RACHEL CHINOURIRI: WHAT A COMMERCIAL TURN OF EVENTS.

Después de What A Devastating Turn Of Events (2024), uno de los debuts más interesantes de los últimos años, teníamos motivos para esperar que RACHEL CHINOURIRI continuara desarrollando ese universo musical tan particular que la había convertido en una artista diferente. No nos hubiera importado que insistiera en aquella fórmula, que siguiera profundizando en sus influencias y en una identidad que destacaba precisamente por su idiosincrasia, su personalidad y una manera muy reconocible de entender el indie pop. Sin embargo, con I THINK I SPOKE TOO SON nos encontramos ante un cambio de dirección bastante evidente. Synthpop, Alt-Pop, Pop Rock, Indie Rock y Dance-Pop se mezclan en un trabajo que apuesta decididamente por un sonido más accesible y comercial. Un giro que, en nuestra opinión, llega demasiado pronto y que transmite cierta urgencia por reinventarse cuando todavía había mucho recorrido en el camino anterior. 

Conviene asumir desde el principio que difícilmente vamos a encontrar aquí un álbum tan interesante como su predecesor. Una vez aceptado esto, podemos disfrutar de un disco que tiene bastante más que ofrecer de lo que podría sugerir nuestra reticencia inicial. Las cuatro primeras canciones dejan muy claro hacia dónde quiere dirigirse Chinouriri: composiciones potentes, estribillos pegadizos y una inmediatez que no estaba tan presente en su debut. Después llegan I'm Star y AAAHH!!! dos ejemplos especialmente acertados de esta nueva orientación. Son canciones comerciales, sí, pero conservan una personalidad tan marcada que resulta imposible imaginarlas en manos de otra artista. Porque sería difícil que RACHEL CHINOURIRI hiciera una canción intercambiable. Su identidad musical sigue estando ahí, incluso cuando decide acercarse a terrenos más convencionales. 

Y aquí es donde encontramos una de las principales virtudes del álbum. No estamos ante un trabajo monótono ni ante uno de esos discos de pop excesivamente preocupados por mantener una supuesta cohesión que termina convirtiéndose en uniformidad. Las canciones tienen gancho, personalidad y capacidad para permanecer en la memoria. El conjunto funciona, mantiene el interés y deja la sensación de que estamos ante un repertorio que puede proporcionarle varios éxitos, posiblemente con mayor facilidad que el de su anterior álbum.  

Tampoco creemos que este cambio pueda atribuirse sin más a una imposición de la industria. Rachel figura como productora del álbum junto a Aaron Paul O'Brien y participa también en la composición de las canciones. Es una decisión artística en la que tiene una responsabilidad creativa evidente. Y eso hace que nuestra valoración sea algo más compleja: admiramos su talento, consideramos que es una de las artistas más interesantes surgidas en los últimos años y reconocemos que tiene capacidad para desenvolverse con enorme solvencia en este nuevo registro. Precisamente por eso, nos cuesta un poco más entender la necesidad de acercarse tan pronto a determinadas fórmulas del mainstream. 

La producción merece también una valoración positiva. Si tenemos en cuenta que su anterior trabajo contaba con un equipo de producción mucho más amplio, resulta destacable que aquí, con Rachel y Aaron Paul O'Brien al frente, se haya conseguido un resultado tan sólido. El sonido está bien trabajado, las canciones mantienen una coherencia estilística y el conjunto tiene suficiente personalidad para no caer en la mera acumulación de fórmulas comerciales. 

En el plano narrativo, I THINK I SPOKE TOO SON resulta bastante más introspectivo de lo que su envoltorio musical podría hacernos pensar. RACHEL CHINOURIRI ha explicado que su anterior álbum estaba más centrado en cómo se relacionaba con el mundo y en cómo era percibida por los demás, mientras que aquí dirige la mirada hacia sí misma. El disco nace de una etapa marcada por las fiestas, el alcohol y una vida social que, pese a sus momentos de diversión, también escondía inseguridades y cierta necesidad de evasión. A través de sus doce canciones va cuestionando aquella imagen de chica fiestera que había proyectado, las relaciones que mantenía y la persona que creía ser. No se trata tanto de renegar de aquella etapa como de comprenderla y aceptar que no tiene por qué definirla para siempre. Hay también una reflexión sobre el crecimiento personal, la dificultad de reconocerse en determinadas versiones de nosotros mismos y la posibilidad de cambiar de opinión sobre quiénes somos. En ese sentido, el título del álbum adquiere todo su significado: quizás habló demasiado pronto al pensar que ya sabía perfectamente quién era.

En cuanto a la recepción crítica, I THINK I SPOKE TOO SON ha obtenido una media de 77 sobre 100, cuatro puntos por debajo del 81/100 conseguido por What A Devastating Turn Of Events. Still Listening le ha otorgado un 85/100, mientras que NME, DIY, The Line of Best Fit, Clash y Rolling Stone UK coinciden en un 80/100. Paste se queda en 75/100, Pitchfork en 73/100 y MusicOMH, Exclaim!, Rolling Stone y The Needle Drop le conceden un 70/100. Estamos ante una recepción mayoritariamente favorable, con valoraciones bastante sólidas, aunque ligeramente menos entusiastas que las de su debut. No parece que el cambio de dirección haya supuesto una mejora en su consideración crítica, pero tampoco estamos ante un disco que haya generado un rechazo significativo. 

Nuestra impresión se encuentra bastante cerca de ese consenso, aunque con un 85 sobre 100 que es una puntuación algo más generosa que la de la mayoría. Al final, podemos echar de menos a la RACHEL CHINOURIRI de su primer álbum y, al mismo tiempo, reconocer que ha firmado un trabajo muy notable. No compartimos del todo el rumbo artístico elegido, nos parece que esta aproximación al pop mainstream llega demasiado pronto y nos hubiera gustado que siguiera explorando las posibilidades de aquella identidad musical que tanto nos había convencido. Pero eso no significa que I THINK I SPOKE TOO SON sea un mal disco, ni mucho menos. Tiene grandes canciones, una producción estupenda, cohesión y una artista con un talento extraordinario que sigue siendo perfectamente reconocible. Quizás no necesitábamos este cambio, pero una vez que ha decidido darlo, lo cierto es que ha sabido sacarle bastante partido. Nos parece bastante superior a lo que han entregado artistas como Jorja Smith o Tinashé este mismo año.

MEJORES MOMENTOS: Pretty Girls, One Song Away For Crying, Broken Chair, I'm A Star, AAAHH!!!, Make Believe, Parasite...

MEDIA CRÍTICA: 77/100

NUESTRA VALORACIÓN: 85/100

CLARA MANN: LA SENCILLEZ DE LA VULNERABILIDAD.

 

Confirmar las expectativas tras un debut sobresaliente como Rift (2025), suele ser uno de los retos más complejos para cualquier compositora, pero CLARA MANN sale airosa del envite con WISHBONE. Si en su primer trabajo el foco estaba puesto en cicatrizar una ruptura desde la introspección, aquí el giro narrativo es radical: Mann decide bajar la guardia, exponerse sin filtros y abrir la puerta al vértigo de enamorarse y entregarse por completo a otra persona. Es un disco articulado en torno a la confianza, un concepto que la artista explora con una madurez poco habitual. 

Para dar forma a este relato emocional, Mann tira de un bagaje cultural amplio y sofisticado que la desmarca de la escena folk convencional. La sombra de su herencia francesa sigue marcando su sensibilidad artística, pero esta vez se manifiesta a través del cine visceral de Leos Carax -citando Los amantes del Pont-Neuf (1993) como espejo estético- y del arte performativo. En concreto, la artista toma como brújula conceptual Rest Energy (1980), la célebre acción en la que Marina Abramović y Ulay sostenían un arco tensado únicamente con el equilibrio de sus propios cuerpos. Esa imagen -que encarna la confianza absoluta, la vulnerabilidad extrema y el riesgo real de entregarse a otra persona- atraviesa todo el álbum y sustituye la contemplación solitaria por la urgencia de compartir el abismo con alguien más. 

En el plano musical, el salto hacia adelante es igual de evidente. Repitiendo alianza con el reputado productor Fabian Prynn y manteniendo el timón absoluto en la composición de todos los temas, Mann abandona el despojo casi minimalista de su estreno para abrazar una producción más amplia, cálida y detallista. Los arreglos de cuerda y piano ganan protagonismo con una sutileza exquisita, vistiendo las canciones sin restarles ni un ápice de esa cercanía física tan suya, esa sensación intacta de tenerla cantando a escasos centímetros en la misma habitación. Esa evolución queda patente a lo largo del repertorio. 

WISHBONE es un álbum de una belleza descomunal, pero también de una cohesión admirable. Sus canciones parecen formar parte de un mismo relato emocional, avanzar juntas hacia un destino compartido, aunque cada una conserva una personalidad propia y la capacidad de funcionar por separado. Desde el rasgueo sutil de guitarra que abre Fortuna, con una voz que te atrapa desde el primer instante y te invita a emprender un viaje cuyo destino desconoces, hasta el elegante piano que introduce Wishbone, Mann demuestra una extraordinaria capacidad para crear expectación y dejar que las emociones crezcan sin recurrir a giros bruscos. En Go Getter, esa delicadeza inicial se expande progresivamente, con el piano adquiriendo un protagonismo especial, mientras que I'm EveryOne Who's Ever Said I Love You avanza con la misma naturalidad hasta desembocar en una sensación de profunda serenidad. 

Pero quizás sea en Oblivion donde mejor se manifiesta la voluntad de exponerse de la artista. Su interpretación íntima y casi susurrada, acompañada por la guitarra, consigue que la voz parezca estar sonando en la misma habitación, tan cerca que casi puedes respirar cada palabra. Es una proximidad que trasciende la escucha y te hace sentir partícipe de esa confesión. En News From Home, por su parte, un rasgueo de guitarra anuncia un desarrollo instrumental cada vez más rico, aunque Mann mantiene hasta el final una intensidad contenida que nunca necesita desbordarse. Y All My Devotion, una de nuestras favoritas, lleva hasta otro nivel esa sensibilidad melódica y armónica que remite inevitablemente a Joni Mitchell: la interpretación vocal es sublime y la aparición progresiva de los arreglos convierte el tema en uno de los momentos más extraordinarios del álbum.

Cuando aparece una voz femenina en el folk, la comparación automática con Joni Mitchell suele ser un recurso tan habitual como cansino. Sin embargo, en WISHBONE el paralelismo va mucho más allá de una simple inflexión vocal; se percibe en la arquitectura de las melodías, en la libertad armónica y en una manera muy particular de entender los arreglos musicales como extensión del estado de ánimo. 

No sorprende que la prensa especializada haya recibido el álbum con aún más entusiasmo que su predecesor, elevando su media hasta un rotundo 87 sobre 100, con sobresalientes de PopMatters y Louder Than War (90/100) y un notable alto de Clash (80/100). 

Nosotros ya rompimos nuestra propia regla al otorgarle la máxima calificación a su debut, y con WISHBONE no queda más remedio que mantener el 100 sobre 100. CLARA MANN no solo demuestra que no era flor de un día, sino que firma un disco luminoso, valiente y profundamente humano. Su grandeza, sin embargo, va más allá de la belleza de sus composiciones o de la delicadeza de sus arreglos. Hay algo en estas canciones que termina calando mucho más hondo: la sensación de que amar, confiar y entregarse quizás no debería ser tan complicado. Que a veces basta con bajar la guardia, dejarse llevar y aceptar la vulnerabilidad que implica querer a alguien. WISHBONE nos deja con la respiración contenida, con ganas de volver a empezar el viaje y, sobre todo, con una certeza reconfortante: que, a pesar de todo, las cosas podrían ser mucho más sencillas.

MEJORES MOMENTOS: All My Devotion, Fortuna, Wishbone, Go Getter, I'm EveryOne Who's Ever Said I Love You, Oblivion...

MEDIA CRÍTICA: 87/100

NUESTRA VALORACIÓN: 100/100

AUGUST PONTHIER: EMOCIÓN REAL.

 

Tenemos que hablar de AUGUST PONTHIER, le recordamos por una colaboración con Lord Huron de la que hablamos en su día y tras varios Eps, por fin ha editado su álbum debut EVERYWHERE ISN'T TEXAS, con el que ha logrado un lugar destacado en el radar de los blogs independientes como el nuestro, por tener algo especial que llama la atención y romper radicalmente con la inercia comercial, convirtiéndose en una de las joyas más singulares de la temporada. Quien se acerque a su música por primera vez encontrará un tono cristalino y dulce, con profundas raíces norteamericanas que evoca inevitablemente la elegancia de referentes como Alison Krauss. Sin embargo, tras la fachada sonora, las canciones esconden un viaje de honestidad brutal y catarsis personal. El gran factor diferencial de este trabajo es cómo entrelaza la composición musical con la transición de la propia persona. Tras una profunda búsqueda interna que culminó a los 30 años, Ponthier anunció públicamente su identidad no binaria y asumió su verdadero nombre. 

Este paso crucial constituye el verdadero motor conceptual y el alma de una obra que se mueve con soltura entre Indie Pop, Alt-Country y Country Pop, siempre bajo el marco de cantautora. Al revisar las composiciones que dan forma al disco, Ponthier descubrió un diario subconsciente repleto de señales sobre la disforia y la envidia de género que antes camuflaba bajo la androginia artística o el juego interpretativo. Toda esa compleja transición social se transforma ahora en una narrativa descarnada pero luminosa a través de cortes como Handsome, demostrando que la reafirmación de la propia identidad puede ser un proceso liberador e increíblemente vivo. Es precisamente en el cruce de sus etiquetas musicales donde el disco brilla: la herencia confesional del formato cantautor se viste con ganchos pop contemporáneos, mientras que la instrumentación tradicional del folclore sureño se deconstruye desde una perspectiva disidente para sacudir el conservadurismo de Texas. 

A pesar de operar en los márgenes de los circuitos masivos, el nivel técnico del álbum revela un blindaje profesional extraordinario. Detrás del sonido limpio y envolvente de la obra se encuentra la producción detallista de firmas como Matthew Neighbour, Laiko, Kyle Shearer y James Flannigan. A esta arquitectura sonora se suma un equipo de composición de un calibre asombroso: junto a las letras de Ponthier, el disco cuenta con la sensibilidad de Ethan Gruska y Dan Wilson, el instinto melódico de Caroline Pennell y Sly, y la colaboración de once coautores más. El gran triunfo de EVERYWHERE ISN'T TEXAS radica precisamente en haber congregado un despliegue de talento tan imponente sin perder ni un ápice de intimidad. 

Es una pena que los grandes altavoces de la industria, representados por la crítica generalista, no hayan terminado de captar este equilibrio, atrapados en esa necesidad de situarse por encima del bien y del mal. Mientras los espacios de escucha activa de la blogosfera han arropado el proyecto con entusiasmo, los grandes agregadores como AOTY reflejan una recepción mucho más fría, marcada por el 68 sobre 100 concedido por Pitchfork. En su habitual ejercicio de distanciamiento crítico, la publicación despacha el disco como un trabajo "excesivamente precavido" y cuestiona la comodidad de su producción. Sin embargo, lo que esa mirada etiqueta como prudencia es, en realidad, una lección de cohesión y elegancia melódica. No hace falta recurrir al ruido pretencioso para resultar revolucionario cuando la verdadera subversión habita en la honestidad de la palabra. 

Del mismo modo, resulta sangrante que la crítica oficial cuestione la emotividad del tema homónimo por su interpolación de Somewhere Over the Rainbow, considerando que la canción y su reprise llevan demasiado lejos la sentimentalidad. Una lectura que pasa por alto que ese gesto no es un simple recurso pop, sino un puente de resistencia política y emocional hacia una juventud trans que busca refugio en entornos hostiles. Frente a la soberbia analítica de los grandes tótems mediáticos y los veredictos de escaparate al estilo de los vídeos de Fantano o las columnas de The Guardian -demasiado empeñados, a menudo, en convertirse en protagonistas de las obras que juzgan-, AUGUST PONTHIER firma una obra de belleza inquebrantable. Un debut descarado y sensible que recuerda que el valor real de la música se mide por su capacidad de conmover, no por el frío veredicto de un termómetro digital. Frente al desdén de los de siempre, en esta casa apostamos por la emoción real y le otorgamos un merecidísimo 85 sobre 100.

MEJORES MOMENTOS: Everywhere Isn't Texas, Handsome, I'm Crying Are You?, Betty, Angry Man, Bloodline...

MEDIA CRÍTICA: 68/100

NUESTRA VALORACIÓN: 85/100