KATIE GREGSON-MACLEOD: CUANDO LA BÚSQUEDA NUNCA TERMINA.

Hay algo especialmente interesante en la trayectoria reciente de KATIE GREGSON-MACLEOD. En 2022, un fragmento de apenas unos segundos de Complex, una canción que había escrito al piano, se convirtió en un fenómeno viral en TikTok. De repente, aquella joven compositora escocesa pasó de la relativa oscuridad al reconocimiento internacional. Pero detrás de aquella exposición había una artista que llevaba años escribiendo canciones y que no parecía dispuesta a quedar encasillada como un producto de las redes sociales. 

Su posterior alejamiento de la maquinaria de una gran discográfica y su decisión de recuperar el control de su propio recorrido artístico forman parte de una historia que ayuda a entender ALBATROSS. No estamos ante una artista que reniegue de su pasado, sino ante alguien que ha querido ampliar sus horizontes y encontrar una identidad musical que no dependa de las circunstancias que la hicieron conocida. Y el resultado es un álbum que demuestra hasta dónde podía llegar aquella sensibilidad que ya estaba presente en Complex. 

Publicado justo la semana pasada, ALBATROSS es un trabajo de folk de inspiración británica que destaca por su riqueza instrumental y una producción mucho más expansiva de lo que cabría esperar de una cantautora asociada inicialmente al piano y la voz. Katie ha sabido rodearse de colaboradores especialmente interesantes, entre ellos Will Taylor, Dom Monks o Milo Ferreira-Hayes. Will Taylor es el 50% del dúo Flyte, el otro 50% le pertenece a Nick Hill que también ha colaborado como co-autor de algunas de las canciones.

La presencia de Flyte no se limita a una colaboración puntual. Sus contribuciones a la producción, los arreglos y las armonías vocales ayudan a construir una sonoridad cálida, orgánica y muy rica en matices. Hay canciones en las que esos coros adquieren un protagonismo extraordinario, hasta convertirse en uno de los grandes atractivos del conjunto. Su participación resulta fundamental para entender la personalidad sonora del álbum. 

Tampoco estamos ante una propuesta que pretenda inventar un nuevo lenguaje musical. ALBATROSS comparte códigos y referencias con otros trabajos del folk británico contemporáneo, pero eso no supone ningún inconveniente. Katie ha encontrado un sonido propio dentro de una tradición reconocible, y lo importante es la inspiración con la que desarrolla sus canciones. 

Roadkill es una buena muestra de ello. Su comienzo tiene algo de interpretación en directo, con una naturalidad que marca el carácter de la canción. Nothing Really Changes destaca por sus magníficas armonías vocales, mientras que Good Guess vuelve a demostrar lo bien que funcionan las voces compartidas en este álbum. 

En How Were You To Know? encontramos uno de los momentos más especiales. La canción tiene una textura cálida, casi de vinilo, con unos coros que remiten a las armonías vocales de los años cincuenta. Es una de esas piezas que enriquecen el álbum y muestran hasta qué punto Katie ha ampliado sus posibilidades musicales.

El cierre del álbum llega con Daughter, una canción que merece una atención especial por varios motivos. Coescrita con Elanor Moss, es probablemente la pieza más minimalista de todo el repertorio. Su sonido resulta mucho más cercano al universo intimista de Moss que a la expansión instrumental que caracteriza buena parte del disco. Es casi como si, durante unos minutos, estuviéramos escuchando una canción perteneciente al propio álbum de Elanor. 

La colaboración tiene además un significado que trasciende lo estrictamente musical. Siempre resulta positivo encontrar artistas que comparten escena y que, lejos de competir por un espacio, establecen vínculos creativos y se apoyan mutuamente. Hay algo muy bonito en esa red de complicidades entre mujeres que escriben, producen y comparten canciones. La sororidad también tiene su lugar en la música, y Daughter es un buen ejemplo de ello. 

No es casualidad que Elanor Moss esté presente en un disco que lleva por título ALBATROSS. Según ha explicado Katie en una entrevista con The List, fue precisamente Elanor quien le sugirió la referencia al poema The Rime of the Ancient Mariner, de Samuel Taylor Coleridge. En él, el ALBATROSS pasa de ser un símbolo de buena fortuna a convertirse en una carga que el protagonista debe llevar consigo. Una imagen que Katie relaciona con la experiencia de conseguir algo extraordinario y terminar sintiendo también el peso de sus consecuencias.

La recepción crítica de ALBATROSS se ha traducido en una media de 77 sobre 100, con valoraciones de 80/100 en The Skinny y Still Listening, y 70/100 en Clash. Son puntuaciones respetables, aunque quizá algo discretas para un trabajo de estas características. 

Siempre nos ha parecido que determinados criterios de valoración crítica tienen dificultades para reconocer discos que no buscan el impacto inmediato. Hay álbumes que necesitan escucharse con tranquilidad, que no se entregan por completo en una primera aproximación y cuyo verdadero valor aparece cuando uno empieza a reconocer sus detalles, sus arreglos y las conexiones entre canciones. ALBATROSS pertenece a esa categoría. 

No necesita recurrir a grandes artificios ni a una colección de sencillos concebidos para conquistar las listas. Su principal virtud está en la inspiración que recorre el conjunto y en la personalidad que Katie ha conseguido imprimirle. Es una pena que haya llegado en noviembre, cuando los críticos musicales andamos especialmente ocupados con los balances y las listas de lo mejor del año. Pero sería injusto que el calendario terminase relegando un álbum de esta categoría. Por nuestra parte, tendrá un lugar reservado entre los mejores discos de 2026. 

Y aquí es donde volvemos al principio. Aquella canción que convirtió a KATIE GREGSON-MACLEOD en un fenómeno viral no era más que una pequeña muestra de lo que podía ofrecer. ALBATROSS confirma que detrás de Complex había una compositora con mucho más que contar, capaz de ampliar sus horizontes, encontrar colaboradores afines y construir un universo musical propio. No estamos ante un disco revolucionario ni pretende serlo. Estamos ante un álbum inspirado, hermoso y profundamente honesto. De esos que recuerdan que todavía merece la pena detenerse a escuchar. No le damos un 100/100 porque estamos seguros de que se lo terminaremos dando en el futuro. Es un álbum debut y hay que dejar margen para que crezca. Pero un 92 sobre 100 no se lo quita nadie. 

MEJORES MOMENTOS: Nothing Really Changes, Good Guess, Roadkill, Sometimes, I Don't Think Of Kissing you

MEDIA CRÍTICA: 77/100

NUESTRA VALORACIÓN: 92/100

LA TRANSGRESIÓN SE LLAMA FLORA HIBBERD.

Lo de FLORA HIBBERD empieza a resultar realmente interesante. Si el año pasado nos conquistaba con Swirl (2025), un magnífico ejercicio de indie folk intimista, elegante y con ciertos destellos jazzy, ahora regresa con MAMMOTH, un álbum que parece venir de otro planeta. Y no es una exageración: estamos prácticamente ante la noche y el día. Donde antes predominaban la contención, la delicadeza y una atmósfera bastante homogénea, ahora encontramos una auténtica explosión sonora. Un cambio de dirección tan radical que resulta difícil no quedarse inicialmente desconcertado. 

Lo curioso es que el núcleo creativo permanece intacto. Hibberd sigue formando un tándem indestructible con Victor Claass en el apartado compositivo, pero esta vez cambia de productor y se pone en manos de Ben Lanz, sustituyendo el trabajo que Shane Leonard había realizado en Swirl. Una decisión que parece haberlo cambiado absolutamente todo. La producción de Lanz, acompañado por los ingenieros Étienne Caylou, Stew Crookes y Antoine Chabert, construye un universo mucho más rico, expansivo y poblado de matices. Guitarras, bajo, batería, coros, teclados, piano, viento metal, steel guitar y sintetizadores modulares conviven en unas canciones que han ganado en dimensión y posibilidades expresivas. Hay una evidente querencia por el pop, incluso por determinados territorios de vanguardia, que por momentos nos hace pensar en una Christine and the Queens particularmente inspirada. Pero Hibberd conserva algo fundamental: su elegancia. Puede permitirse la exuberancia instrumental sin perder el gusto por las melodías ni caer en el exceso gratuito. 

También cambia la manera de relacionarse con las canciones. Si Swirl funcionaba como un conjunto extraordinariamente cohesionado, aunque por momentos algo homogéneo, MAMMOTH presenta composiciones mucho más diferenciadas entre sí. Son canciones con personalidad propia, preparadas para funcionar individualmente y encontrar su espacio más allá del álbum. Quizás se resienta algo la cohesión general, pero a cambio aparecen momentos especialmente atractivos como Ache y la propia Mammoth, dos buenas muestras de las nuevas posibilidades expresivas de Hibberd. Incluso su interpretación vocal se mueve por registros diferentes, ampliando considerablemente el horizonte de una artista a la que hasta ahora teníamos bastante bien ubicada. 

Detrás de esta diversidad también encontramos un trasfondo narrativo que merece atención. En una interesante conversación publicada por Talkhouse junto a Ben Lanz, Hibberd explica que su proceso compositivo consiste en acumular imágenes, palabras, lecturas y sensaciones para después ensamblarlas mediante el ensayo y el error. Reconoce que, al mirar el conjunto de canciones, empezó a descubrir un hilo conductor que no había planteado conscientemente desde el principio. Entre sus preocupaciones aparecen la modernidad, el capitalismo y la apropiación del cuerpo femenino, cuestiones que relaciona con sus lecturas sobre las cazas de brujas y la transición del feudalismo al capitalismo. No estamos, por tanto, ante una colección de canciones inconexas, sino ante un universo de asociaciones que emerge de una forma bastante intuitiva y personal. Quizás esa conexión no resulte evidente para todos los oyentes, pero aporta una dimensión adicional al álbum. 

Y llegamos a la crítica. MAMMOTH ha obtenido una media de 68 sobre 100, bastante alejada de la recepción que tuvo su predecesor con un 85/100. Spectrum Culture le concede un 75/100, PopMatters un 70/100 y The Line of Best Fit se queda en un 60/100. ¿Qué ocurre aquí? Parece que volvemos a tropezar con una de las contradicciones habituales de la crítica musical: reclamamos constantemente que los artistas se reinventen, que arriesguen, que no repitan fórmulas y que escapen de su zona de confort. Pero cuando alguien se atreve a hacerlo de verdad, especialmente después de publicar un disco tan celebrado como Swirl, parece que no sabemos muy bien cómo recibirlo. ¿Acaso la renovación solo nos gusta cuando conserva intacto aquello que ya nos gustaba? Es perfectamente legítimo encontrar MAMMOTH menos redondo o menos cohesionado, pero penalizar una transformación de semejante calibre sin atender a lo que propone sería perder de vista precisamente aquello que tantas veces reclamamos a los artistas. 

FLORA HIBBERD no tenía ninguna obligación de volver a publicar Swirl. Y, afortunadamente, tampoco parece que tuviera intención de hacerlo. Por nuestra parte, MAMMOTH se lleva un 85 sobre 100, frente al 90/100 que otorgamos a Swirl. No es un disco tan redondo, pero sí una sorpresa magnífica y una demostración de inquietud artística que nos hace mirar a FLORA HIBBERD con todavía más curiosidad. Si antes ya teníamos motivos para seguirle la pista, ahora estaremos haciendo guardia en su Spotify para no perdernos ninguno de sus próximos movimientos. Hay cantautoras que necesitan varios discos para encontrar una identidad. Hibberd parece decidida a demostrar que lo verdaderamente interesante es no quedarse demasiado tiempo en una sola. Porque ha sabido pasar del intimismo a la exuberancia, sorprendiéndonos a todos con un disco que rompe radicalmente con todo, demostrando que estamos ante una cantautora muchísimo más transgresora de lo que imaginábamos.

MEJORES MOMENTOS: Mammoth, Ache, Silent Movie Baby, Bowling Ball, Shelley, Mythic Figure...

MEDIA CRÍTICA: 68/100

NUESTRA VALORACIÓN: 85/100

HAYDEN EVERETT: EL SOL TRAS LA LLUVIA.

 

Hay discos que llegan sin demasiado ruido y que, sin embargo, merecen mucha más atención de la que reciben. SO THE SUN CAN POUR, álbum debut de HAYDEN EVERETT, es uno de ellos. Publicado en abril de 2026 -Se ha editado una edición Deluxe con algunos extras que es la que os enlazamos en la entrada-, el trabajo confirma la sensibilidad de un artista que se mueve con naturalidad entre el indie folk, el pop alternativo y la introspección melódica. Un lanzamiento que, pese a su escasa repercusión en los circuitos de crítica generalista, merece encontrar su público.

Musicalmente, SO THE SUN CAN POUR se mueve entre el folk y el folk-pop, con claras conexiones con la Americana y una producción que conserva la cercanía y la calidez propias de estas tradiciones. De vez en cuando afloran también pequeñas reminiscencias de alt-country, matices que enriquecen el conjunto sin alterar su identidad esencial. Hayden Everett demuestra así una sensibilidad musical que encuentra su fuerza en la naturalidad, la sencillez expresiva y el equilibrio entre sus distintas influencias.

HAYDEN EVERETT es el responsable de la composición de todo el repertorio, excepto de la interesante Roll On Thru para la que ha necesitado la colaboración de Sebastian Jones, Jacob Augustine, Ethan Fortenberry, Ellington Peet y Collin McCrary. Como apunte, tenemos que decir también que el álbum se grabó en directo junto a varios amigos y músicos cercanos, durante un fin de semana en la cabaña familiar de Tahoe, California, construida por su bisabuelo. 

En el plano narrativo, SO THE SUN CAN POUR se presenta como una reflexión sobre los contrastes de la existencia y la necesidad de aceptar que la alegría y la tristeza, el amor y la pérdida forman parte de una misma experiencia vital. Everett ha explicado que buena parte de las canciones surgieron durante los tres años que dedicó a escribir el álbum, especialmente a raíz de sus vivencias en el Parque Nacional de Glacier, en Montana, donde la naturaleza, la soledad y los encuentros con otras personas alimentaron su inspiración (Montana Day, Wind Song...). A partir de experiencias personales y observaciones cotidianas, el músico aborda cuestiones como las relaciones sentimentales, el duelo, la amistad, el paso del tiempo y la transformación personal. También hay espacio para reflexionar sobre nuestra manera de percibir el mundo, como sucede en Bird Eye View, o para cuestionar la superficialidad y el materialismo de la sociedad contemporánea, algo especialmente evidente en Angela. Las montañas, el viento y los cambios de estación funcionan como metáforas de los procesos emocionales, reforzando una visión de la vida en la que las dificultades no deben entenderse únicamente como obstáculos, sino también como parte indispensable del crecimiento.

La producción corrió a cargo del propio HAYDEN EVERETT y Sebastian Jones, mientras que Tucker Martine se ocupó de la mezcla en Flora Playback & Recording, en Portland, y Paul Blakemore realizó la masterización. La propuesta sonora responde a una intención muy concreta: preservar la naturalidad y la imperfección de las interpretaciones, evitando un acabado excesivamente pulido. Everett explica que la idea era grabar todos los temas en directo, capturando la interacción entre los músicos, sus respiraciones, pequeños detalles instrumentales y esos momentos espontáneos que transmiten la sensación de estar compartiendo la misma habitación. El resultado combina la sensibilidad acústica del folk con la formación jazzística de los músicos, algo que se aprecia en los arreglos, la instrumentación y la sutileza de las interpretaciones. El propio Hayden define el planteamiento como hacer un disco de folk interpretado por músicos de jazz. Así, la producción apuesta por un sonido cálido, orgánico y cercano, en el que la complicidad entre los participantes tiene tanto peso como las propias canciones.

En cuanto a su recepción crítica, SO THE SUN CAN POUR representa bastante bien una realidad cada vez más habitual en el panorama musical independiente: hay discos que encuentran su público y generan un interés considerable en espacios especializados, pero que pasan prácticamente inadvertidos para los grandes medios y los circuitos de crítica generalista. Es fácil imaginar que un trabajo de estas características haya despertado el interés de numerosos blogs independientes con vocación curatorial, como el nuestro, porque estamos ante uno de esos álbumes que justifican precisamente la existencia de estos espacios: descubrir, escuchar con atención y reivindicar propuestas que merecen mayor difusión. Sin embargo, su presencia crítica resulta prácticamente invisible en plataformas como Album of the Year (AOTY), donde figura como NR (Not Rated), sin valoración agregada. Y lo preocupante es que esto empieza a convertirse en algo demasiado frecuente con algunos de los mejores trabajos de indie folk: discos de enorme sensibilidad, calidad compositiva y personalidad artística que parecen existir al margen de la conversación crítica oficial. Quizás sea precisamente ahí donde cobra sentido nuestra labor: dar visibilidad a la música que nos conmueve, aunque otros todavía no hayan considerado necesario prestarle atención.

En definitiva, SO THE SUN CAN POUR es un debut extraordinariamente sensible, de esos discos que no necesitan grandes artificios para dejar huella. HAYDEN EVERETT encuentra en el folk una herramienta perfecta para hablar de cuestiones universales sin perder nunca la cercanía, combinando una escritura evocadora con una instrumentación orgánica y una sensibilidad que atraviesa sus composiciones. Un trabajo que entiende que la alegría y la tristeza, el amor y la pérdida, la luz y la oscuridad no son conceptos enfrentados, sino partes de una misma experiencia. Porque, a veces, para que vuelva a salir el sol también necesitamos dejar que llueva. Nuestra valoración es un 90 sobre 100. 

MEJORES MOMENTOS: Bird Eye View, Taylor, Killer Whale, Roll On Thru, Montana Day, Wind Song...

MEDIA CRÍTICA: -----

NUESTRA VALORACIÓN: 90/100