KATY BETH YOUNG ES TENDERNESS.

 

Hay álbumes que no deberían pasar desapercibidos y esa podría ser la justificación de la existencia de este blog. Nos pasamos la vida buscando discos así. No aparecen tantos como deberían: discos que no se esconden detrás de la producción, que funcionan por lo que transmiten y no por lo que intentan aparentar. No es fácil encontrarlos. Pero con TRUE, el álbum debut del proyecto musical TENDERNESS, creemos que lo hemos hecho. Y sí, una vez más, seremos los primeros en España en reseñarlo.  

Detrás de TENDERNESS encontramos a la compositora británica Katy Beth Young y TRUE es un álbum de indie folk, Alt-Country y americana muy íntimo con arreglos minimalistas. Las canciones giran en torno a temas universales como el amor, el duelo, las rupturas y muchas otras experiencias emocionales. Este álbum nace en un momento complicado en la vida de Young, una ruptura sentimental importante, la muerte de su padre y todo eso en el contexto de la Pandemia. En general este álbum destaca por su tono emocional y contenido. Más centrado en la atmósfera que en una gran producción, con arreglos mínimos -piano, guitarra acústica, capas muy sutiles y una voz completamente expuesta- y sin intentar ocupar todo el espacio, dejando que los silencios también construyan esa sensación de cercanía.

La crítica lo ha valorado con una media de 85 sobre 100 basándose en las reseñas de Uncut (90/100) y Mojo (80/100). Esta media es provisional porque este álbum es muy reciente y seguramente será valorado por más críticos en los próximos días. Los que lo han hecho hasta ahora han destacado su honestidad emocional, la delicadeza de su voz, los arreglos y sobre todo su enfoque del dolor y la introspección sin caer en la grandilocuencia. 

TRUE de TENDERNESS nos ha recordado a otros discos que nos gustan mucho: Heartbreaker (2000) de Ryan Adams porque es americana íntima muy directa. Probablemente sea el que esté más cerca en espíritu de TRUE; Crushing (2019) de Julia Jacklin porque es una excelente mezcla de intimidad y calidez; Sprained Ankle (2015) de Julien Baker más duro emocionalmente, pero en la misma línea de voz y verdad o Moon Pix (1998) de Cat Power porque posee ese punto frágil y casi susurrado que también tiene TRUE.

También nos ha recordado a Sharleen Spiteri, la vocalista de Texas. Ambas poseen esa calidez natural de tener voces muy humanas y sin exceso de técnica. A la hora de frasear tienen ese punto de cantar ligeramente por detrás del tempo, como relajado y muy conversacional; ambas transmiten más por sutileza que por intensidad. Todo esto nos hace pensar que TENDERNESS no solo bebe del folk o la americana, sino también de cierta tradición vocal británica más soul-pop, donde encaja perfectamente Spiteri. Eso explica por qué, aunque use códigos “americanos”, no suena del todo americana y esa podría ser una de sus señas de identidad.  

Este álbum está producido por Euan Hinshelwood que colaboró estrechamente con Katy Beth Young. También contó con la producción adicional de Chloe Kraemer. En el apartado de colaboraciones nos encontramos con Clay Slade y Deep Throat Choir.   

TRUE no va de contar cosas interesantes, más bien de sentir cosas de forma honesta y sin filtros. Nosotros no tenemos ninguna duda. Nuestra valoración es de 100 sobre 100. TRUE es un álbum con una identidad clarísima desde el minuto uno. La coherencia es total: no hay nada que sobre ni que desentone. Su voz tiene mucha credibilidad. Nos hemos creído cada línea y su atmósfera es sostenida. No depende de un single. Es un estado emocional completo, que además se sostiene en escuchas repetidas sin perder impacto. 

Y es un álbum ideal para que tenga su espacio en nuestro blog, porque tiene: intimidad real (no es impostada), cero artificio, coherencia emocional y algo clave para nosotros: no depende del contexto de moda. Todo esto nos ha recordado a un momento de nuestra vida. La primera vez que escuchamos: Come Away With Me (2002) de Norah Jones, un álbum que, aunque musicalmente esté lejos de parecerse a TRUE -mucho más indie- nos ha provocado esa misma sensación de hogar emocional que producen esos álbumes cerrados y perfectos. Porque TRUE es un álbum cerrado y perfecto. Solo que en 2026 necesita la ayuda de blogs como el nuestro para llegar a tener el éxito del debut de Norah Jones y probablemente, tal y como funciona la industria, todo nuestro empeño sea inútil. 

  

MEJORES MOMENTOS: Saturday Morning, The Salt Flats, True, Day Of Atonement, Touchscreen...

MEDIA CRÍTICA: 85/100

NUESTRA VALORACIÓN: 100/100

OLIVE JONES: GUSTO EXQUISITO.

 

OLIVE JONES es una de las nuevas voces emergentes del soul británico. Es cantante, compositora y guitarrista, y acaba de lanzar su álbum debut, titulado FOR MARY. Jones comenzó a tocar la guitarra a los doce años y, a los catorce, ya componía sus propias canciones. Creció escuchando artistas del jazz y el soul clásico, como Billie Holiday o Nina Simone. Antes de iniciar su carrera en solitario, fue la vocalista del grupo de electrosoul Noya Rao, cuando vivía en Leeds. Actualmente reside en Londres, donde está desarrollando su carrera. 

OLIVE JONES combina jazz, blues y alt‑folk con elementos electrónicos. Posee una voz íntima, emotiva y muy expresiva, que se ha convertido en su seña de identidad. En su álbum FOR MARY, encontramos narrativas sobre relaciones personales, cuestiones políticas y sociales -como en Kingdom, que aborda el Brexit-, experiencias vitales y, sobre todo, salud mental. De hecho, el personaje de Mary, a quien está dedicado el disco, representa a personas reales de su entorno, especialmente relacionadas con la salud mental. 

Musicalmente, Jones mezcla la tradición del soul con una producción contemporánea junto al productor James Wyatt, logrando que este disco recuerde a grandes álbumes que perduran en la memoria. Cuando una artista como OLIVE JONES despunta, lo primero que se puede preguntar el público es si es casual. Es cierto que probablemente Jones ya estuviese en activo durante el ascenso de Olivia Dean, pero muchos pensarán que este éxito le ha podido abrir una puerta. Y es algo que hemos visto toda la vida: cuando un artista triunfa, da paso a otros del mismo corte. 

Obviamente, Olivia Dean ha ayudado a que el soul británico contemporáneo vuelva a ser visible. Ha demostrado que hay público para propuestas elegantes, emocionales y no estridentes, y ha facilitado que medios, playlists y sellos presten atención a ese sonido. Esto beneficia a artistas como OLIVE JONES, que ahora se mueven en un terreno abonado. 

Puede que ambas pertenezcan a la misma escena, pero juegan en ligas muy diferentes. Olivia Dean es más accesible y pop‑friendly, con un enfoque directo en melodía y storytelling, y encaja mejor en radio y playlists grandes. En cambio, OLIVE JONES apuesta por arreglos más atmosféricos y experimentales, con influencia de jazz y electrónica más marcada, y letras algo más abstractas e introspectivas. Esto significa que Olivia Dean juega en la primera división del mainstream: es una artista de éxito inmediato. Jones, por su parte, va a crecer a medio plazo y es muy posible que alcance el estatus de “artista de culto respetada” más pronto que tarde. A nosotros nos gustaría saber qué espera OLIVE JONES de su carrera y cuáles son sus propias expectativas. Pero eso no es algo de lo que suelan hablar en una entrevista los artistas emergentes. 

En cuanto a la crítica, el álbum se editó la pasada semana y ninguno de los agregadores de críticas importantes ha recogido reseñas de medios generalistas para FOR MARY. Así que tendréis que confiar en nuestro criterio: una vez más, vamos a ser los primeros en emitir una valoración, y le damos un 90 sobre 100. Es cierto que el álbum se resiente un poco en el último tercio, pero sentimos que estábamos ante algo importante desde la primera escucha. Nos recordó a nuestra primera vez con álbumes legendarios y muy celebrados en nuestras páginas, como Seasons Of My Soul (2010) de Rumer o Dirt On My Tongue (2013) de Jo Harman, con los que comparte un excelente gusto. No sabemos si FOR MARY será tan apreciado con los años como estos discos, pero nuestro olfato y oficio nos dicen que sí.     

MEJORES MOMENTOS: Planes, End Of Time, Summer Rain, Talk About Love, Mary, All In My Head, Kingdom...

MEDIA CRÍTICA:----

NUESTRA VALORACIÓN: 90/100

BRIGITTE CALLS ME BABY: CUANDO LA NOSTALGIA FLUYE.

BRIGITTE CALLS ME BABY es una banda estadounidense de rock alternativo formada en Chicago, Illinois, en 2022. Está compuesta por el cantante principal Wes Leavins, el guitarrista Jack Fluegel, el bajista Devin Wessels y el batería Jeremy Benshish. Muchos se preguntarán el significado de llamarse BRIGITTE CALLS ME BABY o por qué eligieron ese nombre. Y según los datos biográficos que hemos recopilado la Brigitte a la que se refieren no es otra que la actriz francesa, recientemente fallecida, Brigitte Bardot. Al parecer, Leavins mantenía correspondencia con ella como fan en su adolescencia.

IRREVERSIBLE es el segundo álbum de la banda y combina elementos de new wave, post-punk melódico y jangle pop con un marcado componente de crooner pop, lo que da lugar a un estilo híbrido entre el pop romántico clásico y el rock alternativo de estética ochentera. Las canciones se construyen sobre guitarras limpias y arpegiadas con abundante uso de chorus y reverb, que generan atmósferas amplias y melancólicas, mientras las estructuras privilegian melodías muy definidas y estribillos directos. La presencia de una interpretación vocal de carácter crooner introduce un tono dramático y sentimental que refuerza el enfoque melódico del conjunto. El resultado es un sonido elegante y nostálgico que equilibra la claridad del pop tradicional con la textura envolvente del post-punk y la luminosidad del jangle pop. 

Aunque BRIGITTE CALLS ME BABY es una banda estadounidense contemporánea, el sonido de IRREVERSIBLE  remite con claridad al pop alternativo británico de finales de los años ochenta y comienzos de los noventa (aproximadamente entre 1987 y 1991). Esa franja temporal en el Reino Unido fue realmente un momento de gran creatividad y diversidad que pocas épocas han igualado en coherencia y estilo. También cabe destacar que este álbum ha contado con la visión de los productores Lawrence e Yves Rothman que han sido claves para encontrar ese sonido.

La combinación de guitarras limpias y atmosféricas, melodías de fuerte carga emocional y una interpretación vocal de carácter dramático recuerda a la tradición desarrollada por grupos como The Cure, The Smiths y The Silencers. Del primero se perciben ecos en el uso de guitarras arpegiadas con chorus y reverb que generan paisajes sonoros amplios y melancólicos; del segundo, en la claridad melódica y la sensibilidad pop de muchas estructuras; y del tercero, en el tono romántico y ligeramente épico que impregna varias canciones. El resultado sitúa al álbum dentro de una estética claramente emparentada con aquel periodo del pop británico, pese a tratarse de una banda surgida en el contexto del indie estadounidense actual. 

Es muy probable que BRIGITTE CALLS ME BABY ni siquiera conozca a The Silencers; lo que sucede es que su música absorbe y recrea inconscientemente elementos de esa tradición británica, desde el pop romántico hasta las guitarras atmosféricas, generando ese efecto de familiaridad con bandas como las citadas anteriormente. Pero también se aprecia un vínculo con Echo & The Bunnymen o OMD. Es un fenómeno curioso: la historia musical puede filtrarse a través de generaciones y geografías, produciendo sonidos que parecen homenaje sin que haya una intención directa. 

En la escena contemporánea existe una pequeña corriente de bandas que juegan con lo retro, tomando elementos estilísticos de los años 80 y principios de los 90 y reinterpretándolos con sensibilidad moderna. Dentro de este contexto, bandas como BRIGITTE CALLS ME BABY exploran el post-punk melódico y el pop romántico con reminiscencias del pop británico tardío, mientras que The Strike apuesta por un synthpop y power pop muy ochentero, con bases rítmicas modernas y un pulido estético notable. Aunque sus sonidos concretos difieren, ambas reflejan la misma tendencia: recuperar la riqueza expresiva de la música de otra época para crear algo nuevo y actual, demostrando que la nostalgia puede ser un punto de partida creativo más que un simple homenaje.

IRREVERSIBLE ha obtenido una media crítica de 79 sobre 100 que se distribuye de la siguiente manera: Spill Magazine 90/100; AllMusic, Clash y Hot Press 80/100; Beats Per Minute y DIY 70/100. El disco consolida la identidad de la banda y ofrece un puente entre generaciones musicales, mostrando cómo la melodía, la atmósfera y el dramatismo pueden trascender tiempo y lugar. Aunque la sensación de nostalgia puede atrapar al oyente, no parece ser un objetivo premeditado de la banda; se convierte así en una obra que celebra la música de manera viva y dinámica, reafirmando la relevancia de la estética ochentera en el indie moderno estadounidense. Nosotros no podemos darle menos de un 90 sobre 100 y es un álbum que vamos a tener muy en cuenta para nuestra lista de los mejores álbumes de 2026.

MEJORES MOMENTOS: Slumber Party, There Always, I Can't Take The Sun Out Of The Sky, I Dance With Another Love In My Dream, The Early Days Of Love...

MEDIA CRÍTICA: 79/100

NUESTRA VALORACIÓN: 90/100