOR no es un debut perfecto. Pero sí es un álbum mucho más sólido, ambicioso y emocionante de lo que parte de la crítica ha querido reconocer. Quizás dentro de unos años, cuando el ruido de TikTok haya desaparecido y solo queden las canciones, muchos vuelvan a escucharlo con otros oídos. Nosotros, desde luego, creemos que ya merece esa oportunidad. Porque SIENNA SPIRO es mucho más que un fenómeno viral. Si este es solo el principio, su futuro puede ser realmente apasionante. Nuestra nota es un 85 sobre 100. 

MEJORES MOMENTOS: Die On This Hill, Pure, Great Expectation, You Stole The Show, The Visitor, We're Not In Love.

MEDIA CRÍTICA: 62/100

NUESTRA VALORACIÓN: 85/100