HAYDEN EVERETT: EL SOL TRAS LA LLUVIA.

 

Hay discos que llegan sin demasiado ruido y que, sin embargo, merecen mucha más atención de la que reciben. SO THE SUN CAN POUR, álbum debut de HAYDEN EVERETT, es uno de ellos. Publicado en abril de 2026 -Se ha editado una edición Deluxe con algunos extras que es la que os enlazamos en la entrada-, el trabajo confirma la sensibilidad de un artista que se mueve con naturalidad entre el indie folk, el pop alternativo y la introspección melódica. Un lanzamiento que, pese a su escasa repercusión en los circuitos de crítica generalista, merece encontrar su público.

Musicalmente, SO THE SUN CAN POUR se mueve entre el folk y el folk-pop, con claras conexiones con la Americana y una producción que conserva la cercanía y la calidez propias de estas tradiciones. De vez en cuando afloran también pequeñas reminiscencias de alt-country, matices que enriquecen el conjunto sin alterar su identidad esencial. Hayden Everett demuestra así una sensibilidad musical que encuentra su fuerza en la naturalidad, la sencillez expresiva y el equilibrio entre sus distintas influencias.

HAYDEN EVERETT es el responsable de la composición de todo el repertorio, excepto de la interesante Roll On Thru para la que ha necesitado la colaboración de Sebastian Jones, Jacob Augustine, Ethan Fortenberry, Ellington Peet y Collin McCrary. Como apunte, tenemos que decir también que el álbum se grabó en directo junto a varios amigos y músicos cercanos, durante un fin de semana en la cabaña familiar de Tahoe, California, construida por su bisabuelo. 

En el plano narrativo, SO THE SUN CAN POUR se presenta como una reflexión sobre los contrastes de la existencia y la necesidad de aceptar que la alegría y la tristeza, el amor y la pérdida forman parte de una misma experiencia vital. Everett ha explicado que buena parte de las canciones surgieron durante los tres años que dedicó a escribir el álbum, especialmente a raíz de sus vivencias en el Parque Nacional de Glacier, en Montana, donde la naturaleza, la soledad y los encuentros con otras personas alimentaron su inspiración (Montana Day, Wind Song...). A partir de experiencias personales y observaciones cotidianas, el músico aborda cuestiones como las relaciones sentimentales, el duelo, la amistad, el paso del tiempo y la transformación personal. También hay espacio para reflexionar sobre nuestra manera de percibir el mundo, como sucede en Bird Eye View, o para cuestionar la superficialidad y el materialismo de la sociedad contemporánea, algo especialmente evidente en Angela. Las montañas, el viento y los cambios de estación funcionan como metáforas de los procesos emocionales, reforzando una visión de la vida en la que las dificultades no deben entenderse únicamente como obstáculos, sino también como parte indispensable del crecimiento.

La producción corrió a cargo del propio HAYDEN EVERETT y Sebastian Jones, mientras que Tucker Martine se ocupó de la mezcla en Flora Playback & Recording, en Portland, y Paul Blakemore realizó la masterización. La propuesta sonora responde a una intención muy concreta: preservar la naturalidad y la imperfección de las interpretaciones, evitando un acabado excesivamente pulido. Everett explica que la idea era grabar todos los temas en directo, capturando la interacción entre los músicos, sus respiraciones, pequeños detalles instrumentales y esos momentos espontáneos que transmiten la sensación de estar compartiendo la misma habitación. El resultado combina la sensibilidad acústica del folk con la formación jazzística de los músicos, algo que se aprecia en los arreglos, la instrumentación y la sutileza de las interpretaciones. El propio Hayden define el planteamiento como hacer un disco de folk interpretado por músicos de jazz. Así, la producción apuesta por un sonido cálido, orgánico y cercano, en el que la complicidad entre los participantes tiene tanto peso como las propias canciones.

En cuanto a su recepción crítica, SO THE SUN CAN POUR representa bastante bien una realidad cada vez más habitual en el panorama musical independiente: hay discos que encuentran su público y generan un interés considerable en espacios especializados, pero que pasan prácticamente inadvertidos para los grandes medios y los circuitos de crítica generalista. Es fácil imaginar que un trabajo de estas características haya despertado el interés de numerosos blogs independientes con vocación curatorial, como el nuestro, porque estamos ante uno de esos álbumes que justifican precisamente la existencia de estos espacios: descubrir, escuchar con atención y reivindicar propuestas que merecen mayor difusión. Sin embargo, su presencia crítica resulta prácticamente invisible en plataformas como Album of the Year (AOTY), donde figura como NR (Not Rated), sin valoración agregada. Y lo preocupante es que esto empieza a convertirse en algo demasiado frecuente con algunos de los mejores trabajos de indie folk: discos de enorme sensibilidad, calidad compositiva y personalidad artística que parecen existir al margen de la conversación crítica oficial. Quizás sea precisamente ahí donde cobra sentido nuestra labor: dar visibilidad a la música que nos conmueve, aunque otros todavía no hayan considerado necesario prestarle atención.

En definitiva, SO THE SUN CAN POUR es un debut extraordinariamente sensible, de esos discos que no necesitan grandes artificios para dejar huella. HAYDEN EVERETT encuentra en el folk una herramienta perfecta para hablar de cuestiones universales sin perder nunca la cercanía, combinando una escritura evocadora con una instrumentación orgánica y una sensibilidad que atraviesa sus composiciones. Un trabajo que entiende que la alegría y la tristeza, el amor y la pérdida, la luz y la oscuridad no son conceptos enfrentados, sino partes de una misma experiencia. Porque, a veces, para que vuelva a salir el sol también necesitamos dejar que llueva. Nuestra valoración es un 90 sobre 100. 

MEJORES MOMENTOS: Bird Eye View, Taylor, Killer Whale, Roll On Thru, Montana Day, Wind Song...

MEDIA CRÍTICA: -----

NUESTRA VALORACIÓN: 90/100

RACHEL CHINOURIRI: WHAT A COMMERCIAL TURN OF EVENTS.

Después de What A Devastating Turn Of Events (2024), uno de los debuts más interesantes de los últimos años, teníamos motivos para esperar que RACHEL CHINOURIRI continuara desarrollando ese universo musical tan particular que la había convertido en una artista diferente. No nos hubiera importado que insistiera en aquella fórmula, que siguiera profundizando en sus influencias y en una identidad que destacaba precisamente por su idiosincrasia, su personalidad y una manera muy reconocible de entender el indie pop. Sin embargo, con I THINK I SPOKE TOO SON nos encontramos ante un cambio de dirección bastante evidente. Synthpop, Alt-Pop, Pop Rock, Indie Rock y Dance-Pop se mezclan en un trabajo que apuesta decididamente por un sonido más accesible y comercial. Un giro que, en nuestra opinión, llega demasiado pronto y que transmite cierta urgencia por reinventarse cuando todavía había mucho recorrido en el camino anterior. 

Conviene asumir desde el principio que difícilmente vamos a encontrar aquí un álbum tan interesante como su predecesor. Una vez aceptado esto, podemos disfrutar de un disco que tiene bastante más que ofrecer de lo que podría sugerir nuestra reticencia inicial. Las cuatro primeras canciones dejan muy claro hacia dónde quiere dirigirse Chinouriri: composiciones potentes, estribillos pegadizos y una inmediatez que no estaba tan presente en su debut. Después llegan I'm Star y AAAHH!!! dos ejemplos especialmente acertados de esta nueva orientación. Son canciones comerciales, sí, pero conservan una personalidad tan marcada que resulta imposible imaginarlas en manos de otra artista. Porque sería difícil que RACHEL CHINOURIRI hiciera una canción intercambiable. Su identidad musical sigue estando ahí, incluso cuando decide acercarse a terrenos más convencionales. 

Y aquí es donde encontramos una de las principales virtudes del álbum. No estamos ante un trabajo monótono ni ante uno de esos discos de pop excesivamente preocupados por mantener una supuesta cohesión que termina convirtiéndose en uniformidad. Las canciones tienen gancho, personalidad y capacidad para permanecer en la memoria. El conjunto funciona, mantiene el interés y deja la sensación de que estamos ante un repertorio que puede proporcionarle varios éxitos, posiblemente con mayor facilidad que el de su anterior álbum.  

Tampoco creemos que este cambio pueda atribuirse sin más a una imposición de la industria. Rachel figura como productora del álbum junto a Aaron Paul O'Brien y participa también en la composición de las canciones. Es una decisión artística en la que tiene una responsabilidad creativa evidente. Y eso hace que nuestra valoración sea algo más compleja: admiramos su talento, consideramos que es una de las artistas más interesantes surgidas en los últimos años y reconocemos que tiene capacidad para desenvolverse con enorme solvencia en este nuevo registro. Precisamente por eso, nos cuesta un poco más entender la necesidad de acercarse tan pronto a determinadas fórmulas del mainstream. 

La producción merece también una valoración positiva. Si tenemos en cuenta que su anterior trabajo contaba con un equipo de producción mucho más amplio, resulta destacable que aquí, con Rachel y Aaron Paul O'Brien al frente, se haya conseguido un resultado tan sólido. El sonido está bien trabajado, las canciones mantienen una coherencia estilística y el conjunto tiene suficiente personalidad para no caer en la mera acumulación de fórmulas comerciales. 

En el plano narrativo, I THINK I SPOKE TOO SON resulta bastante más introspectivo de lo que su envoltorio musical podría hacernos pensar. RACHEL CHINOURIRI ha explicado que su anterior álbum estaba más centrado en cómo se relacionaba con el mundo y en cómo era percibida por los demás, mientras que aquí dirige la mirada hacia sí misma. El disco nace de una etapa marcada por las fiestas, el alcohol y una vida social que, pese a sus momentos de diversión, también escondía inseguridades y cierta necesidad de evasión. A través de sus doce canciones va cuestionando aquella imagen de chica fiestera que había proyectado, las relaciones que mantenía y la persona que creía ser. No se trata tanto de renegar de aquella etapa como de comprenderla y aceptar que no tiene por qué definirla para siempre. Hay también una reflexión sobre el crecimiento personal, la dificultad de reconocerse en determinadas versiones de nosotros mismos y la posibilidad de cambiar de opinión sobre quiénes somos. En ese sentido, el título del álbum adquiere todo su significado: quizás habló demasiado pronto al pensar que ya sabía perfectamente quién era.

En cuanto a la recepción crítica, I THINK I SPOKE TOO SON ha obtenido una media de 77 sobre 100, cuatro puntos por debajo del 81/100 conseguido por What A Devastating Turn Of Events. Still Listening le ha otorgado un 85/100, mientras que NME, DIY, The Line of Best Fit, Clash y Rolling Stone UK coinciden en un 80/100. Paste se queda en 75/100, Pitchfork en 73/100 y MusicOMH, Exclaim!, Rolling Stone y The Needle Drop le conceden un 70/100. Estamos ante una recepción mayoritariamente favorable, con valoraciones bastante sólidas, aunque ligeramente menos entusiastas que las de su debut. No parece que el cambio de dirección haya supuesto una mejora en su consideración crítica, pero tampoco estamos ante un disco que haya generado un rechazo significativo. 

Nuestra impresión se encuentra bastante cerca de ese consenso, aunque con un 85 sobre 100 que es una puntuación algo más generosa que la de la mayoría. Al final, podemos echar de menos a la RACHEL CHINOURIRI de su primer álbum y, al mismo tiempo, reconocer que ha firmado un trabajo muy notable. No compartimos del todo el rumbo artístico elegido, nos parece que esta aproximación al pop mainstream llega demasiado pronto y nos hubiera gustado que siguiera explorando las posibilidades de aquella identidad musical que tanto nos había convencido. Pero eso no significa que I THINK I SPOKE TOO SON sea un mal disco, ni mucho menos. Tiene grandes canciones, una producción estupenda, cohesión y una artista con un talento extraordinario que sigue siendo perfectamente reconocible. Quizás no necesitábamos este cambio, pero una vez que ha decidido darlo, lo cierto es que ha sabido sacarle bastante partido. Nos parece bastante superior a lo que han entregado artistas como Jorja Smith o Tinashé este mismo año.

MEJORES MOMENTOS: Pretty Girls, One Song Away For Crying, Broken Chair, I'm A Star, AAAHH!!!, Make Believe, Parasite...

MEDIA CRÍTICA: 77/100

NUESTRA VALORACIÓN: 85/100

CLARA MANN: LA SENCILLEZ DE LA VULNERABILIDAD.

 

Confirmar las expectativas tras un debut sobresaliente como Rift (2025), suele ser uno de los retos más complejos para cualquier compositora, pero CLARA MANN sale airosa del envite con WISHBONE. Si en su primer trabajo el foco estaba puesto en cicatrizar una ruptura desde la introspección, aquí el giro narrativo es radical: Mann decide bajar la guardia, exponerse sin filtros y abrir la puerta al vértigo de enamorarse y entregarse por completo a otra persona. Es un disco articulado en torno a la confianza, un concepto que la artista explora con una madurez poco habitual. 

Para dar forma a este relato emocional, Mann tira de un bagaje cultural amplio y sofisticado que la desmarca de la escena folk convencional. La sombra de su herencia francesa sigue marcando su sensibilidad artística, pero esta vez se manifiesta a través del cine visceral de Leos Carax -citando Los amantes del Pont-Neuf (1993) como espejo estético- y del arte performativo. En concreto, la artista toma como brújula conceptual Rest Energy (1980), la célebre acción en la que Marina Abramović y Ulay sostenían un arco tensado únicamente con el equilibrio de sus propios cuerpos. Esa imagen -que encarna la confianza absoluta, la vulnerabilidad extrema y el riesgo real de entregarse a otra persona- atraviesa todo el álbum y sustituye la contemplación solitaria por la urgencia de compartir el abismo con alguien más. 

En el plano musical, el salto hacia adelante es igual de evidente. Repitiendo alianza con el reputado productor Fabian Prynn y manteniendo el timón absoluto en la composición de todos los temas, Mann abandona el despojo casi minimalista de su estreno para abrazar una producción más amplia, cálida y detallista. Los arreglos de cuerda y piano ganan protagonismo con una sutileza exquisita, vistiendo las canciones sin restarles ni un ápice de esa cercanía física tan suya, esa sensación intacta de tenerla cantando a escasos centímetros en la misma habitación. Esa evolución queda patente a lo largo del repertorio. 

WISHBONE es un álbum de una belleza descomunal, pero también de una cohesión admirable. Sus canciones parecen formar parte de un mismo relato emocional, avanzar juntas hacia un destino compartido, aunque cada una conserva una personalidad propia y la capacidad de funcionar por separado. Desde el rasgueo sutil de guitarra que abre Fortuna, con una voz que te atrapa desde el primer instante y te invita a emprender un viaje cuyo destino desconoces, hasta el elegante piano que introduce Wishbone, Mann demuestra una extraordinaria capacidad para crear expectación y dejar que las emociones crezcan sin recurrir a giros bruscos. En Go Getter, esa delicadeza inicial se expande progresivamente, con el piano adquiriendo un protagonismo especial, mientras que I'm EveryOne Who's Ever Said I Love You avanza con la misma naturalidad hasta desembocar en una sensación de profunda serenidad. 

Pero quizás sea en Oblivion donde mejor se manifiesta la voluntad de exponerse de la artista. Su interpretación íntima y casi susurrada, acompañada por la guitarra, consigue que la voz parezca estar sonando en la misma habitación, tan cerca que casi puedes respirar cada palabra. Es una proximidad que trasciende la escucha y te hace sentir partícipe de esa confesión. En News From Home, por su parte, un rasgueo de guitarra anuncia un desarrollo instrumental cada vez más rico, aunque Mann mantiene hasta el final una intensidad contenida que nunca necesita desbordarse. Y All My Devotion, una de nuestras favoritas, lleva hasta otro nivel esa sensibilidad melódica y armónica que remite inevitablemente a Joni Mitchell: la interpretación vocal es sublime y la aparición progresiva de los arreglos convierte el tema en uno de los momentos más extraordinarios del álbum.

Cuando aparece una voz femenina en el folk, la comparación automática con Joni Mitchell suele ser un recurso tan habitual como cansino. Sin embargo, en WISHBONE el paralelismo va mucho más allá de una simple inflexión vocal; se percibe en la arquitectura de las melodías, en la libertad armónica y en una manera muy particular de entender los arreglos musicales como extensión del estado de ánimo. 

No sorprende que la prensa especializada haya recibido el álbum con aún más entusiasmo que su predecesor, elevando su media hasta un rotundo 87 sobre 100, con sobresalientes de PopMatters y Louder Than War (90/100) y un notable alto de Clash (80/100). 

Nosotros ya rompimos nuestra propia regla al otorgarle la máxima calificación a su debut, y con WISHBONE no queda más remedio que mantener el 100 sobre 100. CLARA MANN no solo demuestra que no era flor de un día, sino que firma un disco luminoso, valiente y profundamente humano. Su grandeza, sin embargo, va más allá de la belleza de sus composiciones o de la delicadeza de sus arreglos. Hay algo en estas canciones que termina calando mucho más hondo: la sensación de que amar, confiar y entregarse quizás no debería ser tan complicado. Que a veces basta con bajar la guardia, dejarse llevar y aceptar la vulnerabilidad que implica querer a alguien. WISHBONE nos deja con la respiración contenida, con ganas de volver a empezar el viaje y, sobre todo, con una certeza reconfortante: que, a pesar de todo, las cosas podrían ser mucho más sencillas.

MEJORES MOMENTOS: All My Devotion, Fortuna, Wishbone, Go Getter, I'm EveryOne Who's Ever Said I Love You, Oblivion...

MEDIA CRÍTICA: 87/100

NUESTRA VALORACIÓN: 100/100