WISP: LAS APARIENCIAS ENGAÑAN.

 

Natalie R. Lu, conocida profesionalmente como WISP, es una jovencísima intérprete, compositora y músico estadounidense de escendencia taiwanesa y tailandesa. Tras hacerse viral en Tik Tok con su single debut Your Face en 2023 su carrera ha continuado con un Ep titulado Pandora (2024) y por fin ha publicado su álbum debut titulado IF NOT WINTER. Este álbum se enmarca dentro del shoegaze y el nu‑gaze, una versión moderna del shoegaze impulsada por la generación Z. Aunque como le pasa a muchos otros músicos que son etiquetados como shoegaze, Lu considera que puede limitala. De hecho, WISP fusiona shoegaze con pop, electrónica, rock alternativo, e incluso elementos de folk poético y atmósferas de fantasía medieval, creando una narrativa coherente y emocional. También incorpora pop melódico, distorsión, capas sintetizadas y letras íntimas que ella describe como fragmentos de su diario y sueños de infancia. WISP en realidad, se considera más una artista de nu‑gaze, rock alternativo, con tintes de dream pop, pop melódico y texturas electrónicas.

Aunque todo lo que os hemos contado hasta ahora puede dar a entender que es una artista independiente que crea de forma casera. En cuanto ves los créditos de IF NOT WINTER, tenemos que decir que está muy alejado de esa apariencia. Porque se trata de un disco multiproducido por más de diez productores entre los que destacan Stint, Krauss y Colin Brittain. En cuanto a las canciones, todas están acreditadas también por múltiples coautores y ha fichado por un sello discográfico como instrescope records, que es un sello fuerte dentro de la industria. La crítica le da una media de 75 sobre 100 que se distribuye de la siguiente manera AllMusic, Clash, Kerrang! y NME 80/100; Paste 73/100; The Line Of Best Fit 70/100; Spectrum Culture 60/100 y Pitchfork 58/100. Por nuestra parte, nos ha recordado vagamente a Lanterns On The Lake con los que comparte atmósferas evocadoras y melancólicas, pero WISP marca la diferencia introduciendo una intensidad más distorsionada y pop-rock. Aún así, los dos últimos álbumes de Lanterns On The Lake son dos pequeñas joyas del indie pop contemporáneo. IF NOT WINTER solo es un álbum debut prometedor de una artista que ahora mismo tiene un gran apoyo discográfico. Pero no siempre va a ser así si no cumple con los objetivos comerciales. Nuestra valoración es un 83 sobre 100.   

MEJORES MOMENTOS: Sword, Save Me Now, Get Back To Me, Breath Onto Me, Serpentine...

MEDIA CRÍTICA: 75/100

NUESTRA VALORACIÓN: 83/100

FLYTE: MOMENTOS SUBLIMES.

 

Will Taylor y Nicholas Hill son FLYTE y ya os hicimos todas las presentaciones cuando hablamos de su álbum homónimo de 2023 que quedó bastante bien posicionado en nuestra lista de los mejores álbumes de su año de producción y fue un álbum que supuso un punto de inflexión en la carrera de este dúo. Porque mucha más gente de los que los conocían hasta ese momento pusieron la vista en ellos. Recientemente han publicado BETWEEN YOU AND ME. Un álbum producido por Ethan Johns que aporta calidez íntima y una grabación orgánica que intenta capturar la espontaneidad de cada momento y es cierto que lo consigue. En cuanto a la evolución del dúo, si su álbum homónimo del 2023 era introspectivo y emocionalmente crudo, con un enfoque casi cinematográfico ya que se escucha como una historia contada en escenas. No es solo una colección de canciones. Existe una línea emocional coherente que recorre el álbum. BETWEEN YOU AND ME en cambio, parece menos introspectivo, más abierto y melódico, lo cual puede hacerlo más accesible sin perder profundidad emocional. En cuanto a las narrativas, si Flyte (2023) era el duelo, la herida aún abierta, BETWEEN YOU AND ME representa el diálogo después del dolor. Hay canciones sobre reconciliaciones fallidas, amistad con ex parejas, y la dificultad de seguir adelante sin rencor. Habla mucho más sobre madurez emocional que sobre traumas. En el apartado de colaboraciones tenemos a la grandísima Aimee Mann en el corte titulado Alabaster. Algo que indica que a pesar de su ascenso de popularidad gracias a su álbum anterior, FLYTE sigue confiando en proyectos mucho más artísticos que comerciales. 

En cuanto a la crítica podríamos decir que BETWEEN YOU AND ME ha gustado tanto como Flyte (2023) ya que ha obtenido una media de 87 sobre 100 según Metacritic -Albumoftheyear le otorga una media de 82/100- que se distribuye de la siguiente manera: The Independent le otorga el 100/100 y lo propone como uno de los mejores álbumes del 2025. El resto de valoraciones van desde el 90/100 de Northern Transmissions, pasando por los 80/100 de Mojo, Dork y Far Out Magazine, hasta los 71/100 y 70/100 de Paste y Clash respectivamente. BETWEEN YOU AND ME puede parecer un tanto más complaciente que el álbum anterior aunque no creemos que sea algo intencionado para intentar vender su música a un público más amplio. Se trata de un álbum que tras la revelación que supuso Flyte (2023) confirma la calidad de este dúo. Pero sin ningún boom comercial. Siguen siendo de nicho, porque no tienen hits en charts globales, ni momentos virales en Tik Tok con sus canciones. Pero lo que sí tienen es un público fiel, culto y atento a sus letras. FLYTE no es un dúo mainstream, aunque cualquiera con sensibilidad musical puede quedar cautivado si los descubre. Están donde quieren estar: entre lo alternativo y lo accesible, sin renunciar a su esencia. Por nuestra parte tenemos que decir que BETWEEN YOU AND ME no merece menos del 90 sobre 100 porque es una continuación bastante certera de una carrera que todavía tiene que dar momentos sublimes al folk pop contemporáneo.    

MEJORES MOMENTOS: Emily And Me, Alabaster, I'm Not There, Hurt People, If You Can't Be Happy, Everybody Says I Love You...

MEDIA CRÍTICA: 87/100

NUESTRA VALORACIÓN: 90/100

MARISSA NADLER: CONSERVANDO EL MISTERIO.

 

Una vez que hemos escuchado NEW RADIATIONS el nuevo álbum de estudio de MARISSA NADLER lo primero que hemos pensado es que deberíamos mirar menos hacia Lana Del Rey o Ethel Cain y mucho más hacia artistas como MARISSA NADLER. Muchas veces, incluso después de tantos años reseñando álbumes, sigues sin saber porque algunas artistas tienen mucho más tirón comercial y atención mediática que otras cuando, a priori, parece que todas navegan en las mismas aguas. Aunque en el caso de MARISSA NADLER creemos que a ella tampoco le gustaría tener la atención mediática de Lana o Ethel ya que ha trabajado mucho para ser una artista indie de culto. Nadler autoprodujo NEW RADIATIONS grabándolo tanto en su estudio casero como en Haptown Studios (Nashville), con ayuda del ingeniero Roger Moutenot. Además, contó con Milky Burgess en arreglos e instrumentación, y con mezcla de Randall Dunn. El álbum apuesta por una atmósfera íntima, minimalista y etérea; sin percusiones, resalta la voz de Nadler (doble capa y armonías) y la guitarra acústica, mientras los sintetizadores y distorsiones se mantienen como texturas sutiles. Las letras abordan diversas narrativas con tono surrealista, alternando personajes que viajan en avionetas, coches, cohetes o atraviesan dimensiones paralelas. Aunque dentro de todo eso, el tema central del album va sobre la psique atrapada, la claridad emergente tras la oscuridad cósmica y los sentimientos de pérdida, amor, violencia y misterio. El espíritu sonoro bebe del folk ácido, el dream pop, lo gótico y lo americano, e incorpora leves toques country, resaltando su característico estilo enigmático y evocador. 

En cuanto a la crítica NEW RADIATIONS ha obtenido una media de 76 sobre 100 que se distribuye de la siguiente manera: Northern Transmissions 85/100; PopMatters, AllMusic, Wire 80/100; Uncut y Far Out Magazine 70/100 y Mojo y The Arts Desk 60/100. Por nuestra parte tenemos que decir que NEW RADIATIONS marca un retorno íntimo y atmosférico de MARISSA NADLER, donde su voz y su sensibilidad narrativa ocupan el centro del escenario, respaldadas por arreglos elegantes y envolventes. Un álbum que marca la diferencia por su coherencia estilística, su poder evocador y sus atmósferas oníricas. Se destaca también como un trabajo profundamente introspectivo, que reafirma el sello único de Nadler en el universo del folk contemporáneo. Nuestra nota es un 85 sobre 100 y lo recomendamos encarecidamente, aunque en Tik Tok nadie hable de MARISSA NADLER ni usen 15 segundos de una canción suya para cualquier chorrada.  

MEJORES MOMENTOS: Hatched Man, New Radiations, Sad Satellite, It Hits Harder, You Called Her Camelia, Smoke Screem Selene, Weightless Above The Water. 

MEDIA CRÍTICA: 76/100

NUESTRA VALORACIÓN: 85/100

CMAT ES ÚNICA.

En su momento, cuando hablamos de Crazymad, For You (2023) ya hicimos las presentaciones que teníamos que hacer de CMAT una cantante irlandesa bastante carismática y distinta a todo lo que se conocía en el pop contemporáneo anteriormente. Y nuevamente, ese carisma es lo que la avala cuando hablamos de EURO-COUNTRY su nuevo álbum de estudio. Porque en muchas notas de prensa leeréis  que EURO-COUNTRY es una incursión en el Country de esta artista, llevándoselo a su zona de confort de cantante irlandesa que tampoco suele hacer nada que tenga que ver con la idea que tenemos todos de como deben ser los cantantes irlandeses. Vamos... Que al final todo es bastante complejo y que en Nashville difícilmente van a entender este "Country" que nos propone. Y es que es tan difícil hablar de géneros, estilos y fusiones cuando alguien hace una música con una seña de identidad tan marcada y es capaz de fagocitar cualquier género y convertirlo en algo propio. Porque si me preguntáis cuales son los géneros de este álbum. Pues sí, lo fácil es decir que es pop rock, country pop, alt country, incluso soft rock o indie rock. Pero todo se terminaría mucho antes y se entendería mucho mejor diciendo simplemente: Es CMAT. Porque con tres discos ha conseguido algo único. Una personalidad propia y una identidad que está muy por encima de su música. CMAT tiene una forma de trabajar sus narrativas que no necesariamente depende de un enfoque explícitamente profundo en cada tema, pero sí de una coherencia interna y una manera de tejer las historias a través de su estilo. Aunque en EURO-COUNTRY las historias puedan ser menos “intensas” o “dramáticas” comparadas con Crazymad, For You (2023), ella sigue siendo muy fiel a sus principios, y logra desarrollar cada tema de una manera que se siente completa y reflexiva dentro de su propio universo. Es cierto que, aunque las narrativas de Euro-Country pueden parecer algo más ligeras o menos “grandes” en comparación con las de If My Wife Knew I'd Be Dead (2022), CMAT no deja ningún cabo suelto, ni inconcluso. En muchos de sus trabajos, ella se dedica a desarrollar la idea central de cada canción hasta llevarla a un nivel de madurez que refleja exactamente lo que quiere decir, con su estilo único de ironía y sinceridad. Quizás lo que pasa con EURO-COUNTRY es que, al ser un álbum con un tono aparentemente más experimental y quizás menos centrado en una narrativa de tipo "confesional", la sensación general de "conexión emocional" puede ser un poco más difusa para algunos oyentes. A lo mejor, el álbum no tiene esos momentos desgarradores o de revelación personal tan palpables como en el disco anterior, pero la profundidad está más en las reflexiones sobre su entorno, el contexto europeo y las influencias que se muestran a lo largo de las canciones. Ella es muy buena en la manera en que construye su propio espacio sonoro donde todo tiene un sentido emocional, incluso si no está tan directamente vinculado a un dolor o a un conflicto personal inmediato.   

La crítica está totalmente entusiasmada con EURO-COUNTRY con una media de 90 sobre 100 según el agregador de críticas albumoftheyear.org y cuando estamos escribiendo esto. Medios como: NME, DIY, Rolling Stone UK, The Skinny, Louder Than War, The Arts Desk, Dork y The Guardian le otorgan un 100/100 y consideran que es uno de los mejores álbumes del año. MusicOHM, Far Out Magazine 90/100; Mojo, Gods Is In The Tv, The Independent, Clash, Uncut, Rolling Stone y The Irish Time 80/100 y Pitchfork 77/100. Por nuestra parte, lo tenemos muy claro. Aunque pensábamos que CMAT había tocado techo con Crazymad, For You (2023). Podemos decir que con EURO-COUNTRY lo iguala o incluso lo supera. Es cierto que el disco lleva poco tiempo en el mercado, pero en cuanto lo escuchas tres veces, sabes que podría superar todo lo que ya había grabado antes. Ella misma ha dicho que considera que es el mejor trabajo que ha hecho hasta la fecha. Lo que muy pocas pueden decir es que posee tres discos que son tres auténticos "musts" del pop contemporáneo y que si os queréis hacer de su discografía, tenéis que conseguir los tres álbumes aunque no tengan relación narrativa entre ellos. Son tres joyas y esperamos que nunca rompa esta racha. Esto es un claro álbum de 100 sobre 100 pero por lo que hemos dicho antes: Es ella. Es CMAT, es única y musicalmente, ahora mismo, está por encima del bien y el mal.   

MEJORES MOMENTOS: Running/Planning, Euro-Country, Take A Sexy Picture Of Me, When A Good Men Cries... En realidad todas las canciones del álbum son muy buenas y es para escucharlo en bucle una y otra vez.  

MEDIA CRÍTICA: 90/100

NUESTRA VALORACIÓN: 100/100

SOMBR: EL CHICO NUEVO DE TIK TOK.

 

Hablemos de SOMBR, un jovencísimo (solamente tiene 20 años) cantante y compositor neoyorquino. Aunque nosotros no hacemos reseñas de Eps porque si lo hiciéramos necesitaríamos tres vidas más, sí que solemos destacar algunos de ellos desde nuestras Redes Sociales. Por eso es tan importante que nos sigáis tanto en Facebook, X, Tik Tok o Bluesky que son las cuatro redes en las que tenemos presencia (También estamos en Spotify para las playlists). En su momento nos hicimos eco de la existencia del Ep In Another Life (2023) porque nos pareció de lo más prometedor. Un Ep que causó revuelo en la escena indie por su sonido melódico, etéreo y muy emocional. SOMBR, con tan solo diecisiete años, mostraba una propuesta más introspectiva, con una mezcla de indie y electrónica suave. Las letras eran bastante personales y el enfoque estaba más en la atmósfera y la experimentación sonora que en la accesibilidad pop. Dos años después SOMBR publica su álbum debut I BARELY KNOW HER y nuestra percepción ha cambiado un poco. Porque es un álbum mainstream con mayúsculas y sin rodeos. Desde la producción pulida, la estructura de los temas, las letras centradas en relaciones y desamor, hasta el marketing agresivo en TikTok y su entrada directa al Billboard Hot 100 está diseñado para posicionarlo como un producto pop de alto alcance. Incluso aunque conserve ciertos elementos que sugieren raíces indie (letras confesionales, algo de instrumentación orgánica, cierto dramatismo emocional), el álbum hace claras concesiones a las fórmulas del pop contemporáneo. Como por ejemplo el uso de efectos vocales fuertes que no dejan mucho espacio a la interpretación cruda o minimalista, o estructuras de canciones orientadas a viralizarse (coros memorables, ganchos directos). Por no hablar de una producción de lujo, con nombres como Tony Berg implicados, que no se asocia a lo lo-fi ni a lo alternativo. ¿Y esto es bueno o es malo? Pues ni una cosa, ni la otra. Pero desde luego SOMBR ya no es la gran esperanza blanca del indie contemporáneo, que es lo que pensamos muchos cuando escuchamos aquel ya lejanísimo Ep. 

El agregador de críticas albumoftheyear.org recoge dos reseñas con 80 sobre 100 de valoración cada una. La de NME y Rolling Stone y esa es su media de momento. Todos los críticos son muy conscientes de que se trata de un disco que hace concesiones al pop mainstream, pero coinciden en que está bien hecho y que tiene cierta calidad. Por nuestra parte tenemos que decir que posee una producción cuidada, sensibilidad emocional, atmósfera pop sofisticada y buen equilibrio entre lo íntimo y lo explosivo. Pero más allá de sus potentes singles, algunas pistas parecen de relleno, predomina el uso excesivo de efectos vocales hasta el punto de cuestionarlos, y el ritmo general del disco puede sentirse inconsistente. A pesar de todo eso, I BARELY KNOW HER es un debut sólido que cristaliza el paso de SOMBR del mundo indie dormido al pop mainstream, conservando, eso sí, un toque emocional que conecta incluso con quienes echan de menos su veta más indie. Nosotros pensamos que es muy joven y que probablemente use este debut como trampolín. Si no funciona, o incluso si sí funciona pero él piensa que ha vendido su alma al diablo y se siente vacío creativamente, hay muchas posibilidades de que vuelva a un sonido más arriesgado o íntimo en un segundo álbum o en colaboraciones futuras. Nuestra nota es un 85 sobre 100. Porque a pesar de todo lo que hemos dicho nos parece un buen producto y quizás el problema lo tengamos nosotros mismos con las grandes expectativas que teníamos para él. Lo bueno es que, por lo menos, no nos hemos encontrado a un Benson Boone cualquiera. Podría haber sido bastante dramático. 

MEJORES MOMENTOS: 12 to 12, Back To Friends, We Never Dated, Undressed, Come Closer, 

MEDIA CRÍTICA: 80/100

NUESTRA VALORACIÓN: 85/100

CAROLINE SPENCE DESDE EL CORAZÓN.

 

HEART GO WILD supone la vuelta de CAROLINE SPENCE tras el brillante True North (2022) y han pasado algunas cosas desde entonces. Cómo que sufrió un bloqueo creativo que ha coincidido con el hecho de ser madre. Aunque HEART GO WILD es el resultado del final de ese bloqueo ya que se rodeó de los productores Mark Campbell y Peter Groenwald y entre los tres sacaron adelante este proyecto en el que ella recuperó esa fluidez que siempre ha tenido para crear desde la sencillez. Con un título como HEART GO WILD, ya imaginaréis que se trata de un disco sensible, íntimo y emotivo. La propia CAROLINE SPENCE dijo que "Las canciones de este álbum tocan prácticamente todo lo que un corazón puede sentir" y presenta esas historias del corazón manteniendo una postura vulnerable, pero sin filtros. Es un álbum repleto de baladas, algunas desgarradoras como Confront It que abre el disco y te atrapa hasta hacerte sentir un nudo en la garganta. A partir de ahí, sabes que todo lo que va a venir a continuación es absolutamente maravilloso.   

En cuanto a la crítica, en el momento que escribimos esta reseña ningún medio ha valorado HEART GO WILD. Deben estar todos muy ocupados hablando de Sabrina Carpenter o Hayley Williams que también han sacado disco este fin de semana. Por supuesto que nosotros preferimos darle prioridad a CAROLINE SPENCE antes que a ellas. Porque CAROLINE SPENCE es esa artista honesta que solo aprecian unos pocos y que nosotros siempre defenderemos a capa y espada porque artistas como ella marcan la línea editorial de este blog. Para nosotros HEART GO WILD es una digna continuación de sus dos álbumes anteriores. Es un álbum sensible, no sensiblero y eso es realmente importante. Porque muchas cantautoras cuando abordan el tema de la maternidad se vuelven muy blandas y previsibles escribiendo desde esa nueva experiencia vital. Spence lo esquiva bien, porque este no es un álbum sobre la maternidad. Pero sí con la maternidad de fondo y ella sigue apelando a la emoción sin forzarla. Eso lo interpretamos como que ha conseguido una madurez artística que ya quisieran muchas. Por nuestra parte no podemos darle a HEART GO WILD menos de un 90 sobre 100, que está muy bien después de venir de dos discazos como Mint Condition (2019) y True North (2022). No queremos irnos sin volver a decir que hay una única cosa que sí que le recomendaríamos a CAROLINE SPENCE... Cuidar más las portadas de sus discos.    

MEJORES MOMENTOS: Confront It, Effortless, Why The Tree Love The Ax, The Sound Of You, Where The Time Goes, Heart Go Wild...

MEDIA CRÍTICA:--- (Actualizaremos en cuanto haya cambios)

NUESTRA VALORACIÓN: 90/100

KATHLEEN EDWARDS: SOBRE LA RIQUEZA DE LAS EXPERIENCIAS Y EMOCIONES.

El 2025 está siendo un año muy productivo para KATHELEEN EDWARDS si hace unos meses nos sorprendía con un Ep de Covers, recientemente ha publicado BILLIONAIRE su sexto álbum de estudio tras su gran regreso con Total Freedom (2020). A primera vista, algunos podrían decir que BILLONAIRE marca un regreso a las raíces de KATHLEEN EDWARDS, un eco lejano de Failer (2003). Pero sería un error. Este sexto álbum no es una repetición ni un revival, sino el fruto maduro de un camino recorrido con honestidad, pausas necesarias y un vínculo cada vez más honesto con la creación. Si hay algo que define este trabajo es la libertad creativa. Las canciones fluyen con una naturalidad que solo puede alcanzarse tras haber soltado el lastre de las expectativas: de la industria, del público y de una misma. Edwards suena desprejuiciada, confiada, sin el filtro que a veces enturbia lo visceral. Y es precisamente ahí donde encuentra su fuerza. Las letras, algunas profundamente íntimas, otras más afiladas y juguetonas, se sostienen sobre arreglos que no temen ser más contundentes, más pop, más rock, o más desnudos si lo requieren. Ya no hay un estilo a perseguir; hay un mundo emocional que habitar, y ella lo hace con una elegancia sin artificios. Comparar BILLONAIRE con Failer (2003) es como comparar una carta escrita a los venticinco con otra escrita a los cuarenta y siete, después de vivir duelos, éxitos, fracasos y volver a amar la música. Si hay una continuidad, es emocional, no sonora: la misma agudeza lírica, pero con una voz que ha aprendido que ser vulnerable no es una debilidad, sino una riqueza. Y de ahí, quizás, el título de BILLIONAIRE que habla sobre ser rico en experiencias y emociones.  

Los créditos de BILLONAIRE son una fantasía. El álbum está producido por Jason Isbell y Gena Johnson, quienes co-dirigieron la grabación con Edwards. La banda incluye a Anna Butterss (Guitarra), Annie Clements (bajo), Chad Gamble (batería y percusión), Jen Gunderman (teclados), además de tener nada más y nada menos que a Shelby Lynne y Allison Moorer en los coros. En cuanto a la crítica, BILLONAIRE ha conseguido una media de 78 sobre 100 que se distribuye de la siguiente manera: AllMusic 90/100; Glide Magazine 80/100; PopMatters y Uncut 70/100 y Pitchfork 68/100. Por nuestra parte, consideramos que KATHLEEN EDWARDS probablemente sea la mejor compositora de su generación. Este disco lo tiene todo. Desde guitarras contundentes y enérgicas que pueden rozar la sobreproducción hasta canciones más íntimas grabadas en una sola toma como Little Pink Door con Jason Isbell a la guitarra y Jen Gunderman al piano. Es un álbum que nos reconcilia con la música en general y una oportunidad dorada para nosotros para darle por fin ese 100 sobre 100 que llevamos años queriendo dárselo. Porque KATHLEEN EDWARDS también inspiró este blog y estuvo en nuestras páginas desde nuestro primer año de existencia. BILLONAIRE lo merece porque es una obra madura, interesante y está repleta de muy buenas canciones.      

MEJORES MOMENTOS: Say Goodbye Tell No One, Save Your Soul, When The Truth Comes Out, Pine, Little Red Rangers, Little Pink Door...  

MEDIA CRÍTICA: 78/100

NUESTRA VALORACIÓN: 100/100

TYLER CHILDERS: RECONSTRUYENDO EL COUNTRY.

Los álbumes de country que más nos gustan son aquellos que tienen vocación renovadora, y si hay un álbum de 2025 que se ajusta perfectamente a esa corriente es SNIPE HUNTER de TYLER CHILDERS. Aunque Childers lleva en activo más de una década y SNIPE HUNTER es su séptimo álbum de estudio, estamos convencidos de que le ha llegado su momento. Este álbum podría acaparar un buen puñado de nominaciones al Grammy, incluida la de mejor álbum del año, además de arrasar en todas las categorías de country. Ya sabemos que todos estos artistas que están renovando el country como Chris Stapleton o Sturgill Simpson, han sido recompensados también con premios y reconocimientos y nuestro olfato nos dice que este va a ser el año de TYLER CHILDERS y SNIPE HUNTER. Lo primero destacable es que el productor de este álbum no es otro que Rick Rubin. Sus producciones suelen ser especialmente memorables cuando el artista con el que trabaja le plantea un reto. No olvidemos su participación en los últimos discos de Johnny Cash. Para Rubin el country no tiene ningún secreto aunque en esta ocasión ha permitido que TYLER CHILDERS no solamente abandone la rigidez de sus anteriores trabajos. También ha conseguido que experimente con algunos sonidos que hace único a SNIPE HUNTER ya que fusiona elementos de rock, gospel, folk, psicodelia y hasta sonidos devocionales hindúes. Es un álbum de una libertad sonora un tanto insólita en el country contemporáneo actual. Porque consigue ser orgánico y experimental al mismo tiempo.        

En cuanto a la crítica, SNIPE HUNTER consigue una media de 87 sobre 100 según el agregador de críticas metacritic. Esta media se distribuye de la siguiente manera: 90/100 Rolling Stone y Slant; 85/100 Paste; 80/100 Uncut, The Needle Drop y AllMusic; 78/100 Pitchfork y 76/100 Spectrum Culture. Por nuestra parte tenemos que decir que SNIPE HUNTER se erige como el disco más relevante e innovador en el country de 2025. La asociación entre Rick Rubin y TYLER CHILDERS materializa la idea de una corriente renovadora que rompe estructuras, incorpora influencias globales e impulsa la narrativa hacia territorios más introspectivos y arriesgados que fusiona reflexiones sobre lo espiritual con realidades cotidianas. Temas como la fe, la identidad regional y la mitología personal se entrelazan con historias de vida y crecimiento. Nuestra nota para este trabajo es un 90 sobre 100, es un álbum inteligente que sabe jugar muy bien todas sus cartas y en el que algo tan sumamente ajeno al country como puede ser esa inspiración en narrativas religiosas hindúes, que incluyen citas espirituales e incluso cantos Hare Krishna y que forman parte del tejido lírico y sonoro del álbum, encajan perfectamente. Aunque es mejor que lo comprobéis vosotros mismos.   

MEJORES MOMENTOS: Oneida, Cuttin' Teeth, Eatin' Big Time, Bitin' List, Nose On The Grindstone, Watch Out...

MEDIA CRÍTICA: 87/100

NUESTRA VALORACIÓN: 90/100

CONAN GRAY ÍNTIMO.

 

CONAN GRAY nos sorprendió muy gratamente con Found Heaven (2024) pero después de escuchar WISHBONE mucho nos tememos que Found Heaven (2024) supuso un paréntesis sonoro en su carrera. Un álbum retro en el que Gray se sumaba al revival ochentero con baterías electrónicas y sintetizadores brillantes. Pero con WISHBONE parece que vuelve a casa enlazando directamente con Superhache (2022) el álbum con el que encontró su sonido y que estaba producido por Dan Nigro que no estuvo en Found Heaven (2024) y ahora ha vuelto para WISHBONE y se nota. Porque CONAN GRAY regresa a una narrativa más cruda y personal. La producción es más sobria, incluso acústica por momentos, enfocada en su voz y en los silencios emocionales. Las letras recuperan la vulnerabilidad que marcó Superache (2022), con esa sinceridad casi dolorosa que conecta tanto con sus seguidores. Él mismo lo ha descrito como su proyecto más íntimo y confesional, escrito en soledad, durante giras, en habitaciones de hotel o en su cama. También ha señalado que el álbum le ayudó a reencontrarse con su yo auténtico, explorar su sexualidad y procesar rupturas, ansiedad y crecimiento interior. Los videoclips de This Song, Vodka Cranberry y Caramel se convierten en piezas visuales y muestran una historia de amor queer entre dos personajes ficticios, Wilson y Brando, interpretados por el propio CONAN GRAY y Corey Fogelmanis y ya sabemos lo que ocurre con este tipo de artistas con tanto seguimiento en las redes. Sus fans no paran de especular y hacer teorías sobre la persona que le rompió el corazón y ha inspirado este trabajo. La rumorología está servida. Pero este blog no va a entrar en ese juego. En cuanto a los créditos de este álbum el nombre de Ethan Gruska se añade a la coproducción junto al de Dan Nigro, Elvira, Noah Conrad y Luka Kloser que también coescriben los temas con el propio CONAN GRAY.     

Parece que hay unanimidad entre los críticos al decir que WISHBONE es el mejor trabajo de CONAN GRAY de todos los que tiene editados. De momento consigue una media de 82 sobre 100 según metacritic que se distribuye de la siguiente manera: 90/100 AllMusic; 80/100 Clash y Dork y 70/100 Rolling Stone y DIY. Por nuestra parte tenemos que decir que valoramos mucho más a CONAN GRAY a partir de Found Heaven (2024), que a pesar de ser un paréntesis y que se tomara como tal, es un álbum de alguien que tiene cultura musical (muy ausente en algunas estrellas del pop patrio y no me hagáis dar nombres porque sería muy fácil) y si está en la música no es por una casualidad. Lo que nos tememos es que se convierta en una versión masculina queer de Taylor Swift con estos álbumes dedicados a posibles ex novios misteriosos y que su fandom en vez de salir a decir que el disco es muy bueno, pasen horas especulando sobre quien se trata. Es cierto que eso le va a dar engagement en Redes. Lo importante es que se hable de tí, aunque no sea de tu música. Pero creo que este chico artísticamente está muy por encima de toda esa basura y que sus fans deberían tener un par de neuronas más para saber apreciar la música que hace y dejarse de amarillismos. WISHBONE es un álbum confesional en el que CONAN GRAY desnuda su alma y se muestra tal y como es o, al menos, cómo una gran discográfica suele permitir que se muestre una persona Queer en un álbum musical. Nosotros tenemos la teoría de que todos estos artistas que han desafiado los convencionalismos establecidos, sacarán sus mejores y más comprometidas obras cuando ya no pertenezcan a una gran discográfica. Mientras llega ese día, nuestra nota para WISHBONE que a pesar de todo eso, es un gran avance de lo queer dentro del mainstream (en una nueva era Trump y con todo el viento en contra) es de un 85 sobre 100.     

MEJORES MOMENTOS: This Song, Vodka Cranberry, Caramel, Actor, Sunset Tower, Eleven Eleven...

MEDIA CRÍTICA: 82/100

NUESTRA VALORACIÓN: 85/100

LAUFEY: LA VOZ MODERNA DEL JAZZ-POP ROMÁNTICO.

 

LAUFEY ha hecho algo muy interesante en relativamente poco tiempo. Ha conseguido conectar con un público joven que la apoya en los streamings, ofreciendo algo totalmente contracorriente de las tendencias actuales dominadas por el reggaetón, el trap o el pop electrónico. Este fin de semana publicó su tercer álbum de estudio titulado A MATTER OF TIME. Un álbum que podría convertirla en la reina del pop tradicional vocal en el presente. Un género que no vivía sus mejores momentos desde la irrupción de Norah Jones con Come Away With Me (2002). Aunque para ser honestos tanto la Jones como LAUFEY no deberían ser etiquetadas solamente como pop vocal tradicional, porque han aportado mucho más mediante una fusión de géneros y han escrito una página en la historia de la música reciente. Es lo que decimos siempre cuando un artista aporta una vocación renovadora que reajusta los estándares establecidos y LAUFEY propone una mezcla rica de jazz, clásico, bossa nova y pop vintage, con toques modernos que está llegando a un público un tanto insólito. En el pasado, se etiquetaba al público de estos géneros como adulto contemporáneo. Ese era el público que le atribuían a Norah Jones en los 2000, con LAUFEY esa etiqueta ha cambiado. Podemos decir que su público son jóvenes melancólicos, oyentes de jazz y no os lo perdáis; Tik Tok no solo viraliza cosas horribles. A veces hace su magia con gente como LAUFEY, Mei Semones o Liana Flores y ha conseguido que exista un nicho de público muy joven interesado en ellas y eso siempre es una buena noticia. Porque las tres están construyendo un nuevo espacio sonoro donde el jazz, la bossa nova, el folk suave y el pop melódico ya no son viejos géneros, sino formas de intimidad contemporánea. En cuanto a la producción de A MATTER OF TIME, Aaron Dessner se apunta otro tanto y esperamos que pronto esté nominado al Grammy en la categoría de productor del año. Porque no paramos de reseñar producciones suyas que son increíbles. Aunque en esta ocasión también participa en la producción Spencer Stewart y nada menos que la Orquesta Sinfónica de Islandia. La propia LAUFEY junto a Stewart, Dessner e Iain Farrington coescribe todas las canciones del álbum.        

Recordemos que LAUFEY no pasó desapercibida con su segundo álbum Bewitched (2023) con el que consiguió un Grammy al mejor álbum de pop vocal tradicional. Algo que aumentó bastante su proyección internacional, hasta el punto que la mismísima Barbra Streisand que ha estado trece veces nominada en esa misma categoría, la ha querido en su último álbum de duetos. Bewitched (2023) obtuvo una media crítica de 82/100 que ha sido superada por la de A MATTER OF TIME que ha obtenido un 85 sobre 100 con medios como Evening Standard, The Skinny o The Independent que le han otorgado el 100/100 y consideran que es uno de los mejores álbumes de 2025. El resto de valoraciones van desde el 90/100 de The Line Of Best Fit, hasta la casi unanimidad de muchos medios con el 80/100 (Popmatters, NME, Clash, Uncut, The Forty-Five o Far Out Magazine) para terminar con las notas más bajas que provienen de Pitchfork con un 72/100 y Rolling Stone con un 70/100. Esas dos notas más bajas, tampoco se pueden considerar malas notas. Por nuestra parte, revalidamos la nota que le dimos a Bewitched (2023) que fue un 95 sobre 100. Nos parece mágico que tal como está el panorama musical actual haya un sitio para LAUFEY y aunque hay mucho trabajo detrás para haberlo conseguido, es de esas cosas que pasan pocas veces en la vida. Por eso lo valoramos mucho más. Es cierto que el Pop Tradicional vocal tiene una serie de estándares y artistas que aseguran un buen trozo del pastel del mainstream. Pero LAUFEY ha sabido dar algo distinto de esos estándares y ahora está recogiendo sus frutos conquistando a un nuevo público que estaba bastante ajeno a todos esos estándares. Solo esperamos que su carrera no se estanque y pueda darnos, al menos, dos o tres discos más como los dos últimos.       

MEJORES MOMENTOS: Silver Lining, Lover Girl, Snow White, Though Luck, Clockwork...

MEDIA CRÍTICA: 85/100

NUESTRA VALORACIÓN: 95/100

ETHEL CAIN YA NO ES ETHEL, ES HAYDEN.

Hace unos meses ETHEL CAIN publicaba Perverts (2025) un Ep del que no hablamos deliberadamente porque normalmente nunca hablamos de Eps, solo de álbumes de estudio. Pero mucho nos tememos que hay que comentarlo para entender mejor las narrativas de ETHEL CAIN. Las presentaciones ya las hicimos cuando escribimos nuestra reseña sobre Preacher's Daughter (2022). Una vez más, siendo de los primeros blogs en España hablando de esta artista. Pero cuando escribimos aquel primer post teníamos muy pocas referencias de la artista porque apenas había información suficiente en Internet. Así que creemos que tenemos que incidir en algunos aspectos de Preacher's Daughter (2022) antes de empezar a hablar de WILLOUGHBY TUCKER, I'LL ALWAYS LOVE YOU. ETHEL CAIN además de ser el nombre artístico de la persona real que es Hayden Anhedönia. También es un personaje que crea para Preacher's Daughter (2022) que es un álbum conceptual que relata la vida, huida y eventual asesinato de Ethel Cain, una chica criada en un entorno religioso fundamentalista del sur de EE.UU. Los temas que trata van sobre religión, familia, abuso, fe, deseo, violencia, identidad queer y muerte. Su sonido era cinemático, oscuro y melancólico. Encontramos referencias a Chelsea Wolfe, Weyes Blood o Lana del Rey, con producción minimalista, deambulando en estilos como gothic americana, dream pop, ambient, slowcore, con pinceladas de rock alternativo. Ethel Cain muere al final del disco, devorada por un caníbal. El proyecto entero es casi una elegía por una mujer sureña ficticia atravesada por el trauma generacional. Luego llega el Ep Perverts (2025) en el que el cuerpo sin vida de Ethel Cain se convierte en espacio sonoro. Perverts (2025) no es un Ep convencional sino un proyecto sonoro abstracto, como una pieza artística. Trata temas sobre despersonalización, disociación, sexualidad queer, cuerpo y trauma post-mortem simbólico. Estilísticamente es un trabajo experimental, noise, spoken word y ambient drone. Puede leerse como un limbo o purgatorio tras Preacher’s Daughter (2022). También como una representación abstracta del "yo" disuelto tras la muerte. Perverts (2025) no se puede considerar ni un paso atrás, ni adelante, sino una disolución de la forma: Ethel como cadáver simbólico, narrativamente y sonoramente. Y llegamos por fin a WILLOUGHBY TUCKER, I'LL ALWAYS LOVE YOU que es una historia de amor queer más suave y nostálgica, con guiños country. Ya no sigue el hilo narrativo de Ethel Cain. Es más personal, lírico y sentimental. El Personaje central: Willoughby Tucker, es un joven sureño (probablemente ficticio), a quien la narradora ama y recuerda con ternura y dolor. Trata sobre amor juvenil, la pérdida de la inocencia, la fe y la esperanza, y por supuesto también es un álbum de autoafirmación trans. Es un trabajo más accesible y luminoso en el que destacan pianos, guitarras acústicas, steel guitar. Tonos nostálgicos al estilo de Bruce Springsteen, Lucinda Williams o Kacey Musgraves. Deambula entre Folk, country alternativo, soft rock y heartland americana. Este álbum no intenta recrear la oscuridad gótica de Preacher’s Daughter (2022). Es como mirar atrás con amor, después del trauma. Pero tampoco es una precuela. En WILLOUGHBY TUCKER, I'LL ALWAYS LOVE YOU ya no es Ethel, es Hayden. Porque os volvemos a recordar que Hayden Anhedönia es la persona real que creó a Ethel y que, con el paso del tiempo, ha empezado a “matar” ese personaje artísticamente para abrirse a nuevas formas de expresión más personales. Aunque siga conservándolo como nombre artístico. Es un tanto complicado de entender y por eso estamos siendo algo reiterativos. Pero quizás por eso nos gusta ETHEL CAIN porque nos hace pensar y no nos lo da todo hecho.  

Si vemos los créditos de este álbum ETHEL CAIN ha contado con más medios que en sus trabajos anteriores. Además de coproducir y coescribir junto a Matthew Tomasi, como en Preacher's Daughter (2022), se le añaden Canaan Amber, Clay Parton y Angel Díaz como coescritores de las canciones. La crítica lo ha valorado prácticamente igual que a Preacher's Daughter (2022). Solo les separa un punto de diferencia en favor de WILLOUGHBY TUCKER, I'LL ALWAYS LOVE YOU que ha obtenido una media de 83 sobre 100. Medios como Sputnickmusic, NME, Far Out Magazine o DIY le han dado el pleno, el 100/100 y consideran que es uno de los mejores álbumes del año. Clash y The Line Of Best Fit 90/100; Beats Per Minute 86/100; Spectrum Culture, Earmilk y Under The Radar 85/100; Northern Transmissions  y A.V. Club 83/100; Slant, Uncut, The Independent, The Skinny, Dork, The Irish Time, Albumism, PopMatters y The Forty Five 80/100; The Needle Drop y Paste 70/100; Pitchfork 67/100 y Rolling Stone y The Arts Desk 60/100. Por cierto, habrá que estar pendientes de ver como valoran Rolling Stone y The Arts Desk ese nuevo álbum que está por venir de Lana del Rey y lleva meses retrasándose. Porque hay una guerra abierta entre Lana Del Rey y Ethel Cain en estos momentos e imaginamos que tanto el público como algunos medios tomarán partido. Nosotros nos vamos a pronunciar al respecto y nos parece muy oportunista por parte de Lana Del Rey sacar esta polémica justo cuando ETHEL CAIN edita un nuevo álbum y es aclamado por el público y la crítica. Nosotros lo interpretamos más como miedo a perder su trozo del pastel que otra cosa. Os preguntaréis que cual es esa polémica. Ya sabéis que nosotros no nos dedicamos a escribir sobre polémicas entre artistas. Pero si ponéis en Google los nombres de las dos seguidos, os sale toda la información sobre este asunto que necesitáis saber. Incluso en Tik Tok hay mil videos hablando sobre ello. Volviendo a WILLOUGHBY TUCKER, I'LL ALWAYS LOVE YOU nos parece un excelente segundo álbum tras Preacher's Daughter (2022) que confirma que ETHEL CAIN no va a ser flor de un día. Ha venido para quedarse. En el 2022 recordamos que apenas se hablaba de que ETHEL CAIN es una mujer trans, ahora ha empezado a visibilizarse mucho más como tal y es una pionera creando álbumes como este que tratan sobre la sensibilidad queer sin que ser una persona trans sea la trama principal de la narrativa. Es una persona trans a la que le ocurren muchas cosas. Musicalmente nos gusta mucho más este segundo trabajo, y no os vamos a engañar. El corte de cierre tiene más de quince minutos y es un álbum que desafía los convencionalismos comerciales. Nosotros no podemos darle menos de un 90 sobre 100.      

MEJORES MOMENTOS: Fuck Me Eyes, Nettles, Dust Bowl, A Knock At The Door, Tempest, 

MEDIA CRÍTICA: 83/100

NUESTRA VALORACIÓN: 90/100 

THE ROYSTON CLUB LA BANDA GALESA DEL MOMENTO.

 

Fuimos el único blog en español que habló de THE ROYSTON CLUB y de su álbum debut Shaking Hips And Crashing Cars (2023) y desde que esta banda galesa empezase a sacar los adelantos de este nuevo álbum titulado SONGS FOR THE SPINE, hemos notado como nuestro post anterior sobre ellos recibía muchísimas visitas. Normal, somos el único referente en castellano en hablar de THE ROYSTON CLUB y de muchas de las bandas y artistas a los que les dedicamos espacio y tiempo en este blog. Se puede comprobar que la mayoría pasaron por aquí primero y luego el resto de medios españoles hablaron de ellos cuando se hicieron famosos. Nosotros los vimos siempre antes. Eso es algo que alguien debería reconocérnoslo. Pero como nadie lo hace, ya nos encargamos nosotros de recordarlo. Sobre THE ROYSTON CLUB creemos que la entrada anterior se va a seguir buscando y leyendo porque fue allí donde hicimos todas las presentaciones: Una banda de indie rock, joven, fresca y muy prometedora. Incluso incluimos Shaking Hips And Crashing Cars (2023) en nuestra lista de los mejores álbumes de su año de producción en el puesto Nº45 de 100. Ahora tocaría hablar de SONGS FOR THE SPINE y aunque nos vuelven a dar un gran disco de indie rock contemporáneo nos encontramos con muchas cosas que suelen ocurrir en los segundos trabajos. Esta vez se ha contado con un productor más conocido como es Richard Turvey (Blossoms) y han intentado evolucionar hacia narrativas y sonidos más maduros. Nosotros no creemos que fuera necesario ir tan deprisa. Podrían haber seguido celebrando su juventud como en el primer álbum pero han optado por composiciones más profundas y emocionalmente complejas. El salto es abismal y no han perdido cierta frescura. Pero aún así, habrá quien siga prefiriendo su álbum debut. Musicalmente SONGS FOR THE SPINE es un álbum bastante guitarrero aunque alterna algunos momentos íntimos que derrochan cierta vulnerabilidad que ni nos imaginábamos en ningún momento que pudieran tener. Eso se ve en esa canción tan especial titulada Cariad que significa amor en galés. Pero luego encontramos canciones como Spinning que poseen una intensidad dramática inusual sin llegar al cliché emo en ningún momento, algo que nos ha parecido realmente sorprendente. En definitiva, es cierto que puede tener algunos errores de los segundos álbumes como puede ser perderse en la ambición de contar con más medios o forzarse a ser algo más maduros para que luego los críticos reseñemos esa evolución. No había ninguna prisa por crecer. Nosotros hubiéramos comprado perfectamente otro álbum de exaltación de la juventud. Pero este también nos gusta mucho. Ya quisieran muchas bandas legendarias que comenzaron como THE ROYSTON CLUB y luego se hicieron globalmente famosos, tener en su discografía un segundo álbum como este.   

En cuanto a la crítica, a pesar de que The Indie Scene lo considera "perfecto" y Hive Magazine lo describe como el mejor álbum de indie puro que ha salido del Reino Unido en años y ambos le dan un 100/100. Albumoftheyear.org que es el único agregador de críticas que ha vuelto a tener en cuenta a THE ROYSTON CLUB, le da una media de 70 sobre 100 basada en las dos únicas reseñas de Clash 80/100 y MusicOHM 60/100. Se ve que The Indie Scene y Hive Magazine no son lo suficientemente importantes para este agregador de críticas. Pero no pasa nada, porque tampoco recogen las valoraciones que damos nosotros aquí. Hay muchísimos medios escribiendo sobre música bastante menos conocidos que los que citan siempre los agregadores de críticas. Por nuestra parte, ya sabéis que nos gusta recoger lo que dicen otros medios, porque no se puede vivir en una burbuja ajenos a lo que pasa fuera. Pero en nuestra burbuja, esta es una banda a tener en cuenta y SONGS FOR THE SPINE un segundo álbum en el que las promesas se materializan. Nosotros no le daríamos un 100/100 porque todavía les queda camino para conseguirlo. Pero tampoco nos parecen justas las valoraciones de Clash y MusicOHM. Porque no merece menos de un 85 sobre 100 y apostamos que para el próximo álbum, no volveremos a ser el único blog español en hablar de ellos. Habrá muchos más. Aunque, de momento, con este segundo lanzamiento, chatgpt nos comenta que lo hemos vuelto a hacer otra vez, porque ningún otro blog español ha publicado nada sobre SONGS FOR THE SPINE a lo que añade que "Exquisiteces es el blog español que ve el talento antes que nadie". Una pena que solamente nos lo reconozca una IA.

 

MEJORES MOMENTOS: Shivers, Spinning, Patch Where Nothing Grows, Crowbar, Cariad...

MEDIA CRÍTICA: 70/100

NUESTRA VALORACIÓN: 85/100

ÁLBUMES REPESCADOS: AMY MACDONALD, KESHA, BRETT YOUNG, THE SWELL SEASON, GWENNO, FLETCHER, SORRY GIRLS, WET LEG, MF TOMLINSON e INDIGO DE SOUZA.

 

Nuestro post de álbumes repescados de Agosto, con algunos títulos que seguramente estábais esperando. Ya sabéis que son demasiados lanzamientos a la semana y lo tenemos que organizar así si queremos abarcar el mayor número de álbumes posibles para cumplir nuestra programación. Esta vez no hemos sido demasiado duros y en este post hay, al menos, dos o tres discos que estarán entre lo mejor del 2025. ¿Adivináis cuales son?

AMY MACDONALD - IS THIS WHAT YOU'VE BEEN WAITING FOR?

IS THIS THE LIFE YOU'VE BEEN WAITING FOR? de AMY MACDONALD es sobre todo un intento honesto por demostrar que no es una one-hit wonder. El álbum ofrece una colección de canciones con potencial de éxito, que recuerdan su estilo distintivo pero también muestran cierta evolución. Sin embargo, es posible que hayan pasado demasiados años desde los grandes hits de su álbum debut, y que el público general ya no responda con el mismo entusiasmo. Aun así, es un trabajo sólido y bien producido, que merece ser escuchado más allá de la nostalgia. Si tuviéramos que hacer un ranking de los álbumes de AMY MACDONALD seguramente este sexto álbum de estudio ocuparía un lugar privilegiado. Quizás el segundo o tercer puesto. Porque supone un regreso sorprendente. Sin presión comercial, sin necesidad de convencer a nadie: simplemente buenas canciones bien escritas. Muestra una Amy más serena y sincera. En esta ocasión ha contado con los productores Nicholas Rebscher (Aurora)  y Jim Abbis (Adele, Arctic Monkeys). IS THIS THE LIFE YOU'VE BEEN WAITING FOR? no busca sonar moderno ni reinventarse, sino reconectarse con la esencia de AMY MACDONALD, especialmente con el espíritu de This Is the Life (2007). Sus productores no han tratado de llevar su sonido a tendencias actuales. Han respetado su identidad sonora: guitarras acústicas presentes, estructuras pop-folk reconocibles, arreglos orgánicos y han ayudado a limpiar y equilibrar la producción, pero no a revolucionarla. Porque revolucionarla hubiera sido contraproducente. Es un álbum cuya mayor virtud es la autenticidad. La reivindicación de una misma y un estilo muy personal. Y el título da algunas pistas sobre eso. Suena como una pregunta que Amy se hace a sí misma, pero también que lanza al oyente y a la industria: ¿Esto es lo que esperabais de mí después de todos estos años? porque después de más de quince años de carrera, donde pasó de promesa fulgurante a figura más discreta del pop-folk británico, este disco parece decir: Sigo aquí, No tengo que sonar como otros ni reinventarme para agradar o Esto es lo que tengo para dar, y es auténtico. Se podría hacer una lectura más crítica e irónica también. El título podría ser una forma elegante de señalar la presión constante sobre las mujeres que se dedican a la música para que se reinventen, se adapten a las nuevas tendencias o que intenten superar su pasado constantemente. Es como si Amy dijera: ¿Queríais una versión más moderna o más comercial? Pues no. Esto es lo que soy. El álbum no ha tenido demasiado atención mediática. Solamente The Skinny lo ha valorado con un 80 sobre 100 y de momento, lo apuntamos en el casillero como media crítica. Ahora mismo, sería el disco mejor valorado de su carrera. Por nuestra parte, apoyamos a todos esos artistas que se resisten a aceptar las presiones de la industria, especialmente si son mujeres, porque siempre lo han tenido muchísimo más difícil. Este álbum nos gusta, nos parece un buen álbum. Si los mercados musicales no estuvieran tan enrarecidos y no hubiera cambiado tanto la manera de consumir música, seguramente podría haber vuelto a la primera línea con un trabajo como este. Porque contiene muchísimas canciones redondas. Nuestra nota es un 85 sobre 100.   

MEJORES MOMENTOS: Is This What You've Been Waiting For?, Can You Hear Me?, Forward, I'm Done (Games That You Play), We Survive...

MEDIA CRÍTICA: 80/100

NUESTRA VALORACIÓN: 85/100

KESHA - . (PERIOD)

Quizás Gag Order (2023) no fue un mal álbum, teníamos la sensación de que era un álbum fallido a pesar de los intentos de Rick Rubin por sacarlo a flote. Pero después de enfrentarnos a . (PERIOD) lo valoramos mucho más. KESHA continúa explorando narrativas de trauma, espiritualidad, ansiedad existencial y la liberación personal. La narrativa central sigue estando marcada por el dolor de su experiencia legal y emocional con Dr. Luke, pero también por una búsqueda de sentido más allá de eso. Lo que para algunos es catarsis y autenticidad, para otros puede parecer estancamiento temático o incluso explotación. Aunque la buena noticia es que llamar "punto" a este álbum y representarlo con una portada en el que vemos un punto en una boca, se podría interpretar como que probablemente este sea el último capítulo de ese episodio. Porque no es algo casual. Visual y simbólicamente, sugiere un intento de cierre, un final, un “hasta aquí”. En entrevistas previas y en el tono general del álbum, parece claro que KESHA quiere marcar este proyecto como una despedida de esa narrativa que ha dominado su carrera desde el juicio con Dr. Luke. Otra cosa es que lo consiga y que siga interesando con otras narrativas. Porque esto ha dado para mucho. Es cierto que musicalmente ha intentado alejarse del pop comercial de sus inicios para explorar sonidos más introspectivos, alternativos, e incluso psicodélicos o acústicos, como en Rainbow (2017) su mejor álbum hasta la fecha, o Gag Order (2023). Pero nosotros no pensamos que al final haya sido una transición completamente lograda o coherente. A veces parece más un collage emocional que una propuesta sonora sólida. Y en . (PERIOD) notamos un cierto retroceso a ese pop más petarda y funcional de sus inicios y quizás haya sido por eso por lo que ha sido el peor álbum valorado por la crítica de los últimos que ha editado (sus dos primeros álbumes tampoco tuvieron muy buena crítica). Su media es de un 63 sobre 100 según albumoftheyear.org que recoge muchas más reseñas que metacritic. La nota más alta es un 90/100 por parte de AllMusic y las más bajas los 50/100 de Paste, The Line Of Best Fit o Slant y el 40/100 de The Needle Drop. Una pena porque es el primer álbum en el que es completamente libre, con un sello propio y con productores como Nova Wav, Pink Slip y Zhone. Por nuestra parte tenemos que confesar que odiamos profundamente a la KESHA de la canción Tik Tok, que musicalmente la emparentamos directamente con productos como el que le hicieron a Paris Hilton cuando se levantó una mañana diciendo que quería ser cantante. Pero KESHA había demostrado potencial y talento con Rainbow (2017) y High Road (2020) que es también un álbum suyo a reivindicar. Incluso con Gag Order (2023) que obtuvo un 75/100, doce puntos más que . (PERIOD), y consideramos que era un tanto irregular... Al final resulta ser mucho mejor que este nuevo trabajo que musicalmente supone un retroceso para nosotros y lo pondríamos a la misma altura de sus dos primeros trabajos que olvidamos el día que escuchamos Rainbow (2017). Nuestra nota para . (PERIOD) es un 52 sobre 100. Y prometemos olvidarlo también. 

MEJORES MOMENTOS: Joyride, Boy Crazy, The One...

MEDIA CRÍTICA: 63/100

NUESTRA VALORACIÓN: 52/100

BRETT YOUNG - 2.0.

BRETT YOUNG acaba de publicar recientemente 2.0 que es su quinto álbum de estudio y comenzó su andadura musical con su álbum homónimo de 2017. Obviamente, BRETT YOUNG no ha aportado al Country tanto como los artistas que siempre citamos cuando hablamos del género: Chris Stapleton, Sturgill Simpson o incluso Zach Bryan con cierta distancia. Young es uno de tantos representantes del country mainstream, sin llegar a superar las ventas y reproducciones de Morgan Wallen. Aunque en el caso de Young, y debido a su origen californiano, se distingue por un estilo personal que mezcla sonidos de West Coast con influencias del country y soul, a veces llamado Caliville que es una mezcla de California más Nashville. BRETT YOUNG es muy valorado por sus baladas emotivas y su lírica romántica. Posee varios éxitos en esta categoría que han sido multiplatino y que reflejan su capacidad para conectar emocionalmente con su público. En cuanto a la crítica, no hay valoraciones numéricas de 2.0 por parte de los medios importantes porque los críticos de esos medios suelen centrarse en artistas más innovadores o con una propuesta más vanguardista. El estilo de BRETT YOUNG es muy radio‑friendly y comercial, pero quizás menos rupturista desde el punto de vista crítico. Su música se orienta principalmente hacia un público amplio más que hacia críticos especializados; tiene menos cobertura en revistas musicales tradicionales y más difusión en plataformas comerciales y radio fórmulas. De hecho, sí que hay críticas blogs que se dedican al Country y están escritas desde una óptica más indulgente con el country-pop accesible que hace BRETT YOUNG, y aunque no hay consenso de que sea un álbum revolucionario o una obra maestra, coinciden en que es probablemente su proyecto más maduro, personal y cohesivo, una obra en la que mira su vida como esposo y padre. 2.0 también parece conectar más con su entorno emocional actual y con un sonido que fusiona su sello Caliville con instrumentación clásica country mejorada. La producción del álbum corre a cargo de Jimmy Robbins, Dann Huff, Justin Ebach y también cuenta con colaboraciones de Lady A, George Birge, Hannah McFarland. Por nuestra parte solo podemos decir que 2.0 es un álbum agradable pero sin demasiados sobresaltos. No inventa nada nuevo y hay un objetivo claro de que sea así. Nosotros no tenemos tan claro que 2.0 sea el mejor álbum de BRETT YOUNG. Porque las diferencias con sus álbumes anteriores son mínimas. Nuestra valoración sería de un 70 sobre 100. Y le hemos escrito esta reseña porque consideramos que es un álbum importante dentro del country mainstream y nos parece bastante mejor que el último de Morgan Wallen.       

MEJORES MOMENTOS: Drink With You, Say Less, Tastes Like You, Kiss To Forget, Goodnight Into Good Morning

MEDIA CRÍTICA:---

NUESTRA VALORACIÓN: 70/100

THE SWELL SEASON - FORWARD

Aquí tenemos un regreso muy esperado. THE SWELL SEASON acaba de editar FORWARD. Este dúo no grababa un álbum juntos desde Strict Joy (2009). En estos dieciséis años separados, Glen Hansard y Markèta Irglová han editado varios proyectos en solitario bastante recomendables. Para quienes no los recuerden, se hicieron mundialmente famosos por la película Once (John Carney, 2007) y haber ganado el oscar a la mejor canción original en su año de producción por la balada Falling Slowly. Ellos fueron pareja sentimental y artística desde 2006 hasta 2009. Luego, separaron sus caminos tanto profesional como sentimentalmente. Aunque parece ser que siempre mantuvieron una relación amistosa que les ha permitido volver a trabajar juntos, o al menos, eso es lo que han contado a los medios. Porque FORWARD ha despertado muchísima expectación. Hansard e Irglová se reencontraron artísticamente en 2022 dando varios conciertos juntos y eso dió pie a que compusieran y publicaran un sencillo en 2023 titulado The Answer Is Yes (no incluido en este álbum). Lo siguiente es que comenzaron a componer de nuevo juntos sin ninguna pretensión de grabar un álbum. Pero descubrieron que la conexión artística entre ellos permanecía intacta y que todo fluía de manera natural, por lo que decidieron embarcarse en FORWARD cuyo título representa precisamente esa voluntad de avanzar sin mirar atrás, como nuevas personas que se reencuentran creativamente. FORWARD ha sido recibido con entusiasmo no solo por la emoción del reencuentro, sino porque realmente es un álbum sólido, sincero y emocionalmente maduro, muy a la altura de lo que muchos esperábamos y quizás incluso más. El disco dura poco más de treinta minutos, con solo nueve canciones que no se alargan innecesariamente. Esa brevedad le da un aire casi íntimo, como si te dejaran asomarte un momento a su mundo, pero sin terminar de quedarte en él. No hay cortes de relleno. Cada canción tiene peso, tanto lírico como melódico (otra cosa es que algunas gusten más o menos). Es como una conversación profunda pero breve. Se queda contigo incluso después de haber terminado. Tiene un tono más esperanzador que trabajos anteriores, sin perder la belleza melancólica que los caracteriza. Ese equilibrio emocional te atrapa y hace que el álbum pase volando y necesites volver a escucharlo. La realidad es que es para escucharlo en bucle. La crítica le ha otorgado una media de 74 sobre 100 que no desentona con las medias de sus anteriores álbumes. Medios como Mojo, The Irish Time o Allmusic le han otorgado un 80/100 como máxima puntuación. 70/100 PopMatters y Spectrum Culture y 60/100 Spill Magazine. No hemos comentado que es un álbum de indie folk porque dábamos por hecho que lo sabríais. Aunque Hansard es irlandes e Irglová, checa. Han sabido conectar por igual tanto con el público americano como con el Europeo. Once (2007) fue una película mágica y poderosa que consiguió todo eso. Aunque debemos dejar muy claro que FOWARD no busca revivir la bamda sonora original de Once (2007), ni repetir fórmulas pasadas. Lo que hace es mostrar a dos artistas adultos, que se encuentran de nuevo en la música, sin dramas ni nostalgia gratuita y con caminos de vida diferentes. De hecho, Glen Hansard vive en Irlanda con su esposa Maire Saaritsa y tienen un hijo, mientras que Markéta Irglová está casada con el productor Sturla Míó Þórisson, tiene tres hijos, y reside en Islandia. Por cierto, este álbum ha sido producido precisamente por su marido Sturla Míó Þórisson. Nuestra nota es un 85 sobre 100 y habría sido un 90/100 si hubieran sustituido la canción Great Weight por The Answer Is Yes.         

MEJORES MOMENTOS: People We Used To Be, Factory Street Bells, Stuck In Reverse, Pretty Stories...

MEDIA CRÍTICA: 74/100

NUESTRA VALORACIÓN: 85/100

GWENNO - UTOPIA

Gwenno Saunders, conocida artísticamente como GWENNO es una cantautora nacida en Cardiff (1981), de raíces galesas y cornías. Su padre fue poeta en cornío y su madre activista del idioma galés, lo que la llevó a dominar ambos idiomas desde pequeña. Comenzó su carrera como bailarina de Lord of the Dance en Las Vegas, y más tarde fue vocalista en el grupo indie pop The Pipettes antes de lanzar su carrera en solitario. UTOPIA es su cuarto álbum de estudio y los datos biográficos que acabáis de leer son muy necesarios para entender mejor a GWENNO ya que sus tres discos anteriores estaban interpretados en galés y cornés. UTOPIA es el primer disco que graba y en el que las canciones están compuestas mayoritariamente en inglés. Aunque tampoco se trata de ocultar sus orígenes celtas. Todo lo contrario. El galés está presente en canciones como Y Gath o London 1767 y el cornio en Hireth, la canción que cierra el álbum. Esto no es una coincidencia, forma parte de la idiosincrasia de la artista. Esta elección consciente habla de la coexistencia de identidades y la imposibilidad de reducirse a una sola lengua o lugar. En este trabajo, la mayoría de los temas fueron compuestos al piano lo que supone una evolución respecto a su anterior enfoque mucho más electrónico en su aclamado álbum anterior Tresor (2022). En cuanto a las narrativas de este trabajo se podría decir que son complejas y muy personales, desde la maternidad, GWENNO contrapone su libertad creativa con las exigencias y revelaciones de la crianza. No hay idealización de la maternidad. Más bien encontramos; ambivalencia, agotamiento y ternura mezcladas, en una narrativa muy honesta y rara vez tratada con este grado de sutileza en el pop experimental. En vez de proyectar una utopía futurista, GWENNO presenta lo cotidiano como un campo de ensayo para la transformación. Sin ninguna duda, un trabajo de lo más inteligente. La producción del álbum corren a cargo de la propia GWENNO, que también compone las canciones. Rhys Edwards también está acreditado como co-productor y co-autor junto a Erica Huws. En el apartado de colaboraciones dos nuestros favoritos Cate Le Bon y H Hawkline. La crítica le ha otorgado un 80 sobre 100 y hay cierta unanimidad con esa nota por parte de Mojo, The Line Of Best Fit, Uncut, The Skinny, The Quietus o MusicOHM y las notas más bajas son los 70/100 de Clash o AllMusic, que no está nada mal. Por nuestra parte, reconocemos que UTOPIA de GWENNO tiene ciertos aspectos que nos enganchan, la personalidad de su autora, su fluidez en temas que abordan la complejidad de lo cotidiano. Otras artistas hubieran resultado un tanto pedantes haciendo lo mismo, GWENNO posee una naturalidad innata nunca vista en géneros como el art pop y el chamber pop y hay que seguirle la pista de cerca. Es cierto que cantar más temas en Inglés supone que puede llegar a más público y quizás ese exotismo de sus trabajos anteriores se haya podido diluir un poco. Aunque nosotros pensamos que con UTOPIA no ha perdido ni un ápice de autenticidad. Nuestra valoración es un 85 sobre 100.    

MEJORES MOMENTOS: Dancing On Volcanoes, Y Gath, War, Hireth, St. Ives New School, 

MEDIA CRÍTICA: 80/100

NUESTRA VALORACIÓN: 85/100

FLETCHER - WOULD YOU STILL LOVE ME IF YOU REALLY KNEW ME?

Tenemos todavía muy reciente In Search Of The Antidote (2024) un álbum que nos ha ido gustando más en sucesivas escuchas, aunque tampoco cambiaríamos nada de la reseña que escribimos sobre él en su momento. Recientemente FLETCHER editaba WOULD YOU STILL LOVE ME IF YOU REALLY KNEW ME? y es un álbum que nos trae muchísimos cambios. Para empezar, la FLETCHER que era conocida por hacer contenido sáfico en sus discos anteriores, en este álbum no está. Aunque no es un adiós definitivo, porque ella ya ha dejado muy claro que porque esté teniendo una relación con un hombre por primera vez, ella va a seguir siendo una persona queer y puede retomar esos contenidos en cualquier momento. Quizás no hubiera necesitado explicar todo eso si no la hubieran acusado de hacer queerbating con este trabajo. También encontramos cambios en la producción. Es curioso pero Jennifer Decliveo sigue en su barco, a pesar de ser una productora con tendencia al exceso y la grandilocuencia y que se criticara precisamente la sobreproducción de In Search Of The Antidote (2024). Lo normal hubiera sido contratar a otro productor. Pero Decliveo vuelve a estar en este nuevo trabajo y se contiene muchísimo. Imaginamos que ha debido ser un gran esfuerzo para ella. Pero... ¿Ha merecido la pena esa contención? Porque si la narrativa y la interpretación no tienen la misma fuerza, el resultado puede ser un disco técnicamente correcto, pero emocionalmente menos impactante y WOULD YOU STILL LOVE ME IF YOU REALLY KNEW ME? está plagado de baladas y nos encontramos a una FLETCHER bastante menos atormentada y tóxica que en otras ocasiones y no sabemos muy bien si esta transformación en la hada buena del bosque nos convence. Quizás nos gustaba más antes, cuando estaba dispuesta a incendiarlo todo por amor o despecho, o quizás será que son demasiados cambios que asimilar en un solo año. En cuanto a la crítica, al final mantiene la misma media que trabajos anteriores, un 75 sobre 100 y como solamente se han pronunciado dos medios: Dork 80/100 y Clash 70/100 no ha tenido valoraciones tan dispares como pasó con su álbum anterior. Por nuestra parte, a pesar de que este álbum posee cierta madurez y esa contención de la que hemos hablado y técnicamente sería mejor que In Search Of The Antidote (2024). Nosotros preferimos In Search Of The Antidote (2024) porque es un disco con cierto dinamismo que no tiene WOULD YOU STILL LOVE ME IF YOU REALLY KNEW ME? que llega a ser un poco tedioso en algunos momentos por ese exceso de baladas y hace que la palabra popstar que lleva FLETCHER escrita en su frente se difumine un poco. Nosotros le damos un 80 sobre 100.    

MEJORES MOMENTOS: boy; Hi, Everyone Leave please; Party; All Of The Moment...  

MEDIA CRÍTICA: 75/100

NUESTRA VALORACIÓN: 80/100

SORRY GIRLS - DREAMWALKER

SORRY GIRLS es un duo canadiense del que ya hablamos cuando reseñamos su álbum anterior Bravo! (2023). Recientemente han publicado DREAMWALKER su tercer álbum de estudio. La realidad es que este tercer álbum nos ha gustado tanto como Bravo! (2023) y quizás podríamos decir lo mismo que dijimos hace dos años. En una simple escucha ambos discos comparten una estética similar: melodías suaves, atmósferas nostálgicas y un claro amor por el pop retro. Existe una evolución sutil pero importante entre ellos. En Bravo! (2023) se nota un enfoque más orgánico y de banda tradicional. Es un disco bastante uniforme, relajado, como si estuviera pensado para sonar en una tarde tranquila sin demasiada tensión emocional. En DREAMWALKER, en cambio, se percibe una intención más clara en la producción: los arreglos están más trabajados, las texturas son más etéreas y la atmósfera tiene un toque más onírico. Aquí la banda parece más interesada en construir una experiencia emocional completa, no solo una colección de canciones bonitas. Bravo! (2023) tenía una energía más ligera, incluso cuando era introspectivo. DREAMWALKER se sumerge en un territorio más introspectivo y melancólico, con una mezcla de sonidos ochenteros, pop etéreo y cierta influencia de artistas clásicos que se sienten en la producción y las armonías vocales. En términos emocionales, DREAMWALKER es más maduro. No tanto porque sea más serio, sino porque parece que SORRY GIRLS ha querido arriesgarse un poco más, dejar atrás lo seguro y explorar algo más profundo y personal. Es un disco que te invita a escuchar con más atención. DREAMWALKER revela una evolución en la forma de construir emociones, en la manera de usar la producción y en el tipo de viaje que propone al oyente. Musicalmente, el álbum ofrece una mezcla de power ballads de los setenta, kitsch ochentero y dream pop ensoñador, con producciones que matizan entre ritmos de bajo contundentes, piano etéreo y percusiones suaves, recreando un juego entre realidad y fantasía. Y luego está el elemento nostálgico y las referencias de un álbum como DREAMWALKER. Ya comentamos que la Madonna de True Blue (1986) estaba muy presente en Bravo! (2023). DREAMWALKER puede establecer ciertos paralelismos con Tango In The Night (1987) de Fleetwood Mac que también tuvieron una etapa ochentera muy marcada. Tango in the Night (1987) tiene ese sonido etéreo, pulido y atmosférico, con sintetizadores suaves, ritmos casi oníricos y un enfoque en las emociones filtradas por una producción muy detallista. Esos elementos están claramente presentes en DREAMWALKER. Además, DREAMWALKER comparte con ese álbum una sensación de melancolía sofisticada y cierta dualidad entre lo luminoso y lo introspectivo. También hay una atención muy cuidada a las capas de sonido, al igual que lo hacía Lindsey Buckingham en la producción de Tango in The Night (1987). Por cierto, la composición y la producción corre a cargo del dúo. En cuanto la crítica solamente se ha pronunciado AllMusic y le ha dado un 60 sobre 100. Por nuestra parte, necesitamos subir esa nota urgentemente. Porque si un álbum amable como este, con ese corte retro y melancólico cuya única aspiración parece que sea la de ser un guilty pleasure es capaz de crear un universo propio y recordarte a la vez a los mejores momentos de los ochenta con Kate Bush, Suzanne Vega, incluso Sade, además de Madonna o Fletwood Mac no merece menos de un 90 sobre 100.       

MEJORES MOMENTOS: Ricochet, Hush baby, Quiet Hands, My Utopia, Holding Onto Me, Music For Rats... 

MEDIA CRÍTICA: 60/100

NUESTRA VALORACIÓN: 90/100

WET LEG - MOISTURIZER

MOISTURIZER es el segundo álbum de estudio del dúo WET LEG y nosotros no nos hemos dado demasiada prisa en reseñarlo porque ha sido un álbum que ha acaparado demasiada atención mediática y no es un álbum, ni una banda que nos necesite a nosotros para darse a conocer. WET LEG se presentó como una banda indie: sonido casero, estética irreverente, letras irónicas… Pero está totalmente institucionalizada. Están con Domino, uno de los sellos indies con más estructura corporativa del mundo. Promocionadas masivamente en medios como Vogue, The Guardian, Rolling Stone, Pitchfork y Apple Music. Tocan en todos los festivales globales, desde Glastonbury a Coachella. ¿Qué tiene esto de indie? Literalmente nada. Es mainstream disfrazado de autenticidad y para algunos como nosotros, esto empieza a no ser auténtico. La cobertura mediática masiva de MOISTURIZER no es orgánica. Es una campaña de relaciones públicas pura y dura. Cuando todos los medios hablan al mismo tiempo de un disco, con la misma narrativa (madurez, identidad queer, evolución emocional), lo que hay detrás es coordinación, no entusiasmo espontáneo. Es el viejo truco del “hype consensuado”, donde lo que se vende no es el disco, sino una idea cultural “segura de aplaudir”. Y esa madurez o evolución es cierto que existe. Pero es mucho más simple. Se centra principalmente en que WET LEG ha pasado de ser un dúo a una banda. De ser solamente Rhian Teasdale y Hester Chambers, se han incorporado oficialmente Ellis Durand (bajo), Henry Holmes (batería) y Joshua Mobaraki (guitarra/sintetizador). El ambiente es mucho más participativo en las composiciones y eso ha enriquecido mucho este segundo trabajo que es superior al primero aunque no vayan a tener un hit del alcance de Chaise Longue -El corte Catch These Firsts podría ser el nuevo Chaise Longue- Por lo demás, siempre nos ha parecido que están sobrevaloradísimas. Y aunque este álbum sí que merezca algunas de las buenas críticas que ha tenido, seguimos pensando en la cantidad de álbumes mejores que este que reseñamos al año y de los que prácticamente solo nos hacemos eco nosotros y eso pesa mucho a la hora de valorarlo. Es como si tuviéramos la oportunidad de ser justos y vengarnos de todos ellos. Pero intentaremos ser objetivos, aunque creamos que la crítica no lo está siendo. Porque MOISTURIZER ha obtenido los 100/100 de The Independent, Dork, The Forty-Five o The Art Desk como notas más altas y ha sido reseñado por más de veinte medios. Unos días antes de que saliera el álbum ya estaban escritas la mayoría de las reseñas -por eso nosotros hemos pasado de WET LEG y hemos decidido relegarlas a este post, aún sabiendo que sacar su reseña en la semana de su lanzamiento nos hubiera reportado muchísimas más visitas. Pero es que ya las visitas no nos importan. Nos importa mucho más ser honestos con nuestra línea editorial- Finalmente la media es de un 84 sobre 100. La mayoría de las valoraciones han sido favorables excepto los 60/100 de The Needle Drop y God Is In The TV. Por nuestra parte, no podemos decir que sea un disco malo. Porque no lo es. Y seguramente nos gustará mucho más cuando olvidemos todo ese "hype consensuado" y cómo nos manipulan los medios. Porque ciertamente, nos ha gustado mucho más que su álbum homónimo del 2022. La producción de Dan Carey que repite con ellas suena muy bien. Pero tampoco inventa nada nuevo. Sus Riffs Post-punk y sus coros irónicos ya los hemos visto antes desde Le Tigre hasta Dry Cleaning. Aún así, es una banda que no ha perdido frescura pero son demasiado intrascendentes para la trascendencia que le están dando y realmente lo que nos gustaba de ellas era precisamente esa intrascendencia. Nosotros no podemos darles menos de un 85 sobre 100, puede que esperáseis mucho más. Pero no queremos colaborar con el sistema. Estamos fuera. Cada día más.    

MEJORES MOMENTOS: davina mccall, catch this fists, CPR, Jennifer's Body, mangtout, pokemon, 11:21, u and me at home... 

MEDIA CRÍTICA: 84/100

NUESTRA VALORACIÓN: 85/100

MF TOMLINSON - DIE TO WAKE UP FROM A DREAM

MF TOMLINSON es un cantautor originalmente de Australia, actualmente afincado en Londres, que ha ido ganando reconocimiento con trabajos anteriores como Strange Time (2021) (79/100) y We Are Still Wild Horses (2023) (85/100). Su música combina folk, shoegaze, art-rock, elementos progresivos y arreglos orquestales, creando paisajes sonoros ricos y profundamente emocionales. Su nuevo álbum y el que hoy nos ocupa, DIE TO WAKE UP FROM A DREAM, cierra esta trilogía introspectiva y expansiva. Ni MF TOMLINSON, ni ninguno de sus trabajos hacen guiño alguno a la comercialidad. Se puede decir que es música "de nicho" (odiamos esa expresión). De hecho, desafía todo lo convencional con cortes de ocho, nueve y hasta catorce minutos con largos pasajes instrumentales como se hacía en el pasado, cuando lo que se vendían eran álbumes completos y no singles, como ocurre en la acturalidad. La crítica le otorga un 84 sobre 100 de media cuyas notas más altas han sido los 90/100 de Uncut, God Is In The Tv y Spill Magazine y la más baja el 70/100 de The Line Of Best Fit, que tampoco se podría considerar una mala nota. Por nuestra parte tenemos que decir que los músicos con una visión como la de MF TOMLINSON son muy necesarios hoy día. Creo que no hay mayor transgresión que salirse de lo convencional y establecido y no nos atreveríamos tampoco a etiquetar este álbum de "experimental" que hubiera sido lo más fácil. De hecho, es muy probable que si buscáis otras reseñas sobre este álbum esa palabra aparezca para definirlo. Nosotros nos negamos. Porque lo que hace Tomlinson aquí, lo han hecho en los setenta muchos otros músicos, estaba totalmente normalizado y nadie lo llamaba "experimental". Luego no olvidemos remarcar el carácter autoral de su obra. Nadie ha metido la mano en DIE TO WAKE UP FROM A DREAM, él tiene todo el control produciendo y componiendo. Solamente nos encontramos con las colaboraciones de Jacken Elswyth (Shovel Dance Collective) en un par de pistas y de la vocalista de Dry Cleaning, Florence Shaw. Nuestra valoración es de un 85 sobre 100. Para un álbum que a quizás necesite de un momento preciso para ser escuchado, una especie de ceremonial. Pero si encontráis ese momento, lo disfrutaréis mucho.     

MEJORES MOMENTOS: Blink And You'll Miss It, My Hand In Yours, Die To Wake Up From A Dream..

MEDIA CRÍTICA: 84/100

NUESTRA VALORACIÓN: 85/100

INDIGO DE SOUZA - PRECIPICE

Nunca hemos reseñado un álbum de INDIGO DE SOUZA a pesar de que algunos de sus trabajos anteriores han entrado en nuestra lista de lo mejor del año. Cosas que ocurren cuando todas las semanas salen más de cincuenta álbumes nuevos y tienes que elegir darle prioridad a otros lanzamientos. En el caso de INDIGO DE SOUZA se nos cae un poco la cara de la vergüenza porque encaja perfectamente en nuestro blog y es una pena que nos estrenemos hablando de ella con PRECIPICE del que nosotros no tenemos nada malo que decir y al que vamos a defender. Porque es un álbum que ha gustado un poco menos por su transición hacia un pop más accesible y comercial. Por otro lado, es perfectamente comprensible. INDIGO DE SOUZA se había hecho de una legión de seguidores con sus álbumes anteriores. Es cierto que de empezar con I Love My Mom (2018) que era un álbum de indie rock confesional hasta llegar a su último trabajo All Of This Will End (2023) que seguía siendo indie rock pero incorporaba matices más pop y melodías más luminosas, se pudiera esperar después un álbum como PRECIPICE que presenta un pop más pulido con elementos electrónicos y sintetizadores, estructuras pop, ambición melódica, sin perder del todo su esencia emocional, aunque algunos dirían que eso es discutible porque muchos sostienen que salvo algunos momentos muy puntuales, el album en su conjunto no parece mantener ese impacto emocional intenso de su obra. A lo mejor el título de su álbum anterior era premonitorio de este cambio que convierte a PRECIPICE en su álbum más disruptivo, porque nos consta que a mucha gente les ha pillado por sorpresa. Nos gustaría comentar que las portadas de INDIGO DE SOUZA guardan una cierta similitud estética entre ellas porque son creaciones de su propia madre, Kimberly Oberhammer, mucha gente podría llegar a pensar de que se trata de una colección de álbumes que guardan relación entre sí (una Tetrologia). Pero cada álbum es independiente y diferente al anterior. Por si no había quedado lo suficientemente claro. Y PRECIPICE no puede ser más distinto. INDIGO DE SOUZA se implica en las labores de producción y composición junto a Elliott Kozek y Jesse Schuster.  La crítica le da una media de 70 sobre 100. La más baja de los cuatro discos que tiene editados, siendo Any Shape You Take (2021) su álbum mejor valorado con un 82/100. Las notas más altas que recibe PRECIPICE son los 90/100 de The Line Of Best Fit y Clash y las más bajas los 50/100 de AllMusic y Far Out Magazine. Por nuestra parte, consideramos que el hecho de que el disco sea más comercial y accesible no implica que sea un disco malo, conserva toda su esencia. El problema es que si no convence ni al público que ya tenía y la crítica lo acoge tibiamente, el único as en la manga que le queda es que a pesar de todo eso, exista un nuevo público que la descubra con este trabajo y le guste. Nosotros os animamos a que la descubráis. Nos da igual el álbum. No podemos darle menos de un 85 sobre 100 a PRECIPICE y no nos gustan ciertos prejuicios que acaban encorsetando a los artistas y no les dejan ser, evolucionar o incluso cometer errores.   

MEJORES MOMENTOS: Crying Over Nothing, Heartthrob, Clean It Up, Heartbreaker, 

MEDIA CRÍTICA: 70/100

NUESTRA VALORACIÓN: 85/100