MEDIUM BUILD: CONFESIONES VITALES (NO SIEMPRE ENTENDIDAS).

Nicholas Carpenter es el músico estadounidense que se encuentra detrás de MEDIUM BUILD, un proyecto nacido en 2015 que ha ido construyendo una identidad propia a través de una discografía marcada por la exposición personal, la inquietud creativa y una notable capacidad para conectar con el oyente. Criado en Georgia y posteriormente vinculado a Anchorage, Alaska. La identidad queer de Carpenter, que públicamente se ha definido como bisexual, también forma parte de su recorrido personal y artístico. Criado en un entorno cristiano conservador, ha hablado abiertamente de las dificultades para aceptar y expresar su sexualidad, así como de la importancia de desprenderse de determinadas expectativas sociales y personales. Una vulnerabilidad que ha ido encontrando espacio en sus composiciones y que ayuda a comprender la dimensión autobiográfica de su música. Carpenter ha desarrollado una trayectoria que le ha permitido salir progresivamente del circuito independiente hasta alcanzar una audiencia internacional. Tras cinco álbumes anteriores, entre ellos Country (2024) que supuso su punto de inflexión y su primer disco con Island Records, llega KING OF HAVING FUN. 

Lejos de representar un descubrimiento tardío o una apuesta por reinventarse a toda costa, este nuevo álbum permite acercarse a un artista que lleva una década desarrollando su propio lenguaje. Musicalmente, estamos ante un trabajo que se mueve fundamentalmente en el indie rock, con algunos elementos de folk pop, pero en el que cuesta reconocer el country pop que aparece entre sus etiquetas estilísticas un tanto heredadas de su álbum anterior. Su sonido tiene una combinación de accesibilidad melódica, guitarras y cierta carga melancólica que nunca llega a convertirse en un ejercicio de tristeza. Hay energía, canciones con gancho y una sensibilidad emocional que constituye uno de sus principales atractivos. 

El título puede llevar a engaño si se interpreta desde su significado más literal. KING OF HAVING FUN no es precisamente una celebración despreocupada de la diversión. Carpenter utiliza esa aparente contradicción para revisar su propia identidad, las expectativas que ha construido alrededor de sí mismo y la diferencia entre disfrutar de la vida y limitarse a buscar mecanismos para evadirse. El resultado es un álbum confesional, en el que la introspección no está reñida con la inmediatez de unas canciones que saben encontrar su espacio. 

Armor, primer adelanto del disco, es probablemente su mejor carta de presentación comercial. Arranca con mucha energía, tiene un gancho melódico evidente y una capacidad de conexión inmediata que puede hacer pensar que el álbum seguirá una dirección más festiva. Sin embargo, aunque no sea una canción especialmente diferente del resto del repertorio, sí representa una de sus vertientes más directas y menos confesionales. King Of Having Fun, por su parte, funciona como el centro emocional y conceptual del conjunto. Musicalmente resulta convincente, pero es sobre todo lo que cuenta lo que le otorga un valor especial. Carpenter mira hacia atrás, hacia aquel niño que encontraba diversión en las pequeñas cosas, antes de que esta acabara asociándose con la fiesta, el consumo y la necesidad de aprobación. Es una reflexión sobre el paso del tiempo y sobre la dificultad de recuperar una espontaneidad que parecía mucho más sencilla durante la infancia. 

Home Depot completa esta pequeña selección con una balada que comienza apoyada en una guitarra y va creciendo progresivamente, manteniéndose en un medio tiempo. Su atractivo reside también en la historia que cuenta: el retrato de un hombre emocionalmente contenido, capaz de reparar cualquier desperfecto material, pero con dificultades para enfrentarse a sus propios sentimientos. Carpenter parte de una figura casi caricaturesca para terminar humanizándola, reconociendo en ella comportamientos que también forman parte de sí mismo. No es difícil entender que una historia tan cotidiana y reconocible haya conectado con tantos oyentes. 

Hay cohesión en el conjunto, pero eso no impide que las canciones tengan personalidad propia y puedan defenderse individualmente. El álbum entra a la primera, tiene melodías que permanecen y una capacidad de conexión que no necesita de demasiadas escuchas para hacerse evidente. Queda por comprobar cómo resistirá el paso del tiempo y si esa inmediatez mantendrá intacto su atractivo tras sucesivas reproducciones. Por ahora, no hay motivos para anticipar un desgaste que todavía no hemos experimentado. 

La recepción crítica ha sido algo más fría. KING OF HAVING FUN presenta un 68 sobre 100 de media con valoraciones como el 75/100 de Spectrum Culture y el 60/100 de Dork. Entre las reservas aparecen su carácter excesivamente introspectivo y la sensación de que Carpenter debería buscar nuevos caminos. Sin embargo, cabe preguntarse si parte de esas objeciones no responde también al desgaste de quienes llevan años siguiendo su trayectoria. En ocasiones, la crítica parece celebrar determinados rasgos en un segundo álbum para terminar reprochándolos cuando el artista alcanza el sexto. Quizás se confunda familiaridad con estancamiento y evolución con la obligación permanente de reinventarse. 

En cualquier caso, para quien llegue ahora a MEDIUM BUILD, este disco constituye una puerta de entrada especialmente valiosa. No hace falta conocer sus cinco trabajos anteriores para encontrar aquí canciones capaces de interesar por sí mismas y un músico con un universo que invita a seguir explorando. KING OF HAVING FUN no necesita ser una reinvención ni pretende convertirse en una obra definitiva para justificar su existencia. Es un álbum cohesionado, accesible y emocionalmente honesto, que confirma el interés de un artista con una trayectoria ya considerable. A veces, descubrir a un músico en el momento adecuado importa tanto como acompañarlo durante toda su carrera. Y este ha sido, para nosotros, el momento perfecto para encontrarnos con MEDIUM BUILD.

MEJORES MOMENTOS: Armor, King Of Having Fun, It's Not Easy Falling In Love, In My Gut, Home Depot... 

MEDIA CRÍTICA: 68/100

NUESTRA VALORACIÓN: 85/100

KATIE GREGSON-MACLEOD: CUANDO LA BÚSQUEDA NUNCA TERMINA.

Hay algo especialmente interesante en la trayectoria reciente de KATIE GREGSON-MACLEOD. En 2022, un fragmento de apenas unos segundos de Complex, una canción que había escrito al piano, se convirtió en un fenómeno viral en TikTok. De repente, aquella joven compositora escocesa pasó de la relativa oscuridad al reconocimiento internacional. Pero detrás de aquella exposición había una artista que llevaba años escribiendo canciones y que no parecía dispuesta a quedar encasillada como un producto de las redes sociales. 

Su posterior alejamiento de la maquinaria de una gran discográfica y su decisión de recuperar el control de su propio recorrido artístico forman parte de una historia que ayuda a entender ALBATROSS. No estamos ante una artista que reniegue de su pasado, sino ante alguien que ha querido ampliar sus horizontes y encontrar una identidad musical que no dependa de las circunstancias que la hicieron conocida. Y el resultado es un álbum que demuestra hasta dónde podía llegar aquella sensibilidad que ya estaba presente en Complex. 

Publicado justo la semana pasada, ALBATROSS es un trabajo de folk de inspiración británica que destaca por su riqueza instrumental y una producción mucho más expansiva de lo que cabría esperar de una cantautora asociada inicialmente al piano y la voz. Katie ha sabido rodearse de colaboradores especialmente interesantes, entre ellos Will Taylor, Dom Monks o Milo Ferreira-Hayes. Will Taylor es el 50% del dúo Flyte, el otro 50% le pertenece a Nick Hill que también ha colaborado como co-autor de algunas de las canciones.

La presencia de Flyte no se limita a una colaboración puntual. Sus contribuciones a la producción, los arreglos y las armonías vocales ayudan a construir una sonoridad cálida, orgánica y muy rica en matices. Hay canciones en las que esos coros adquieren un protagonismo extraordinario, hasta convertirse en uno de los grandes atractivos del conjunto. Su participación resulta fundamental para entender la personalidad sonora del álbum. 

Tampoco estamos ante una propuesta que pretenda inventar un nuevo lenguaje musical. ALBATROSS comparte códigos y referencias con otros trabajos del folk británico contemporáneo, pero eso no supone ningún inconveniente. Katie ha encontrado un sonido propio dentro de una tradición reconocible, y lo importante es la inspiración con la que desarrolla sus canciones. 

Roadkill es una buena muestra de ello. Su comienzo tiene algo de interpretación en directo, con una naturalidad que marca el carácter de la canción. Nothing Really Changes destaca por sus magníficas armonías vocales, mientras que Good Guess vuelve a demostrar lo bien que funcionan las voces compartidas en este álbum. 

En How Were You To Know? encontramos uno de los momentos más especiales. La canción tiene una textura cálida, casi de vinilo, con unos coros que remiten a las armonías vocales de los años cincuenta. Es una de esas piezas que enriquecen el álbum y muestran hasta qué punto Katie ha ampliado sus posibilidades musicales.

El cierre del álbum llega con Daughter, una canción que merece una atención especial por varios motivos. Coescrita con Elanor Moss, es probablemente la pieza más minimalista de todo el repertorio. Su sonido resulta mucho más cercano al universo intimista de Moss que a la expansión instrumental que caracteriza buena parte del disco. Es casi como si, durante unos minutos, estuviéramos escuchando una canción perteneciente al propio álbum de Elanor. 

La colaboración tiene además un significado que trasciende lo estrictamente musical. Siempre resulta positivo encontrar artistas que comparten escena y que, lejos de competir por un espacio, establecen vínculos creativos y se apoyan mutuamente. Hay algo muy bonito en esa red de complicidades entre mujeres que escriben, producen y comparten canciones. La sororidad también tiene su lugar en la música, y Daughter es un buen ejemplo de ello. 

No es casualidad que Elanor Moss esté presente en un disco que lleva por título ALBATROSS. Según ha explicado Katie en una entrevista con The List, fue precisamente Elanor quien le sugirió la referencia al poema The Rime of the Ancient Mariner, de Samuel Taylor Coleridge. En él, el ALBATROSS pasa de ser un símbolo de buena fortuna a convertirse en una carga que el protagonista debe llevar consigo. Una imagen que Katie relaciona con la experiencia de conseguir algo extraordinario y terminar sintiendo también el peso de sus consecuencias.

La recepción crítica de ALBATROSS se ha traducido en una media de 77 sobre 100, con valoraciones de 80/100 en The Skinny y Still Listening, y 70/100 en Clash. Son puntuaciones respetables, aunque quizá algo discretas para un trabajo de estas características. 

Siempre nos ha parecido que determinados criterios de valoración crítica tienen dificultades para reconocer discos que no buscan el impacto inmediato. Hay álbumes que necesitan escucharse con tranquilidad, que no se entregan por completo en una primera aproximación y cuyo verdadero valor aparece cuando uno empieza a reconocer sus detalles, sus arreglos y las conexiones entre canciones. ALBATROSS pertenece a esa categoría. 

No necesita recurrir a grandes artificios ni a una colección de sencillos concebidos para conquistar las listas. Su principal virtud está en la inspiración que recorre el conjunto y en la personalidad que Katie ha conseguido imprimirle. Es una pena que haya llegado en noviembre, cuando los críticos musicales andamos especialmente ocupados con los balances y las listas de lo mejor del año. Pero sería injusto que el calendario terminase relegando un álbum de esta categoría. Por nuestra parte, tendrá un lugar reservado entre los mejores discos de 2026. 

Y aquí es donde volvemos al principio. Aquella canción que convirtió a KATIE GREGSON-MACLEOD en un fenómeno viral no era más que una pequeña muestra de lo que podía ofrecer. ALBATROSS confirma que detrás de Complex había una compositora con mucho más que contar, capaz de ampliar sus horizontes, encontrar colaboradores afines y construir un universo musical propio. No estamos ante un disco revolucionario ni pretende serlo. Estamos ante un álbum inspirado, hermoso y profundamente honesto. De esos que recuerdan que todavía merece la pena detenerse a escuchar. No le damos un 100/100 porque estamos seguros de que se lo terminaremos dando en el futuro. Es un álbum debut y hay que dejar margen para que crezca. Pero un 92 sobre 100 no se lo quita nadie. 

MEJORES MOMENTOS: Nothing Really Changes, Good Guess, Roadkill, Sometimes, I Don't Think Of Kissing you

MEDIA CRÍTICA: 77/100

NUESTRA VALORACIÓN: 92/100

LA TRANSGRESIÓN SE LLAMA FLORA HIBBERD.

Lo de FLORA HIBBERD empieza a resultar realmente interesante. Si el año pasado nos conquistaba con Swirl (2025), un magnífico ejercicio de indie folk intimista, elegante y con ciertos destellos jazzy, ahora regresa con MAMMOTH, un álbum que parece venir de otro planeta. Y no es una exageración: estamos prácticamente ante la noche y el día. Donde antes predominaban la contención, la delicadeza y una atmósfera bastante homogénea, ahora encontramos una auténtica explosión sonora. Un cambio de dirección tan radical que resulta difícil no quedarse inicialmente desconcertado. 

Lo curioso es que el núcleo creativo permanece intacto. Hibberd sigue formando un tándem indestructible con Victor Claass en el apartado compositivo, pero esta vez cambia de productor y se pone en manos de Ben Lanz, sustituyendo el trabajo que Shane Leonard había realizado en Swirl. Una decisión que parece haberlo cambiado absolutamente todo. La producción de Lanz, acompañado por los ingenieros Étienne Caylou, Stew Crookes y Antoine Chabert, construye un universo mucho más rico, expansivo y poblado de matices. Guitarras, bajo, batería, coros, teclados, piano, viento metal, steel guitar y sintetizadores modulares conviven en unas canciones que han ganado en dimensión y posibilidades expresivas. Hay una evidente querencia por el pop, incluso por determinados territorios de vanguardia, que por momentos nos hace pensar en una Christine and the Queens particularmente inspirada. Pero Hibberd conserva algo fundamental: su elegancia. Puede permitirse la exuberancia instrumental sin perder el gusto por las melodías ni caer en el exceso gratuito. 

También cambia la manera de relacionarse con las canciones. Si Swirl funcionaba como un conjunto extraordinariamente cohesionado, aunque por momentos algo homogéneo, MAMMOTH presenta composiciones mucho más diferenciadas entre sí. Son canciones con personalidad propia, preparadas para funcionar individualmente y encontrar su espacio más allá del álbum. Quizás se resienta algo la cohesión general, pero a cambio aparecen momentos especialmente atractivos como Ache y la propia Mammoth, dos buenas muestras de las nuevas posibilidades expresivas de Hibberd. Incluso su interpretación vocal se mueve por registros diferentes, ampliando considerablemente el horizonte de una artista a la que hasta ahora teníamos bastante bien ubicada. 

Detrás de esta diversidad también encontramos un trasfondo narrativo que merece atención. En una interesante conversación publicada por Talkhouse junto a Ben Lanz, Hibberd explica que su proceso compositivo consiste en acumular imágenes, palabras, lecturas y sensaciones para después ensamblarlas mediante el ensayo y el error. Reconoce que, al mirar el conjunto de canciones, empezó a descubrir un hilo conductor que no había planteado conscientemente desde el principio. Entre sus preocupaciones aparecen la modernidad, el capitalismo y la apropiación del cuerpo femenino, cuestiones que relaciona con sus lecturas sobre las cazas de brujas y la transición del feudalismo al capitalismo. No estamos, por tanto, ante una colección de canciones inconexas, sino ante un universo de asociaciones que emerge de una forma bastante intuitiva y personal. Quizás esa conexión no resulte evidente para todos los oyentes, pero aporta una dimensión adicional al álbum. 

Y llegamos a la crítica. MAMMOTH ha obtenido una media de 68 sobre 100, bastante alejada de la recepción que tuvo su predecesor con un 85/100. Spectrum Culture le concede un 75/100, PopMatters un 70/100 y The Line of Best Fit se queda en un 60/100. ¿Qué ocurre aquí? Parece que volvemos a tropezar con una de las contradicciones habituales de la crítica musical: reclamamos constantemente que los artistas se reinventen, que arriesguen, que no repitan fórmulas y que escapen de su zona de confort. Pero cuando alguien se atreve a hacerlo de verdad, especialmente después de publicar un disco tan celebrado como Swirl, parece que no sabemos muy bien cómo recibirlo. ¿Acaso la renovación solo nos gusta cuando conserva intacto aquello que ya nos gustaba? Es perfectamente legítimo encontrar MAMMOTH menos redondo o menos cohesionado, pero penalizar una transformación de semejante calibre sin atender a lo que propone sería perder de vista precisamente aquello que tantas veces reclamamos a los artistas. 

FLORA HIBBERD no tenía ninguna obligación de volver a publicar Swirl. Y, afortunadamente, tampoco parece que tuviera intención de hacerlo. Por nuestra parte, MAMMOTH se lleva un 85 sobre 100, frente al 90/100 que otorgamos a Swirl. No es un disco tan redondo, pero sí una sorpresa magnífica y una demostración de inquietud artística que nos hace mirar a FLORA HIBBERD con todavía más curiosidad. Si antes ya teníamos motivos para seguirle la pista, ahora estaremos haciendo guardia en su Spotify para no perdernos ninguno de sus próximos movimientos. Hay cantautoras que necesitan varios discos para encontrar una identidad. Hibberd parece decidida a demostrar que lo verdaderamente interesante es no quedarse demasiado tiempo en una sola. Porque ha sabido pasar del intimismo a la exuberancia, sorprendiéndonos a todos con un disco que rompe radicalmente con todo, demostrando que estamos ante una cantautora muchísimo más transgresora de lo que imaginábamos.

MEJORES MOMENTOS: Mammoth, Ache, Silent Movie Baby, Bowling Ball, Shelley, Mythic Figure...

MEDIA CRÍTICA: 68/100

NUESTRA VALORACIÓN: 85/100