LA SENSIBILIDAD DE LEON BRIDGES.

 

 

 

Cuando LEON BRIDGES debutó con 25 años con Coming Home (2015), un álbum de Soul de corte clásico, muchos se apresuraron en ver en él al sucesor de Sam Cooke o de Otis Redding y realmente se trataba de un chico muy joven que irrumpía en el panorama musical con la mejor carta de presentación posible. Pero cabía la posibilidad de que Coming Home (2015) se acabara convirtiendo en algo puntual, porque tenía mucho futuro por delante para jugar con otros sonidos, siempre partiendo de esa base. Es cierto que muchos nostálgicos enamorados del primer álbum no les gustó como hizo su transición hacia el soul-pop en su excelente segundo trabajo. Siempre hemos pensado que si Bridges hubiera repetido con un álbum de idéntico corte que el primero, habría sido por comodidad, hacer una buena caja en ventas y complacer a esos nostálgicos. Afortunadamente no lo hizo y hoy podemos decir que este LEON BRIDGES de GOLD-DIGGERS SOUND no es el mismo de hace seis años. El título del álbum viene a colación de que fue grabado en unos estudios de grabación (con hotel y bar incluidos) en el West Hollywood de Los Ángeles que se han puesto muy de moda y se llaman precisamente Gold-Diggers. Este trabajo es un paso más a partir de Good Things (2018) algo de Soul, el R&B más elegante, y un cierto coqueteo con el Funky e incluso con el hip hop muy veladamente en algunas de las bases rítmicas. También hablamos de sonidos contemporáneos, sus álbumes anteriores eran totalmente retro. Y creemos que este es el auténtico LEON BRIDGES, siempre tendrá tiempo a lo largo de su carrera de volver a los sonidos de su primer disco.

Podríamos estar equivocados, por supuesto. Pero cuando se escriben reseñas debes arriesgarte con predicciones como esta y tirarte de cabeza a la piscina. Es cierto que GOLD-DIGGERS SOUND es un álbum muy elegante y cuando termina te quedas con ganas de más y la mejor opción es escucharlo en bucle. También es perfecto para ponerlo de fondo mientras cenas con unos amigos (cuando se pueda cenar con unos amigos sin miedo) pero intuimos que la evolución y la progresión de Bridges llega hasta aquí y que el futuro va a estar plagado con discos con una cierta tendencia hacia lo convencional, lo esperado y lo establecido. Para que tengais un ejemplo práctico de lo que decimos atisbamos ya, que a la larga podría terminar haciendo lo que hace ahora John Legend cuyos últimos trabajos son convencionales, predecibles y bastante mediocres. Esperamos equivocarnos.

En cuanto a la crítica, GOLD-DIGGERS SOUND ha sido considerado su mejor trabajo hasta la fecha y ha obtenido una media de 81 sobre 100. Para medios como The Observer este trabajo es un 100 sobre 100 y para Clash es un 90 sobre 100. The New York Times, DIY, y NME, entre otros, dicen que es un 80 sobre 100 y la nota más baja es un 70 sobre 100 por parte de AllMusic, Pitchfork y Exclaim!. Para nosotros es un 90 sobre 100. No sabríamos decir si es el mejor disco de su carrera, pero a priori nos da la sensación de que Good Things (2018) fue un disco que presentaba mayor complejidad que este. No obstante, recomendaríamos cualquiera de sus tres discos. GOLD-DIGGERS SOUND está producido por Ricky Reed (entre otros) y cuenta con la colaboración de Robert Glasper, Terrace Martin y Atia "Ink" Boggs.

MEDIA CRÍTICA: 81/100

VALORACIÓN EXQUISITECES: 90/100

LAS ROSAS DE THE PAPER KITES

 

THE PAPER KITES es una banda australiana con más de una década de trayectoria. Fue fundada por Sam Bentley y Christina Lacy, a los que se añadieron Sam Rasmussen, David Powys y Josh Bentley, han editado cinco álbumes que os recomendamos encarecidamente que escuchéis, aunque hoy nos vamos a detener en ROSES, su quinto álbum de estudio que se publicó el pasado mes de marzo.

ROSES es un disco de colaboraciones o también se puede entender como un disco de dúos, ya que Sam Bentley no cede su liderazgo vocal en ningún momento y cuenta con la colaboración de diez intérpretes muy interesantes para cada uno de los cortes del disco, todas ellas mujeres que además han co-escrito con la banda cada uno de los temas en los que intervienen. Por eso, no podíamos dejar de hablar de este trabajo ya que siempre aprovechamos cualquier ocasión para celebrar lo mucho y bueno que están haciendo las mujeres por la música en las tres últimas décadas. Atención a la lista de colaboraciones, que contiene algunas de nuestras preferidas como Lucy Rose, Nadia Reid, Julia Stone o Aoife O`Donovan y se completa con MARO, Rosie Carney, Amanda Bergman, Lydia Cole, Ainslie Wills y Gena Rose Bruce.

 

Lo que vamos a encontrar principalmente en este álbum son baladas del mejor pop con cierto regusto retro, así como algo de folk. Aunque se trata de un disco atemporal. El nivel compositivo de los cortes es alto y han quedado todos muy bien producidos. Sam Bentley hay momentos que recuerda a Angus Stone -La canción con Julia Stone parece sacada de la discografía del dúo- y en otros a Greg Gonzalez de Cigarettes After Sex y es que hay cortes con cierto halo de dream pop, cuando no llevan el sello de la intérprete co-autora que les acompaña.

 

El corte de Nadia Reid no desentonaría en uno de sus trabajos. En definitiva, diez pequeñas gemas para enamorarse. Otro de esos discos para regalar a alguien que nos importe y que queramos conservar en nuestra vida. Ahora mismo seríamos incapaces de elegir uno o dos cortes del disco. Todos nos gustan y nos parecen excelentes. Os hemos dejado la mitad del disco distribuido en cinco vídeos. Os recomendamos que vayais a Spotify o donde queráis que escucheis música en Streaming y seleccionéis el álbum entero. Para nosotros es un claro 90 sobre 100. Para la crítica, en cambio es un 70 sobre 100, según The Line Of Best Fit o Uncut. Aunque tenemos la sensación de que estas Rosas han pasado un tanto desapercibidas. A nosotros nos gustaría enmendar ese error. No podíamos dejar de reseñarlo porque gracias a discos como este seguimos escribiendo este blog. Si os ha gustado, compartid esta entrada en vuestras Redes Sociales.

MEDIA DE LA CRÍTICA: 70/100

VALORACIÓN EQUISITECES: 90/100.

LOS MONSTRUOS DE TOM ODELL.

Llevamos hablando de TOM ODELL desde su debut, la última vez que lo hicimos fue cuando editó su anterior trabajo Jubilee Road (2018). Recientemente ha publicado MONSTERS, su cuarto álbum de estudio que alcanzó el puesto Nº4 de los Charts británicos en su estreno y que venía precedido del single adelanto Numb.

 

Los dos últimos años han sido especialmente duros y, por supuesto, que Tom Odell también lo ha pasado mal. Confesó haber padecido varias crisis de ansiedad y decidió enfrentarse a ellas utilizando su estado anímico para crear este MONSTERS que es ese disco típico en el que el autor da un golpe sobre la mesa, muestra muchos otros registros que no había mostrado antes, como su coqueteo con los ritmos electropop y nos acaba diciendo: "Estoy muy jodido. Pero este soy yo también". Estamos hablando de un disco arriesgado y rupturista que puede provocar que muchos de sus seguidores no lo entiendan y huyan despavoridos en hordas y nunca más vuelvan a comprar un disco suyo. Que por otro lado sería pura selección natural, porque hace tiempo que Tom Odell dejó claro con su actitud y su música que no quiere convertirse en lo que se ha convertido Ed Sheeran. Hay cortes en los que la voz de Odell suena desgarradora, estremecedora, como si nos estuviera pidiéndo ayuda. Para que os hagáis una idea de lo mucho que ha descolocado MONSTERS a los medios, en algunos ha sido etiquetado como "Música Alternativa" como género. Realmente sigue siendo pop, pero no es como el pop de sus otros discos. Cuando existe una mínima diferencia, una pequeña transgresión, se suele recurrir muy alegremente a la etiqueta de "Música Alternativa".

Tenemos la sensación de que la crítica tampoco ha entendido demasiado bien este trabajo. NME se lo ha cargado sin ninguna piedad con un 40 sobre 100 y Sus notas más altas son el 80 sobre 100 de Evening Standard y el 70 sobre 100 de The Line Of Best Fit con una media final de 63 sobre 100. Es cierto que MONSTERS es su trabajo más oscuro. Pero que nadie piense que es aburrido o monótono. Probablemente sea el más variado y ecléctico de toda su carrera. Nosotros pensamos que el que no arriesga, no gana. Y está claro que Odell se ha arriesgado y no ha ganado porque o no lo han entendido o ha despertado cierto resquemor como respuesta a su transgresión. Pero nosotros sí hemos entendido el disco, nos gusta y creemos que no merece menos de un 83 sobre 100. Además de que siempre apostaremos por la gente que se moja a riesgo de salir perdiendo. Esto desde luego no es para nada un disco alimenticio, más bien es una catarsis. Tom Odell ha co-escrito los 16 cortes de este trabajo con gente como nuestra querida Courtney Marie Andrews -Otra que sabe perfectamente lo que es pasar por una depresión- Jonathan Colfer, Arrow Benjamin, Rick Nowels, Eric Lieber, Max Clilver y también con Laurie Blundell y Miles James que junto al propio Odell han co-producido este álbum.

MEDIA DE LA CRÍTICA: 63/100

VALORACIÓN EXQUISITECES: 83/100

EL MEJOR ÁLBUM DE THE STAVES.

 

Hace años que THE STAVES se coló en nuestra lista de los mejores álbumes del año con If I Was (2015) pero nunca os las presentamos formalmente porque aquel disco no se reseñó. Este es el momento: THE STAVES es un trío británico de indie folk compuesto por las hermanas Emily, Jessica y Camilla Staveley-Taylor. GOOD WOMAN es el cuarto álbum de estudio de este trío y se publicó allá por Febrero del 2021 a pesar de que estaba listo en Octubre del 2020. Pero ya sabéis... La Covid hizo que se retrasasen muchos álbumes -algo que estamos notando precisamente estos dos últimos meses que no paran de editarse novedades discográficas- y vosotros diréis que si se publicó en Febrero..., ¿Qué hacemos hablando de él en Julio? Ya sabéis que siempre dejamos algunos discos para reseñarlos en verano. Normalmente son discos que no se queman rápidamente, que pueden esperar unos meses ya que no es necesario hablar de ellos nada más editarse porque, a priori, intuimos que poseen una vida bastante larga. Y los reservamos básicamente por si las publicaciones de novedades disminuyen, cosa que este año no está pasando. GOOD WOMAN podría haber terminado en la lista de los discos escuchados, valorados y no reseñados de la semana pasada, pero nos parecía lo suficientemente interesante como para pararnos a hablar de él. En realidad, es el típico disco que llevamos recomendando todos los años de existencia de este blog. Tiene todos esos ingredientes por los que apostamos. Mujeres autosuficientes componiendo, interpretando y con gran talento como músicos multiinstrumentistas, mujeres empoderadas que escriben letras veladamente feministas o no tan veladamente... En fin, todo eso que apoyamos y con lo que hemos construido nuestra línea editorial. Musicalmente nos vamos a encontrar con un folk-pop al estilo británico muy refrescante marcado por las armonías vocales de las tres hermanas que en algunos momentos nos retrotraen a los 90 y a las Wilson Phillips, pero en plan indie. Porque las Wilson Phillips estaban hechas para las masas y THE STAVES es otra cosa. El disco está (magistralmente) producido por John Congleton. Las letras de GOOD WOMAN están influidas por el triste fallecimiento de la madre de las componentes de este trío por un lado, y por el otro, el cumpleaños de la hija pequeña de Emily. La cara y la cruz de la misma moneda, cuando la figura y el concepto de maternidad están muy presentes.

 

En cuanto a la crítica... Lo decimos siempre, hay géneros y estilos que injustamente se suelen puntuar más bajo y a GOOD WOMAN de THE STAVES les ha tocado el 80 sobre 100 (Cuatro estrellas) porque es la puntuación unánime de todos los medios: Clash, DIY, Under The Radar, The Telegraph... Hasta los de The Guardian. Obviamente un 80 sobre 100 es una buena nota. Lo que pasa es que nosotros tenemos el corte de nuestra lista de los mejores álbumes del año en 85 sobre 100 y siempre, un 80 sobre 100 para según que discos, nos parece poco. Aunque sean cuatro estrellas de cinco. Y como GOOD WOMAN merecería estar entre lo mejor del año, nosotros lo vamos a puntuar con un 86 sobre 100. Muchas veces nos preguntamos si todo lo que hemos comentado anteriormente sobre las características que hacen que un disco sea afín a nuestra línea editorial, serán exactamente las mismas características que hacen que otros críticos resten y ninguneen a estas bandas y álbumes que nosotros apoyamos. Nosotros seguimos manteniendo que existe mucho machismo todavía en la prensa musical especializada. THE STAVES estarán en nuestra lista seguro, en la de esos medios se olvidarán de ellas, a pesar de que os encontraréis con muchas otras bandas masculinas con idéntica puntuación que la que tiene este disco. Y ahí lo dejamos.

 

MEDIA DE LA CRÍTICA:80/100

VALORACIÓN EXQUISITECES: 86/100

"SKELLIG" EL MEJOR ÁLBUM DE DAVID GRAY DESDE "WHITE LADDER".

 

Los que seguís este blog desde sus comienzos sabéis que para nosotros DAVID GRAY es todo un referente y una inspiración y estamos especialmente contentos porque nos toca hablar de SKELLIG, que es su decimosegundo y último álbum de estudio y probablemente uno de los mejores de su carrera. Gray hace unos años que pasa desapercibido. Tiene mucha menos atención mediática desde que sus discos ya no son publicados por grandes multinacionales. Y a decir verdad, esta nueva etapa indie está siendo de lo más productiva. Sus dos últimos trabajos: Mutineers (2014) y Gold In A Brass Age (2019) fueron auténticas gemas y ahora SKELLIG (2021) es una Obra Maestra.

 

Por eso decíamos que estábamos contentos. Porque no es lo mismo escribir sobre un disco alimenticio de alguien que te gusta lo justo, que hablar de una Obra Maestra de un autor al que admiras muchísimo. Y el placer de darle un 100 sobre 100 sabiendo que no se lo damos por esa admiración que sentimos. Estamos siendo muy objetivos. SKELLIG se diferencia bastante de sus dos trabajos anteriores, Gray sigue usando la electrónica que siempre ha sabido conjugar con inteligencia y que brillaba especialmente en Mutineers (2014), en esta ocasión se trata de pequeños efectos que son aún más sutiles incluso que a lo largo de su carrera, para adentrarse en un sonido limpio, sustentado por increíbles armonías vocales con las voces de Caroline Dale, Robbie Malone, David Kitt, Niamh Farrell y Mossy Nolan, que se convierte uno de los grandes aciertos de este álbum que evoca pureza y una vuelta a los orígenes. En cuanto a la temática del álbum está inspirado en las Islas Skellig (Irlanda) un lugar de paz y quietud para el autor, cuyos encuentros con su soledad han dado pie a muchas reflexiones que se han acabado conviertiendo en doce poéticos cortes. Todas las canciones están compuestas y producidas por David Gray aunque cuenta también con Ben de Vries como productor adicional.

 

Estamos seguros de que gran parte del público ignora la existencia de este trabajo por lo poco que se ha hablado de él en los medios de comunicación, muchos de nuestros lectores lo van a descubrir gracias a este post. Pero los críticos han dado muy buena cuenta de SKELLIG. Ellos también consideran que es el mejor trabajo de Gray hasta la fecha. American Songwriter y MusicOMH consideran que es un 90 sobre 100 mientras que hay cierta unanimidad con el 80 sobre 100 por parte de AllMusic, The Telegraph y The Irish Times. La buena noticia es que no ha recibido ninguna nota más baja que todos esos 80 sobre 100, con lo cual su media es de un 87 sobre 100. Nosotros ya hemos adelantado que consideramos que este trabajo es un claro 100 sobre 100 porque según nuestra línea editorial tiene todo lo que debe tener un buen álbum. Estamos hablando de canciones que rezuman auténtica magia en cada uno de sus versos. Cada vez que nos topamos con un trabajo como SKELLIG es un balón de oxígeno para nosotros, si en algún momento hemos pensado en cerrar este blog, con trabajos como este ni se nos ocurre. Merece la pena estar aquí para hablar de discos como SKELLIG. Ahora nos toca pediros un pequeño favor y es que si este disco os ha gustado tanto como a nosotros, que lo recomendéis a vuestros amigos o que compartáis este post en vuestras Redes Sociales para que nuestro trabajo tenga cierta continuidad y sentido. Realmente, SKELLIG es un álbum que nosotros regalaríamos a alguien que nos importase de verdad. Alguien a quien quisiéramos en nuestra vida.

MEDIA DE LA CRÍTICA: 87/100

VALORACIÓN EXQUISITECES: 100/100

EL (SOB) ROCK DE JOHN MAYER.

 

SOB ROCK es el octavo álbum de estudio de JOHN MAYER en el que una vez más compone todas las canciones y produce junto al legendario Don Was. Si miráis la portada del disco tiene un aire retro, recuerda a muchos intérpretes-compositores de los setenta u ochenta, no precisamente encasillados en la etiqueta de rockeros, a nosotros se nos ha venido a la cabeza James Taylor por citar alguno, aunque siempre hemos pensado que Mayer es un claro heredero del olvidado Chris Rea, sus solos de guitarra siempre nos han recordado a Rea. Alguien puede pensar a priori que se trate de su álbum más rockero y puede que lo sea. Al menos esa era la intención inicial. Si bien es cierto que el Rock está presente. Pero se trata de un rock melódico que encaja perfectamente con su sello. Lo que vamos a encontrar en el interior es JOHN MAYER 100%. Es curioso como alguien que lleva más de veinte años de carrera suena a los 43 prácticamente igual que cuando tenía 20 y nosotros decíamos que era muy precoz entonces. Siempre fue un poco "Viejoven". Realmente se aprecia mucho más su evolución como virtuoso de la guitarra que como compositor o intérprete, que por supuesto también la ha tenido, pero una vez más, la guitarra eléctrica es un elemento importante en el que se sustenta todas sus composiciones. No os vamos a engañar. Un disco de John Mayer, hasta el más flojo, si es que existiera, es impecable en lo que a producción se refiere, es un valor seguro. Sabes que estás adquiriendo un trabajo muy bien hecho. Otra cosa son las expectativas que tengas con cada nuevo trabajo suyo. Nosotros nos esperábamos algo como lo que nos trae, no nos ha sorprendido. Celebramos mucho que haya decidido contar con Maren Morris para que le haga coros en tres de los cortes. Esos cortes ganan muchísimo con la voz de Morris.

En cuanto a la crítica sí que nos ha sorprendido mucho echar un vistazo a su ficha y comprobar que para ser el eterno novio de América y tener un armario lleno de premios Grammy, la media de sus discos anteriores no son demasiado altas, predomina el 73 sobre 100 que también es la nota de este SOB ROCK que os recuerdo que se puso a la venta este pasado viernes. Lo que quiere decir que es una nota susceptible de cambio. De momento, hay cierta unanimidad con el 80 sobre 100 (Cuatro estrellas) por parte de NME, Variety, Los Angeles Times y The Telegraph. La Rolling Stone dice que es un 70 sobre 100 y el 61 y 60 sobre 100 de Pitchforrk y The Independent respectivamente, son las notas que le han bajado la media. Para nosotros es un claro 86 sobre 100. Es cierto que no hay ninguna intención de experimentar, innovar o probar cosas nuevas. Pero si lo hiciera... ¿Sus fans se lo perdonarían? Creemos que no. Que precisamente quien compra un disco de JOHN MAYER, quiere un disco de JOHN MAYER y eso es justo lo que es SOB ROCK. Los que tengan todos sus discos, este no les puede faltar. Es cierto que no supera a Continuum (2006) o a Born And Raised (2012) que son nuestros preferidos. Pero es bastante mejor que algunos de sus últimos trabajos.

 

MEDIA DE LA CRÍTICA: 73/100

VALORACIÓN EXQUISITECES: 86/100

20 ÁLBUMES NO RESEÑADOS DEL 2021

 

El 2021 no empezó mejor que terminaba el 2020, nosotros estábamos dispuestos a escribir reseñas al mismo ritmo de siempre, pero nos encontramos con que los discos que se editaban no nos inspiraban lo suficiente. Por eso publicamos muy poco en los primeros meses del año. Se podría decir que solamente hace un par de meses que hemos recuperado nuestro ritmo y las ganas de seguir escribiendo. Pero ya ha pasado medio año. 

Estos 20 discos se han publicado en el primer semestre y aunque no terminaron de motivarnos para escribir una reseña, consideramos que son lo suficientemente relevantes como para que los valoremos. De hecho, muchos de ellos seguramente os los volveréis a encontrar en nuestra lista de los mejores álbumes del 2021 que publicaremos en Diciembre. Y os recordamos que los discos que no se reseñan y acaban en estas listas no son peores que los que sí reseñamos. Es una cuestión de que este es un blog libre e independiente y nosotros elegimos los discos sobre los que nos apetece escribir. 

 

SONS OF KEMET - BLACK TO THE FUTURE

VALORACIÓN DE LA CRÍTICA: 84

VALORACIÓN EXQUISITECES: 70

THE BLACK KEYS - DELTA KREAM

 

VALORACIÓN DE LA CRÍTICA: 75

VALORACIÓN EXQUISITECES: 80

STEVEN WILSON - THE FUTURE BITES

VALORACIÓN DE LA CRÍTICA: 74

VALORACIÓN EXQUISITECES: 85

SQUID - BRIGHT GREEN FIELD

VALORACIÓN DE LA CRÍTICA: 89

VALORACIÓN EXQUISITECES: 60

JOHN GRANT - BOY FROM MICHIGAN

VALORACIÓN DE LA CRÍTICA: 83

VALORACIÓN EXQUISITECES: 85

 

RHIANNON GIDDENS - THEY'RE CALLING ME HOME

 

 

VALORACIÓN DE LA CRÍTICA: 89

VALORACIÓN EXQUISITECES: 92

DOJA CAT - PLANET HER

 

VALORACIÓN DE LA CRÍTICA: 77

VALORACIÓN EXQUISITECES: 85

FOR THOSE I LOVE - FOR THOSE I LOVE

 

VALORACIÓN DE LA CRÍTICA: 89

VALORACIÓN EXQUISITECES: 60

MORCHEEBA - BLACKEST BLUE

VALORACIÓN DE LA CRÍTICA: 78

VALORACIÓN EXQUISITECES: 85

LANA DEL REY - CHEMTRAILS OVER THE COUNTRY CLUB

VALORACIÓN DE LA CRÍTICA: 81

VALORACIÓN EXQUISITECES: 86

SERPENTWITHFEET - DEACON

VALORACIÓN DE LA CRÍTICA: 86

VALORACIÓN EXQUISITECES: 87

OLIVIA RODRIGO - SOAR

VALORACIÓN DE LA CRÍTICA: 83

VALORACIÓN EXQUISITECES: 85

SARA WATKINS - UNDER THE PEPPER TREE

VALORACIÓN DE LA CRÍTICA: 72

VALORACIÓN EXQUISITECES: 83

THE ANCHORESS - THE ART OF LOSING

VALORACIÓN DE LA CRÍTICA: 84

VALORACIÓN EXQUISITECES: 88

NICK CAVE & WARREN ELLIS - CARNAGE

VALORACIÓN DE LA CRÍTICA: 91

VALORACIÓN EXQUISITECES: 90

TOM JONES - SORROUNDED BY TIME

VALORACIÓN DE LA CRÍTICA: 83

VALORACIÓN EXQUISITECES: 85

LORAINE JAMES - REFLECTIONS

VALORACIÓN DE LA CRÍTICA: 86

VALORACIÓN EXQUISITECES: 70

THE CORAL - CORAL ISLAND

VALORACIÓN DE LA CRÍTICA: 85

VALORACIÓN EXQUISITECES: 85

JANE WEAVER - FLOCK

VALORACIÓN DE LA CRÍTICA: 87

VALORACIÓN EXQUISITECES: 85

SLEAFORD MODS - SPARE RIBS

VALORACIÓN DE LA CRÍTICA: 83

VALORACIÓN EXQUISITECES: 85

PASSENGER - SONGS FOR THE DRUNK AND BROKEN HEARTED

VALORACIÓN DE LA CRÍTICA: 60

VALORACIÓN EXQUISITECES: 80

EL TRÁNSITO DE ASHLEY MONROE.

No todas las intérpretes Country necesitan hacer la transición hacia el pop necesariamente y no a todas les tiene que salir tan bien como a Taylor Swift o incluso a Kacey Musgraves si es que se decide a completar esa transición. Si bien es cierto, que se les abre un mercado más amplio cuando consiguen tener un hit pop, también es un riesgo que corren porque pueden perder el público que las ha acompañado hasta ese momento. En ROSEGOLD de ASHLEY MONROE encontramos un intento por continuar con esa transición hacia el pop que inició con un álbum country tan sumamente personal como lo fue Sparrow (2018) y, desde luego, que talento no le falta. Monroe brilla en algunos cortes y en otros no tanto, consiguiendo una obra un tanto irregular en su conjunto en la que pasarías de largo algún corte. Precisamente aquellos cortes que se quedan a medio camino y ni son pop, ni tampoco country. No obstante, seguramente no seremos capaces de valorar este disco a la baja porque las pocas canciones buenas que tiene, son  muy buenas. Pero creemos que tanto los productores como ella misma deberían haberle dado una vuelta antes de publicarlo, a pesar de que los créditos del disco son inmejorables al contar con las colaboraciones de Tyler Cain, Nathan Chapman, Jake Mitchell, Niko Moon, Mikey Reaves, Jordan Reynolds o Ben West.

La crítica ha sentenciado que es el peor disco de su carrera con una media de 70 sobre 100 en gran medida por culpa de publicaciones como Slant, Under The Radar o Pitchfork que le han otorgado un 50, 55 y 57 sobre 100 respectivamente. Menos de tres estrellas. La mejor nota es el 80 sobre 100 y proviene de AllMusic y luego el 76 sobre 100 de Paste. Para completarse con los 70 sobre 100 de Rolling Stone y Uncut. Ya sabeis que nosotros no reseñamos discos con críticas negativas. Porque se malgastan muchas energías destruyendo. Lo evitamos siempre que podemos y preferimos hablar de discos de los que tengamos cosas buenas que decir. Cuando un disco nos ha parecido malo, como mucho le damos una nota baja en nuestra lista de discos escuchados, valorados, pero no reseñados y lo hacemos muy disimuladamente y sin ningún tipo de ensañamiento. ROSEGOLD quizás sea un disco irregular o fallido. Pero si nos hemos molestado en escribir esta reseña es porque no consideramos que sea un disco malo y si te gusta la Monroe, este disco a lo mejor te gusta menos que otros de su discografía. Pero también te va a gustar. Insistimos en que posee buenos momentos en forma de baladas -Tanto 'Til It Breaks como I Mean It son dos clásicos espontáneos- y a pesar de todo, se merece un 80 sobre 100 que equivaldría a cuatro estrellas. Nuestro mensaje para Ashley Monroe es que para la próxima, en vez de seguir las tendencias mejor que siga su propia intuición. 

 

VALORACIÓN EXQUISITECES: 80/100

MEDIA DE LA CRÍTICA: 70/100

 

Estamos tristes por las últimas malas noticias que nos han llegado sobre la salud de Ashley Monroe, nosotros esperamos y deseamos estar presentes esa próxima vez que edite nuevo trabajo para contaros que ha sido un discazo como muchos que ya posee en su discografía. Mucha fuerza desde aquí para ella y para todos los que os encontréis en su misma situación. Que sepáis que hacemos este blog pensando muchísimo en vosotros. Eso es algo que siempre hemos tenido muy presente. No hay mayor recompensa y satisfacción para nosotros si conseguimos entretener a alguien que está en un hospital pasando un mal trago y le hacemos olvidar por un momento sus problemas con las cosas que os contamos y la música que os recomendamos.                                                                                                

FAYE WEBSTER LO HA VUELTO A HACER.

 

No es ningún secreto que FAYE WEBSTER nos encanta. Todavía estábamos disfrutando de su Atlanta Millonaires Club (2019) cuando nos ha sorprendido con I KNOW I`M FUNNY HAHA su cuarto álbum de estudio. Webster continúa con su sello discográfico indie Scretly Canadian y se puede decir que si con Atlanta Millonaires Club (2019) trascendió de la escena indie y otros públicos comenzaron a fijarse en ella, I KNOW I´M FUNNY HAHA implica cierta continuidad, mayor exposición aún y podríamos estar hablando de su consagración. Cuando escribimos por última vez sobre ella dijimos que su anterior trabajo era un tanto juguetón y, en ciero sentido, rupturista, fusionando géneros que a priori no casaban y haciendo que funcionaran a la perfección. En esta ocasión la lección está aprendida y notamos que se ha relajado y disfruta cada uno de sus cortes, diríamos que hay momentos en los que se recrea y además lo sabe transmitir muy bien. Continua con esa fusión de Alt Country, folk y elementos jazzies para conseguir un sonido un tanto naif que comienza a ser su sello personal. El disco está producido por Drew Vanderberg y la propia Faye Webster que también compone todos los temas del disco en solitario. En el apartado de colaboraciones cuenta con Mei Ehara en el corte titulado Overslept.

Este trabajo practicamente revalida todo lo conseguido anteriormente con Atlanta Millonaires Club (2019). La crítica lo ha valorado con un 82 sobre 100. Un punto por encima de su anterior trabajo, siendo Uncut quien le ha otorgado la mayor nota con un 90 sobre 100 y luego el 84 sobre 100 de Pichfork o los 80 sobre 100 de Mojo, DIY o NME para terminar con los 75 sobre 100 de Under The Radar y BPM, siendo la nota más baja los 60 sobre 100 de AllMusic. Nosotros tenemos para I KNOW I´M FUNNY exactamente la misma valoración de su anterior trabajo 95 sobre 100. Porque entendemos que sí con Atlanta Millonaires Club (2019) llamó a nuestra puerta, con este ya ha entrado sin llamar y lo que nos regala es igual de maravilloso. Es cierto que arriesga menos y lo único que aporta al universo que ya había creado antes es cierta seguridad y aplomo. Pero todo resulta igual de bello en su conjunto o más. Seguimos recomendando la discografía de FAYE WEBSTER, es una intérprete y compositora brillante para descubrir y a tener muy en cuenta.

MEDIA DE LA CRÍTICA: 82/100

VALORACIÓN DE EXQUISITECES: 95/100

LA ASCENSIÓN DE WOLF ALICE

Hace seis años pusimos a WOLF ALICE en el puesto Nº30 de nuestra lista con su álbum debut My Love Is Cool (2015), recuerdo que dijimos que era una banda muy prometedora a la que había que seguir muy de cerca. El mes pasado publicaron su tercer álbum de estudio titulado BLUE WEEKEND y los progresos son más que evidentes. Ya podemos hablar de una banda muy consolidada que quizás haya perdido un poco la frescura de su álbum debut pero la suplen con calidad compositiva. De hecho, sus álbumes han ido superándose uno tras otro y nos encontramos con que BLUE WEEKEND es el mejor trabajo de la banda hasta el momento. Y lo mejor de todo es que todavía no han tocado techo, pueden venir dos o tres álbumes más, igual o más buenos que este. Cada trabajo de la banda ha contado con productores diferentes y el responsable de esta pequeña obra maestra del rock alternativo británico contemporáneo es Marcus Dravs.

 

Lástima que en ventas no haya superado a sus dos trabajos anteriores que certificaron el oro y la plata, respectivamente en el Reino Unido. Aunque todavía le queda mucha carrera comercial por delante y es probable que lo consiga. BLUE WEEKEND de momento ha obtenido mejores puestos en los charts de todo el mundo, de hecho fue Nº1 en Reino Unido. Algo que no consiguieron sus álbumes anteriores.

Lo que vamos a encontrar en este álbum es un rock alternativo con grandes baladas de melodías redondas y un par de cortes muy potentes que rompen un poco con esa (aparente) hegemonía. Lo mejor de todo es que cualquiera de los registros que nos presentan funcionan como un reloj suizo. Y os anunciamos ya que este trabajo oculta mejores canciones que los primeros singles de adelanto que ya se han extraido. En un alarde de sinceridad debemos confesar que no solo es el mejor álbum de WOLF ALICE, también es el que más nos ha gustado a los que hacemos este blog. De hecho, su álbum anterior Visions Of A Life (2017) fue el que menos nos gustó a pesar de mejorar con respecto a My Love Is Cool (2015). Para nosotros BLUE WEEKEND es un claro 90 sobre 100.

 

Y comparado con la crítica en general. hay quien se ha volcado con este trabajo y le da mucha más nota. Tanto MusicOMH, The Indepemdemt, The Telegraph, DIY, NME y hasta los chicos díscolos de The Guardian han coincidido en que es un 100 sobre 100 osea, cinco estrellazas y el pasaporte para encabezar muchas de sus listas de lo mejor del 2021. Luego están los que piensan, como nosotros, que es un 90 sobre 100 y son Under The Radar, The Line Of Best Fit y Classic Rock, los que opinan que es un 80 sobre 100: Record Collector, Uncut, Mojo, Clash, AllMusic y The Skinny siendo la nota más baja el 70 sobre 100 de No Ripcord. Aún así la media obtenida es un excelente 91 sobre 100. Nosotros lo recomendamos encarecidamente desde aquí. Sobre todo porque el mercado español está tan enrarecido, que sería una pena que un trabajo como BLUE WEEKEND pasara desapercibido.

MEDIA DE LA CRÍTICA: 91/100

VALORACIÓN EXQUISITECES: 90/100

TODO EL MUNDO ESTÁ HABLANDO DE GRIFF.

 

Sarah Faith Griffiths es una joven cantante y compositora británica de 20 años conocida artísticamente como GRIFF que debutó con un Ep titulado The Mirror Talk (2019) fichando por la multinacional Warner. GRIFF viene respaldada por haber sido nominada al BBC Sound Of 2021 y sobre todo, por ganar el Brit Award for Rising Star que para no liarnos mucho, es el mismo premio que se institucionalizó en 2008 y hasta hace poco se llamaba Critics Choice Award Brit y que en su día lo ganaron artistas como Adele, Florence + The Machine, Ellie Goulding, Jessie J, Emeli Sandé, Tom Odell, Sam Smith, James Bay, Jack Garratt, Rag ´N´ Bone Man, Jorja Smith, Sam Fender hasta llegar a Celeste el año pasado. -Si tiráis de nuestros archivos, hemos hablado de todos ellos en su momento- Este premio es un premio que da la industria británica; los productores y las discográficas a los artistas emergentes con más futuro, así que tiene la particularidad de que cuando te lo dan eres un perfecto desconocido, pero en poco más de tres meses no existe una sola persona en el Reino Unido que no haya escuchado hablar de tí y en seis meses ya eres famoso en Europa y en el resto del mundo. A la lista completa que os acabamos de escribir nos remitimos. Quizás solamente Jack Garratt haya sido el único al que no le ha beneficiado este premio, fue la apuesta más arriesgada y menos comercial de todas y hoy día está a la espera de editar ese trabajo que le saque del olvido.

GRIFF acaba de editar ONE FOOT IN FRONT OF THE OTHER o lo que se supone que es su álbum debut y decimos "se supone" porque se trata de una Mixtape con siete cortes, ocho si la adquieres en Cd o Vinilo y cuya escucha dura poco más de veinte minutos. Para nosotros eso es un Ep encubierto que luego te cobran a precio de Lp. Eso sí, los ocho cortes son singles potenciales y han hecho mucho hincapié en lo de que es una Mixtape para dejar muy claro que Warner no ha tocado casi nada. Solo hay un corte producido por Lostboy, todos los demás cortes están escritos y autoproducidos por la propia GRIFF y realmente esa es la noticia, que una multinacional respeta a una joven artista, que no le han puesto ninguna objeción o límite y que le dejan publicar exactamente justo lo que ella quiera publicar. Claro que... Los ocho cortes son oro puro para la comercialidad, normal que no le hayan impuesto ningún cambio. El día en que las discográficas no metan la mano para "arreglar" otros proyectos más arriesgados y anti-comerciales eso sí que será noticia.

 

 

En cuanto a la crítica y su doble rasero... Pues la han recibido con los brazos abiertos. NME le ha dado el 100 sobre 100, The Line Of Best Fit 90 sobre 100 y unanimidad con el 80 sobre 100 por parte de Clash, The Observer y DIY. Haciendo una media de 93 sobre 100 según Metacritic y de 79 sobre 100 según Any Decent Music porque estos sí recogen los 60 sobre 100 que le ha otorgado Evening Standard. Cotejando todas las notas y usando nuestra calculadora, a nosotros nos sale que la media de la crítica real es de 82 sobre 100. Una nota bastante más coherente con lo que realmente es ONE FOOT IN FRONT THE OTHER. Porque Metacritic se pasaba muchísimo y Any decent Music se quedaba algo corto. Es cierto que las canciones son todas muy buenas, están muy bien producidas y representan el mejor pop que se pueda hacer en la actualidad. Pero tenemos la sensación de que si le damos una valoración alta, el sistema nos la estará colando una vez más. Es una pena por GRIFF que desde luego es de lo más prometedora, pero no nos convence como se han hecho las cosas. Podrían haber esperado unos meses y sacar un largo de verdad, en vez de este minialbum, que se nota muchísimo que hay que aprovechar el tirón del Brit como sea y hace que dudemos del talento de la autora. ¿Y si sonó la flauta por casualidad y solamente ha tenido talento para esas siete canciones y en la discográfica lo saben? Realmente ha tenido toda la vida para componerlas. Nosotros le vamos a dar un 80 sobre 100. Tal y como está planteado el álbum no podemos darle más. La vamos a seguir muy de cerca porque seguro que hay una reedición con más canciones de cara a Octubre con vistas a la Navidad y ese 80 sobre 100 siempre será susceptible de cambio cuando exista esa otra nueva reedición y este minialbum pase a ser un álbum de verdad. Aprovechamos para decir que es muy probable que en un futuro no nos molestemos en reseñar álbumes con menos de diez cortes y que no superen la media hora de duración.

MEDIA DE LA CRÍTICA: 82/100

VALORACIÓN EXQUISITECES: 80/100

LAURA MVULA: ATARDECER ROSA DE LOS 80.

 

Si hay una artista que admiramos por la manera como está dirigiendo su carrera esa es LAURA MVULA que este viernes volvía con su tercer álbum de estudio titulado PINK NOISE. Nosotros llevamos hablando de Laura Mvula desde su debut en 2013 y la última vez que lo hicimos fue a colación de The Dreaming Room (2016) del que ya han pasado cinco años. Entonces resaltamos su singularidad, el hecho de que es única y que lo que ella hace no lo hace absolutamente nadie. En esta ocasión la propia Laura Mvula define PINK NOISE como "Ese álbum que siempre quise hacer" y que "Está hecho con tonos cálidos de una puesta de sol en los años 80". Efectivamente, las influencias pop ochenteras se palpan en algún momento y existe una clara evolución desde su álbum debut. Pero que nadie piense que va a encontrar algún cambio en lo esencial, su aplastante personalidad hace que este trabajo también sea Laura Mvula al 100% y eso es lo que nos encanta. Es una artista que no hace ningún tipo de concesiones a la comercialidad. De hecho, este podría ser su álbum más audible, comercialmente hablando. Pero siempre hay algún giro o algún momento marca de la casa (sus coros gospel infinitos, el sonido característico de su teclado...) que se aleja cosiderablemente de lo que se entiende por "comercial" que nos mantiene alerta y eso es algo que  ha sido una constante en su carrera.

 

Todas las canciones de PINK NOISE están producidas por la propia Laura Mvula y por el australiano Dann Hume (Troye Sivan) ambos han co-escrito las canciones del álbum con la ayuda de Troy Miller que participa en la co-escritura de cinco de los cortes. En el apartado colaboraciones, cuenta con el escocés Simon Neil (Biffy Clyro). En cuanto a la crítica, PINK NOISE tiene una media de 87 sobre 100 y no ha podido debutar con mejor nota porque sus valoraciones no han bajado del 80 sobre 100 (The Skinny, Mojo, NME, The Independent) siendo el 91 sobre 100 de Entertainment y los 90 sobre 100 de The Line Of Best Fit y Clash sus notas más altas. Para nosotros es un claro 92 sobre 100 con tendencia al alza en cuanto lo escuchemos un poco más -Salió hace dos días- y tenemos que decir lo de siempre, es Laura Mvula, es única y a los artistas únicos o se les ama o se les odia. Por mucho que recomendemos sus discos, si no os gusta, no os forcéis a escucharla por muy buena que os aseguremos que es. Un amigo cercano al blog, de los que colaboran en nuestra lista, me mandó un mail pidiéndome que me fijase en una canción del álbum titulada "Remedy" -una de nuestras favoritas-. Ambos observamos que a pesar de tener arreglos musicales clásicos del pop de los 80, que de entrada podría parecer una canción bailable sacada de los primeros álbumes de Withney Houston o de Chaka Khan. Incluso jugando con esos referentes tan conocidos, no deja de ser ella misma ni por un segundo y además, imprime su propio sello. Simplemente maravillosa.

MEDIA CRÍTICA: 87/100

VALORACIÓN EXQUISITECES: 92/100

HISS GOLDEN MESSENGER: QUE NO PAREZCA UNA OBRA MAESTRA, AUNQUE LO SEA.

En una entrevista en American Songwriter preguntaron a MC Taylor sobre la frecuencia en la que publica sus discos, etiquetándolo de autor prolífico y él contestó que le gustaba que no pasase demasiado tiempo entre disco y disco para que se apreciase su evolución y no diese la sensación de que cada vez que publicara pareciera que iba a sacar una obra maestra, a colación de las expectativas que generan esos autores que sacan un disco cada lustro. Ante una respuesta tan humilde, nosotros solo nos quitamos el sombrero y podemos decir que incluso editando un disco cada dos años HISS GOLDEN MESSENGER nos ha regalado ya alguna que otra obra maestra y QUIETLY BLOWING IT mantiene el nivel bien alto. Todos los discos de Taylor son de largo recorrido y podrían tener mucha más vida comercial que dos años. De hecho, nosotros los etiquetaríamos de clásicos inmortales. Hablando de evolución, este nuevo álbum tiene mucho más que ver con Allelujah Anyhow (2017), uno de nuestros favoritos, que con Terms Of Surrender (2019). En esta ocasión vuelve a recurrir a temas sociopolíticos en sus letras, la verdad es que estamos viviendo momentos claves de la historia contemporánea y hay temas que mejor no dejarlos pasar. El gran problema de abordar estos temas es que corres el riesgo de que algún crítico que no tenga tus mismas ideas políticas se cargue tu disco y no tenga en cuenta los valores estrictamente musicales, y esto está ocurriendo. La prensa musical especializada también está politizada. Hoy día cualquiera que no hable de amor y otros temas universales que siempre funcionan, es un valiente.

 

Musicalmente este disco es una gozada, juega con todos los registros y estilos habituales de la banda con auténtica maestría: Americana, Folk algo de Soul..., todo fluye de manera perfecta y cada sonido está en su lugar sin ser previsible. Tiene cierto halo de clasicismo, nos recuerda un poco a los buenos discos de Bruce Springsteen o Bonnie Raitt en cuanto a la profesionalidad. Esos discos que sabes desde antes de escucharlos que todo va a ser absolutamente impecable y no te decepcionan. En esta ocasión ha contado con colaboraciones de lujo: Griffin y Taylor Goldsmith (Dawes), Josh Kaufman (Bonny Light Horseman) y Zach Williams (The Lone Bellow). Un álbum para escucharlo en bucle porque se hace muy corto. Para nosotros es un 95 sobre 100 y no tenemos nada negativo que decir, ni por ponerle un "pero", advertimos que esa puntuación podría subir de cara a nuestra lista de Diciembre. La crítica como siempre un tanto injusta con estas bandas y estilos, lo decimos siempre. Y no es que haya tenido malas críticas ni valoraciones bajas en general, pero deberían ser aún más altas. La máxima puntuación es un 90 sobre 100 (cuatro estrellas y media) por parte de The Line Of Best Fit, Unanimidad con el 80 sobre 100 (cuatro estrellas): The Guardian, American Songwriter, The Independent, Uncut, Mojo, Rolling Stone y luego estan los chicos de Pitchfork que se lo cargan con un 55 sobre 100 que no son ni tres estrellas, con una crítica bastante cuestionable que afortunadamente no ha afectado la media que es de 80 sobre 100 que ya sabéis que equivale a cuatro estrellas y prácticamente esa es la media de toda su discografía.

 

MEDIA CRÍTICA: 80/100

VALORACIÓN EXQUISITECES: 95/100