FOLK BITCH TRIO: UN ÁLBUM DEBUT IMPRESIONANTE.

 

NOW WOULD BE A GOOD TIME es el álbum debut de las australianas FOLK BITCH TRIO. Y aunque hayan elegido un nombre un poco arriesgado para los tiempos de censura y mojigatería que se viven en la actualidad (por llamarse así, nos está costando horrores que blogger encuentre videos suyos en Youtube), la realidad es que es uno de esos discos que justifican la existencia de este blog. Porque cuando éramos niños soñábamos con hacer crítica musical y escribir sobre álbumes como este. Tenemos una teoría, que para que bandas como FOLK BITCH TRIO emerjan y nos den discos tan brillantes como este, otras personas antes les han abierto las puertas, abonando un terreno fertil donde ellas y muchas otras puedan existir y evolucionar. Por lo que hay que volver a hablar de la importancia de la escena indie australiana, cómo se ha estado moviendo en los últimos años y que una de las figuras claves ha sido Julia Jacklin, gracias a ella y a otras artistas como Angie McMahon o Courtney Barnett se han abierto todas esas puertas y se están dando estos prodigios. Aunque por supuesto, no restamos méritos a lo que hace FOLK BITCH TRIO que seguramente habrían emergido igualmente tarde o temprano por su calidad. Pero además de todo esto que os contamos de la escena indie australiana, el éxito internacional de Boygenius ha facilitado también que exista un interés comercial por el folk pop y todo le ha venido rodado a estas tres chicas que han conseguido trascender de esa escena indie australiana y que estemos hablando de ellas en todo el planeta. Para terminar con esto y centrarnos en FOLK BITCH TRIO, diremos que Julia Jacklin es a la escena indie australiana lo que ha sido Phoebe Bridgers a la americana y gracias a mujeres como ellas estamos viviendo una época dorada de la música.    

FOLK BITCH TRIO es un trío indie folk/rock surgido en Melbourne (Naarm), integrado por Gracie Sinclair, Jeanie Pilkington y Heide Peverelle. Comenzaron alrededor del 2020, lanzando su primer sencillo en ese año, luego trabajaron creando más material entre 2022 y 2024 y fueron perfeccionando su sonido, desarrollando esa complicidad vocal que hoy les caracteriza. Su música combina armonías delicadas con letras confesionales e irónicas, influidas por Joni Mitchell, Nick Drake, y algunos exponentes del folk británico como Laura Marling. El productor de HOW WOULD BE A GOOD TIME es el neozelandés Tom Healey reponsable de algunos trabajos de Aldous Harding y Nadia Reid, también dos de nuestras favoritas. FOLK BITCH TRIO ha fichado por Jagjaguwar, un sello discográfico que también lanzó a figuras claves como Sharon Van Etten y Angel Olsen. Estamos ante algo muy grande. La crítica ha acogido a NOW WOULD BE A GOOD TIME  con los brazos abiertos. Ha obtenido una media de 85 sobre 100 que se distribuye de la siguiente manera: NME le otorga el 100/100 y considera que es uno de los mejores trabajos del año. Far Out Magazine, Still Listening, Spill Magazine y AllMusic 90/100; Dork, Clash, Uncut y Mojo 80/100; Under The Radar 70/100; Spectrum Culture 68/100 y DIY 60/100. Nosotros lo hemos tenido muy claro y nos hemos saltado nuestra regla autoimpuesta de intentar no dar la máxima puntuación a un álbum debut. Pero es que NOW WOULD BE A GOOD TIME merece el 100 sobre 100. Porque es un ejercicio de escritura confesional, en el que las canciones funcionan como postales personales, pero cargadas de ironía, ternura, frustración y observación social. Las voces del trío, aunque distintas, se entrelazan en una narrativa compartida que orbita en torno a la intimidad, la autoexploración, y los micromomentos de la vida cotidiana. Muchas letras juegan con la tensión entre querer que alguien mire más allá de la superficie y a la vez con el impulso de escapar del contacto emocional. Esto se siente especialmente en canciones como Now Would Be a Good Time, donde la vulnerabilidad se disfraza de frases coloquiales. A diferencia del dramatismo de otras propuestas similares, FOLK BITCH TRIO tiene un tono irónico y autoconsciente. Frases que podrían ser grandilocuentes están suavizadas por un lenguaje cotidiano, casi torpe a propósito. Esto les da autenticidad, y una voz propia. No hay muchas canciones directamente sobre la amistad, pero el disco entero se percibe como un acto compartido de sororidad. Hay algo profundamente conmovedor en cómo cantan juntas, como si lo importante no fuera la historia que se cuenta, sino quién está al lado cuando se cuenta. Hay una presencia constante del cuerpo en las letras: cuerpos que están cansados, cuerpos que no encajan, cuerpos que simplemente existen. No como metáfora, sino como realidad. Esto conecta con una sensibilidad queer, feminista y crítica que puede llegar a todo el mundo porque no es explícita ni panfletaria. Musicalmente, NOW WOULD BE A GOOD TIME es un disco de folk alternativo y slowcore con un enfoque austero pero emocionalmente expansivo. Suena artesanal, meditado, y hecho con una contención que revela muchísimo. El centro del disco son sus armonías vocales. Las voces se entrelazan con un equilibrio que recuerda al trabajo vocal de Boygenius, pero con una delicadeza más frágil, menos perfecta. A veces suenan como si fueran una sola voz, otras veces se distancian hasta crear tensión. Esa dinámica vocal cuenta tanto como las letras. La instrumentación es minimalista. Encontramos guitarras acústicas limpias, sin ornamentación que se mezclan con pequeños detalles eléctricos, bajos suaves, y una batería que aparece lo justo. Hay silencios importantes, pausas donde lo que no se toca importa tanto como lo que sí. (El poder del silencio que solo lo saben usar los grandes). En cuanto a la producción de Haley, se nota que el objetivo era no entorpecer la emoción con artificios. Las canciones suenan como si las estuvieras escuchando en directo, en una habitación pequeña, pero con espacio para que resuene cada palabra. Este no es un disco “folk de raíces”, sino uno que parte del folk como lenguaje emocional más que como género formal. Hay momentos que rozan el dreampop acústico, el alt-country lento, incluso el post-rock introspectivo aunque muy sutilmente.    

MEJORES MOMENTOS: God's A Different Sword, Cathode Ray, The Actor, Hotel TV, Moth Song, Foreing Bird...

MEDIA CRÍTICA: 85/100

NUESTRA VALORACIÓN: 100/100

LOS GIROS INESPERADOS DE ALEX G.

 

A pesar de que nunca hemos reseñado ningún álbum de ALEX G, siempre lo hemos tenido muy en cuenta. Su álbum anterior Good Save The Animals (2022) lo tuvimos muy presente en la lista de los mejores álbumes de su año de producción. Aunque quizás haya llegado el momento de detenerse y hablar de él gracias a HEADLIGHTS uno de sus trabajos más conseguidos. A pesar de que parezca divagar (conscientemente) en su último tramo. Pero antes de hablar de HEADLIGHTS quizás debemos hacer las debidas presentaciones y contaros quien es ALEX G. Para empezar diremos que es un músico, cantante y compositor de Pensilvania que crea de manera artesanal y en su estudio casero. De hecho, muchos etiquetan su música como Lo-fi por este motivo. Lleva editando álbumes desde su debut con Winner (2010) y la primera parte de su carrera eran discos independientes de verdad y autoeditados, hasta que fichó con Domino Records con los que grabó sus útimos cuatro álbumes (los de mayor reconocimiento) anteriores a HEADLIGHTS que es su décimo álbum de estudio y el primero con RCA tras abandonar Domino Records. Es normal que haya acaparado más atención mediática. Suele pasar cuando asciendes a una discográfica más potente, pero tenemos la sensación de que merecía toda esa atención desde sus inicios en 2010. HEADLIGHTS fue coproducido por ALEX G y el bajista de Unknown Mortal Orchestra, Jacob Portrait, quien ya había trabajado con él en sus dos álbumes anteriores, House of Sugar (2019) y God Save the Animals (2022). La mayor parte de la instrumentación del álbum fue grabada únicamente por ALEX G, con contribuciones de su compañera y colaboradora habitual Molly Germer (violín, coros), junto a Carolina Diazgranados (violonchelo, coros), Hannah Nicholas (viola, coros), Veronica Jurkiewicz (viola), Carlos Santiago (violín) y Justin Yoder (violonchelo).   

En cuanto a la crítica Metacritic le da una media de 86/100. Pero nosotros nos vamos a quedar con la de albumoftheyear.org que es de un 80 sobre 100 porque recoge muchas más reseñas y nos parece un tanto más real. Aunque si sabéis leer entre líneas, se traduce en una muy buena nota en cualquiera de las dos páginas. Medios como DIY y The Guardian le otorga un 100/100 y consideran que es uno de los mejores trabajos del año. 90/100 Slant; 84/100 Beats Per Minute; 80/100 Dork, NME, Spectrum Culture, The Skinny, Rolling Stone, Clash y Northern Transmissions 79/100 Paste; 70/100 PopMatters y Exclaim; 60/100 The Line Of Best Fit y la peor nota (que no recogió metacritic) proviene de The Needle Drop y es un 50/100. Por nuestra parte tenemos que decir que HEADLIGHTS comienza con una atmósfera que recuerda a Sufjan Stevens y luego se transforma notablemente en otra cosa bien distinta a medida que va avanzando y especialmente en su último tramo. El propio ALEX G ha abordado esta falta de cohesión como parte de su forma creativa, caracterizada por giros e intuición más que por una narrativa lineal. Algo que podemos comprarle perfectamente, aunque nos haya chirriado bastante esa falta de cohesión. Se habla de la influencia de Elliott Smith, Lucinda Williams o Neil Young en su música, y es cierto que está presente cuando aborda cortes de americana. Aunque este álbum es mucho más y transita del folk rock y la americana al indie rock y sobre todo a la neopsicodelia quizás de manera abrupta y sobre todo abandonando el sonido Lo-fi de álbumes anteriores. La mano de Jacob Portrait es férrea en producciones algo más agrandadas de lo que ALEX G nos tenía acostumbrados. Nosotros sentimos que podría haber sido un 100/100 para nosotros si lo hubiéramos dejado de escuchar a la mitad. Escuchándolo entero, se nos queda en un 85 sobre 100 porque es justo que pase el corte para tenerlo en cuenta entre los mejores álbumes del año. Pero tenemos la sensación de que esto podría haber sido una obra maestra y se queda solamente en un álbum notable.   

MEJORES MOMENTOS: Afterlife, June Guitars, Oranges, Real Thing, Beam Me Up, Spinning, Louisiana...

MEDIA CRÍTICA: 86/100 metacritic; 80/100 albumoftheyear.org

NUESTRA VALORACIÓN: 85/100

EL MEJOR ÁLBUM DE JADE BIRD

 

JADE BIRD nos sigue pareciendo una de las artistas más interesantes de la última década. La última vez que hablamos de ella fue a colación de su segundo álbum de estudio Different Kind Of Lights (2021) que supuso su gran aventura americana en Nashville de la mano de Dave Cobb. Pero ocurrió lo que nos temíamos que ocurriría, a pesar de que el disco nos encantó. Porque el sonido de los primeros discos de JADE BIRD está profundamente enraizado en la tradición americana (folk, country alternativo, americana-rock), algo que en Reino Unido sigue siendo de nicho. Y cuando se presenta en el mercado estadounidense, no deja de ser una outsider británica compitiendo con artistas locales que llevan esa tradición en la sangre. Finalmente, no termina de conquistar a ninguno de los dos públicos, ni al británico, ni al americano, al menos, masivamente. Aunque tampoco creo que sus aspiraciones hayan sido nunca pertenecer al mainstream, porque con su actitud y solvencia se está labrando cierto prestigio crítico, sumado a que sus conciertos en directo son toda una experiencia. Recientemente ha sido una de las mejores valoradas en Glastonbury 2025. No obstante, con WHO WANTS TO TALK ABOUT LOVE, su tercer álbum de estudio, algunas cosas están cambiando. JADE BIRD abandona en gran parte la fórmula folk-rock o americana de su debut y segundo álbum, para abrazar un sonido más ecléctico, con toques de pop alternativo, indie rock, y a veces electrónica ligera. La producción es más sofisticada, con capas que enriquecen cada tema sin perder energía ni crudeza. Su presencia vocal y emocional es mucho más fuerte. JADE BIRD muestra una voz más madura, con mayor rango y control, y un estilo que transmite autenticidad y emoción sin artificios. Su interpretación de las canciones es intensa y convincente y es un álbum con un mayor riesgo artístico. No se queda en su zona de confort. Arriesga, experimenta y juega con diferentes sonidos y estructuras. La producción corre a cargo de Andrew Wells (Phoebe Bridgers) y con los productores adicionales Greg Kurstin, Andrew Sarlo y Teddy Geiger. Llama la atención la colaboración de Madison Cunningham tocando la guitarra en uno de los cortes.     

En cuanto a la crítica WHO WANTS TO TALK ABOUT LOVE ha recibido una media de 78 sobre 100. La más alta de su carrera hasta el momento. Aunque debería ser mucho más alta. PopMatters y The Line Of Best Fit le otorgan un 80/100 y DIY, Glide y Clash un 70/100. Por nuestra parte consideramos que este es el mejor álbum de JADE BIRD, aunque nos gustan mucho sus dos álbumes anteriores y se revalorizan con cada nueva escucha. Ella nos gustaba haciendo americana o folk rock, pero este giro hacia el pop alternativo o el indie rock también nos convence porque JADE BIRD lo sabe hacer todo bien. Fue algo que advertimos cuando escuchamos su álbum debut. Es una todoterreno, tiene muchísmo potencial y sus registros son infinitos. Nuestra nota para este excelente álbum es de un 92 sobre 100 y para terminar, nos gustaría también hablar del fraseo de JADE BIRD y cómo usa las palabras casi como una batería vocal. Corta las sílabas con precisión, las acentúa contra el beat, y las lanza en ráfagas rítmicas. Un ejemplo claro es I Get No Joy (2019) donde la voz se convierte casi en un instrumento de percusión y en este álbum ese fraseo está presente en un momento de Save Your Tears. Por cierto, I Get No Joy es un temazo de dimensiones bíblicas y sería de justicia que se viralizara en Tik Tok para tener una segunda vida como le ocurriera a Only Love Can Hurt Like This de Paloma Faith. 

MEJORES MOMENTOS: Nobody, Who Wants, Avalanche, Dreams, Save Your Tears, Somebody New...

MEDIA CRÍTICA: 78/100

NUESTRA VALORACIÓN: 92/100