Estamos en la recta final. A cinco días del cierre del año. Aunque la semana que viene sea la última semana de publicaciones antes de dar paso a la lista. Aquí tenemos cinco discos de los que nos apetecía hablar y que no han terminado en la lista de álbumes no reseñados que va a seguir engordando en los próximos días con todos los discos que no nos de tiempo a reseñar.
SHEARWATER - THE NEW WORLD
MEJORES MOMENTOS: Daydream Unbelieber, More and More, Slugs In The Marigolds, Even Song...
MEDIA CRÍTICA: 80/100
NUESTRA VALORACIÓN: 80/100
THE ANCHORESS - AS WE ONCE WERE
Catherine Anne Davies, conocida artísticamente como THE ANCHORESS, es una compositora, productora y multinstrumentista galesa con formación musical clásica y una trayectoria en la que ha demostrado una considerable personalidad artística. Su proyecto nació con Confessions of a Romance Novelist (2016), un debut que ya dejaba entrever una particular sensibilidad para combinar el pop de vocación intelectual con una escritura de marcado carácter introspectivo. Cinco años después llegaría The Art of Losing (2021), el álbum que nos permitió descubrirla y que, a nuestro juicio, continúa siendo la obra más lograda de su carrera. Ahora, con AS WE ONCE WERE, Davies abre una nueva etapa en la que amplía sus horizontes estilísticos sin renunciar a su condición de autora con un universo creativo propio. Una artista que, por personalidad y carácter, nos remite a una tradición de mujeres del rock como Chrissie Hynde o Pat Benatar, cuya presencia y determinación parecen pertenecer a una época en la que no abundaban las concesiones.
En el apartado musical encontramos una producción nuevamente dirigida por la propia Catherine, que asume también la mayor parte de la composición e interpretación instrumental. El álbum cuenta con colaboraciones de cierto relieve, entre las que destacan Gwenno, James Dean Bradfield (Manic Street Preachers), Eaves Wilder y Hannah Peel. Participaciones que enriquecen el conjunto sin desplazar el protagonismo de su principal responsable. También encontramos algunos coautores puntuales, aunque la dirección creativa permanece claramente en manos de Davies. La producción y los arreglos revelan una artista con recursos y conocimientos suficientes para desenvolverse en diferentes territorios musicales. Sin embargo, es precisamente en esa ampliación estilística donde encontramos una de las principales diferencias respecto a su anterior trabajo.
The Art of Losing se desenvolvía fundamentalmente entre el Art Pop y el Art Rock, dos coordenadas que proporcionaban al álbum una identidad bastante definida y una notable cohesión. As We Once Were incorpora también elementos de Indie Pop, Singer-Songwriter y Synthpop. No estamos ante un disco de Synthpop propiamente dicho, pero determinadas composiciones, entre ellas la que da título al álbum, muestran claramente esa inclinación electrónica. Una presencia que introduce cierta heterogeneidad en el conjunto y que explica nuestra percepción de un trabajo más abierto estilísticamente, aunque menos cohesionado que su predecesor. No es una cuestión de capacidad, porque Davies demuestra sobradamente que dispone de recursos para abordar estos terrenos. Nuestra reserva tiene más que ver con la dirección elegida. La incorporación voluntaria de un lenguaje musical en el que anteriormente no había profundizado no nos parece necesariamente una evolución artística, especialmente cuando esa decisión termina diluyendo parcialmente una identidad que considerábamos mucho más atractiva. No obstante, sería injusto reducir el álbum a esta circunstancia. Sus composiciones conservan una crudeza y una honestidad que constituyen algunas de sus principales virtudes.
En el terreno narrativo encontramos probablemente el aspecto más interesante de AS WE ONCE WERE. Davies construye una reflexión sobre la memoria, la identidad, la maternidad y la transmisión de experiencias entre generaciones. El punto de partida es una conversación imaginaria entre cuatro mujeres de una misma familia: su abuela, su madre, ella misma y su hija. La recuperación de una antigua grabación de la voz de su abuela sirve como detonante para explorar aquello que heredamos de quienes nos precedieron y hasta qué punto nuestras experiencias siguen condicionando a las generaciones posteriores. La maternidad adquiere aquí una dimensión especialmente significativa. No es un asunto sencillo de abordar y, con demasiada frecuencia, provoca estampidas cuando se trata de examinarlo desde perspectivas que se apartan de los discursos más complacientes. Catherine lo afronta sin esquivar sus contradicciones, relacionándolo con la identidad femenina, las dificultades profesionales de las mujeres y las desigualdades que todavía persisten en la industria musical. Su discurso es abiertamente feminista y no necesita eufemismos. También aparecen cuestiones como el trauma, el duelo y la posibilidad de reconstruirnos a partir de nuestras propias fracturas. La metáfora japonesa del kintsugi, que consiste en reparar piezas de cerámica resaltando sus grietas con oro, resulta especialmente apropiada para comprender esa idea.
Esta dimensión conceptual también se traslada a la propia estructura del álbum. Los cuatro interludios desempeñan una función narrativa que va más allá de la mera separación entre canciones. La introducción, Du temps perdu, comienza con una melodía que recuerda a la música de los móviles infantiles que se colocan sobre las cunas, acompañada por los balbuceos de un bebé. Su posterior Reprise recupera ese motivo en otro momento del recorrido. Por su parte, Happiness Don't Show... (Prologue) y Happiness Don't Show... (Epilogue) establecen una correspondencia entre el principio y el final del relato. Especialmente inquietante resulta este último, que abandona las referencias infantiles para presentar únicamente un piano y unas conversaciones de una mujer adulta, cuyas palabras no siempre conseguimos distinguir. La impresión es casi espectral. El álbum termina así con una presencia humana que parece proceder de la memoria familiar, dejando una sensación de incertidumbre que evita cualquier desenlace complaciente. El título, AS WE ONCE WERE («Como fuimos alguna vez»), adquiere entonces una dimensión que trasciende la nostalgia. Lo que plantea Catherine es atemporal: la memoria, el paso del tiempo y la manera en que las experiencias de quienes nos precedieron siguen formando parte de lo que somos.
En cuanto a su recepción crítica, el álbum ha obtenido una media de 80 sobre 100, con una valoración de 90/100 por parte de God Is in the TV; 80/100 de Uncut, Mojo, Record Collector y Prog; 76/100 de Spectrum Culture y 74/100 de Pitchfork. Un resultado que confirma la buena consideración que THE ANCHORESS mantiene entre la crítica especializada. Aunque queda por debajo de los 84/100 alcanzados por The Art of Losing, su segundo trabajo, supera ampliamente los 74/100 de su debut. Una trayectoria bastante consistente que vuelve a situar a Catherine Anne Davies entre las compositoras británicas más interesantes de su generación.
Con As AS WE ONCE WERE volvemos a encontrarnos con una artista de enorme capacidad compositiva, inquietudes intelectuales y una personalidad que sigue resultando poco habitual en el panorama musical actual. Preferimos la contundencia, la identidad y la mayor cohesión de The Art of Losing, donde encontramos a una Catherine Davies más cercana a nuestros gustos y a la imagen que nos habíamos formado de ella. Sin embargo, no podemos pasar por alto la honestidad de las composiciones, la ambición de su planteamiento narrativo y la valentía con la que aborda cuestiones tan personales como la maternidad, la memoria familiar y la identidad femenina. La incorporación de nuevos elementos estilísticos no termina de convencernos en todos sus resultados, pero tampoco impide disfrutar de un álbum notable, con momentos de gran sensibilidad y una calidad compositiva claramente superior a la media de buena parte de la producción actual. No es nuestro trabajo favorito de THE ANCHORESS, pero sí una obra que confirma que Catherine Anne Davies sigue teniendo mucho que decir.
MEJORES MOMENTOS: I Had A Baby Not A Lobotomy, Damsel, Throw Over Your Man, As We Once Were, All Fall Down, What You Did...
MEDIA CRÍTICA: 80/100
NUESTRA VALORACIÓN: 85/100
MAN/WOMAN/CHAINSAW - CANNONBALL
Procedentes de Londres, MAN/WOMAN/CHAINSAW es un sexteto formado por Billy Ward, Vera Leppänen, Emmie-Mae Avery, Billy Doyle, Clio Starwood y Lola Cherry. Surgidos de la escena alternativa londinense, comenzaron su trayectoria siendo todavía adolescentes y, tras llamar la atención con sus primeras publicaciones, presentan Cannonball, su esperado álbum de debut.
La propuesta musical del grupo se mueve entre el Art Rock, Indie Rock, Indie Pop, Chamber Pop y Art Pop, con una marcada inclinación teatral. Una combinación de estilos que da lugar a canciones cambiantes, con arreglos cuidados y momentos de notable intensidad. También destaca el carácter coral de la banda, con Billy Ward, Vera Leppänen y Emmie-Mae Avery alternándose al frente de las voces y enriqueciendo el conjunto con diferentes registros y sensibilidades.
En el apartado creativo, Cannonball es fruto del trabajo conjunto de los seis integrantes de MAN/WOMAN/CHAINSAW, que firman las composiciones del álbum. La producción corre a cargo de Margo Broom y Seth Evans, que contribuyen a dar forma a un trabajo de arreglos elaborados y estructuras poco convencionales.
En el apartado narrativo, CANNONBALL se mueve por un territorio de emociones bastante reconocible, con las relaciones sentimentales, el deseo, la frustración y las contradicciones de la juventud como principales protagonistas. Only Girl aborda el enamoramiento desde una perspectiva juguetona y exuberante, mientras que Canyons se adentra en el anhelo y el desamor, dejando espacio también para la frustración. En Lighter encontramos una mirada más luminosa, centrada en esa capacidad que tienen algunas personas para aportar alegría a nuestras vidas. Por su parte, Nosedive juega con la contradicción entre buscar protección y necesitar libertad dentro de una relación, mientras que Still Angry pone el foco en la rabia que permanece después de una experiencia sentimental dañina. Finalmente, Something Else to Give cierra el recorrido con una carga emocional más ambigua, dejando una cierta sensación de incertidumbre. En conjunto, las canciones componen un retrato de los altibajos sentimentales y personales de una generación que todavía está descubriendo su lugar en el mundo.
La recepción crítica de CANNONBALL ha sido bastante positiva, con una media de 79 sobre 100. Las puntuaciones se distribuyen de la siguiente manera: musicOHM y Far Out Magazine 90/100; Still Listening 85/100; Paste 83/100; NME, No Ripcord, DIY, The Line Of Best Fit, The Skinny, Exclaim!, Clash, Mojo y Northern Transmissions 80/100; God Is In The Tv y Classic Rock 70/100; Pitchfork 68/100 y Record Collector 60/100. Un balance favorable, con numerosas publicaciones situando el trabajo alrededor de los 80 puntos, aunque también encontramos algunas valoraciones más moderadas.
Por nuestra parte, CANNONBALL merece una puntuación de 85 sobre 100. Nos encontramos ante una propuesta fresca, dinámica y especialmente estimulante. Que sea un trabajo construido a doce manos juega claramente a su favor, aportando una riqueza de perspectivas que se traduce en una notable variedad musical. Sin tratarse de una fórmula nueva, el álbum recupera una concepción coral de la música que quizás no encontramos tan habitualmente en el panorama actual. En este sentido, nos vienen a la cabeza proyectos como The New Pornographers o Bonny Light Horseman, e incluso una banda como Fleetwood Mac, salvando las distancias y las particularidades de cada caso. No se trata tanto de establecer comparaciones estilísticas como de reivindicar esa química colectiva en la que las distintas personalidades terminan construyendo algo que va más allá de la suma de sus partes.
Mención especial merece el violín de Clio Starwood, cuya presencia aporta algunos de los momentos más brillantes del álbum. Nos tiene especialmente cautivados su manera de integrarlo en las composiciones, convirtiéndolo en uno de los elementos fundamentales de la identidad del grupo. Sin embargo, sería injusto reducir sus virtudes a este instrumento: el resto de los componentes demuestra una notable solvencia, con algunos pasajes de piano especialmente acertados y una instrumentación muy bien trabajada.
Aunque hay canciones más inspiradas que otras, no llegamos a experimentar verdaderos momentos de bajón. Su riqueza instrumental, la variedad de enfoques y el dinamismo de las composiciones mantienen nuestro interés durante todo el recorrido. Sus once canciones se disfrutan como un conjunto cohesionado, pero nunca monótono.
En definitiva, CANNONBALL es un debut que nos deja muy buenas sensaciones y ante el que resulta difícil no sentir curiosidad por el futuro de MAN/WOMAN/CHAINSAW. Un álbum que reivindica el valor de la creación colectiva y que encuentra en la personalidad de sus integrantes buena parte de sus mayores virtudes.
MEJORES MOMENTOS: Someting else to give, Get Up And Dance, Nosedive...
MEDIA CRÍTICA: 79/100
NUESTRA VALORACIÓN: 85/100
TROYE SIVAN - SHE'S THE ONE
Seguimos la carrera de TROYE SIVAN desde sus comienzos y, después de sus anteriores trabajos nos acercamos a SHE'S THE BEST con unas expectativas bastante altas. La primera escucha, durante un viaje y con auriculares, nos dejó una impresión más bien tibia. Nos pareció un disco bastante más flojo que sus predecesores. Sin embargo, hemos tenido que cambiar las condiciones de escucha para descubrir que quizás el problema no estaba en el álbum, sino en la manera de escucharlo. Ahora, reproduciéndolo en CD y en nuestro equipo de música profesional, la percepción ha cambiado considerablemente. Es un disco que funciona mucho mejor al aire, sin auriculares y a un volumen considerable. De hecho, con los auriculares el disco nos come.
El título del álbum ya es toda una declaración de intenciones. Esa SHE'S THE BEST es una celebración de las mujeres de su vida, de sus amigas, de su hermana y de esa complicidad femenina que forma parte de su universo personal. Una carta de amor a las mujeres que han estado a su lado y que conecta perfectamente con ese público que parece tener muy presente durante todo el álbum: gays and girls. Porque Sivan sabe perfectamente quiénes son buena parte de sus seguidores y parece haber decidido abrazar ese universo mucho más que nunca.
Y aquí encontramos una de las cuestiones más interesantes del disco. Aunque estamos ante uno de los artistas abiertamente gays a los que mejor les ha ido dentro del mainstream, creemos que Sivan ha asumido plenamente que el público generalista no siempre está dispuesto a consumir determinadas expresiones de la homosexualidad. Un gymbro difícilmente va a escuchar una canción suya, si se entera de que es gay. Porque el público mayoritario también condiciona las decisiones de los artistas. Muchos intérpretes homosexuales conocen perfectamente los límites de ese mercado y terminan ofreciendo una versión de su identidad lo más heteronormativa e inofensiva posible. Letras que no incomoden demasiado, referencias que puedan pasar desapercibidas y una homosexualidad perfectamente digerible para quienes no quieren encontrársela demasiado cerca.
Lo interesante de SHE'S THE BEST es que dinamita buena parte de esas convenciones. Aquí encontramos letras que pueden resultar bastante incómodas para ese público generalista, un universo de deseo masculino, hedonismo, complicidad y cultura gay que no parece tener ninguna intención de pedir permiso. Y eso es honestidad. No es algo nuevo en Sivan, que lleva haciendo esto mismo desde muy joven, pero sí una manera especialmente explícita de desarrollar su identidad artística. Por eso estamos convencidos de que este álbum puede terminar convirtiéndose en uno de los favoritos de su catálogo para el público LGTBIQ+. Cuando una comunidad adopta una canción y la convierte en un himno, las consideraciones sobre si ha envejecido bien o mal suelen pasar a un segundo plano. Esas canciones se abrazan para toda la vida.
Party es posiblemente el mejor ejemplo de ese universo hedonista. Una canción de voz hablada que enumera distintas situaciones festivas: Party at the house, Party at the Club, Party at the Restaurant... y que termina incorporando un sample de Music de Madonna. Sin embargo, nuestra primera impresión al escucharla con auriculares fue bastante distinta de lo que cabría esperar. Nos pareció una canción tremendamente triste. Al principio contemplamos esa vida de fiesta permanente como algo a lo que nos gustaría pertenecer, pero después de un par de estrofas empezamos a percibir cierto cansancio. Las respiraciones, que inicialmente podrían interpretarse como parte de la intensidad de la celebración, nos transmitieron agotamiento. De repente, hasta la fiesta más extrema parecía monótona y aquella oda al hedonismo se convertía en un posible grito de auxilio para salir de allí.
Conviene aclarar que esta es nuestra interpretación personal y no la intención que ha explicado Sivan. El artista ha hablado de la fiesta como una experiencia de catarsis, libertad y conexión con otras personas. También ha explicado que esas respiraciones representan la intensidad física de perderse en la pista de baile, mientras que la entrada de Madonna eleva la experiencia hasta convertirla en una especie de celebración colectiva. Podemos entender perfectamente su planteamiento, pero nuestra lectura nos resulta bastante más interesante. Una canción que pretende celebrar la libertad nocturna nos terminó pareciendo una reflexión involuntaria sobre el agotamiento que puede esconderse detrás de los excesos.
Musicalmente, SHE'S THE BEST se mueve entre el Alt-Pop, el Bedroom Pop, el Baggy y el Trip Hop, con una etiqueta de Neo-Psychedelia que, sinceramente, nos cuesta bastante identificar. Sí reconocemos ciertas referencias a los sonidos dance de los noventa, aunque tampoco vamos a descubrir América porque Sivan haya decidido samplear a Madonna. En cualquier caso, no creemos que estemos ante un disco noventero en sentido estricto. Es un álbum hijo de su propio tiempo, que incorpora referencias del pasado dentro de una producción plenamente contemporánea.
Predominan los elementos electrónicos, sintéticos y digitales, pero una de las cosas que más valoramos es que la producción resulta bastante orgánica. Incluso cuando utiliza artificios, efectos y diferentes capas sonoras, consigue conservar cierta naturalidad. Es un equilibrio que no nos parece tan sencillo de conseguir y que, probablemente, se valora menos de lo que merece. Embarrassingly es un buen ejemplo: comienza apoyándose en una guitarra acústica y va ampliando progresivamente su sonido hasta construir un paisaje mucho más elaborado. La canción demuestra que el álbum no necesita recurrir constantemente a una misma fórmula para mantener su identidad.
En los créditos de producción encontramos a TROYE SIVAN, Jack Antonoff, Styalz Fuego, Oscar Görres y George Daniel, además de otros cuatro nombres entre los que figura Cirkut. Las canciones, por su parte, cuentan con Sivan y otros 24 coautores. Con semejante cantidad de manos en el proyecto, cabía la posibilidad de encontrarnos con un producto bastante impersonal. Sin embargo, el vampiro Jack Antonoff se ha comportado. No ha vampirizado a Sivan en ningún momento. Más bien ha contribuido a hacerlo todavía más gay que nunca. Si ya lo decimos nosotros: el día que Antonoff se suelte...
Tampoco creemos que la cohesión sea necesariamente una virtud en este tipo de producciones pop. A veces termina jugando en contra y nos encontramos con discos en los que, cuando finalizan no nos damos cuenta porque esperamos que empiece otra canción ya que todas parecen la misma. Hay trabajos como los de Jorja Smith o Tinashe que nos han producido precisamente esa sensación. Después, determinados críticos musicales nos hablan maravillas de su cohesión, como si conseguir que todas las canciones se parezcan fuese un mérito incuestionable. En SHE'S THE BEST sucede lo contrario. El álbum tiene rumbo, pero las canciones se diferencian, tienen personalidad propia y resultan reconocibles. Cowboy y Sex Star son dos de nuestras favoritas, especialmente por sus melodías. La producción es tan rica que incluso la voz de Sivan puede funcionar como un elemento más dentro del conjunto.
Hay, eso sí, una pequeña contrapartida. Su sonoridad tan contemporánea es también una virtud con fecha de caducidad. No creemos que SHE'S THE BEST vaya a envejecer tan bien como podría hacerlo un álbum de indie folk, por ejemplo. No es un disco atemporal, ni parece que pretenda serlo. Está profundamente ligado a su momento cultural y musical, y dentro de unos años probablemente escucharemos algunas de sus producciones como un retrato bastante reconocible de esta época. No nos parece un defecto especialmente grave. Simplemente es parte de su naturaleza.
La recepción de la crítica especializada le ha otorgado a SHE'S THE BEST una media de 76 sobre 100, distribuida de la siguiente manera: AllMusic y Still Listening 90/100; MusicOHM, PopMatters, NME, The Line Of Best Fit, Clash y The Guardian 80/100; Beats Per Minute 79/100; Pitchfork y Spectrum Culture 73/100; Exclaim! 70/100; Slant Magazine y The Arts Desk 60/100 y Paste 58/100. Aunque la recepción es mayoritariamente favorable, la puntuación lo convierte en el álbum peor valorado de la carrera de Sivan hasta la fecha. Sus dos trabajos anteriores alcanzaron un 83/100 de media, mientras que su debut obtuvo un 78/100. Quizás la crítica esté valorando aspectos musicales y de producción que no necesariamente coinciden con aquello que hace que un álbum termine convirtiéndose en algo especial para sus oyentes. Porque terminará siendo precisamente el favorito de buena parte de la comunidad LGTBIQ+.
Y aquí queremos dirigirnos también al público generalista y conservador. Abrid las orejas y abrazad la diversidad. Buena parte de los prejuicios que tenemos sobre la vida de los demás nacen de la ignorancia. Quizás escuchar música como esta sirva para aprender algo sobre realidades que no son las nuestras. No hace falta compartir una experiencia para intentar comprenderla, ni sentirse identificado con todas las letras para disfrutar de un buen disco. Es cierto que SHE'S THE BEST no alcanza el nivel de sus dos anteriores trabajos, pero nos parece un álbum muy disfrutable, con una producción especialmente interesante, buenas melodías y una personalidad cultural muy marcada. Nuestra valoración es un 85 sobre 100.
MEJORES MOMENTOS: Canada Drive, Party, Cowboy, Embarrassingly, FF, Sex Star...
MEDIA CRÍTICA: 76/100
NUESTRA VALORACIÓN: 85/100
ANGUS & JULIA STONE - KARAOKE BAR
Después de Cape Forestier (2024), pensamos que la carrera de ANGUS & JULIA STONE había entrado en una pendiente descendente de la que difícilmente conseguirían salir. Nos pareció un disco bastante decepcionante, probablemente el peor de su trayectoria, y llegamos a pensar que estábamos asistiendo al principio del fin de un dúo al que siempre habíamos tenido bastante cariño.
Por eso, encontrarnos ahora con KARAOKE BAR ha sido una sorpresa muy agradable. No vamos a recuperar aquí la magia de sus primeros discos porque creemos que esa etapa ya pertenece al pasado. Lo que encontramos es una reinvención, una nueva manera de abordar sus composiciones que tiene al pop como principal protagonista. Y no hablamos de una aproximación tímida o de un simple acercamiento al género. Esto es indie pop con todas las consecuencias. Un disco luminoso, pegadizo, accesible y rabiosamente pop que nos permite descubrir una faceta diferente del dúo australiano.
Conviene recordar que su aproximación al mainstream no es precisamente nueva. Probablemente comenzó a hacerse evidente con aquel álbum homónimo de 2014 y desde entonces no han terminado de abandonar ese territorio, aunque hayan conservado buena parte de su apariencia de artistas independientes. KARAOKE BAR parece confirmar que se sienten bastante cómodos en ese espacio. No hay sensación de estar intentando adaptarse a las tendencias actuales ni de perseguir desesperadamente una relevancia comercial que quizás ya no tienen. Simplemente parecen haber encontrado una fórmula con la que están satisfechos y que les permite componer canciones muy disfrutables.
La canción que da título al álbum y que abre el repertorio funciona como una magnífica declaración de intenciones. Karaoke Bar tiene gancho, resulta tremendamente accesible y es una gran canción de indie pop. Desde el primer momento nos advierte de que las cosas han cambiado. Las etiquetas que acompañan al disco son Indie Pop, Bedroom Pop, Indietronica y Folk Pop. Especialmente llamativa resulta esta última combinación de etiquetas, porque cuando leemos Indietronica podemos esperar una presencia electrónica bastante más evidente de la que realmente encontramos. Eso no significa que la etiqueta esté equivocada, sino que su manifestación musical es diferente de lo que podríamos imaginar inicialmente.
Una de las características que siguen funcionando especialmente bien es el intercambio de voces entre ambos hermanos. Algunas composiciones están protagonizadas por Julia, otras por Angus y en determinadas ocasiones comparten el protagonismo. Es una característica habitual en la identidad del dúo, pero también contribuye a enriquecer el recorrido del álbum y evita que las canciones terminen resultando demasiado uniformes. Sus voces siguen complementándose estupendamente y forman parte de una personalidad que permanece reconocible a pesar de los cambios estilísticos.
En el apartado de producción encontramos a ANGUS & JULIA STONE acreditados como productores, además de figurar individualmente en las tareas de ingeniería de sonido. El disco cuenta también con un equipo bastante amplio de ingenieros y mezcladores, mientras que las composiciones llevan la firma de ambos hermanos. Una implicación que demuestra que siguen teniendo el control sobre su música y que esta nueva orientación no depende de la intervención de un productor externo que les marque el camino. Hay también una curiosidad en la canción Karaoke Bar, donde encontramos acreditado a Neil Diamond por el guiño a su archiconocida Sweet Caroline, convertida prácticamente en un himno universal de los karaokes.
Aunque el título pueda llevarnos a pensar en un álbum dedicado exclusivamente a la diversión, sus canciones tienen un trasfondo algo más amplio. En las entrevistas concedidas durante la promoción del trabajo, Julia Stone ha explicado que la música y los espacios donde se comparte tienen un papel fundamental en la concepción del disco. La idea del karaoke aparece como un lugar de encuentro donde personas diferentes pueden relacionarse a través de las canciones. También encontramos referencias a la nostalgia, las relaciones, la vulnerabilidad, la pérdida y la memoria. Todo ello convive con un hilo conductor de alegría que termina impregnando el conjunto. No estamos, por tanto, ante un trabajo especialmente profundo en sus planteamientos, pero sí ante un álbum que esconde algunas reflexiones interesantes detrás de su apariencia despreocupada.
En cuanto a la recepción crítica, volvemos a encontrarnos con un panorama bastante desalentador en lo que respecta a la atención que recibe actualmente el dúo. KARAOKE BAR cuenta con un 80/100 de Spill Magazine, siendo prácticamente el único medio que aparece recogido en los agregadores. Es una situación que contrasta bastante con aquellos años en los que cualquier lanzamiento de ANGUS & JULIA STONE despertaba bastante más interés internacional. La buena noticia es que, al menos, han conseguido remontar respecto al 65/100 de Cape Forestier. Tampoco podemos decir que la crítica haya sido especialmente generosa con ellos a lo largo de su carrera, ni siquiera durante sus mejores momentos. Pero resulta llamativo comprobar cómo un dúo que llegó a tener una presencia bastante importante en el panorama musical internacional parece haber quedado relegado a una atención mucho más discreta.
En cualquier caso, KARAOKE BAR nos parece un disco simpático, muy accesible y tremendamente disfrutable. No estamos ante una obra que vaya a cambiar nuestra percepción de la música ni ante uno de los grandes acontecimientos discográficos del año. Pero tampoco necesitamos eso. Después de lo que nos encontramos en Cape Forestier, resulta una auténtica bendición comprobar que Angus y Julia siguen teniendo capacidad para escribir buenas canciones, que conservan su personalidad y que todavía pueden sorprendernos con una propuesta diferente. Son un dúo que lleva muchos años trabajando juntos, que ha atravesado distintas etapas y que, pese a las dificultades, sigue en la brecha. KARAOKE BAR demuestra que el álbum anterior fue solamente un bache y que todavía tienen cosas que ofrecer. Nuestra nota para KARAOKE BAR es de un 80 sobre 100.
MEJORES MOMENTOS: Karaoke Bar, Monroe, The Start, Brightest Place, Strangely Strangely, The Cherry Farm...
MEDIA CRÍTICA: 80/100
NUESTRA VALORACIÓN: 80/100
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