BAKER, BRIDGERS Y DACUS ESCRIBIENDO UNA PÁGINA EN LA HISTORIA DE LA MÚSICA.

 

Ha llegado el día. THE RECORD de BOYGENIUS ya está en la calle. Y sinceramente, se nos ha hecho muy larga la espera porque este es el disco del año. Sin ninguna duda. Si Julien Baker, Phoebe Bridgers y Lucy Dacus son tres Números Uno por separado, no podeis imaginar lo que son capaces de hacer juntas. Los tres adelantos de este álbum: $20. Emily, I'm Sorry y True Blue, presagiaban que estábamos ante algo muy grande y desde luego que así ha sido. Porque el resto de las canciones están a ese nivel. Aunque BOYGENIUS calentaron motores con un Ep homónimo en 2018 con seis canciones, THE RECORD está etiquetado como el álbum debut de este Supergrupo. En cuanto a las protagonistas, aunque se trata de un trabajo coral, muy espiritual y poético, quizás la que queda más difuminada de las tres sea Julien Baker porque los aportes de Bridgers y Dacus son bastante reconocibles. Quizás se podría considerar su único defecto que confluyan sus tres identidades individuales y que THE RECORD no tenga una identidad grupal. Lo decimos porque ese ha sido uno de los argumentos de Slant Magazine para cargarse este trabajo. Nosotros no estamos de acuerdo, porque es cierto que se intenta buscar una cierta hegemonía. Pero la riqueza de este trabajo es que tenemos juntas a las tres mejores cantautoras de la generación Z y que son muy diferentes. Lo mejor de todo es que compositivamente este álbum es una master class y ellas están muy lejos de lo que suelen hacer habitualmente aunque pudiera parecer que no. THE RECORD además de tener a Baker, Bridgers y Dacus en la producción, tienen acreditados a cinco productores más, siendo Catherine Marks la productora principal.

En cuanto a la crítica, como era de esperar ha obtenido una media realmente impresionante que seguramente lo catapultará a todos los tops de mejores álbumes del 2023. Medios como Rolling Stone, NME, Evening Standard, Dork, The Independent, The Skinny, HipHopDX o DIY consideran que THE RECORD es uno de los mejores álbumes del año, otorgándole un 100/100. Para continuar con 93/100 Northern Transmission; 90/100 The Sydney Morning Herald; 80/100 Paste, The New York Times, Mojo, The Line Of Best Fit, Exclaim! y Gigwise; 70/100 Clash para terminar con la peor nota a la que hacíamos alusión al principio el 50/100 de Slant Magazine, en la crítica más desacertada de todas. A pesar de esa nota, la media asciende a 91 sobre 100. Nosotros lo hemos tenido muy claro prácticamente desde esos excelentes adelantos, es un 100 sobre 100. El nivel del álbum es insuperable, cada canción se redescubre en una nueva escucha. Además de poseer unas letras realmente emocionantes, como hacía tiempo que no leíamos. Podríamos haber estado dormidos todo este tiempo para despertarnos justo hoy, cuando se liberaban sus doce cortes. Cuánto trabajo le está dando a este blog Phoebe Bridgers. Sin desmerecer a Lucy Dacus y Julien Baker, con álbumes como este, se consolida como una de las figuras claves de la historia de la música contemporánea.

MEJORES MOMENTOS: Todo el álbum. Del primer corte al último.

MEDIA CRÍTICA: 91/100

NUESTRA VALORACIÓN: 100/100

JD CLAYTON: LA GRAN PROMESA.

 

Marian, nuestra comentarista y Fan Destacada de Facebook hace unos días nos recomendaba LONG WAY FROM HOME, el álbum debut de JD CLAYTON. Nosotros tenemos una agenda que nos avisa de los próximos lanzamientos y lo escuchamos prácticamente casi todo, porque TODO es imposible (aún así, apostaríamos que escuchamos más álbumes que muchos otros medios muy reputados). Por eso es probable que algún álbum se nos pase. La colaboración de los lectores y comentaristas es fundamental para nosotros. En el caso de JD CLAYTON nos avisaron de su lanzamiento en esa agenda. Pero nosotros le hicimos mucho más caso a otros álbumes que venían acompañados de mejores referencias y lo teníamos en la lista de pendientes. Pero en el momento que uno de nuestros lectores nos dice que un álbum merece la pena, lo sacamos de nuestra lista de pendientes y le prestamos toda la atención posible. Y eso fue lo que hicimos. 

JD CLAYTON hace música de raíces americanas (American Roots) o directamente Americana, y lo hace a la antigua usanza, de manera sencilla y directa, sin ningún tipo de artificios, se notan demasiado las influencias de The Band, Lynyrd Skynyrd o Creedence Clearwater Revival a los que rinde tributo con un cover de la versión de Midnight Special de Leadbelly que hicieron los Creedence Clearwater Revival. Realmente, de los diez cortes del disco, el único que nos sobra es esa versión que no aporta absolutamente nada nuevo y la podría haber sacado como single rutinario de Spotify para hacer tiempo, en vez de incluirla en el álbum. Todo lo demás, que es su propio material -Lo realmente importante- es bastante prometedor y hará las delicias de los amantes del género. El álbum ha sido producido por Thomas Dulin.

En cuanto a la crítica, LONG WAY FROM HOME no aparece en Metacritic, y en Albumoftheyear se le menciona con tan solo las valoraciones de los usuarios, no de los medios importantes. Investigando un poco, hemos dado con algunas reseñas de blogs especializados en americana y la recepción generalizada ha sido muy positiva y esas valoraciones se podrían resumir en el 80 sobre 100 con el que lo han puntuado en American Songwriter, el único medio importante que se ha pronunciado por el momento. Escuchando a JD CLAYTON y solamente con el corte que abre el álbum nos ha ganado a todos, con ese sonido prácticamente casero, como si estuviese en el porche de su casa, con el canto de los pájaros de fondo que describe muy bien su esencia. Nos recuerda en algunos momentos a nuestro querido y admirado Chris Stapleton, que se ha convertido en una figura clave de la música americana contemporánea y con su buen hacer le ha abierto las puertas a muchísimos artistas como Clayton que, proablemente, sin su éxito, no habrían tenido ni la más mínima posibilidad. Para nosotros LONG WAY FROM HOME es un buen comienzo. Se nota que ha sido un trabajo artesanal hasta en la manera de gestarlo, primero publicó un Ep con cinco canciones en Octubre del año pasado, que amplió con otras cinco para tener por fin este álbum. Nuestra nota es un 85 sobre 100 y la sensación de que tienen que venir cosas muy grandes a partir de este primer trabajo.

 

MEJORES MOMENTOS: Goldmine, Long Way From Home, Heartaches After Heartbreak, American Millionaire,

MEDIA CRÍTICA: 80/100

NUESTRA VALORACIÓN: 85/100

NUESTRAS 10 MINIRESEÑAS DEL MES DE MARZO.

Ya avisamos que por lo menos una vez al mes, vendremos con un post de minireseñas de una decena de álbumes como mínimo. En esta ocasión os traemos nueve álbumes del 2023 a excepción de S.O.S de SZA que se liberó el 9 de Diciembre del 2022, unos cuantos días después de haber cerrado el año y como todos sabéis, los álbumes de Diciembre pasan a formar parte de nuestra lista del año siguiente. El caso de Meghan Trainor es diferente porque se trata de una reedición Deluxe del 2023 con unas cuantas canciones más de su álbum del año pasado. Algunos se acaban de liberar hace nada como es el caso del último de Lana Del Rey que contiene su mejor canción hasta la fecha -La de título interminable que le da nombre al álbum- en definitiva, diez álbumes muy variados que esperamos que os gusten. 

LANA DEL REY - DID YOU KNOW THAT THERE'S A TUNNEL UNDER OCEAN BLVD

GÉNEROS: Singer-Songwriter, Art Pop, Chamber Pop, Baroque Pop

DESCRIPCIÓN: Noveno álbum de estudio de Lana del Rey producido por Mike Hermosa, Jack Antonoff, Drew Erickson, Zach Dawes y Benji, con las colaboraciones de Jon Batiste, Bleachers, Father John Misty, Judah Smith, Tommy Genesis y Syml.

MEJORES MOMENTOS: Did You Know..., A&W, The Grants

MEJOR VALORACIÓN: 100/100 Gigwise

PEOR VALORACIÓN: 60/100 Slant, The Arts Desk, The Telegraph y Spin

MEDIA CRÍTICA: 80/100

NUESTRA VALORACIÓN: 85/100

ESCUCHAR EN SPOTIFY 

DAVID BREWIS - THE SOFT STRUGGLES

GÉNEROS: Art-Pop, Indie Pop, Singer-Songwriter, Storytelling and Crooner

DESCRIPCIÓN: Álbum debut de David Brewis, mienbro de Field Music. Este álbum cuenta con las colaboraciones de Peter Brewis (su hermano y el otro componente de Field Music), Eve Cole, Sarah Hayes y Faye McCalman.

MEJORES MOMENTOS: When You First Meet, The Last Day, Can We Put In The Diary.

MEJOR VALORACIÓN: 80/100 Mojo, Allmusic y MusicOhm

PEOR VALORACIÓN: 70/100 Uncut

MEDIA CRÍTICA: 80/100

NUESTRA VALORACIÓN:85/100

ESCUCHAR EN SPOTIFY 

DON TOLIVER - LOVE SICK

GÉNEROS: Trap, Alternative R&B, Pop Rap, Southern Hip Hop

DESCRIPCIÓN: Último trabajo del artista de Trap de Houston Don Toliver con las colaboraciones de Justin Bieber, James Blake, Brent Faiyaz, Toro y Moi o Kali Uchis entre otros. 

MEJORES MOMENTOS: 4 Me, Let Her Go, Private Landing

MEJOR VALORACIÓN: 80/100 AllMusic y Clash Music

PEOR VALORACIÓN: 50/100 Rapreviews

MEDIA CRÍTICA: 68/100

NUESTRA VALORACIÓN: 50/100

ESCUCHAR EN SPOTIFY 

SHANA CLEVELAND - MANZANITA

GÉNEROS: Folk Contemporáneo, Singer-Songwriter

DESCRIPCIÓN: Tercer álbum de estudio de Shana Cleveland (miembro de la banda La Luz) con  colaboraciones de: Abbey Blackwell, Olie Eshelman, Johnny Goss y Will Sprott.

MEJORES MOMENTOS: Faces In The Firelight, Ghost, Walking Through Morning Dew

MEJOR VALORACIÓN: 100/100 The Guardian

PEOR VALORACIÓN: 50/100 Distorted Sound

MEDIA CRÍTICA: 90/100 (Metacritic) 80/100 (Albumoftheyear)

NUESTRA VALORACIÓN: 85/100

ESCUCHAR EN SPOTIFY 

SZA - S.O.S.

GÉNEROS: R&B Contemporáneo, Neo Soul, R&B Alternativo.

DESCRIPCIÓN: Segundo álbum de estudio de SZA con las colaboraciones de Don Toliver, Phoebe Bridgers, Ol' Dirty Bastard y Travis Scott.

MEJORES MOMENTOS: Kill Bill, Snooze, Ghost In The Machine

MEJOR VALORACIÓN: 100/100 The Telegraph, Consequence, DIY y NME

PEOR VALORACIÓN: 60/100 The Observer

MEDIA CRÍTICA: 90/100

NUESTRA VALORACIÓN: 90/100

ESCUCHAR EN SPOTIFY 

IRIS DEMENT - WORKIN' ON A WORLD

GÉNEROS: Folk, Singer-Songwriter

DESCRIPCIÓN: Nuevo álbum de la legendaria Iris Dement que no editaba desde The Trackless Wood (2015) la acompañan en esta nueva andadura los productores Richard Bennet, Pieta Brown y Jim Rooney

MEJORES MOMENTOS: Workin' On a World, Nothing For The Dead, The Sacred Now

MEJOR VALORACIÓN: Unanimidad en 80/100 Glide, Rolling Stone, Uncut...

PEOR VALORACIÓN: Unanimidad en 80/100 Mojo, Pitchford, PopMatter.

MEDIA CRÍTICA: 80/100 (Albumoftheyear) 84/100 (Metacritic)

NUESTRA VALORACIÓN: 80/100

ESCUCHAR EN SPOTIFY 

YAZMIN LACEY - VOICE NOTES

GÉNEROS: Jazz, Soul

DESCRIPCIÓN: Álbum debut de la intérprete y compositora de Jazz y Soul británica Yazmin Lacey, producido por Dave Okumu. 

MEJORES MOMENTOS: Bad Company, From a Lover, Pieces

MEJOR VALORACIÓN: 100/100 The Observer

PEOR VALORACIÓN: 70/100 God Is In The Tv

MEDIA CRÍTICA: 82/100

NUESTRA VALORACIÓN: 85/100

ESCUCHAR EN SPOTIFY

SLEAFORD MODS - UK GRIM

GÉNEROS: UK Hip Hop, Synth Punk

DESCRIPCIÓN: Nuevo álbum del dúo británico post-punk Sleaford Mods con las colaboraciones de Florence Shaw de Dry Cleaning, Perry Farrell de Jane's Addiction y Dave Navarro.

MEJORES MOMENTOS: UK GRIM, So Trendy, Force 10 From Navarone

MEJOR VALORACIÓN: 100/100 The Telegraph

PEOR VALORACIÓN: 70/100 Under The Radar, DIY y The Line Of Best Fit

MEDIA CRÍTICA: 81/100

NUESTRA VALORACIÓN: 60/100

ESCUCHAR EN SPOTIFY 

MEGHAN TRAINOR - TAKIN' IT BACK

GÉNEROS: Pop, Pop-Soul, Doo-Wop

DESCRIPCIÓN: Edición Deluxe del 2023 con cuatro cortes inéditos del cuarto álbum de estudio de Meghan Trainor producido por su equipo formado por Gian Stone, Federico Vindver, Sean Douglas y su hermano pequeño Justin Trainor y con las colaboraciones de: The Chordettes, MAX, Teddy Swims, Kim Petras, Natti Natasha y Arturo Sandoval, Scott Hoying y Theron Theron. 

MEJORES MOMENTOS: Made You Look, Superwoman, Dont I Make It Look Easy

MEJOR VALORACIÓN: 70/100 AllMusic

PEOR VALORACIÓN: 70/100 PopMatters

MEDIA CRÍTICA: 70/100

NUESTRA VALORACIÓN: 76/100

ESCUCHAR EN SPOTIFY 

 MISS GRIT - FOLLOW THE CYBORG

GÉNEROS: Indie Rock, Synthpop, Art Pop

DESCRIPCIÓN: Álbum debut de Margaret Sohn más conocida sobre las tablas como Miss Grit que cuenta con las colaboraciones de Stella Mozgawa de Warpaint, Aron Kobayashi Ritch de Momma y Pearla

MEJORES MOMENTOS: Like You, Follow The Cyborg, Nothing's Wrong

MEJOR VALORACIÓN: 80/100 AllMusic, Glide, The Skinny...

PEOR VALORACIÓN: 70/100 Slant

MEDIA CRÍTICA: 79/100 (Albumoftheyear) 82/100 (Metacritic)

NUESTRA VALORACIÓN: 86/100

ESCUCHAR EN SPOTIFY 

DEPECHE MODE: TODAVÍA EN LA BRECHA.

 

Siempre es un acontecimiento y motivo de alegría que una banda legendaria como DEPECHE MODE saque un nuevo álbum. MEMENTO MORI es su decimoquinto álbum de estudio y está producido por James Ford y Marta Salogni y cuenta con la colaboración de Richard Butler acreditado como co-autor de cuatro de los doce cortes que componen este trabajo. Se trata de un álbum importante en la carrera de esta banda que a partir de ahora comienza a ser un dúo formado por Dave Gaham y Martin Gore después de que Andy Fletcher nos dejara no hace todavía ni un año. MEMENTO MORI es uno de esos álbumes decisivos en la carrera de DEPECHE MODE un álbum que demuestra la capacidad de resiliencia de dos personas que han perdido una parte muy importante de sus vidas, pero son capaces de superarse y seguir en la brecha. Básicamente eso es este nuevo y excelente trabajo que nos llena de satisfacción. Porque nos encanta ver que esas bandas de nuestras vidas: Suede, The Lighning Seeds, Placebo y ahora Depeche Mode regresan. Sus nuevas canciones están a la altura de su legado, que sigue en perfecta vigencia, editan buenos álbumes y nos dejan esa sensación de que todavía tienen mucho que contar. ¿Se puede pedir más? Es cierto que cuando escuchamos sus dos adelantos y llegamos a My Cosmos Is Mine siendo claramente del estilo Depeche Mode al 100%, nos descolocó. Pensamos que este álbum circularía por otros derroteros más experimentales. Pero no ha sido así, son sus buenas canciones de siempre, con su sonido de siempre, adaptado a los nuevos tiempos para que sean susceptibles de ser descubiertos por generaciones mucho más jóvenes a los que Depeche Mode les suena como "la banda esa de los ochenta que le gusta tanto a nuestros padres y tíos".

MEMENTO MORI ha conseguido la mejor media crítica de un álbum de DEPECHE MODE en los últimos veinte años, un 83 sobre 100 que se distribuye de la siguiente manera: The Art Desk le ha otorgado un pleno, un merecido 100/100; The Line Of Best Fit y Spill Magazine 90/100; Clash, NME, Record Collector, Mojo, The Independent, Uncut y The Observer 80/100 para terminar con el 71/100 otorgado por Pitchfork. Este álbum se ha liberado hoy mismo y lo primero que hemos hecho ha sido escucharlo sin leer toda esta información sobre la crítica que acabamos de transcribir y que, por otro lado, no nos ha extrañado en absoluto. Porque al escucharlo hemos visto enseguida que en ningún momento se trataba de un álbum alimenticio, ni siquiera uno de tantos álbumes como los que han ido publicando en los últimos tiempos, que estábamos ante algo grande. Uno de los mejores trabajos de la banda desde su época dorada que se enmarca en los ochenta y la primera mitad de los noventa. Un álbum que no te da tregua, es una buena canción tras otra, cómo no vivíamos desde los tiempos de Violator (1990). Y ha sido una muy grata sorpresa que nos lleva a no poder puntuarlos por debajo de un 90 sobre 100 porque es un álbum muy atractivo tanto para los nostálgicos de la banda como para un público virgen que los descubre ahora. Nosotros llevamos horas en bucle y hacía tiempo que no disfrutábamos tanto.

 

MEJORES MOMENTOS: Ghosts Again, Wagging Tongue, Don't Say You Love Me

MEDIA CRÍTICA: 83/100

NUESTRA VALORACIÓN: 90/100

 

YVES TUMOR Y SU ÁLBUM PARA TODOS LOS PÚBLICOS.

 

Si alguien nos hubiera dicho que hoy estaríamos reseñando un álbum de YVES TUMOR hace unos años, no nos lo hubiésemos creído nunca. Y no es que tengamos nada en contra, hemos escuchado religiosamente uno y cada uno de sus álbumes cada vez que los ha lanzado. Pero después de casi catorce años, conocemos a nuestros lectores y lo que esperan de nuestras recomendaciones e YVES TUMOR representa la experimentalidad musical en su más alto grado y algunos de sus álbumes eran mínimamente audibles y no considerábamos que fueran interesantes para nuestros lectores, porque tampoco lo eran para nosotros. Por mucho que los críticos llegasen al orgasmo con uno y cada uno de ellos. Hasta que hemos escuchado su último álbum de título larguísimo (y pretencioso) que solamente escribiremos una vez y en minúsculas: Praise A Lord Who Chews But Which Does Not Consume; (Or Simply, Hot Between Worlds). Nota mental, solo le permitimos a Fiona Apple que escriba títulos tan largos. 

Detrás de YVES TUMOR se esconde el músico y productor californiano Sean Bowie, este es el quinto álbum de su carrera y cuenta también con la producción de Noah Goldstein, probablemente sea el menos experimental y más audible para todos los públicos y por eso lo estamos reseñando. Porque encontramos calidad y lo puede disfrutar muchísimo cualquier persona. Para algunos críticos rimbombantes, probablemente sea el peor trabajo de los cinco que tiene editados y lo consideren menos "ambicioso y arriesgado" precisamente por eso, porque lo podemos disfrutar todos y no unos pocos. Nosotros siempre hemos pensado en el cuento de El Traje Nuevo De El Emperador cuando nos enfrentamos a la estupidez galopante de algunos medios. Los críticos más pretenciosos ocultan la realidad para hacerse los interesantes y es que todo lo anterior de YVES TUMOR nos importa bien poco, incluso nos parece bastante cuestionable, por mucho que los críticos hayan dicho que era maravilloso. Nosotros veíamos a un señor desnudo, como en el cuento, y no íbamos a negar en ningún momento que estábamos viendo a un señor desnudo. Este disco ahora puede parecerles un disco menor solo porque "lo entendemos todos" y es que no hay nada que entender, el oyente no tiene ningún problema. Lo tienen todos los críticos gilipollas que fomentan ese tipo de postureo estúpido. 

La crítica también ha apoyado este trabajo, pero valora más alto otros de esos álbumes más experimentales a los que hacía referencia antes como Safe In The Hands Of Love (2018) al que le otorgó una media de 89/100, la más alta de su carrera. PRAISE A LORD... tiene una media de 85 sobre 100 que se distribuye de la siguiente manera: 91/100 Consequence; 90/100 DIY y MusicOHM; 84/100 Paste y Pitchfork; 80/100 The Wire, NME, AllMusic, Slant, The Guardian, Eclaim!, The Skinny y No Ripcord; 76/100 BPM y cierra con 60/100 The Line Of Best Fit. PRAISE A LORD... Es un álbum variado, que no ecléctico y lo más cercano al Pop que probablemente vaya a hacer nunca. Se podría hablar de álbum conceptual o de conceptos -Dios está muy presente y no solamente en el título- y llaman la atención las texturas. YVES TUMOR juega con muchos elementos, desde el glam rock, hasta el R&B más sofisticado y hasta nos puede recordar a Prince en algún momento. A nosotros no nos parece ni menor, ni poco ambicioso, nos gusta más que todo lo que había hecho antes con muchísima diferencia. Por eso nuestra nota es de un 90 sobre 100. Por cierto, aquel disco tan aclamado por la crítica; Safe In The Hands Of Love (2018) nosotros nos lo cargamos discretamente con un 45/100 en una de nuestras antiguas listas de álbumes no reseñados. 

MEJORES MOMENTOS: God Is A Circle, Lovely Sewer, Parody, Echolalia, 

MEDIA CRÍTICA: 85/100

NUESTRA VALORACIÓN: 90/100

H. HAWKLINE: MILK FOR FLOWERS. UNA OBRA MAESTRA.

 

Detrás de H HAWKLINE se esconde Huw Evans un artista multidisciplinar galés y muy polifacético. Además de músico, intérprete y compositor es presentador de radio y televisión y diseñador gráfico. Las portadas de todos sus álbumes son obra suya y también ha diseñado portadas para otros artistas como Kevin Morby, Teenage Fanclub o Cate Lebon, a quien tenemos que citar doblemente porque además es la productora de MILK FOR FLOWERS el quinto álbum de estudio de la carrera de H HAKLINE. Un álbum con un sonido cercano al synthpop de los noventa con cierta nostalgia que propicia una mirada muy lejana hacia Depeche Mode o Erasure, aunque se trata de un sonido actualizado y revitalizado más propio del presente, independientemente de que todo ese bagaje sentimental y emocional vaya por esos derroteros y los que tenemos una edad suficiente para tener una sensación de Deja Vù conectemos enseguida con este álbum precisamente por eso. La clave de ese sonido proablemente la tenga Cate Lebon, que ha conseguido algo bastante más concreto que lo que ella suele hacer en sus propios trabajos y ha enriquecido muchísimo el universo creativo de H HAWKLINE. Este álbum cuenta también con las colaboraciones de: Stephen Black, Harry Bohay, Euan Hinshelwood, Paul Jones, Davey Newington, John Parish y Tim Presley. Unas excelentes credenciales que nos pusieron en estado de alerta en cuanto supimos de su existencia.

En cuanto a las críticas, se trata de un álbum que ha convencido a todos. Su media es de un 84 sobre 100 que se distribuye de la siguiente manera AllMusic 90/100; Under The Radar 85/100; Uncut, The Observer y Mojo 80/100 para terminar con Pitchfork y su 72/100. Para nosotros ha sido uno de esos álbumes inspiradores, de los que decimos siempre que este blog existe gracias a ellos. Si no fuera porque de vez en cuando aparece un trabajo como MILK FOR FLOWERS, seguramente ya habríamos cerrado este blog. Y porque es todo un placer escucharlo, no podríamos darle menos de un 97/100. Es un álbum muy bien cohesionado como álbum y está repleto de grandes canciones de arquitectura muy sólida, que además van acompañadas de un sonido muy agradable con una instrumentación muy depurada y precisa que fluye con muchísima naturalidad y nos ha recordado a los picos más altos de los álbumes de Hayden Thorpe, otro de nuestros favoritos. Un 97/100 fue nuestra primera nota, sabíamos que podría ser un 100/100 perfectamente de aquí a Diciembre. Pero en esta actualización que estamos haciendo a día Jueves, 30 de Marzo, no vamos a esperar a Diciembre. Ya compramos el álbum, no podemos dejar de escucharlo, lo tenemos en bucle y es un claro 100 sobre 100. Incluso hemos corregido el título. Esta entrada se llamaba H. Hawkline: Milk For Flowers. Casi Una Obra Maestra. Si os fijáis arriba hemos quitado el "Casi". Porque es que es una Obra Maestra. Si hoy tuviéramos que confeccionar nuestra lista de los mejores álbumes del año, sin duda estaría en el Top3. 

MEJORES MOMENTOS: Like You Do, Athens At Night, Milk For Flowers, Empty Room

MEDIA CRÍTICA: 84/100

NUESTRA VALORACIÓN: 100/100

 

EL REGRESO DE EMILÍANA TORRINI.

 

En 2017 la intérprete y compositora islandesa de ascendencia italiana EMILÍANA TORRINI decidió regrabar algunas de las canciones de su repertorio con el dúo belga THE COLORIST ORCHESTRA y dimos muy buena cuenta de ello en su momento. Precisamente ese mismo año, la Torrini hacía una colaboración como vocalista invitada en el álbum de Kid Koala y prácticamente hemos sabido muy poco sobre ella desde entonces. Hoy mismo se ha puesto a la venta RACING THE STORM que es su segunda colaboración con THE COLORIST ORCHESTRA, pero esta vez con nuevas canciones que suponen el regreso de EMILÍANA TORRINI, ya que no grababa material inédito desde Tookah (2013). Es cierto que esta vez no vamos a encontrar un álbum como Fisherman's Woman (2005) que sigue siendo su mejor trabajo y uno de los mejores álbumes de los últimos veinte años. Pero todo el tiempo que ha pasado desde entonces no ha pasado en balde, su evolución es bastante clara hasta llegar a este impecable RACING THE STORM muy bien acompañada de la complicidad de THE COLORIST ORCHESTRA que han sabido dar mucha luminosidad y amplitud sonora a sus composiciones. Técnicamente es posible que sea mejor álbum que sus álbumes más celebrados, solamente por todos los avances que ha conseguido con su sonido. Pero cuando eres una intérprete intimista que sabes tocar todos los resortes para arañar el alma de tus oyentes, tanta perfección buscando ese sonido más depurado y luminoso puede ser contraproducente. Es lo que comentábamos que podría pasar con Arny Margret en un futuro. Todas estas artistas que han creado escuela con su intimismo casi minimalista deberían abrazarse a esa ralidad que las hace únicas y no pretender ser más perfectas, porque ya lo son. Aunque lo natural sea evolucionar como ha evolucionado la Torrini. 

Os recordamos que RACING THE STORM se ha liberado hoy mismo y algunos de sus cortes ni siquiera tienen registradas las reproducciones en Spotify en el momento que escribimos esto. Al igual que la recepción crítica, solamente ha sido reseñado por los siguientes medios: AllMusic y MusicOHM que le han otorgado el 80/100; Uncut 70/100 y Mojo 60/100. Para concluir en una media de 74 sobre 100 que esperamos ascienda en las próximas horas a medida que otros medios se hagan eco de este nuevo lanzamiento. Porque el álbum no merece menos de un 85 sobre 100. En cualquier caso, EMILÍANA TORRINI ha creado escuela y al que le gusta, este álbum no puede faltar en su colección, como tampoco deben faltar el resto. Y también es un buen álbum para redescubrirla o descubrirla directamente, porque diez años sin grabar material inédito es suficiente tiempo para que te pase factura y no termines de conectar con ese nuevo público que entonces eran niños y comienzan a escuchar música ahora. En cualquier caso, se la recomendaremos también a nuestro público de Tik Tok que en gran parte son ese nuevo público.

MEJORES MOMENTOS: Dove, Wedding Song, Right Here, Mikos, Hilton

MEDIA CRÍTICA: 76/100

NUESTRA VALORACIÓN: 85/100

KALI UCHIS: REVOLUCIONANDO EL R&B.

 

Hablamos de KALI UCHIS cuando debutó con el muy interesante, pero sobrevalorado Isolation (2018). Nos llamó muchísimo la atención su potencial, cómo se parecía muchísimo a las más grandes y lo irregular que resultaba toda la mezcla de ese batiburrillo de estilos que estaban de moda en aquel momento. Han pasado cinco años y regresa con su tercer álbum de estudio titulado RED MOON IN VENUS, un trabajo superior y bastante más concreto en cuanto a géneros y estilos. Se trata de un excelente álbum del mejor R&B mezclado con algo de pop y Soul, incluso Soul Psicodélico. Como siempre, se trata de una superproducción con más de veinte productores diferentes entre los que destacan Al Shux, Benny Blanco o Cashmere Cat por citar algunos y también cuenta con la colaboración de Don Tolliver, Omar Apollo o Summer Walker. Cuando apareció Isolation (2018) muchos vieron en ella una especie de Amy Winehouse latina, y aunque eso es algo que ya nadie menciona porque se están olvidando de la Winehouse, en algunas críticas de este trabajo la llegan a comparar con la mismísima Billie Holiday, que son palabras mayores y creemos que esto es bastante contraproducente para una artista que poco a poco ha adquirido su propia identidad y ha conseguido ser ella misma y simplemente es KALI UCHIS, cada día más reconocible y auténtica. Responsable de parte de la producción y la co-escritura de todos los cortes del álbum. Aunque ya puestos a seguir jugando a compararla con otras Diosas del Olympo, nos queda alguna que otra comparación que hacer que todavía nadie ha comentado: Sade Adu, especialmente en el corte titulado Blue.  

A la crítica normalmente le encanta KALI UCHIS, la media de RED MOON IN VENUS es de 85 sobre 100, dos puntos menos que Isolation (2018) y se distribuye entre las siguientes valoraciones: The Skinny le da un pleno: 100/100. Variety 90/100; Pitchfork 82/100; Exclaim!, The Telegraph, The Guardian, NME, Rolling Stone, AllMusic, Clash y DIY todos de acuerdo con el 80/100 y la peor nota es un 60/100 por parte de MusicOMH. A pesar de esos dos puntos de diferencia que dictaminan que Isolation (2018) es el mejor trabajo de la artista según la crítica, nosotros discrepamos y proclamamos este RED MOON IN VENUS el mejor álbum de su carrera y sin tocar techo aún, porque está claro que el próximo será aún mejor, ya que tiene cierto margen para seguir creciendo. Los cortes de este trabajo fluyen con muchísima naturalidad. da igual que suenen en inglés, español o spanglish, es un álbum que se disfruta muchísimo de principio a fin y revitaliza el R&B que ya sabéis que siempre nos quejamos de que si no fuera por los artistas británicos, el género ya estaría muerto y enterrado. Pues bien, ha tenido que llegar una artista colombiano-estadounidense para hacer una lectura muy particular del género y proporcionarle una buena bombona de oxígeno al R&B y le estaremos eternamente agradecidos. Nuestra nota es un 85 sobre 100. 

MEJORES MOMENTOS: I Wish You Roses, Not To Late (Interlude), Blue, Moonlight.

MEDIA CRÍTICA: 85/100

NUESTRA VALORACIÓN: 85/100

HABLEMOS DE MILEY CYRUS.

 

Reconocemos abiertamente que hubo un tiempo en el que evitábamos a toda costa tener que hablar de MILEY CYRUS, ni soportábamos su época Disney, ni tampoco la inmediatamente posterior cuando trataba de hacer añicos de manera forzada esa imagen de adolescente virginal, para dar el paso de convertirse en adulta. Pero han pasado muchísimos años de todo eso y MILEY CYRUS edita su octavo álbum de estudio ENDLESS SUMMER VACATION y ya es hora de que nos paremos a comentar algunos aspectos que nos están gustando del nuevo rumbo que ha tomado su carrera. Es cierto que empezamos a mirarla con unos ojos con los que no la habíamos visto nunca con Plastic Hearts (2020) pero no fue suficiente para que nos parásemos a escribirle una reseña. Después de Plastic Hearts (2020), sabíamos que este nuevo álbum iba a ser definitivo en su carrera. No es un álbum perfecto. Pero es lo mejor que ha hecho en toda su vida, de momento. Porque todavía podría superarlo. No nos engañemos. Es mainstream puro y duro. Tiene como una docena de productores: Kid Harpoon, Greg Kurstin, Mike WILL Made-it y Tyler Johnson por citar a los más importantes, ha sido grabado en siete estudios de grabacion diferentes a caballo entre Los Angeles, Londres y Nashville y ha contado con dos pesos pesados en el apartado de las colaboraciones Sia y Brandi Carlile. Ni que decir tiene que ha sido Nº1 en muchos charts nada más editarse y que el número de reproducciones que tiene Flowers, su primer adelanto, son obscenas. Esto de entrada le garantiza un gran éxito comercial y varias nominaciones al Grammy, no nos extrañaría que incluso al álbum del año.

Pero... Y la Crítica? Que ha dicho la Crítica? Nosotros pensábamos que se iban a rendir ante este nuevo trabajo. Total... A toda artista Mainstream le llega un momento en la vida en el que la crítica se acaba reconciliando con ella. A Madonna le pasó con Ray Of Light (1998) y a Taylor Swift con Folklore (2020). Nosotros estábamos convencidos de que ENDLESS SUMMER VACATION sería el Ray Of Light de la Cyrus. Pero mucho nos tememos que habrá que esperar un poco todavía para eso. Aunque también estamos seguros de que no tardará en llegar. El promedio de la crítica de Miley Cyrus, siempre fue bastante bajo. Ya lo comentamos cuando hablamos de su hermana Noah Cyrus el año pasado, que consiguió con solo un álbum (excelente, por cierto) todo el reconocimiento crítico que le han negado a Miley durante toda su carrera, cosa que le ha ocurrido también a otras grandes del Mainstream como a P!nk. Incluso Lady Gaga todavía no nos ha dado ese álbum que la crítica haya puntuado con un 100/100 de manera unánime. La media crítica de ENDLESS SUMMER VACATION es un 81 sobre 100 y se convierte en la mejor de la carrera de Miley Cyrus. Se distribuye de la siguiente manera: 82/100 es la nota más altas por parte de Variety, 80/100 DIY, The Telegraph, Independent, Clash, NME, The Guardian; 75/100 Consequence y 60/100 The Line Of Best Fit. Como dijimos al principio, no es un álbum perfecto, nosotros que nos quejamos mucho de los álbumes con pocos cortes y siempre queremos más, precisamente a este álbum lo hubiéramos dejado en diez cortes en vez de los trece que tiene. Nos sobran Handstand e Island, que recordemos ahora mismo. Pero en el Maintream no es muy habitual los álbumes con diez cortes, lo normal es igualar o superar la docena casi siempre. Aún así, y dejando muy claro que no está de 100/100, que la máxima nota otorgada por un medio importante sea el 82/100 de Variety nos parece bastante injusto. Es un álbum que pasa perfectamente nuestro corte del 85 sobre 100 para formar parte de nuestra lista de los mejores álbumes del 2023 y probablemente sea el álbum de Miley Cyrus que tenga la vida más larga y del que más singles se extraigan. 

MEJORES MOMENTOS: Flowers, Jaded, Wonder Woman, Thousand Miles

MEDIA CRÍTICA: 81/100

NUESTRA VALORACIÓN: 85/100

DESCUBRIENDO A JEN CLOHER

 

Hay veces que los alumnos aventajados superan a sus profesores y esto lo entenderéis perfectamente cuando os contemos quien es JEN CLOHER, una veterana en activo desde hace más de una década y con varios álbumes editados. I AM THE RIVER, THE RIVER IS ME es su sexto álbum de estudio. Es cierto que fuera de Australia es una desconocida e incluso nos atreveríamos a decir que tiene poco recorrido internacional a pesar de que su material es de lo más atractivo. Pero para que os hagáis una idea, Courtney Barnett, que sí que es muy conocida en todo el mundo, formó parte de su banda como guitarrista y corista desde 2012 a 2018 y fue pareja sentimental de Cloher en esos años. Barnett se ganó una reputación como rockera especialmente gracias a su álbum en solitario Sometimes I Sit And Think... (2015), pero si escuchamos este álbum de JEN CLOHER vemos claramente, de quien lo aprendió todo. Una lástima que Jen Cloher no haya tenido ese reconocimiento internacional que Barnett le costó muy poco conseguir. I AM THE RIVER, THE RIVER IS ME posee un material con muchísima riqueza. Para empezar Cloher es descendiente de maoríes, concretamente pertenece a los Ngàpui y Ngàti Kahu por parte de madre. Por eso algunas de sus letras mezclan palabras en maorí con el Inglés. Una de las canciones más bellas de este trabajo es Mana Takatàpui. Por cierto, Takatàpui es el término que se usa en Maorí para definir a las personas LGBTI+, palabra con la que se identifica Cloher cuando habla de sí misma. 

La media crítica de I AM THE RIVER, THE RIVER IS ME es de un 78 sobre 100 y se distribuye de la siguiente manera: 90/100 The Sydney Morning Herald; 80/100 MusicOHM y Uncut y 60/100 Mojo. Como podréis imaginar lo que más llama la atención de este trabajo es su oficio como gran compositora y rockera mezclado con toda esa parte tan exótica. A nosotros nos ha gustado mucho más que todos los álbumes que ha editado Courtney Barnett después del citado Sometimes I Sit And Think... (2015), aunque entendemos muy bien su éxito y que Cloher sea una desconocida en países como España. Pero para eso estamos nosotros en este blog, para dar a conocer a este tipo de artistas. Porque solo hemos necesitado pocas notas de Mana Takatàpui para quedarnos totalmente enganchados y fascinados, pero es que el resto del álbum mejora canción a canción. Ha sido una gran sorpresa, un gran descubrimiento y no podíamos dejar de compartirlo con nuestros lectores. Nuestra nota es un 88 sobre 100.

MEJORES MOMENTOS: Mana Takatàpui, My Witch, Protest Song, Being Human, Harakeke 

MEDIA CRÍTICA: 78/100

NUESTRA VALORACIÓN: 88/100

BLACK BELT EAGLE SCOUT: PAISAJES SONOROS TERRENALES.

Detrás de BLACK BELT EAGLE SCOUT nos encontramos a Katherine Paul una intérprete, compositora, multiinstrumentista originaria de la comunidad tribal india Swinomish en Puget Sound (Washington). Sus primeras experiencias musicales incluyeron escuchar y cantar música indígena de la costa Salish. Paul aprendió a tocar el piano y la flauta en la banda de su colegio. Pero empezó a interesarse por la guitarra y la bataría gracias a unos VHS de Hole y Nirvana que cayeron en sus manos. El resto, es historia. Cuando comenzó su carrera se estableció en Portland (Oregón) y se puede decir que pertenece a su escena musical. Desde su Ep debut homónimo del 2014, BLACK BELT EAGLE SCOUT ha publicado tres álbumes de estudio. Hoy hablamos del tercero: THE LAND, THE WATER, THE SKY. Cuyo título ya nos da una pista de que estamos ante un álbum de indie pop plagado de atmósferas y paisajes sonoros. Es cierto que es bastante fiel a todos los parámetros del indie pop que ya hemos comentado otras veces cuando hemos hablado de artistas como Snail Mail, por ejemplo. Pero Katherine Paul añade elementos de su propia identidad en algunos momentos como esos coros tribales en forma de lamento en Spaces algo que marca la diferencia con lo que hacen el resto de artistas indies. Aunque a decir verdad, debería jugar mucho más con esos elementos de lo que lo hace. El álbum está compuesto y producido por la propia Katherine Paul y mezclado por Nicholas Wilbur.

A la crítica en general le ha gustado, su media es de un 79 sobre 100 y se distribuye de la siguiente manera: 90/100 Under The Radar y PopMatters; 82/100 Paste; 80/100 Clash; 78/100 Beats Per Minute; 76/100 Sputnikmusic; 75/100 Pitchfork; 70/100 AllMusic, Uncut y Exclaim! y 60/100 The Line Of Best Fit. Como veis, poca unanimidad en las valoraciones. Nosotros lo tenemos muy claro, es cierto que tiene aspectos de esa música indie de siempre de la que estamos un tanto cansados. Pero por otro lado, posee un lirismo casi poético y una profundidad poco usual en este universo, y esa parte es bastante cautivadora. Además de que es un prodigio de producción musical y es un álbum que rezuma muchísima calidad. Quizás debería haber potenciado mucho más esa parte de exotismo que tiene que ver con su propia idiosincrasia, y lo hubiera hecho único. En cualquier caso, si no le diéramos el 85 sobre 100 seríamos muy injustos. Y esa es nuestra nota. 

MEJORES MOMENTOS: Spaces, Nobody, Don't Give Up, My Blood Run Through This Land.

MEDIA CRÍTICA: 79/100

NUESTRA VALORACIÓN: 85/100

THE LATHUMS: LA BANDA DEL MOMENTO.

THE LATHUMS es una banda de Indie Rock británica (Wigan, Greatest Manchester). Hace dos años nos presentaban su álbum debut How Beautiful Life Can Be (2021), que a pesar de terminar en una de nuestras antiguas listas de álbumes no reseñados y con una valoración de 80/100 por nuestra parte, sabíamos que tarde o temprano acabaríamos dedicando un espacio a esta banda en nuestro blog, porque todas nuestras sospechas de que harían algo grande en el futuro se han cumplido en este segundo trabajo titulado FROM NOTHING TO A LITTLE BIG MORE, que es, de lejos, el mejor lanzamiento de este fin de semana. The Lathum han sido comparados a veces con The Smiths (en este álbum se nota la influencia) o Arctic Monkeys, a nosotros nos han recordado por momentos a U2 pero cuando sonaban frescos y no sobrevivían con discos alimenticios, como ocurre desde hace una década a esta parte. La gran baza de THE LATHUMS es su honestidad a la hora de contar historias. Cuentan que la ruptura amorosa de la primera relación seria de su líder ha inspirado algunas de las mejores canciones del álbum. Como siempre, el desamor es el motor que mueve la creatividad. Y también se han tenido que enfrentar a la marcha de Johnny Cunliffe el bajista que estaba en la banda prácticamente desde el principio y comenzar a trabajar con Matty Murphy, el nuevo bajista. Está claro que nadie es imprescindible. Pero ciertos cambios drásticos pueden poner en jaque a una banda y ellos superaron ese escollo con esa misma honestidad de la que hablábamos antes y han conseguido crear entre todos uno de los álbumes más interesantes de la temporada a pesar de todas esas dificultades. 

En cuanto a la crítica su media en el momento que escribimos esto es de 78 sobre 100, de entrada, seis puntos por encima de la media crítica de su álbum debut que fue de un 72/100. Para empezar, medios como The Telegraph que valoraron a How Beautiful Life Can Be (2021) con un 60/100 le han otorgado a FROM NOTHING TO A LITTLE BIT MORE el pleno, el 100/100 que es su mejor nota recibida. El resto de valoraciones se distribuye de la siguiente manera: Mojo y Clash 80/100; Gigwise 70/100 y cierra Record Collector con la valoración más baja que es un 60/100. A nosotros es un álbum que nos ha encantado porque es complicado que algo dentro del Pop Británico que tiene unos esquemas que se repiten y que ya lo hemos escuchado prácticamente todo, suene fresco. Y ellos lo hacen, aunque tiren de de reminiscencias clásicas a lo The Smiths en algunos cortes o incluso se permitan un pequeño homenaje a los sonidos de la Motown en I Know Pt 1. Es un hecho que es un álbum repleto de buenas canciones y singles potenciales a los que no nos podemos resistir y nuestra nota es un 92 sobre 100. 

MEJORES MOMENTOS: I Know Pt 1, Struggled, Sad Face Baby, Say My Name

MEDIA CRÍTICA: 78/100

NUESTRA VALORACIÓN: 92/100 

U.S. GIRLS: SIEMPRE SORPRENDENTE.

 

Cuando buscas información sobre U.S. GIRLS las descripciones que hay escritas, siempre lo etiquetan de la misma manera: "El proyecto de pop experimental de Meghan Remy" y aunque ya habíamos reseñado dos álbumes suyos: el aclamado In A Poem Unlimited (2018) y el infinitamente superior, pero menos valorado, Heavy Light (2020), nunca hubiéramos usado la palabra "experimental" para describirlos, especialmente con toda la carga negativa que tiene esa palabra, que puede echar hacia atrás al oyente más voluntarioso. Pues bien, esta vez y con BLESS THIS MESS y por primera vez, sí que usaríamos esa palabra. No en todos los cortes, pero sí en algunos. La última vez que hablamos de Remy quedamos en que nos había dado una lección magistral de buen pop con Heavy Light (2020). BLESS THIS MESS sigue su senda, pero esta vez opta por un camino plagado de recovecos en los que se pierde un poco. Está claro que no quiere hacer exactamente lo mismo que hizo en su álbum anterior. Porque Remy es de las pocas que arriesgan y cuando sacan un trabajo al mercado, lo hace porque tiene algo que decir, no hace álbumes alimenticios. Pero por una vez, hubiéramos preferido que hubiera sido algo más complaciente con el oyente medio. Especialmente, evitando cortes como el titulado Outro que dura más de tres minutos y cierra el álbum. Suele ocurrir con algunos artistas y también con Meghan Remy, que un álbum menor suyo, suele ser infinitamente superior al mejor álbum de otro artista. En cuanto a la ficha técnica, ella produce y se encarga prácticamente de todo. Pero ha contado con las colaboraciones de Michael Rault, Marker Starling y Alanna Stuart.

En el apartado crítico, la media de BLESS THIS MESS es de un 76 sobre 100. Bastante alejada del 82/100 de Heavy Lighht (2020) o del 87/100 de In A Poem Unlimited (2018) su álbum mejor valorado hasta el momento. Esa media se distribuye de la siguiente manera y va desde la nota más alta de Beats Per Minute que es un 83/100, hasta las más bajas que provienen de The Observer y MusicOHM 60/100 y de Slant Magazine 40/100, aunque hay cierta unanimidad en el 80/100 por parte de AllMusic, Glide, Pitchfork o Clash entre otros. A nosotros nos sigue gustando más Heavy Light (2020) y como dijimos antes consideramos a BLESS THIS MESS un álbum menor en su discografía. Pero eso no significa que consideremos que es un mal álbum, ni siquiera diríamos que es un álbum fallido. De hecho, a poco que pase algo de tiempo por él seguramente lo veremos con otra perspectiva y puede que nos arrepintamos de haber dicho que es un álbum menor. Porque Remy podrá gustarnos más o menos, pero es innegable que es una gran músico y tiene un dominio de la composición y la producción que rozan la genialidad y nunca da una puntada sin hilo y este álbum esconde alguna que otra gema entre tanto postureo experimental. Así que a pesar de todo lo que hemos dicho, nunca dejaríamos de recomendar este trabajo que valoramos con un 84 sobre 100. 

MEJORES MOMENTOS: Feature Bet, So Tipically Now, Only Deadalus

MEDIA DE LA CRÍTICA: 76/100

NUESTRA VALORACIÓN: 84/100

 

ESCUCHANDO A GRACIE ABRAMS SIN PREJUICIOS.

En algunos casos es bueno acercarse a los álbumes a ciegas, sin tener ninguna información de la persona que hay detrás. De GRACIE ABRAMS sabíamos que la había fichado un sello discográfico importante y había sacado un par de Eps con cierto éxito, que no habíamos escuchado. Pero también sabíamos que es la hija de uno de los hombres más poderosos de Holywood, JJ Abrams -Productor de éxito en televisión y director de las sagas recientes de Star Wars y Star Trek- y que GRACIE ABRAMS ha recibido muchas acusaciones de nepotismo en forma de hate en las Redes Sociales por ello. Dicen que lo ha tenido mucho más fácil que otros artistas para acceder a una carrera discográfica, gracias a los contactos de su padre. Cuando nos enteramos que este álbum debut titulado GOOD RIDDANCE salía a la venta esta semana, teníamos que hacer lo posible por escucharlo sin los prejuicios que todo eso pudiera generar, y la única manera que teníamos de hacerlo fue pedirle a uno de nuestros colaboradores que confeccionara una playlist con cinco álbumes aleatorios de los que tampoco teníamos ninguna referencia y que incluyese GOOD RIDDANCE entre ellos. Escuchamos los cinco álbumes, tomamos notas de los cinco -algunos se reseñarán próximamente- y cuando desvelamos la identidad de cada una de sus autoras y nos llegó el momento de ver lo que habíamos escrito sobre GOOD RIDDANCE de GRACIE ABRAMS nos llevamos una grata sorpresa. Porque fue el álbum que más nos inspiraba una reseña de los cinco. Y no pensamos cambiar ninguna línea de lo que escribimos ahora que sabemos que se trataba de ella. 

GRACIE ABRAMS ha citado como influencias musicales a Joni Mitchell, Simon & Garfunkel, Elvis Costello, Bon Iver, Elliott Smith, Kate Bush, The 1975, James Blake, Taylor Swift, Lorde, Metric, The Killers, y por supuesto a la omnipresente Phoebe Bridgers. Y ha sido correspondida por algunos de estos artistas como Swift o Bridgers que han hecho pública su admiración y apoyo por Abrams para contrarrestar todo ese hate al que se vió sometida. Una vez más el nombre de Phoebe Bridgers es clave para describir este trabajo de GRACIE ABRAMS compuesto a cuatro manos por Abrams y Aaron Dessner (The National) que es el productor del álbum al que se le suma Matías Téllez como co-productor adicional en dos de los cortes. Y ya lo comentábamos el otro día cuando hablamos de Samia que guarda ciertas similitudes con GRACIE ABRAMS por ser también hija de dos celebrities -aunque Samia siempre estuvo libre de sospechas- y por contar las historias que cuentan las cantautoras de su generación, abanderadas por Phoebe Bridgers, en álbumes denominados "confesionales" que son como auténticos diarios en los que desnudan su álma y narran sus problemas y ansiedades. En el caso de GRACIE ABRAMS su manera de describir el sentimiento de culpa es desgarradora. Musicalmente recuerda mucho a Phoebe Bridgers o a la propia Samia, incluso a Clairo. Si hubiera que poner un pero, quizás sería que el mercado comienza a saturarse con este tipo de cantautoras y que al final solamente sobrevivirán las mejores. Aunque ahora mismo no sobra ninguna y hay espacio para todas ellas. Porque es cierto que todas están cortadas por el mismo patrón, pero cada una de ellas aporta algo diferente. 

Los críticos le han dado una media de 79 sobre 100 que se distribuye de la siguiente manera: Dork le otorga el pleno, el 100/100 y considera que es uno de los mejores álbumes del año. Luego tenemos cierta unanimidad con el 80/100 por parte de NME, DIY y Clash y las notas más bajas son 70/100 y 62/100 y provienen de The Line Of Best Fit y Pitchfork, respectivamente. El tono de la crítica de Pitchfork evidencia todos esos prejuicios que nosotros queríamos evitar a toda costa. Algo que creemos haber conseguido. Por nuestra parte, es cierto que encontramos demasiados referentes muy recientes como influencias, desde la ya citada Phoebe Bridgers, hasta las producciones que Jack Antonoff ha realizado últimamente. Cuando dijimos en su día que Folklore (2020) de Taylor Swift marcaría un hito en la historia de la música contemporánea y que afectaría a futuras producciones, nos referíamos justo a esto. En nuestras escuchas a ciegas hubiéramos jurado que la producción de este álbum pertenecía a Antonoff en vez de a Dessner. A pesar de que existe una delgada línea que separa la referencia-homenaje del plagio y aquí encontramos algunos momentos que nos han hecho dudar, en líneas generales el álbum nos ha gustado bastante, y concretamente sí que hemos apreciado el talento de su autora, hasta el punto de que nuestra primera valoración (también a ciegas) fue de un 90 sobre 100. Valoración que ahora que sabemos que es ella no podemos bajar a nuestro 85/100 de rigor, porque entonces también saldrían a flote nuestros prejuicios y no habría servido de nada el experimento.

    

MEJORES MOMENTOS: Difficult, Where Do We Go Now?, I Know It Wont Work

MEDIA DE LA CRÍTICA: 79/100

NUESTRA VALORACIÓN: 90/100