BRANDI CARLILE YA ES UNA LEYENDA.

 

En Exquisiteces hemos seguido con atención la carrera de BRANDI CARLILE desde sus inicios paso a paso, hemos reseñado cada uno de sus discos y los hemos celebrado cuando había que hacerlo. Nos frustrábamos mucho cuando pequeñas obras maestras de su discografía anteriores al mainstream como Bear Creek (2012) no tenían la repercusión y la trascendencia que merecían. Porque nosotros vimos en ella materia prima para ser lo que es hoy desde su álbum debut homónimo de 2005, en el que prácticamente era una postadolescente y hemos sufrido mucho que su ascenso al estrellato se dilatara tanto en el tiempo. Pero cuando se tiene talento, todo llega y álbumes como By The Way I Forgive You (2018) o In These Silent Days (2021) acabaron posicionándola en el lugar que le correspondía por derecho desde hacía muchísimo tiempo. Llegaron premios y reconocimientos, su nombre empezó a aparecer mucho más arriba en carteles de macrofestivales que anteriormente ni la llamaban y también cosechó cierto éxito como productora musical para otros artistas. A ella le debemos el retorno de Tania Tucker y discos memorables como los de The Secret Sisters, Brandy Clark, Joni Mitchell o Lucius, o más recientemente su colaboración con su gran amigo Elton John. Y justo en este punto, cuando ha llegado a lo más alto, y el hype no puede ser mayor, nos enfrentamos a su nuevo trabajo RETURNING TO MYSELF y resulta que ahora, todos los que hemos vivido y disfrutado su ascenso, nos encantaría que aparcase el mainstream y volviese a Bear Creek (2012). Si es que... No se puede tener todo.   

Lo primero que tenemos que decir es que odiamos las notas de prensa que mandan las discográficas para presentar los álbumes. Se ha cacareado mucho que RETURNING TO MYSELF estaba producido además de por la propia BRANDI CARLILE y Andrew Watt, por Aaron Dessner y Justin Vernon que se han convertido en auténticos reclamos, hasta el punto de que mucha gente se ha pensado que eran los productores principales. Pero la presencia de ellos es casi anecdótica. Es cierto que Dessner ha co-escrito con Carlile dos canciones y ha co-producido cuatro. Pero Vernon solo está acreditado en una: Human, que además su producción es compartida con Dessner, Watt y Carlile. Que no os engañen, al final, todo el peso de la producción recae sobre Watt y Carlile. Y como siempre, tenemos a los gemelos Hanseroth que co-escriben tres de las canciones -no concebimos un disco de Brandi Carlile sin los Hanseroth Twins- e incluso cuenta con la presencia de Elton John y Bernie Taupin en la composición de un tema como You Without Me. Así que si leísteis las notas de prensa y esperábais algo distinto por la presencia de Dessner y Vernon, seguid esperando. Esto es un disco de BRANDI CARLILE y nadie es capaz de vampirizarla, ni siquiera Dessner y Vernon que son dos grandes vampiros. Nos recuerda un poco a cuando Jack Antonoff, otro vampiro reconocido, produjo el álbum Gaslighter (2020) de The Chicks y no solo no consiguió vampirizarlas ni pervertirlas. Sonaron mucho más que nunca como The Chicks y esto es un poco lo que ocurre en RETURNING TO MYSELF.

Obviamente, la gran contraposición de RETURNING TO MYSELF es que se trata de un disco intimista como su propio nombre indica y en vez de crear un ambiente más crudo y desnudo que evidencie esa intimidad, opta por algo mucho más producido, un poco en la línea de su álbum anterior In These Silent Days (2021) que nos encantó en su momento y quizás entonces no nos importó, ni nos chirriaban tanto las leyes del mainstream, porque entendíamos que Brandi había llegado a él de manera orgánica. En este caso, no. Existe premeditación y alevosía para que todo sea así y por eso quizás nos molesta un poco más y hubiésemos agradecido un verdadero "retorno a ella misma", si entendemos por "ella misma" a aquella joven que nos enamoró con The Story (2007), Give Up On Ghost (2009) o el ya citado y reivindicadísimo Bear Creek (2012). No obstante, esta reseña puede estar cargada de reproches. Pero no es una reseña negativa. BRANDI CARLILE ha llegado a un estatus con RETURNING TO MYSELF de leyenda. Es ese disco en el que se ve que la artista no deja absolutamente nada al azar, todo está controlado y eso solo se consigue con veteranía y oficio. Es como uno de esos discos perfectos de Bonnie Raitt, salvando las distancias. Un trabajo en el que predominan las baladas y solamente hay una canción disruptiva justo en la mitad que es Church & State que o la amas o la odias. Realmente, RETURNING TO MYSELF es un álbum con buenas canciones. Pero en las primeras escuchas no parece que contenga singles tan memorables como The Story, The Joke o Right On Time, algo que, por otro lado, tampoco tiene mayor importancia. Pero nos hace pensar que es probable que una edición Deluxe se lance más pronto que tarde, para mayor escarnio de los que hayan apostado por este álbum comprándolo en preventa sin haber escuchado antes absolutamente nada. A ves si es posible que los artistas y las discográficas empiecen a respetar un poco más a los que todavía compran música en formato físico. Por cosas como estas, el mainstream apesta.   

En cuanto a la crítica y teniendo en cuenta que RETURNING TO MYSELF se lanzó este viernes, ha obtenido una media de 82 sobre 100 que se distribuye de la siguiente manera: Variety 94/100; Paste 87/100; Allmusic, Mojo y HipHopDX 80/100 y Classic Rock y Rolling Stone 70/100. Parece que en la edición británica de Rolling Stone le han dado el 100/100 según recoge álbumoftheyear.org. Por nuestra parte solo tenemos que decir que quizás no haya vuelto del todo a sí misma, pero RETURNING TO MYSELF demuestra que BRANDI CARLILE no sabe hacer nada a medias. Nuestra nota es un 90 sobre 100 porque a pesar de todo lo que os hemos contado de su paso al mainstream, sigue siendo muy auténtica y RETURNING TO MYSELF es de esos álbumes que independientemente de que lleguen a dar hits o no, perduran en el tiempo. 

MEJORES MOMENTOS: Returning To Myself, Human, Church & State, You Without Me, Joni...

MEDIA CRÍTICA: 82/100

NUESTRA VALORACIÓN: 90/100

ÁLBUMES REPESCADOS: EDWYN COLLINS, ALISON KRAUSS & UNION STATION, MUNFORD & SONS, HAMILTON LEITHAUSER, DESTROYER, ELTON JOHN & BRANDI CARLILE, BLACK COUNTRY NEW ROAD, JOSHUA RADIN, DJO y HORSEGIRL

Como cada mes, aquí tenéis otro de nuestros post de álbumes repescados. Que para los que nos lean por primera vez les diremos que es una manera de poder reseñar el mayor número posible de discos, teniendo en cuenta la cantidad sobrehumana de lanzamientos cada semana. Aunque algunos de los discos que tenemos aquí hubieran merecido una reseña en solitario. Es fácil identificarlos.

EDWYN COLLINS - NATION SHALL SPEAK UNTO NATION

EDWYN COLLINS ha publicado recientemente su décimo álbum de estudio titulado NATION SHALL SPEAK UNTO NATION. Para quien no conozca a Collins es un veterano músico, cantante, compositor y productor musical escocés con una trayectoria de más de cuarenta años desde que formara la banda Orange Juice en los ochenta. También es un ejemplo de superación tras recuperarse de una hemorragia cerebral que padeció en 2005. NATION SHALL SPEAK UNTO NATION tiene ese halo de que podría ser el álbum que marcara su retirada. Solo hay que escuchar canciones como Knoweledge que te dan una lección de vida a través del conocimiento y la experiencia. Porque este álbum va de eso, de la veteranía, de envejecer y del legado de un gran músico que está cerrando un ciclo. Aunque Collins en sus orígenes coqueteó con el post-punk. Digamos que en el presente ya sabe todos los secretos del pop rock y este álbum es una buena muestra de ello. NATION SHALL SPEAK UNTO NATION está producido por el propio EDWYN COLLINS y por Jake Hutton y Sean Red. Su media crítica es de un 84 sobre 100. La valoración más alta recibida proviene de Classic Rock Magazine con un 90/100; y el resto de medios son unánimes con el 80/100 (Uncut, Clash, Record Collector, Mojo, The Observer y The Telegraph). Por nuestra parte no podemos darle menos de un 85 sobre 100 porque es de esos álbumes en los que el músico sabe llevarte a su terreno gracias a un dominio absoluto de lo que está haciendo. Si resulta ser su último trabajo. Porque ya sabemos que muchos artistas nunca se retiran del todo, aunque digan que lo van a hacer, sería un excelente broche de oro a una carrera de lo más interesante.    

MEJORES MOMENTOS: Nation Shall Speak Unto Nation, The Heart Is A Foolish Little Thing, Paper Planes, Knoweledge

MEDIA DE LA CRÍTICA: 84/100

NUESTRA VALORACIÓN: 85/100

ALISON KRAUSS & UNION STATION - ARCADIA

Teníamos muchas ganas de que ALISON KRAUSS volviera a darnos un buen disco de Bluegrass junto a su banda UNION STATION ya que no grababan juntos desde Paper Planes (2011) y la última incursión de Krauss en la música fue con Raise The Roof (2021) su segundo disco de colaboraciones con Robert Plant. ARCADIA es el octavo álbum de estudio firmado como ALISON KRAUSS & UNION STATION y aunque en los últimos años han surgido nuevos artistas que están abanderando el Bluegrass como Molly Tuttle o Sierra Ferrell un disco de Krauss con su banda no solo es todo un acontecimiento. Es que los amantes del género se sentían un poco huérfanos tras catorce años sin editar un disco y habiendo dejado el listón tan alto con Paper Planes (2011). ARCADIA es una auténtica gozada. Todo fluye con muchísima naturalidad y es un material que está muy cuidado, como siempre. Como novedad, tenemos que es el último álbum de la banda en el que participará Dan Tyminski y el primero en el que se incorpora Rusell Moore como nuevo co-vocalista. ARCADIA está autoproducido por la banda. La crítica ha acogido este nuevo trabajo con los brazos abiertos con un 84 sobre 100 de media. PopMatters lo ha valorado con un 90/100; MusicOHM, Uncut, Mojo, AllMusic, Under The Radar 80/100 y Glide 70/100. Por nuestra parte no podemos darle menos de un 90 sobre 100 solo por la maestría y el oficio de esta banda que seguramente sumará otro grammy más al mejor álbum de Bluegrass a los catorce que ya tienen.     

MEJORES MOMENTOS: Looks Like The End Of The Road, Granite Mills, Richmond On The James, Forever, Snow, The Hangman, There's A Light Up Ahead...  

MEDIA DE LA CRÍTICA: 84/100

NUESTRA VALORACIÓN: 90/100

MUNFORD & SONS - RUSHMERE

Había muchísima expectación con el regreso de MUMFORD & SONS tras casi siete años de ausencia. La novedad que nos trae RUSHMERE es que la banda ahora es un trío con la salida del guitarrista y banjista Winston Marshall en 2021. Y la vuelta ha sido a lo grande, con la producción de Dave Cobb y las colaboraciones de Madison Cunningham. Es cierto que es una banda que ha evolucionado hacia el mainstream y poco o nada tiene que ver con lo que nos ofrecía en sus inicios. Su álbum debut Sigh No More (2009) fue realmente encantador y tocaron el cielo con Babel (2012) cuando ganaron el Grammy al mejor álbum del año. A partir de ese momento, que conquistaron el mercado americano, parece que todos sus discos posteriores han ido orientados hacia ese mercado y RUSHMERE no es la excepción. Aunque, curiosamente, su mejor certificación en charts la ha hecho en el Reino Unido. RUSHMERE es el nombre de un estanque ubicado en Wimbledon Common en Londres, donde se formó la banda por primera vez y se concibió la música. Según un comunicado de prensa, la intención era llevar a los oyentes de regreso a donde "todo" comenzó. Aunque el disco luego ha sido grabado en Nashville, Savannah (Georgia) y la única localización británica ha sido el estudio de la banda en Devon donde han rematado este trabajo. La crítica no ha sido demasiado generosa con este trabajo. De hecho, hay medios que se lo han cargado sin ninguna piedad como Uncut 50/100 y The Observer 40/100. Mojo y The Independent le otorgan un 60/100 que es la nota promedio en la que un disco no es malo, ni bueno. Y las mejores valoraciones vienen de la mano de Clash y The Telegraph con un 80/100. Al final se tiene que conformar con una media de 60 sobre 100 siempre según Metacritic y su algoritmo, porque otros agregadores de críticas le dan una media más baja. Nosotros nos sumamos a los de la nota más alta, un 80 sobre 100. Porque es cierto que ya están muy lejos de lo que nos ofrecieron en sus dos primeros discos. Lo que se escucha en RUSHMERE no es novedoso. No están inventando nada. Pero tampoco importa demasiado. Dentro del mainstream existe también la calidad y este es un producto de muchísima calidad. La producción de Cobb está a la altura de sus mejores trabajos y por supuesto es un must para los fans de la banda que lo van a disfrutar muchísimo. 

MEJORES MOMENTOS: Rushmere, Malibu, Blood On The Page, Monochrome, 

MEDIA DE LA CRÍTICA: 60/100

NUESTRA VALORACIÓN: 80/100

HAMILTON LEITHAUSER - THE SIDE OF THE ISLAND

HAMILTON LEITHAUSER es un cantante, compositor y multiinstrumentista conocido por liderar formaciones como The Recoys o The Walkman y que también ha destacado en su carrera en solitario. THIS SIDE OF THE ISLAND es su quinto álbum de estudio. Un álbum producido por Aaron Dessner y Anna Stumpf que también es la esposa de Leithauser. Se trata de un álbum de indie rock que puede que no invente nada nuevo, pero que engancha desde la primera escucha. No sabemos si es por su sonido un tanto vintage que recuerda vagamente a la época dorada de U2. Pero tal y como se ha puesto el panorama musical, dar con un álbum como THIS SIDE OF THE ISLAND resulta muy estimulante y hasta refrescante. La crítica le ha otorgado una media de 80 sobre 100. La nota más alta es el 100/100 de Far Out Magazine. AllMusic también le otorgó un 90/100 y PopMatters, Mojo, Dork, Record Collector 80/100 pero también tuvo valoraciones bajas como las de Spectrum Culture 60/100 y las de Record Collector 55/100. Para nosotros es muy fácil conectar con un álbum como este que tiene un componente emocional muy fuerte. Las letras hablan de desencanto, polarización y muchos de los problemas que vivimos en la actualidad y no es nada difícil identificarse. Por lo que no entendemos esas dos notas tan bajas, porque además están muy bien escritas. No podríamos darle menos de un 85 sobre 100 para tenerlo en cuenta para nuestra lista de los mejores álbumes de 2025.   

MEJORES MOMENTOS: Knockin' Heart, The Side Of The Island, Fist Of The Flower, Burn The Boat, 

MEDIA DE LA CRÍTICA: 80/100

NUESTRA VALORACIÓN: 85/100

DESTROYER - DAN'S BOOGIE

Aunque hemos hablado muchas veces de la vinculación de Dan Bejar al supergrupo canadiense The New Pornographers, la realidad es que este año cumple treinta años con su banda DESTROYER y DAN'S BOOGIE es su décimocuarto álbum de estudio. Se trata de un álbum de indie rock en el que, en cierto sentido, se autohomenajean a ellos mismos. DESTROYER es una banda que tiene una larga trayectoria y como decía el propio Bejar, a la hora de encarar este nuevo proyecto: "no tiene que ser un concepto nuevo" y destacan la importancia del sonido del piano y las cuerdas. Él mismo lo describe como un sonido muy de la banda y una mezcla entre el de los álbumes Your Blues (2004) y Poison Season (2015). A decir verdad, toda la discografía de DESTROYER es muy recomendable y a nosotros nos ha parecido perfecto que recurran a la autoreferencia. Hay bandas y artistas mediocres que lo hacen constantemente (y les debería dar vergüenza). Ellos, por lo menos hace años que son un referente para otras bandas. La temática de este álbum se está repitiendo últimamente entre músicos veteranos: Envejecer, el paso del tiempo y la decadencia de los tiempos que corren. Quizás todos esos temas sean recurrentes e inspiradores para unos músicos que viven en una sociedad edadista en la que parece que cuando has cumplido los cincuenta, lo único que te queda por hacer es morirte. Y a lo mejor deberían darse otros factores para que escribieran sobre otros temas. Pero la realidad es que este álbum puede que hable sobre envejecer, pero no suena viejo en ningún momento. El álbum fue producido y mezclado por John Collins que también es miembro de la banda (y también pasó por The New Pornographers) y ha conseguido un sonido vinculado al mejor Art-pop y cercano a la neopsicodelia, con algunos momentos retro que nos recuerdan a Bowie. La crítica le ha otorgado una media de 83 sobre 100 y publicaciones como The Guardian y Spill Magazine lo han valorado con un 100/100 y Still Listening y Northern Transmission con un 90/100. Las valoraciones más bajas son los 70/100 de AllMusic, Slant y Uncut. Por nuestra parte, quizás no es el álbum que más nos haya gustado de DESTROYER, normal por otro lado con una discografía tan extensa. Pero mantiene el nivel y probablemente sea uno de los mejores de la banda. Lo que queda claro es que ellos nunca hacen discos alimenticios, siempre sorprenden y tienen mucho que aportar todavía a la música. Nuestra nota es un 85 sobre 100.       

MEJORES MOMENTOS: Cataract Time, Bologna, Hydroplaning Off the Edge Of The World, The Same Thing As Nothing At All, Dan's Boogie...

MEDIA DE LA CRÍTICA: 83/100

NUESTRA VALORACIÓN: 85/100

ELTON JOHN & BRANDI CARLILE - WHO BELIEVES IN ANGEL

Esto es una fantasía. Aunque los que nos conocemos de memoria las carreras de ELTON JOHN & BRANDI CARLILE sabíamos que era cuestión de tiempo que grabaran un álbum juntos. Porque de todos es conocida la amistad que se procesan desde hace años. La primera colaboración juntos se produjo con la canción Caroline en el tercer álbum de Carlile Give Up The Ghost (2009) y posteriormente co-escribieron e interpretaron juntos Never Too Late (2024) por la que además estuvieron nominados a un Oscar en 2025 porque esa canción formó parte del documental Elton John: Never Too Late y probablemente también fuera el germen de este álbum titulado WHO BELIEVES IN ANGELS ya que se ha incluido. Y lo que vamos a encontrar en este álbum es una auténtica fiesta del mejor piano pop. Cada canción es más grandilocuente que la anterior. En la apertura del álbum con The Rose Of Laura Nyro se vienen muy arriba y difícilmente baja el nivel en el resto de este trabajo. Tenemos que decir que el señor Elton John es un poco vampiro y parece un álbum más de su discografía. Aunque Brandi Carlile aporta toda la frescura que necesitaban sus últimos álbumes para que fueran más atractivos. Ya que últimamente la discografía de Elton John se estaba convirtiendo en una sucesión de discos alimenticios que solamente compraban sus fans. Este no lo es. Este puede interesar a muchísima más gente. De hecho, probablemente sea el mejor álbum de Elton John en años. No se puede decir lo mismo de Brandi Carlile cuyos dos últimos álbumes superan a este trabajo con creces. Pero siempre lo decimos. En cualquier disco que aparezca Carlile ya sea como compositora, productora o colaborando, es un disco que merece la pena ser escuchado. Porque tiene un exquisito gusto y lo único que hace siempre es sumar. No obstante esta producción está hecha para que el señor Elton John brille muchísimo y Brandi Carlile suba un peldaño más en su ascendente e imprarable carrera. Además encontramos acreditados nombres como los de Josh Kinghoffer, Pino Palladino, Chad Smith, Andrew What y como no, el eterno Bernie Taupin. La crítica ha quedado bastante contenta con un par de 100/100 por parte de publicaciones como The Telegraph o The Art Desk. Aunque la nota mayoritaria para este trabajo es de un 80/100 (MusicOHM, Clash, Mojo, The Independent, The Observer, Dork, Record Collector y Rolling Stone) Solo ha bajado un poco el cómputo el 50/100 de Far Out Magazine. La media final es de un 79 sobre 100. Por nuestra parte creemos que hay que celebrar cada disco como este que se edite porque lo que más transmite son ganas de vivir y eso ya es mucho para una leyenda del rock en los últimos años de su carrera. Aunque necesite ser un poco vampiro y beneficiarse del inmenso talento de Brandi Carlile. No merece menos de un 90 sobre 100.  

MEJORES MOMENTOS: Swing For The Fences, Never Too Late, Who Believes In Angels, You Without me, The River Man, Little Richard's Bible, 

MEDIA DE LA CRÍTICA: 79/100

NUESTRA VALORACIÓN: 90/100

BLACK COUNTRY, NEW ROAD - FOREVER HOWLONG

FOREVER HOWLONG es el tercer álbum de la banda de Cambridge BLACK COUNTRY, NEW ROAD después del aclamadísimo (y muy sobrevalorado) Ants From Up There (2022). La particularidad de este tercer álbum es la salida de su vocalista principal Isaac Wood en 2022 por enfermedad. Aunque la banda, que originariamente era un sexteto, no cierra las puertas a un posible regreso. La realidad es que ya no suelen tocar las canciones de la era Wood en sus conciertos y se puede decir que se han reinventado por completo para este tercer álbum producido por James Ford, en el que Georgia Ellery, May Kershall, Tyler Hyde y Lewis Evans han tomado el relevo como vocalistas principales, En FOREVER HOWLONG predomina una voz femenina que corresponde a Georgia Ellery y aunque tampoco es que haya afectado a la esencia de la banda. Muchos fans preferían a Isaac Wood como vocalista. Lo que podemos encontrar en este trabajo es un entramado de folk y pop progresivo jugando con el pop de cámara en algunas ocasiones y en otras con el pop barroco y sobre todo Art Rock. Recuerda mucho a la escena musical de Canterbury de los setenta y por citar a un referente más cercano, a Joanna Newsom. En cuanto a la crítica medios como Evening Standard, Dork o DIY le han valorado con un 100/100. MusicOHM, Far Out Magazine, Clash, The Line Of Best Fit, AllMusic y Under The Radar 90/100, en general las valoraciones muy favorables. Solamente hay discrepancias por parte de PopMatters y Spectrum Culture 60/100 y Sputnik Music 56/100. Por nuestra parte, este álbum nos gusta más y nos parece bastante mejor que el anterior, pero nos sigue pareciendo una banda muy sobrevalorada. Nuestra puntuación para este trabajo es de un 80 sobre 100. Porque un 100/100 nos parece una locura y un 56/100 totalmente injusto. La realidad es que técnicamente es perfecto, es obvio que son grandísimos músicos y han sabido sobreponerse a la adversidad reinventándose por completo. Otra cosa es que conectes con su propuesta.

MEJORES MOMENTOS: Besties, Happy Birthday, For The Cold Country, The Big Spin, Mary... 

MEDIA DE LA CRÍTICA: 83/100

NUESTRA VALORACIÓN: 80/100

JOSHUA RADIN - ONE DAY HOME

Da igual que lleve años haciendo lo mismo. No nos importa. Cada álbum de JOSHUA RADIN es una bendición para nuestros oídos. Este año ha regresado con ONE DAY HOME y es uno de esos discos de indie folk en el que predominan los sonidos acústicos y su voz suena perfecta. Esa voz humeante que controla el aire a la perfección en cada fraseo. ONE DAY HOME es un álbum que está mucho más cerca de los últimos trabajos de Ray Lamontagne. Aunque nos da la sensación de que a Radin nunca se le ha valorado tanto como a otros cantautores coetáneos y quizás ya va siendo hora de que alguien lo haga y esa parte nos va a tocar a nosotros hacerla. Si este blog se empezó a escribir un día, fue para hablar de toda esa gente infravalorada que nos hace la vida mucho más feliz con sus composiciones y JOSHUA RADIN fue una de tantas inspiraciones. Y hoy seguimos aquí tras más de quince años porque siempre hay un álbum mágico como ONE DAY HOME sobre el que escribir. Si no lo hubiera, seguramente ya nos habríamos ido. ONE DAY HOME es un álbum sincero y conmovedor que rezuma muchísima nostalgia y cierto equilibrio. Lo escuchas y te gustaría ser capaz de escribir sus palabras, con las que cualquiera se puede identificar. Desgraciadamente, es un disco que ha pasado un tanto desapercibido y ningún medio importante ha escrito sobre él y no existe ninguna valoración crítica, así que vais a tener que confiar en nuestro criterio una vez más. Nosotros no le vamos a dar el 100/100 por lo que decíamos al principio. Si conoces la obra de Radin, no hay demasiadas sorpresas, podría parecer que se repite. Aunque nos importa bien poco y eso no significa que este trabajo no sea bueno. Si tuvieramos que evaluarlo individualmente, sin tener en cuenta su discografía anterior, ese 100/100 sería suyo sin pensárnoslo ni dos segundos. Pero es honesto que evaluemos el conjunto de su discografía y ONE DAY HOME obtendría un 90 sobre 100 y sería su mejor trabajo en años. Probablemente, de las diez reseñas de este post, ONE DAY HOME sería nuestra recomendación más personal.   

MEJORES MOMENTOS: You Don't Need Anyone, I'm Coming Home, Same Star, Let Me Be Right, I Believe I'm Falling... En realidad nos es muy difícil elegir canciones. Somos de meternos en vena el álbum entero de principio a fin, en el orden que está grabado. 

MEDIA DE LA CRÍTICA:----

NUESTRA VALORACIÓN: 90/100

DJO - THE CRUX

Detrás de DJO se esconde el músico, cantante y compositor Joe Keery también conocido por su faceta de actor (Es Steve Harrington es Strangers Things). THE CRUX es su tercer álbum de estudio. Un álbum que ha producido él mismo junto a Adam Thein que también es co-autor de dos canciones del álbum. El resto, ha sido compuesto por Keery en solitario. Lo que vais a encontrar es un álbum de indie rock o indie pop que transita hacia el pop hipnagógico con un sonido más accesible y melódico influido por el pop psicodélico de los sesenta y setenta. Lo que no vais a encontrar es el típico producto del actor metido a cantante y queremos dejar esto claro, porque existen muchos prejuicios cuando se conocen algunos datos biográficos de los artistas. Aunque tampoco os vamos a engañar, este álbum ha funcionado bien en charts, tiene varios singles potenciales y ha amasado millones de reproducciones en las plataformas a pesar de que fue lanzado de manera independiente por AWAL. Y sinceramente, sus resultados se alejan bastante de lo que nosotros entendemos por "independiente". La crítica le ha otorgado una media de 75 sobre 100 con valoraciones altas de 90/100 por parte de DIY y AllMusic; 82/100 de Paste; 80/100 de Clash, Northern Transmissions y The Line Of Best Fit; 70/100 de Rolling Stone y las notas más bajas son los 60/100 de Mojo, Uncut y Far Out Magazine y el 59/100 de Pitchfork. Curiosamente, todo el que ha escuchado THE CRUX coincide en la gran evolución de Keery y que es su mejor trabajo, aunque sus dos álbumes anteriores hayan obtenido medias más altas. El motivo es que tuvieron menos reseñas que este tercer trabajo y ya hemos comentado otras veces que cuantos más medios aportan valoraciones desiguales, la tendencia del algoritmo de Metacritic es a la baja. Por nuestra parte es un álbum que nos ha gustado. Nos ha recordado un poco a lo que hace The Lemon Twigs e incluso y salvando mucho las distancias encontramos algunas reminiscencias de The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars (1972) de David Bowie y algunos otros detalles que lo hacen entre interesante y fascinante. Un 85 sobre 100.  

MEJORES MOMENTOS: Potion, Basic Being Basic, Lonesome Is A State Of Mine, Delete Ya, Link, Fly, Charlies Garden...

MEDIA DE LA CRÍTICA: 75/100

NUESTRA VALORACIÓN: 85/100

HORSEGIRL - PHONETICS ON AND ON

PHONETICS ON AND ON es el segundo álbum de estudio de la banda de indie pop de Chicago HORSEGIRL que está compuesta por Nora Cheng, Penelope Lowenstein y Gigi Reece. El álbum está producido por Cate Le Bon. HORSEGIRL debutó hace tres años con Version Of Modern Performance (2022) un álbum con un sonido desenfrenado y... ¿Por qué no decirlo? Inmaduro. Y lo que se está alabando principalmente de este segundo trabajo es su evolución hacia una propuesta más introspectiva, minimalista y por supuesto, madura. HORSEGIRL en este trabajo deambula entre el indie pop, post-punk revival, Slacker Rock y Twee pop. Es cierto que estas tres chicas son tres músicos aventajados. Pero la mano de Cate Le Bon probablemente también tenga mucho que ver con la buena repercusión que está teniendo. En cuanto a la crítica, publicaciones como The Guardian o Spill Magazine han caído rendidas y le han otorgado el 100/100. Overblown, AllMusic y Exclaim! 90/100; PopMatters, Mojo, NME y Uncut 80/100; Slant y Far Out Magazine 70/100; The Line Of Best Fit y No Ripcord 60/100. Aunque la nota más polémica es el 40/100 de Record Collector. Por nuestra parte es un 85 sobre 100 pero podríamos entender algunas críticas negativas. Nosotros siempre nos remitimos a los noventa y a un grupo que se llamaba Veruca Salt y estamos viendo que bandas actuales están haciendo todavía lo que ellas hacían hace treinta años y nadie dice nada. En este caso, quizás sea una versión ampliada, corregida y actualizada. Pero ese referente oculto que luego nadie cita está ahí siempre. Resulta que Veruca Salt se ha convertido en una de las bandas más influyentes del indie actual y nos da la sensación de que ni lo saben estas chicas de HORSEGIRL, ni las propias Veruca Salt. En fin... Eso es el indie, al fin y al cabo. Por lo demás, es un álbum muy recomendable por mucho que en Record Collector las hayan llamado inexpresivas.   

MEJORES MOMENTOS: 2468, Rock City, Julie, Switch Over, Frontrunner, Where Do You Go?, In Twos...

MEDIA DE LA CRÍTICA: 82/100

NUESTRA VALORACIÓN: 85/100

LA VERDAD DE THE HANSEROTH TWINS

 

Llevábamos años esperando este álbum. Desde que vimos a THE HANSEROTH TWINS tocar por primera vez en la banda de Brandi Carlile les hemos seguido la pista porque han crecido muchísimo tanto como compositores y productores en estos años. Además de ser unos virtuosos multiinstrumentistas. De manera silenciosa comparten con Brandi Carlile dos de sus Grammys como co-autores de canciones como The Joke o Broken Horse y uno más con Tanya Tucker por Bring Me Flowers Now. Ellos también acompañaron a Carlile en la producción de los álbumes que trajeron de regreso a Tanya Tucker. El presente de Phil y Tim Hanseroth se llama VERA que es el título que han elegido para su álbum debut en el que se presentan como uno de los dúos más perfectos que se recuerdan. Nos cuentan que VERA es una palabra que se define en latín como verdadera, real, genuina, actual y que desde el principio querían que este fuera un álbum prácticamente confesional en el que contar sus experiencias vitales. En palabras del propio Phil Hanseroth: "Vera era el nombre perfecto, porque cada nota de este disco es genuina en términos de cómo fue escrita y grabada. No hay engaños; es simplemente la verdad". Solamente con canciones como Remember Me dedicada a sus hijos o Broken Home en el que cuentan lo que supuso el divorcio de sus padres, ya nos inyectan grandes dosis de realidad, honestidad, verdad y cierta nostalgia. Incluso hacen suyo el clásico de Erasure A Little Respect al que le dedican un cover. En cuanto al estilo, ya sabéis que son magos del folk y la americana, aunque en este álbum nos vamos a encontrar algunos momentos que trascienden mucho más allá de los géneros y estilos. Las armonías que nos presentan estos hermanos son tan perfectas como las de Simon & Garfunkel. Lo que hacen en Remember Me es antológico.   

En cuanto a la crítica, es cierto que muchos blogs americanos importantes han hablado de este trabajo, incluso Paste le ha dedicado una entrevista a los gemelos. Pero, de momento, no hay valoraciones para VERA. Así que una vez más, tendréis que confiar en nuestro criterio. Es cierto que este álbum se editó a finales de Julio y hemos retrasado un poco esta reseña para darle tiempo a que tuviese alguna valoración de la crítica, y en el momento que la escribimos sigue sin existir ninguna. También la hemos retrasado porque el funcionamiento de nuestro blog está enfocado a lo que ocurre en España. Y ya sabemos todos lo que pasa en Agosto en España. Todo el mundo está de vacaciones y nos leen y comentan menos que en ningún otro mes del año. Creemos que este fin de semana volvemos un poco a la normalidad en lo que a visitas se refiere y queríamos que un álbum como VERA no pasara desapercibido y que supiera de él el mayor número posible de lectores. Por nuestra parte nos parece una gozada de álbum, a la altura de nuestras expectativas. THE HANSEROTH TWINS siempre nos parecieron dos virtuosos. Los ángeles de la guarda de Brandi Carlile, que siempre ha sido muy buena, pero mucho mejor con ellos. Y encontramos un álbum excelentemente producido, con un nivel compositivo de primera y que encima rezuma verdad por los cuatro costados. Eso es todo lo que le pedimos a un buen álbum la mayoría de las veces. Nuestra valoración es de un 90 sobre 100. 

MEJORES MOMENTOS: Remember Me, Counting The Days, Broken Homes, If Everyone Had Someone, I'll Always Know I Do, A Little Respect... 

MEDIA DE LA CRÍTICA:----

NUESTRA VALORACIÓN: 90/100

BRANDY CLARK... Y BRANDI CARLILE.

 

A pesar de que BRANDY CLARK grabó su primer álbum en 2013, tenía una reputación previa como compositora para artistas como Kacey Musgraves, Sheryl Crow, Miranda Lambert o Darius Rucker por citar a algunos de los más importantes, eso sin olvidar sus siete nominaciones al Grammy incluida la de Best New Artist por el icónico 12 Stories (2013). BRANDY CLARK regresa con un álbum homónimo que es el cuarto de su carrera y si hemos preferido hablar sobre este trabajo, antes de hablar de otros lanzamientos mucho más llamativos y comerciales de este fin de semana, es porque viene de la mano de Brandi Carlile como productora y eso siempre es un plus, si tenemos en cuenta como está transcurriendo su carrera en el campo de la producción y los buenos álbumes que ya ha editado. Además de Carlile en la producción y su participación en uno de los cortes como cantante, nos encontramos colaboraciones de las imprescindibles Lucius y del guitarrista Derek Trucks. Como podréis imaginar Clark está etiquetada como artista country, pero en este trabajo además de country encontramos también música de raíces americanas o americana. 

Os recordamos que este trabajo se ha puesto a la venta hoy mismo. Solamente se ha pronunciado AllMusic con un 90/100; Slant Magazine con un 70/100; Pitchfork con un 68/100 o The Guardian con un 60/100 que concluye en una media de 77 sobre 100. Pero estamos convencidos de que en cuanto el resto de la prensa especializada se pronuncie, esa media subirá, porque es un álbum con una producción muy elegante y cuidada, que aunque esté dentro del mainstream, consigue sacarle el mayor partido posible a las composiciones de Brandy Clark que brilla en cada momento. Digamos que esto está en las antípodas de lo que comentábamos el otro día sobre el último álbum de Freya Ridings, por eso la importancia de Brandi Carlile y su sensibilidad en esta ecuación. Para nosotros supera con creces el corte para pasar a nuestra lista de lo mejor del año y lo valoramos con un 90 sobre 100 aunque, no nos engañemos, independientemente de que todas las canciones son muy buenas y suena todo perfecto, no están inventando nada nuevo, ni tampoco encontramos grandes sorpresas más allá de la increíble guitarra de Derek Trucks en el primer corte. Pero son álbumes inspiradores y muy necesarios para colocar a las mujeres en el lugar de la historia de la música que le corresponde. Una labor que llevamos haciendo en este blog los últimos catorce años. 

MEJORES MOMENTOS: Dear Insecurity, Tell Her Dont Love Her, Aint Enough Rocks, Buried, All Over Again, Up Above The Cloud (Cecilia's Song)...

MEDIA DE LA CRÍTICA: 77/100

NUESTRA VALORACIÓN: 90/100

BRANDI CARLILE SIGUE HACIENDO HISTORIA.

Hoy mismo se pone a la venta el séptimo álbum de estudio de BRANDI CARLILE titulado IN THESE SILENT DAYS y esta entrada se está escribiendo de madrugada porque hemos estado esperando que subiesen el disco a Spotify y debemos ser de los primeros en escucharlo. Tenemos que decir que al tratarse de BRANDI CARLILE, que la conocemos muy bien y la hemos visto crecer desde que debutó hasta ahora, no necesitamos escuchar este álbum tres veces como hacemos habitualmente con otros artistas. Con una primera escucha, ha sido más que suficiente para tener clara nuestra valoración y saber que es uno de los discos importantes del 2021 y ya no solo para nosotros. Porque en este blog todos los discos de Carlile fueron importantes en cada momento en que se editaron. Siempre apostamos por su talento. Pero ahora es algo que trasciende este blog por el reconocimiento obtenido con su anterior álbum By The Way I Forgive You (2018) y el sentir generalizado es que esto es algo muy grande que ya no solamente nos importa a nosotros y eso es tremendamente emocionante.  Para esta ocasión BRANDI CARLILE se reune con su equipo habitual. Nuestros queridos gemelos Phill y Tim  Hasenroth que co-escriben todos los temas con Brandi Carlile y los productores Dave Cobb y Shooter Jennings que también han trabajado con ella en muchas otras ocasiones y la conocen muy bien. En el apartado de colaboraciones tenemos un corte con Lucius -Una de las bandas con más colaboraciones con otros artistas-

La media de la crítica es la mas alta obtenida hasta el momento por un disco suyo: Un 87 sobre 100. Estas son las puntuaciones: Variety (92 sobre 100) Enterteinment (91); HipHopDX, Spin, Glide Magazine y American Songwriter (90); Mojo (80) y Uncut (70). De momento, son muy buenas valoraciones en general y ninguna crítica negativa. En cuanto a nosotros, lo tenemos muy claro. Pero antes de decir nuestra valoración vamos a justificarla. En este álbum no vamos a encontrar temas como The Joke o The Story que son sus dos mayores hits. Eso no impide que pueda surgir algún nuevo hit, porque a pesar de que no hay una canción que destaque sobre otra, absolutamente todas son excelentes. El nivel de las diez canciones es bastante alto. Tanto, que como álbum, probablemente sea el mejor de toda su carrera. Es cierto que predominan las baladas con algún momento aislado de mayor contundencia y siempre en los géneros y estilos que marcan su zona de confort (Americana, Folk, Country...) pero todo aquí rezuma muchísima verdad y honestidad. Su credibilidad es absoluta. Su manera de transmitir es única y emocionante. Y perdón por repetir tanto la palabra "emocionante" pero es que incluso se nos ha escapado alguna lágrima de pura admiración por las cosas bien hechas, de ver este ejemplo de superación constante que es Brandi Carlile que nunca nos defrauda. Para nosotros es un 100 sobre 100 que hemos mantenido desde el primer corte hasta el último. No hemos encontrado ninguna canción algo más floja que nos hiciera bajar alguna décima. No solo es uno de los discos importantes del año, también es uno de los mejores.

 

MEDIA DE LA CRÍTICA: 87/100

VALORACIÓN EXQUISITECES: 100/100

UN SUPERGRUPO LLAMADO THE HIGHWOMEN

Cuando Amanda Shires terminó de grabar su último trabajo con el productor Dave Cobb se le ocurrió la idea de formar un Supergrupo de Mujeres del Country al estilo del legendario Supergrupo masculino The Highwaymen (Johnny Cash, Waylon Jennings, Kris Kristofferson y Willy Nelson), cuando le comentó esta idea a Dave Cobb, este se sumó al proyecto como productor y le recomendó que se pusiese en contacto con Brandi Carlile. El resto, es historia; THE HIGHWOMEN se completó con la ascendente Maren Morris y con Natalie Hemby que quizás sea la menos conocida de las cuatro a pesar de tener un excelente currículum como compositora de canciones para otras estrellas del country. 

Y si no era suficiente la presencia de estas cuatro grandes, en el apartado de colaboraciones nos encontramos a Yola Carter -simplemente increible, de lo mejor del álbum- y a Sheryl Crow. El resultado es un excelente disco con un contenido del Siglo XXI que se diferencia de los discos Country de otras épocas en que las mujeres tienen la voz y la palabra. Formalmente, Dave Cobb que es un productor con tendencia al rupturismo y de vocación renovadora del Country, ha preferido seguir los esquemas del Country Clásico que han marcado los autores de las canciones. Ni que decir tiene que el movimiento feminista #MeToo está muy presente en este trabajo. En la composición de casi todas las canciones participan las cuatro artistas pero también cuentan con co-autores de lujo como Ray Lamontagne, Jason Isbell, Dan Layus, Miranda Lambert o los gemelos Hasenroth.

En cuanto a la crítica, la media obtenida es un injusto 79 sobre 100 resultante de once reseñas: Variety (95); Paste (89); Cos (83); Exclaim, AllMusic y Rolling Stone (80); PopMatters, Slant, American Songwriter y HipHop DX (70) y The Guardian (60).
Una virtud que tiene este trabajo que puede que haya jugado en su contra es la profesionalidad y las personalidades tan marcadas y dispares de las cuatro artistas, que no son cuatro amigas que se reunen para hacer un disco porque les apetece trabajar juntas, como hemos visto en otras ocasiones en otros discos de colaboraciones que transmitían exactamente eso. Se nos ocurre See You Around (2018) de I'm With Her. Y aunque existe química entre las cuatro, no suenan como si hubieran sido un Supergrupo toda la vida como les ocurría a I'm With Her. Y parece que el hecho de que cuatro mujeres se hayan unido (puntualmente) para contar historias (necesarias) de su tiempo y en un estilo un tanto conservador y dominado por hombres como es el Country marca cierta distancia en según que públicos y según que críticos. Hoy por hoy, un disco como The Highwomen es una auténtica proeza y no se merece menos de un 95 sobre 100. Coincidimos con Variety, esta vez y confirmamos a The Guardian como el gran azote de la música contemporánea.

VALORACIÓN EXQUISITECES: 95

MEDIA DE LA CRÍTICA: 79

TANYA TUCKER DE LA MANO DE BRANDI CARLILE.

Hay ocasiones en las que se gana un Grammy y nada cambia, sin embargo hay otras en las que marca un punto de inflexión o simplemente mejora muchísimo la vida del que lo ha ganado. Los tres premios Grammy que obtuvo Brandi Carlile ya están dando sus frutos. Ahora su nombre va escrito en letras más grandes en los carteles de los macroconciertos en los que participa y aparece muy cerca del cabeza de cartel. Los mismos macroconciertos para los que hace dos años, nadie la llamaba. Hace unas semanas la veíamos haciendo uno de sus sueños realidad, compartir escenario con la inmensa Dolly Parton y pronto editará disco con The Highwomen un Supergrupo junto con otras tres bestias pardas de la Americana y el Country: Amanda Shires, Maren Morris y Natalie Hemby. Pero lo mejor de todo es que este nuevo Status le ha permitido otro nuevo sueño, devolvernos a la gran TANYA TUCKER que no grababa material inédito desde hace diecisiete años. Brandi Carlile y Shooter Jennings han producido este maravilloso WHILE I'M LIVIN' y Carlile con los Gemelos Hasenroth (somos muy fan de ellos por aquí) han escrito ocho de los diez cortes del disco. Uno de ellos, el emotivo Bring My Flowers Now, ha sido co-escrito entre ellos tres y la propia Tanya Tucker.

Nosotros siempre decimos que se nota muchísimo cuando un trabajo se hace con más amor que dinero y aunque nadie debería quejarse de la excelente producción del disco, ni de la promoción que Brandi Carlile está haciendo en las Redes Sociales -Exactamente igual que si se tratara de un disco suyo- lo que prevalece cuando escuchas este gran trabajo es ese amor de una Brandi Carlile que se ha críado escuchando a Tanya Tucker y que ahora trabaja con ella codo con codo, además de la emoción y la ilusión que la Tucker transmite en cada corte. Porque es muy consciente de la gran oportunidad que tiene de decir que todavía está aquí y se crece con ello. 

A pesar de que Tanya Tucker es una leyenda viviente del Country, diecisiete años de inactividad es casi como una semiretirada. Sí..., sabemos que hay un disco del 2009 y que en realidad solo llevaba una década sin grabar. Pero era un disco que recogía su repertorio de siempre, el último disco grabado con con material inédito de Tanya Tucker fue en 2002 (17 años).  

WHILE I'M LIVIN' supone un balón de oxígeno en su carrera, una revitalización en toda regla a sus 60 años. Ojalá este disco cumpla su propósito de poner de nuevo a Tanya en el disparadero porque esa es la intención. El disco ha salido a la venta hoy mismo y, de momento, tenemos la reacción de AllMusic y Rolling Stone. Ambas han coincidido con un 80 sobre 100 y esa es la media provisional de los críticos. A nosotros nos ha parecido un disco mágico, de esos que dan sentido a la existencia de este blog y a la vez... Suena tan poderosa Tanya Tucker que no nos explicamos que demonios ha estado haciendo todos esos años en su casa. Quizás estaba esperando un proyecto como este, con músicos a su altura y por fin se ha podido materializar. Para Exquisiteces este disco es un 87 sobre 100. Y por favor, tomémosnos en serio los premios siempre que sirvan para generar trabajos como este. El año que viene, que Carlile lo gane como productora.

VALORACIÓN EXQUISITECES: 87

MEDIA DE LA CRÍTICA: 80

BRANDI CARLILE VUELVE A SUPERARSE.

No es ningún secreto que BRANDI CARLILE es una de nuestras cantantes-compositoras preferidas y cada vez que edita un nuevo trabajo es todo un acontecimiento para nosotros. Precisamente acaba de publicar su sexto álbum de estudio BY THE WAY, I FORGIVE YOU y no podemos estar más contentos. 

Brandi Carlile ha contado esta vez con una producción a cuatro manos entre Dave Cobb y Shooter Jennings. Cobb es responsable de algunos de los trabajos de Sturgill Simpson, Chris Stapleton y Jason Isbell, entre otros muchos, y realmente, BY THE WAY, I FORGIVE YOU es un álbum que está a la altura de los mejores álbumes de esos tres monstruos.

En cuanto al estilo, Carlile sigue fiel al Folk que la dio a conocer. Manteniéndose en esa delgada línea en la que confluyen Americana, Folk, Country e incluso Rock. Aunque en este trabajo no encontremos esas incursiones rockeras que tan buen resultado dieron en su trabajo anterior The Firewatcher's Daughter (2015), la voz de Brandi Carlile suena con una fuerza demoledora en algunos cortes.

Los críticos han puntuado este trabajo con una media provisional de 79 sobre 100 basándose en ocho reseñas. Nosotros hemos decidido otorgarle un 93 sobre 100 porque no solo es lo mejor que hemos escuchado en lo poco que llevamos de año, es que la madurez de Carlile se hace patente. Nunca da un paso atrás. Cada álbum supera al anterior. Y probablemente este sea uno de los mejores de toda su carrera. Nunca antes había cantado mejor, ni los brillantísimos Gemelos Hasenroth habían tocado mejor antes, ni nunca antes un disco suyo había sonado como este. Pero es que Brandi Carlile es así, la constancia y la superación personificada. Seguramente nos repetiremos y volveremos a repetir exactamente estas mismas palabras cuando vuelva con otro trabajo en un par de años.

Nunca hablamos de vídeos, pero deberíamos empezar a hacerlo cuando tienen una belleza e intensidad dramática tan equilibrada como esa pequeña obra maestra que han construido para la maravillosa The Joke. Una de las diez razones por las que no os debéis perder este grandísimo trabajo que recomendamos encarecidamente desde aquí.

VALORACIÓN CRÍTICA: 79

VALORACIÓN EXQUISITECES: 93

VALORACIÓN LECTORES: 89 

PUNTUACIÓN MEDIA DEFINITIVA: 87

LOS MEJORES ÁLBUMES DEL 2015: PUESTOS 20-11

Seguimos con nuestro cuarto bloque de los mejores discos del 2015 que corresponde a los puestos 20-11, si os perdísteis los tres anteriores podéis recuperarlos en los siguientes Links: Puestos 50-41; Puestos 40-31; Puestos 30-21.

 

Nº50 Jazmine Sullivan - Reality Show

Nº49 Noel Ghallagher's High Flying Birds - Chasing Yesterday

Nº48 Flo Morrissey - Tomorrow Will Be Beautiful

Nº47 Björk - Vulnicura

Nº46 Bill Ryder-Jones - West Kirby Country Primary

Nº45 Django Django - Born Under Saturn

Nº44 Susanne Sundfør - Ten Love Songs

Nº43 John Grant - Grey Tickles, Black Pressure

Nº42 Courtney Barnett - Sometimes I Sit And Think, And Sometimes Just Think

Nº41 Ezra Furman - Perpetual Motion People

Nº40 Ellie Goulding - Delirium

Nº39 Elle King - Love Stuff

Nº38 The Waterboys - Modern Blues

Nº37 Jason Isbell - Something More Than Free

Nº36 The Staves - If I Was

Nº35 Kid Rock - First Kiss

Nº34 Lucy Rose - Work it Out

Nº33 Frank Turner - Positive Songs Forn Negative People

Nº32 Julia Holter - Have You In My Wilderness

Nº31 Kacey Musgraves - Pageant Material

Nº30 Wolf Alice - My Love Is Cool

Nº29 Lianne La Havas - Blood

Nº28 Of Monsters And Men - Beneath The Skin

Nº27 Adele - 25

Nº26 Shelby Lynne - I Can't Imagine

Nº25 Joy Williams - Venus

Nº24 Howie Day - Lanterns

Nº23 Mary Lambert - Heart on My Sleeve

Nº22 Marina And The Diamonds - Froot

Nº21 Nadine Shah - Fast Food

Continuamos con nuestro viaje...

Nº20

JEFF LYNNE'S ELO

ALONE IN THE UNIVERSE

Es digno de admiración que después de más de cuarenta años en la música JEFF LYNNE -Aunque tenga que firmar como Jeff Lynne's Elo- nos sorprenda con un disco como ALONE IN THE UNIVERSE. Un álbum con el mejor sonido ELO que a los nostálgicos los teletransportará a los mejores momentos de la banda y que a los que se acerquen a él por primera vez les descubrirá todo un universo que otras bandas han intentado copiar, en vano. Porque lo de Lynne se resume con una única palabra: MAGIA. ¿Para cuando el lugar real que le corresponde a Jeff Lynne en la historia de la música más allá de ser ese eterno guilty pleasure confesable? Nosotros lo reivindicaremos siempre.

Nº19

NATALIE PRASS

NATALIE PRASS

Si este álbum debut de NATALIE PRASS que está oficialmente considerado de los mejores álbumes del 2015 por la prensa especializada -Y nosotros lo corroboramos-, tuviese tres o cuatro cortes más a la altura de los nueve que ya tiene -Aunque volviera a reservar para el final ese golpe de efecto en forma de canción sacada de una película musical de princesas Disney- creemos que la mayoría de las listas habrían coincidido en que este es el disco definitivo del 2015, de todas, todas. Pero se hace tan súmamente corto que te quedas con ganas de mucho más. Por eso, pensamos que en cuanto la Prass edite su segundo disco, todos los que compramos este vamos a ir en hordas a por él. Porque queremos mucho más de ella. ¡Lo necesitamos! y que se nos quite esa sensación de que nos ha dejado a medias.

Nº18

JAMIE LAWSON

JAMIE LAWSON

JAMIE LAWSON ha necisitado unos cuantos años para ser Nº1 en UK, aunque no nos cabe la menor duda de que tampoco lo tenía previsto. No es una coincidencia que su padrino musical sea Ed Sheeran que lo ha fichado para su nueva discográfica propia Gingerbread Man Records -Filial de Atlantic Records o Warner- que nos va a deparar gratas sorpresas como esta. Sheeran ha reconocido ser un gran admirador de Lawson y que su trabajo anterior lo inspiró para algunos cortes de X.
Lo que nos vamos a encontrar en este trabajo... Pues a otro joven talentoso intérprete-compositor británico, con una calidez especial en su voz y una elegancia innata en su manera de hacer las cosas. Quizás más cercano a otros intérpretes americanos como Ray Lamontagne o Amos Lee que a sus coetáneos británicos que hoy por hoy son Ben Howard o el propio Ed Sheeran.

Nº17

BRANDI CARLILE

THE FIREWATCHER'S DAUGHTER

Después de cuatro excelentes trabajos, por fin honran a BRANDI CARLILE con una nominación al Grammy al mejor álbum de Americana por THE FIREWATCHER'S DAUGHTER, su quinto álbum de estudio. Probablemente no se lo darán. Pero dá igual. Carlile siempre ha sido demasiado buena para esos premios. Porque es un genio del Country y el Folk, eso no es nuevo. Pero lo novedoso de THE FIREWATCHER'S DAUGHTER son sus temas más rockeros y el tono optimista de todo su conjunto. Se acabaron esas canciones rotas de desamor que bordaba en sus inicios. Los que conocemos el potencial infinito de Carlile no nos ha sorprendido que se mueva como pez en el agua en otros estilos y registros a los que nos tiene acostumbrados.

Nº16

JAMES BAY

CHAOS AND THE CALM

Como siempre ocurre con los ganadores del Brit de la crítica o algunos de los seleccionados para el BBC Sound of (...) -Bay fue 1er Finalista- en el momento que son proclamados, son auténticos desconocidos pero unos meses después son famosísimos, prácticamente JAMES BAY no necesita presentación y no para de recoger los frutos de su CHAOS AND THE CALM un álbum que se ha mantenido muy arriba gracias a hits como Let It Go o Hold Back The River. Sin ninguna duda uno de los debuts más importantes del año.

Nº15

MELODY GARDOT

CURRENCY OF MEN

MELODY GARDOT cambia de registro por completo y nos regala CURRENCY OF MAN su álbum más soulero inspirado en la música de su Philadelphia natal, con la salvedad de que sus letras están en plena vigencia, ya que Gardot abandona escribir en primera persona para introducirnos en historias contemporáneas marcadas por la violencia racial. El título del disco también hace alusión a "la compra de la humanidad" a cómo medimos nuestros logros con dinero. En la producción nos encontramos a Larry Klein, un viejo conocido de la artista. Y el resultado es un punto de inflexión en la carrera de la Gardot. No sólo es la autora de todos los cortes del disco, es que además consigue que funcionen como excelentes canciones que podrían ser singles potenciales si se tratase de otro tipo de trabajo.

Recordamos a las personas que relacionen a todas estas vocalistas adscritas al Jazz con lo que se escucha habitualmente en el hilo musical del dentista, que ni Melody Gardot, ni Currency Of Man son ese tipo de artista y trabajo. Realmente, Gardot se posiciona a años luz de sus coetáneas con este disco y el infinito es el límite.

Nº14

RHIANNON GIDDENS

TOMORROW IS MY TURN

TOMORROW IS MY TURN ha sido una de las grandes sorpresas de la temporada, precisamente porque creíamos que lo conocíamos todo de RHIANNON GIDDENS en Carolina Chocolate Drops y ahora, nos ha dado mucho más. Aunque quizás nos esté dando exactamente lo mismo que nos daba antes y lo único que ha hecho ha sido dar un paso adelante en el escenario, para ponerse en primer término con un bonito vestido y maquillaje, en vez de seguir pertrechada tras su banjo junto a los otros miembros de la banda. En cualquier caso, haga lo que haga, rezuma personalidad y talento. Ya que el alma de Carolina Chocolate Drops siempre fue ella, está más que justificada su metamorfosis en Diva. Y no como cualquier Diva, probablemente competiría en clase y elegancia con la mismísima Cassandra Wilson.

Nº13

LEON BRIDGES

COMING HOME

 

Cuando te haces con el Vinilo de LEON BRIDGES -también disponible en Cd- es como si retrocedieses en el tiempo y "volvieses a casa" -COMING HOME no puede ser mejor título para este álbum- y te pusieses a mirar con nostalgia las portadas de los viejos discos de tus padres; Elvis, Aretha, Buddy Holly... Este disco no desentonaría entre algunos de ellos.

Porque lo correcto sería hablar de música "retro" ya que estamos en el Siglo XXI. Pero ese sabor "antiguo" tan delicado que ha conseguido la brillante producción firmada por Niles City Sound, lo convierte en un clásico intemporal inmediato. A la altura del Back to Black de Amy Winehouse. Ese otro disco que fue en el 2006 la gran esperanza del Soul y el R&B, géneros bastante trillados que han alcanzado su mayor revitalización encontrando su orígen.

Nº12

NERINA PALLOT

THE SOUND AND THE FURY

Las cosas han cambiado para NERINA PALLOT con THE SOUND AND THE FURY, pero no en la dirección que marcaban las expectativas que despertó Year Of The Wolf de convertir a Pallot en un fenómeno global, más bien al contrario. Este álbum cerrará el círculo y hará de ella una artista de culto, minoritaria, de esas que disfrutamos unos pocos. Porque se trata de un disco muy personal y visceral que nos va a mostrar otra cara suya que no habíamos visto antes. Porque The Sound and The Fury ha sido descrito por algunos críticos como un puñetazo sobre la mesa o su álbum de la crisis de los 40. Y es cierto que esa furia de la que se habla en el título del álbum sale a relucir en algún que otro corte entre una vibrante guitarra, unas percusiones ensordecedoras o un registro vocal inesperado de la Pallot. Y es que nos reiteramos en que ella sigue completamente su instinto a la hora de componer y presentarnos sus canciones. Porque podría haber aprovechado algunas de las puertas que se abrieron con Year of The Wolf, que se abrieron muchas. Pero ha sido mucho más inteligente explorar otro camino algo más alejado de sus trabajos anteriores y ser autosuficiente en la producción del disco a cuatro manos con su madido Andy Chatterley. 

Nº11

YEARS & YEARS 

COMMUNION

YEARS & YEARS se proclamaron ganadores indiscutibles del BBC Sound of 2015 y en un primer momento parecían unos advenedizos que le habían robado el premio a James Bay, que quedó primer finalista. En estos momentos, se puede decir que Years & Years gozan de mucha más popularidad y reconocimiento crítico que Bay y lo han conseguido gracias a COMMUNION un disco muy fresco y novedoso que combina arreglos electrónicos de moda con una voz dotada para el Soul y otros muchos registros. A nosotros nos recuerdan vagamente a Erasure, salvando las distancias. Porque no recordamos ningún disco de Erasure que contenga tantos temazos seguidos como este COMMUNION del que podrían estar sacando singles hasta el 2017.