MILEY: MÁS PERDIDA QUE NUNCA.

 

Quizás deberíamos empezar por el principio, porque Miley Cyrus ya no quiere ser Miley Cyrus. Al menos profesionalmente. En esta nueva era ha decidido quedarse simplemente en MILEY, un cambio de nombre que acompaña al que probablemente sea uno de los mayores movimientos de su carrera reciente: abandona Columbia Records, sello con el que publicó Endless Summer Vacation (2023) y Something Beautiful (2025), y ficha por Atlantic Records. BASS PERSUADES es, por tanto, el primer disco de esta nueva etapa y llega acompañado de todo lo que solemos asociar a una nueva era de una estrella pop: nuevo nombre, nuevo sello, nueva estética y, aparentemente, una nueva dirección. 

El problema es que, después de escuchar el disco, nosotros seguimos sin encontrar esa nueva dirección. Ya dijimos cuando reseñamos Something Beautiful que quizás estábamos siendo demasiado exigentes con MILEY. Nos parecía una artista tremendamente inquieta, incapaz de permanecer demasiado tiempo en el mismo sitio y con una necesidad casi permanente de reinventarse. En Endless Summer Vacation habíamos creído que, por fin, había encontrado un sonido reconocible. No necesariamente el sonido definitivo de Miley Cyrus, pero sí una dirección que parecía funcionar y que podía convertirse en una identidad propia. 

Luego llegó Something Beautiful y aquella impresión se desmoronó. Allí el problema era el exceso. Era una supuesta ópera pop, un álbum conceptual que aspiraba a convertirse en una obra de arte total y que acababa perdiéndose entre interludios, prólogos, cambios estilísticos y una ambición que parecía mucho mayor que las propias canciones. Lo dijimos entonces: el disco era un tanto pretencioso. 

Ahora ha ocurrido algo bastante curioso. MILEY parece haber aprendido precisamente esa lección. BASS PERSUADES dura poco, tiene solamente diez canciones, no hay interludios que interrumpan constantemente el ritmo y no hay una estructura conceptual que pretenda convertir cada canción en una pieza de un universo mayor. Todo parece mucho más directo. 

Pero nosotros tenemos la sensación de que, al quitar todo aquello que sobraba, no ha quedado demasiado que defender. Y hay otro elemento que tampoco podemos pasar por alto: la multiproducción no parece favorecer a MILEY. En los créditos aparecen la propia MILEY, Kid Harpoon, Maxx Morando, Michael Pollack y Model/Actriz, entre otros colaboradores. Que un disco tenga muchos productores no es necesariamente un problema. Cuando un artista tiene una identidad perfectamente definida, puede trabajar con equipos diferentes sin perder su personalidad. Pero nosotros llevamos varios discos preguntándonos precisamente cuál es la identidad musical de MILEY, y aquí la acumulación de manos detrás de las canciones parece acentuar el problema en lugar de solucionarlo. 

En lugar de encontrar una personalidad que atraviese las canciones, encontramos diferentes aproximaciones que se van sucediendo. Un poco de dance-pop, electrónica, balada, pop mainstream... y otra vez la sensación de que MILEY está probando distintas pieles sin terminar de quedarse con ninguna. Después de Something Beautiful, pensábamos que podía estar buscando un nuevo camino. Después de BASS PERSUADES, la sensación es todavía más preocupante: Miley está más perdida que nunca. 

BASS PERSUADES empieza precisamente intentando convencernos de que estamos ante una nueva MILEY. La canción que da título al álbum es la que abre y juega con el dance-pop, los sintetizadores y una actitud que nos hace pensar inmediatamente en Madonna o Lady Gaga. El problema es que, cuanto más la escuchamos, más elemental nos parece. Por momentos nos suena incluso a la música que suena en los coches de choque. La canción quiere ser mucho más sofisticada de lo que finalmente resulta y, después de dos escuchas, sigue pareciéndonos una forma bastante burda de presentar esta nueva era. 

Después llega Different Religion, con Model/Actriz. Aquí aparece la voz hablada de MILEY, un estribillo cantado y posteriormente la voz masculina de Model/Actriz también hablada, antes de regresar al mismo estribillo. Después vuelve la voz susurrada y otra vez el estribillo. El esquema es sencillo hasta el extremo. Y sí, volvemos a tener la sensación de que esto ya se lo hemos escuchado hacer a Madonna. No retiramos ni una coma de nuestra primera impresión: nos parece una canción facilona y demasiado obvia. Sin embargo, en posteriores escuchas se hace evidente algo que no podemos negar: probablemente sea la canción del disco con mayor potencial para convertirse en un gran hit. El estribillo funciona y la combinación de MILEY y Model/Actriz tiene algo lo suficientemente reconocible como para llamar la atención. Pero que una canción pueda gustar a mucha gente no significa automáticamente que nosotros tengamos que considerarla buena. 

Let's Get Married es otra historia. Aquí no encontramos prácticamente nada que nos interese. No es una balada, tampoco termina de ser otra cosa, y durante la primera escucha ya nos parecía una canción de relleno. En las escuchas posteriores, directamente nos parece una canción horrible. Es, sin discusión, uno de los puntos más bajos del disco. Y hay algo especialmente grave en que una canción así esté aquí: estamos hablando de un álbum de solamente diez cortes. No hay dieciséis canciones entre las que pueda esconderse. Es una de las diez piezas que MILEY ha decidido presentar como representativas de esta nueva etapa. 

Orbit parecía que podía cambiar las cosas. Empieza como una balada y durante unos instantes pensamos que quizás estábamos ante la primera canción realmente especial del álbum. La idea de orbitar alrededor de alguien funciona como metáfora romántica y tiene cierto potencial emocional. Pero vuelve a ocurrir lo mismo. La canción prepara algo que después no llega. Cuando aparece ese Forever que debería servir como culminación, pierde toda la garra, se desinfla y resulta un tanto frustrante para nosotros. Otra vez MILEY parece tener una buena idea entre las manos y no saber cómo llevarla hasta el final. 

Y entonces llega Aftermath, que se convierte en uno de los puntos fuertes del álbum. Empieza como una balada que nos lleva a los viejos clásicos de Donna Summer, con ecos de No More Tears (Enough Is Enough) o Last Dance, y durante unos segundos incluso nos asustamos pensando que el disco va a convertirse en una colección de baladas. Pero la canción cambia y se transforma en electrónica bailable. No es una copia de aquellos clásicos, ni mucho menos, pero el contraste funciona. Después de varias canciones que nos habían dejado bastante fríos, aquí sí encontramos una idea que merece la pena rescatar. 

Después aparece REDLIGHTS, y el disco vuelve a caer. Es floja, casi tanto como Let's Get Married, y nos produce incluso la sensación de ser un descarte de Something Beautiful. Pero hay algo más: nos parece muy hortera. Suena como una canción Frankenstein que ha salido mal, como si hubieran cogido diferentes ideas, texturas y recursos y los hubieran cosido juntos esperando que apareciera una canción. No aparece. Lo que queda es un ensamblaje poco elegante y bastante innecesario. 

Neon Signs, su colaboración con Andrew Wyatt de Miike Snow, sí nos proporciona otro pequeño respiro. No es una canción de baile ni una balada y tiene una producción bastante inusual. El empaste de las voces puede recordarnos a The Power of Orange Knickers de Tori Amos y Damien Rice. Pero la comparación también deja claro dónde estamos. La canción de Amos es, a día de hoy, un clásico y ha envejecido perfectamente. Neon Signs veremos si llega al año que viene. De momento es simplemente un puntito muy cuqui dentro del disco, una canción con cierto encanto que podemos defender sin necesidad de convertirla en algo que no es. 

Innocent Ways vuelve a la electrónica bailable. Puede gustar al público, tiene esa accesibilidad inmediata que puede hacer que funcione bien, pero nosotros seguimos encontrándola mediocre. Y ahí aparece uno de los problemas que más se repiten en BASS PERSUADES: MILEY parece estar rodeándose constantemente de fórmulas que podrían funcionar, pero casi nunca consigue convertirlas en canciones que nos apetezca volver a escuchar. 

Snow tampoco es mala canción. Pero a estas alturas ya nos da igual. Es otra balada medio punto de las suyas, correcta y perfectamente vendible si detrás hay una buena campaña o un videoclip que consiga darle una vida que la propia canción no tiene. Pero después de nueve canciones lo que nos preguntamos no es si Snow está bien. Nos preguntamos si vamos a acordarnos de ella dentro de unos meses. 

Y cerramos con Bass Persuades Remixx, un remix que nosotros directamente no habríamos incluido. Es bastante convencional y vuelve a recordarnos a los remixes de Madonna, pero sin aportar una lectura especialmente interesante de la canción original. Nos cuesta encontrar una razón artística para que esté aquí más allá de completar el álbum.  

Y aquí llegamos al verdadero problema de BASS PERSUADES. No es que sea demasiado experimental. Tampoco es que sea demasiado largo. No es que tenga demasiados interludios. Ni siquiera podemos acusarlo de tener una ambición conceptual desmedida. Es casi lo contrario. 

No hay demasiada cohesión. Que muchas de las canciones hablen de amor no convierte el disco en un álbum conceptual. Hay una temática sentimental común, pero no encontramos un relato, una evolución emocional ni una identidad sonora que haga que estas diez canciones necesiten estar juntas. 

Y volvemos inevitablemente a Endless Summer Vacation. Nosotros creemos que allí MILEY había encontrado algo. Había una dirección sonora reconocible, una personalidad y, sobre todo, canciones. No era un disco perfecto, pero había momentos que justificaban volver a él. Después de aquel álbum llegó Something Beautiful, donde MILEY quiso hacer demasiado. Y ahora llega BASS PERSUADES, donde tenemos la sensación de que ha eliminado todo lo que sobraba de aquel disco sin conseguir sustituirlo por una identidad nueva. 

Quizás esa sea la mayor paradoja de esta nueva era. MILEY ha cambiado de nombre, ha cambiado de sello y ha anunciado una nueva etapa, pero nosotros no escuchamos una nueva MILEY. Escuchamos referencias. Escuchamos Madonna, Lady Gaga, disco, electrónica, balada, dance-pop... reconocemos muchas cosas, pero no encontramos qué hace que todas esas cosas sean de MILEY. 

Y tampoco podemos hacer esta vez nuestro habitual análisis de la recepción crítica. El disco acaba de salir hace apenas dos horas y las reseñas de la crítica generalista se están escribiendo, así que no existe aún un consenso que analizar ni una media crítica que poner en contexto. Eso tendrá que esperar. 

Por ahora solo tenemos unas cuantas escuchas y la impresión que nos han dejado. Y nuestra impresión es bastante mala. 

No pensamos que BASS PERSUADES sea un desastre absoluto. Different Religion tiene potencial comercial, Aftermath es uno de los mejores momentos del álbum y Neon Signs tiene ese pequeño encanto que nos ha permitido rescatarla. Pero estamos hablando de un disco de diez canciones y, después de escucharlo cuatro veces, nos cuesta encontrar más de tres que realmente queramos defender.

Hay demasiadas canciones mediocres, dos puntos muy bajos especialmente claros como Let's Get Married y REDLIGHTS, una canción como Bass Persuades que nos parece sorprendentemente básica y un conjunto que no termina de justificar su existencia como álbum. Lo peor es que no estamos seguros de que volvamos a escucharlo voluntariamente. Puede que alguno de sus singles funcione, que Different Religion encuentre su público, que Snow tenga un buen videoclip y termine sonando en todas partes. Eso es otra cuestión. Nosotros hablamos del disco que tenemos delante. Y este disco no nos ha dado prácticamente ninguna razón para volver.

ACTUALIZACIÓN: La media crítica de BASS PERSUADES es de un 62 sobre 100 distribuida de la siguiente manera: Rolling Stone 70/100; Consequence Of Sound 67/100; MusicOHM y Still Listening 60/100 y Slant Magazine 50/100. Para ser un lanzamiento esperado y perteneciente al mainstream, está teniendo menos atención crítica de lo normal. Estas valoraciones se dieron en los días posteriores al momento en que se publicó esta reseña.  

MEJORES MOMENTOS: Different Religion, Aftermath y Neon Signs

MEDIA CRÍTICA: 62/100

NUESTRA VALORACIÓN: 45/100

ÁLBUMES REPESCADOS: MIKI BERENYI TRIO, ALY & AJ, KASSI VALAZZA, RIALTO, ARCADE FIRE, COUNTING CROWS, MORGAN WALLEN, DAMIANO DAVID, PRIMA QUEEN Y MILEY CYRUS

 

En este post de álbumes repescados incluimos una novedad. Nos han salido algunas críticas negativas. Ya sabéis que no es nuestro estilo hacerlo. Más que nada por aquello de ¿Por qué perder el tiempo en hablar de un álbum malo si puedes hablar de uno bueno? Especialmente si tenemos en cuenta la cantidad de trabajos que se publican a la semana. En este caso, también se trata de que son discos que mucha gente esperaba que fueran reseñados. ¿Y por qué no? El cuerpo nos pedía ser implacables. En lo sucesivo puede que no lo hagamos más. Pero, de momento solo podemos decir que en esta entrada nos hemos cargado dos o tres discos. Eso sí, los buenos que hemos reseñado, son muy buenos. 

MIKI BERENYI TRIO - TRIPLA

MIKI BERENYI TRIO está compuesto por Miki Berenyi, (exvocalista de Lush), Kevin "Moose" McKillpop (exmiembro de Moose) y el multiinstrumentista Oliver Cherer. TRIPLA es su álbum debut. Su título significa "triple" en húngaro y refleja la colaboración equitativa entre los tres miembros. Lo que tiene de especial es precisamente esa mezcla de experiencia y madurez musical que aportan los tres integrantes, todos con raíces sólidas en la escena alternativa.  El disco combina la atmósfera etérea y melódica del shoegaze con toques electrónicos sutiles cercanos al dream pop y letras contemporáneas que abordan temas actuales como la crisis ambiental, el amor, la memoria y las emociones complejas algo que conecta con el presente sin sonar forzado ni retro. TRIPLA se lanzó en la primera semana de Abril y lo estamos escuchando desde entonces. Nos gustaría decir que ha funcionado correctamente, pero si echáis un vistazo a sus reproducciones el panorama es bastante desolador. Es cierto que es un álbum indie con un nicho muy concreto y que no conectaría con un público masivo. Pero aún así, hubiera merecido mayor atención por parte del público que devora este tipo de propuestas. ¿Garantizará esto su continuidad? Es una pregunta que no podemos responder. Aunque luego está la otra cara de la moneda que es su buena recepción crítica con un 81 sobre 100. Sus notas más altas son el 90/100 de Louder Than War y el 85/100 de Under The Radar y la más baja el 70/100 de Pitchfork. Aunque la mayoría de los medios: Uncut, Mojo, Classic Rock, MusicOMH, The Art Desk y Record Collector han coincidido unánimemente en el 80/100. Por nuestra parte, tenemos que decir que nos parece un álbum correcto pero nada revolucionario dentro de los géneros que propone. Es cierto que más que intentar sonar novedoso, TRIPLA apuesta por crear un ambiente íntimo y emocional, pero tampoco creemos que lo termine de conseguir o, por lo menos, no para todo el mundo. Nuestra valoración es de un 80 sobre 100.     

MEJORES MOMENTOS: Vertigo, 8th Deadly Sin, Big I Am, Manu, A Different Girl

MEDIA CRÍTICA: 81/100

NUESTRA VALORACIÓN: 80/100

ALY & AJ - SILVER DELIVERER

ALY & AJ son un dúo estadounidense formado por las hermanas Alyson y Amanda Michalka. Se hicieron populares en los años 2000, especialmente por sus canciones pop-rock y por aparecer en series y películas de Disney Channel. También han compaginado su carrera musical con la de actrices. Como suele ocurrir con todos estos niños prodigios que tienen un pasado Disney, luego se ven obligados a realizar un sobreesfuerzo para matar esa etapa y hacer la transición hacia el mundo de los adultos. A ALY & AJ empezaron a tomarlas en serio en ese sentido con A Touch Of The Beat... (2021) que es su álbum mejor valorado por la crítica hasta la fecha, con una media de 85/100 y en el que ya han completado su madurez y han abandonado las viejas fórmulas mainstream de sus inicios, apostando por un cambio total hacia un sonido indie y mucho más orgánico. SILVER DELIVERER nos ha parecido interesante sobre todo por la manera que ha abordado la producción Jonathan Wilson (que viene de trabajar con Father John Misty o Conor Oberst). Realizó el proceso de grabación en vivo y en formato analógico, lo que contribuye a su sonido cálido y auténtico. ALY & AJ han expresado que este enfoque les permitió mantener un control creativo total, reflejando su evolución como artistas independientes. Porque cabe aclarar también que han grabado este álbum sin ayuda de nadie y en su propio sello musical Aly & Aj Music. Digamos que se ve un cierto esfuerzo por hacer las cosas bien y la verdad, es que lo consiguen. Aunque los prejuicios con este tipo de artistas siempre existen hagan lo que hagan. Lo que más nos ha gustado de SILVER DELIEVERER es esa instrumentación que se siente nostálgica pero muy cuidada, con una vibra retro que conecta con el rock californiano clásico y el folk de los sesenta y setenta. Las guitarras en SILVER DELIEVERER son protagonistas y tienen ese sonido cálido y orgánico típico que comentábamos anteriormente de las grabaciones analógicas. Los punteos son limpios, melodiosos y muy expresivos, con un toque vintage que recuerda a bandas como Fleetwood Mac o The Byrds, usando acordes abiertos, arpegios y riffs sencillos pero muy efectivos. En definitiva, que es un álbum que merece toda nuestra atención porque ha resultado ser una de las grandes sopresas de la temporada. Sobre la crítica..., suele ocurrir con los algunos álbumes indies. Aunque SILVER DELIEVERER no va mal en reproducciones, intuimos que no deben haberle hecho demasiada promoción para que ningún medio hasta ahora se haya pronunciado al respecto con alguna reseña. Así que tendréis que confiar en nuestro criterio una vez más. Nuestra nota es un 85 sobre 100.     

MEJORES MOMENTOS: What It Feels Like, I Don't Know What It Is, Next To Nothing, Dandelions, Silver Delieverer

MEDIA CRÍTICA:---

NUESTRA VALORACIÓN: 85/100

KASSI VALAZZA - FROM NEWMAN STREET

Fuimos de los primeros en hablar de KASSI VALAZZA y ya os la presentamos cuando hablamos de su álbum anterior Kassi Valazza Knows Nothing (2022). FROM NEWMAN STREET es su tercer álbum de estudio y se consolida como una de las voces más interesantes del folk independiente. Este es un álbum que nos habla de cambios ya que está inspirado en la mudanza de su protagonista a Nueva Orleans. El nombre del álbum hace referencia a su última dirección en Portland, la cuidad en la que pasó prácticamente toda su vida. Musicalmente es un álbum instrospectivo y algo más directo que su aclamado álbum anterior en el que no renunciaba a algunos momentos psicodélicos. FROM NEWMAN STREET tiene un sonido de folk clásico mucho más orgánico con una producción de Matt Thomson, que recuerda a Judy Collins por ejemplo, que es una representante de ese folk clásico del que hablamos. También dijimos que Joan Báez podría ser uno de sus referentes y quizás en este trabajo sea más palpable. Las letras de FROM NEWMAN STREET muestran un viaje hacia la autoaceptación y la resiliencia, influidas por las experiencias personales de Valazza durante su mudanza y la adaptación a un nuevo entorno. Se abordan también temas de cambio, crecimiento y la búsqueda de un nuevo propósito. La crítica siempre se ha portado bien con KASSI VALAZZA sus tres discos publicados alcanzan el 80/100 y Kassi Valazza Knows Nothing (2022) es el que obtiene la mayor valoración con una media de 85/100. FROM NEWMAN STREET obtiene un 80 sobre 100 de media con idénticas valoraciones por parte de Mojo y Uncut. Por nuestra parte, es un álbum que tiene algo tan especial como sonar igual que un álbum de folk de los sesenta, sin llegar a considerarse que sea retro. Porque te sumerge en un universo bastante ajeno a todo lo que escuchamos habitualmente incluso dentro del indie folk. KASSI VALAZZA es una artista bastante peculiar y auténtica para estos tiempos que corren. Sus álbumes se pueden sentir muy pequeñitos pero son auténticas joyas inmortales. Nuestra nota para este trabajo es de 85 sobre 100.  

MEJORES MOMENTOS: Weight Of The Wheel, Birds Fly, Shadows Of Lately, Your Heart's A Tin Box, 

MEDIA CRÍTICA: 80/100

NUESTRA VALORACIÓN: 85/100

RIALTO - NEON AND GHOST SIGNS

Esta es una historia un tanto extraña. Una banda como RIALTO que edita dos discos, el segundo y ultimo, Night On Earth (2001), como estáis viendo, se publicó hace 24 años y la banda desapareció. Nunca dieron demasiadas explicaciones de lo que ocurrió, se supone que sería porque algunos componentes se fueron, o porque tampoco tuvieron éxito crítico, ni comercial en Reino Unido. Solamente lo consiguieron en Asia. Especialmente Corea Del Sur, donde alcanzaron el Nº1 con su álbum debut homónimo de 1998. Nos hemos informado de que una de las causas de la vuelta de RIALTO se debe en gran parte a una experiencia cercana a la muerte que vivió el líder del grupo, Louis Eliot, durante unas vacaciones aquí en España hace seis años. Tras una cirugía de emergencia que le permitió sobrevivir (otro éxito de nuestra Sanidad Pública), este suceso le inspiró a retomar su carrera musical con más determinación y el resultado fue un primer concierto que reunía a la banda en 2023 y posteriormente esta vuelta discográfica con NEON & GHOST SIGNS. La realidad es que por mucho que en las notas de prensa nos recuerden que es una banda veterana, incidiendo mucho en su legado de hace más de veinte años, que probablemente se habrá revalorizado con el tiempo. Esto es más un reinicio que otra cosa. Porque en esta industria no puedes desaparecer tanto tiempo, volver y pretender que se acuerden de tí, especialmente cuando casi todo se ha renovado: el público, la música, las tendencias y sobre todo la manera de consumir música. Aún así, RIALTO ha jugado muy bien sus cartas con un álbum de synthpop de corte retro que puede agradar a muchísimo público y conseguir que sean redescubiertos como una banda actual y con muchísimo potencial. Es un álbum que evoca a David Bowie, Pulp, Roxy Music, Divine Comedy, Suede o incluso Pet Shop Boys. El álbum fue producido por Louis Eliot y Tam Johnstone, y mezclado po Cenzo Townsend. Nosotros pensamos que es un álbum mágico y no entendemos cómo nos han privado de esto los últimos venticuatro años. Porque necesitaríamos un álbum como NEON & GHOST SIGNS cada año para ser mucho más felices. La crítica ha sido unánime y le ha otorgado un 80/100 de media (MusicOHM, Uncut, Mojo, Record Collector...) y el algoritmo de ponderación de Metacritic lo convierte automáticamente en una media de 84 sobre 100. Es la mejor media crítica que la banda ha tenido en su carrera, porque sus dos discos anteriores no alcanzaron nunca el 80/100. Ahora habrá que ver si NEON & GHOST SIGNS tiene continuidad o ha sido solo un espejismo. Por nuestra parte, ha sido un bonito descubrimiento. Porque no vamos a mentir, a finales de los noventa no estábamos escuchando a RIALTO. Ni creemos que nos hayamos perdido nada por no hacerlo. Eso sí, no nos habría gustado perdernos un álbum como NEON & GHOST SIGNS y nuestra valoración para este trabajo es un 90 sobre 100.        

MEJORES MOMENTOS: No One Leaves This Dischoteque Alive, Neon & Ghost Signs, Remembering To Forget, Car That Never Comes, I Want You...

MEDIA CRÍTICA: 84/100

NUESTRA VALORACIÓN: 90/100

ARCADE FIRE - PINK ELEPHANT

Si alguien nos hubiera dicho en los tiempos de Funeral (2004), Neon Bible (2007) o de nuestro preferido, The Suburbs (2010) que llegaría el día en que escribiríamos una reseña negativa sobre un álbum de ARCADE FIRE, seguramente no lo hubiéramos creído. Porque PINK ELEPHANT no es ese álbum menor que insinúan algunos. No. Un álbum menor es Everything Now (2017). PINK ELEPHANT directamente es un álbum malo. Tenemos que aclarar también que es un álbum cuyo contexto es una tormenta mediática sobre las acusaciones de conducta sexual inapropiada a su lider Win Butler, y esos hechos nos tememos que también ha influido en su recepción crítica. Porque varios críticos consideran que titular el disco PINK ELEPHANT (Elefante Rosa) parece un gesto autoconsciente, pero no lo suficientemente valiente como para confrontar directamente el tema de fondo. Pitchfork llega más lejos y afirma lo siguiente: "Parece buscar redención sin asumir plenamente la culpa". En definitiva, que mucha prensa crítica no ve que este trabajo sea una respuesta convincente a toda esa polémica y quizás esperaban que lo hubiera sido. Por nuestra parte, tenemos que decir que vivíamos bastante ajenos a todos estos hechos, que nos hemos enterado cuando hemos recogido información sobre este álbum. Que sin ser partidarios de la cultura de la cancelación, por supuesto que condenamos que se produzcan este tipo de situaciones y esperamos que se resuelvan lo antes posible, donde corresponde que se resuelvan, que desde luego no es en un juicio mediático. Aunque nuestra realidad es que ya teníamos la reseña casi terminada antes de enterarnos de toda esta historia y no necesitábamos saber todo eso para decir que este disco es muy malo. Solo bastaba con escucharlo. Y lo queremos dejar claro, porque creemos que la crítica musical debe usar argumentos estrictamente musicales para cargarse un disco, si no se trataría de una crítica un tanto sesgada. Así que os vamos a dar las razones por las que consideramos que este es el peor álbum de la banda sin entrar en las polémicas de su contexto. Para empezar, Falta de cohesión narrativa y emocional. ARCADE FIRE siempre construyó discos que eran más que una suma de canciones. Funeral (2004), The Suburbs (2010) o incluso Reflektor (2013) tenían una arquitectura conceptual clara, con arcos emocionales y temáticos. En cambio, PINK ELEPHANT parece fragmentado, como si cada tema viniera de un proyecto distinto. Cuesta encontrar una historia que los una. La producción es opaca y sin riesgo Daniel Lanois aporta atmósferas densas, pero no logra capturar el dinamismo emocional de la banda. El sonido de PINK ELEPHANT es más contenido que expansivo, y eso va en contra de la identidad de ARCADE FIRE, que siempre se caracterizó por lo grandilocuente, lo coral, lo urgente. No hay que olvidar tampoco las melodías poco memorables de este trabajo. Incluso en sus discos menos populares Everything Now (2017), por ejemplo, ARCADE FIRE ofrecía hooks, coros fuertes o líneas melódicas que quedaban. Aquí, muchas canciones parecen diluirse tras escucharlas. Stuck in My Head no se queda en la cabeza, paradójicamente. Circle of Trust tiene una progresión interesante que nunca despega. En cuanto a las letras, son crípticas y sin fuerza emocional ARCADE FIRE siempre supo ser realista y visceral sin caer en lo literal. En este disco, en cambio, las letras suenan vagas, encriptadas, como si evitaran conectar del todo. Eso le resta impacto incluso a los pocos momentos más sinceros como Year of the Snake. El disco se mantiene en un tono medio, casi monocorde, que termina haciéndolo plano porque no tiene casi ningún momento de catarsis. Todos los discos anteriores tenían estallidos de emoción. PINK ELEPHANT carece de esos picos y carece prácticamente de todo lo que hacía que fuera una de las bandas más interesantes e influyentes de este siglo. Efectivamente, no hace falta recurrir al argumento de la mala cabeza del señor Win Butler para cargarte este disco, solo hay que escucharlo y a eso y solo a eso, tendrían que dedicarse los críticos. La media de este álbum es de un 55 sobre 100. La nota más alta recibida es el 90/100 de Blabbermouth.net y el 80/100 de The Telegraph. Varios medios le otorgan un 60/100 (Rolling Stone, Mojo, AllMusic...) y ya comienza la debacle con 55/100 de Pitchfork; 50/100 de Uncut, Slant y MusicOHM y la cosa no queda ahí: 40/100 The Irish Time; 30/100 de Paste y Sputnikmusic y 20/100 de The Needle Drop. Nosotros pensamos que es un álbum que o no debería haberse hecho o al que deberían haberle dado unas cuantas vueltas antes de lanzarlo. Nuestra nota es un 50 sobre 100 y esperamos que no vuelva a repetirse.    

MEJORES MOMENTOS: Rellenen ustedes esta casilla. Nosotros somos incapaces. 

MEDIA CRÍTICA: 55/100

NUESTRA VALORACIÓN: 50/100

COUNTING CROWS - BUTTER MIRACLE, THE COMPLETE SWEETS!

Esto es un poco embarazoso. COUNTING CROWS es una de nuestras bandas favoritas. Los hemos extrañado estos últimos años porque no publicaban un álbum desde Somewhere Under Wonderland (2014). Resulta que en 2025 reaparecen con BUTTER MIRACLE, THE COMPLETE SWEETS! que es un álbum de nueve canciones y no son todas nuevas. Porque las cuatro últimas las publicaron en un Ep titulado Butter Miracle, Suite One (2021) hace cuatro años. Un Ep que tiene prácticamente la misma (horrible) portada que este álbum y solamente cambia el título. Y obviamente, tenemos un problema si en cuatro años solo han sido capaces de hacer cinco canciones. Nos hubiera gustado darle más cancha al regreso de COUNTING CROWS porque es una banda que amamos y la voz de Adam Duritz siempre nos ha conmovido. Pero este retorno no significa precisamente volver por la puerta grande. Esto es un disco alimenticio en toda regla que contentará a sus fans. Pero poco más. La producción sigue siendo la misma de hace treinta años, no se atisba ningún interés de hacer algo diferente. Tampoco es necesario que lo hagan. Pero cinco canciones en cuatro años... Eso es estar en horas muy bajas y lo demás son tonterías. Cabe destacar que esas cinco canciones son lo mejor del disco. Pero no es suficiente. Hemos leído que Adam Duritz ha tenido problemas de salud mental y que por eso ha estado un poco apartado. En breve se embarca en una gira con este trabajo y nosotros solo esperamos que esto sea el inicio de algo bueno y que todo mejore para ellos. A pesar de todo lo que os estamos contando, no podemos negar que el disco nos ha gustado. Pero objetivamente no podríamos decir que es un buen disco. La crítica no se ha vuelto loca con él. Classic Rock le ha otorgado un 70/100 y Far Out Magazine un 30/100. Eso completa una media de 50 sobre 100. Nuestra nota es un 65 sobre 100. Porque Adam Duritz, continúa explorando temas de amor, pérdida y esperanza con cierta maestría. Musicalmente, el álbum combina influencias del rock alternativo y el folk, con momentos que recuerdan (demasiado) a sus trabajos anteriores. La instrumentación, rica y variada, complementa las letras, creando una atmósfera envolvente. El gran problema es que si nos dijeran que son los descartes de August And Everything After (1993), lo creeríamos. Pero mejor vamos a obviarlo para no estropear la magia.       

MEJORES MOMENTOS: With Love From A-Z, Spaceman In Tulsa, Boxcars, Virginia Through The Rain, Under The Aurora...

MEDIA CRÍTICA: 50/100

NUESTRA VALORACIÓN: 65/100

MORGAN WALLEN - I'M THE PROBLEM

MORGAN WALLEN es una de las estrellas del country mainstream americano más prolíficas. Cualquier otro artista habría enfocado I'M THE PROBLEM como su ópera magna, porque tiene treinta y siete canciones y se tarda más de dos horas en escucharse. Pero para Wallen es lo más normal del mundo sacar álbumes interminables. Ya lo hizo cuando editó Dangerous: The Double Album (2021). MORGAN WALLEN ha vivido de cerca la cultura de la cancelación por culpa de un comentario racista que hizo en 2021. Aunque fue una cancelación parcial. Porque estamos en un punto en el que hasta ser un racista y un impresentable también te puede gererar seguidores. Titular este álbum I'M THE PROBLEM nos habla un poco de todo eso y refleja una autocrítica que, aunque superficial, apunta a una cierta conciencia de sus propios errores. Por un lado puede ser su respuesta a esta polémica de 2021 por la que pidió disculpas. Por otro, también se puede referir a los problemas con el alcohol y las adicciones que tuvo en el pasado y que nunca ha negado. Pero sobre todo, hace alusión a las relaciones personales y una vez más, se ha visto del pie que cojea cuando escribe sobre una de sus relaciones sentimentales en estos términos: "Si soy el problema, Tú puedes ser la razón" sugiriendo una dinámica de culpa compartida, algo que limita la profundidad de su reflexión si se ve empañada por una narrativa que también tiende a culpar a su pareja. En cuanto al álbum, aunque muchas canciones están siendo hits por separado, es un suplicio escucharte las treinta y siete canciones seguidas. Nosotros lo hemos hecho para escribir esta reseña y dos veces. Ha sido muy monótono y con pocas sorpresas en una producción muy poco arriesgada. La crítica ha dado buena cuenta de ello y nosotros apostaríamos que no son tan voluntariosos como nosotros y que no han tenido el valor de escuchar el disco entero. La nota más alta para este trabajo proviene de DIY con un 80/100; 64/100 Pichfork; 60/100 AllMusic, Paste, Rolling Stone y The Telegraph; la peor nota proviene de The Needle Drop con... Un 10/100. Para terminar con una media de 53 sobre 100. Por nuestra parte creemos que I'M THE PROBLEM parece más un ejercicio de marketing que una obra artística coherente. La falta de profundidad (cuando habla de sus relaciones amorosas, sus canciones están repletas de clichés de género) y originalidad, y la estrategia de lanzar un álbum tan sumamente extenso parece orientada más a generar reproducciones que a ofrecer una experiencia musical significativa. Nuestra valoración es un 55 sobre 100 y porque algunas canciones funcionan bien por separado. Pero como álbum y respetando el concepto de lo que significa un álbum. Esto es un ejemplo de lo que NO debería hacerse jamás. 

MEJORES MOMENTOS: I'm The Problem, Just In Case, Love Somebody, Smile, Lies Lies Lies, I Ain't Coming Back...

MEDIA CRÍTICA: 53/100

NUESTRA VALORACIÓN: 55/100

DAMIANO DAVID - FUNNY LITTLE FEARS

El mainstream devora criaturas constantemente. DAMIANO DAVID ha editado FUNNY LITTLE FEARS. su primer álbum en solitario después de triunfar a lo grande en todo el mundo con la banda de rock italiana Måneskin tras ganar Sanremo y Eurovision en 2021 con la canción Zitti E Buoni. Se puede decir que DAMIANO DAVID ha sido el ganador de Eurovisión de mayor éxito en la última década. Aunque esto es un proyecto personal y no tiene pensado dejar Måneskin, los fans de la banda han sido implacables con este cambio de registro en FUNNY LITTLE FEARS que abandona sus raíces más rockeras, está grabado íntegramente en inglés y transiciona a un pop melódico que recuerda en algunos momentos a Keane, Elton John o Harry Styles -Esta última comparación se ha usado negativamente de manera recurrente- En el apartado de producción, ya os decimos que esta es una apuesta mainstream muy fuerte: Labrynth, Jason Evigan, Mark Schik o Connor McDonough son algunos de los elegidos y también destacan las colaboraciones de Suki Waterhouse y d4dv. A nosotros nos parece un álbum bastante digno siempre que seamos conscientes de lo que estamos escuchando. Pero no nos gustaría que dentro de unos años DAMIANO DAVID quiera centrarse en el rock y nos venga renegando de este trabajo con un: "En la discográfica me obligaron a hacerlo, yo realmente no quería" esperamos que sea honesto y lo defienda siempre como se merece. Porque los únicos que han puesto "peros" han sido los fans. A la crítica es un álbum que le ha convencido con una media de 70 sobre 100 que se distribuye de la siguiente manera: NME y The Irish Time 80/100; DIY y Kerrang! 60/100. Unas valoraciones relativamente buenas que este tipo de trabajos difícilmente suelen conseguir. No sabemos si será por deformación profesional, pero a nosotros nos encantan estos cambios radicales en los artistas de moda y que los fans se cabreen como monas. No es un secreto. Odiamos a todos estos fans irracionales (del artista que sea) que solo escriben tonterías en X y verlos enfadados nos produce una mezcla entre ternura y satisfacción. Porque cuando ellos se enfadan, es porque se están haciendo las cosas bien. Nuestra nota para FUNNY LITTLE FEARS es de un 80 sobre 100 porque consideramos que es un álbum muy bien cohesionado como álbum, es mucho más que una lista ordenada de hits potenciales y vemos y valoramos el talento de su protagonista para reinventarse en la nueva estrella del pop del momento. Esperemos que no sea algo efímero y que abra una puerta que le permita avanzar y mejorar. Y por nuestra parte, ninguna prisa por que vuelva con Måneskin, objetivamente FUNNY LITTLE FEARS es mucho mejor álbum que Rush (Are U Coming?) (2023). 

MEJORES MOMENTOS: Born With A Broken Heart, Silverlines, Next Summer, Voices, The First Time, Zombie Ladie

MEDIA CRÍTICA: 70/100

NUESTRA VALORACIÓN: 80/100

PRIMA QUEEN - THE PRIZE

PRIMA QUEEN es un dúo británico-estadounidense formado por Louise Macphail y Kristin McFadden, conocido por su estilo indie pop que fusiona rock alternativo con folk melódico. THE PRIZE es su álbum debut. Se trata de un álbum que nos habla de la amistad femenina, el empoderamiento y un poco de costumbrismo entre melodías pegadizas y letras introspectivas destacando las armonías vocales y la química de sus dos protagonistas. Leyendo hasta aquí, seguramente pensaréis que es otro álbum más de esos de chicas que tan bien se valoran en este blog. Porque la mayoría de las veces, por muy bien que nos expliquemos, las palabras no sirven de nada si el lector no escucha el álbum del que hablamos. Efectivamente, THE PRIZE no es un álbum más de chicas emporderadas. Porque no solo celebra el empoderamiento, sino que lo humaniza. Las cantantes de PRIMA QUEEN no buscan ser íconos de fuerza impenetrable, sino voces reales de mujeres jóvenes lidiando con el amor, la confusión, la amistad y la identidad con ternura y honestidad. El álbum está producido por Steph Marziano y ha hecho un excelente trabajo en el que nunca sobrecarga las emociones con dramatismo artificial. Todo suena íntimo, artesanal, y muy humano, como una conversación realista entre amigas, más que un manifiesto pop. También tiene de especial que ofrece un buen puñado de buenas canciones bastante eficaces y a pesar de eso, no se transmiten como una sucesión de hits potenciales, conserva toda la cohesión posible como álbum. Creemos que es un trabajo mucho más inteligente de lo que pudiera parecer en una primera escucha. Su media crítica es de 77 sobre 100. La nota más alta es un 90/100 de Far Out Magazine; Dork, The Line Of Best Fit y MusicOHM le otorgan un 80/100; DIY 70/100 y Record Collector 60/100. Por nuestra parte, no podemos darle menos de un 90 sobre 100 y consideramos que junto a Neon & Ghost Signs de Rialto, son los dos mejores álbumes de esta tanda y quizás hubieran merecido una reseña individual. 

MEJORES MOMENTOS: Ugly, Mexico, The Prize, Meryl Streep, Fool, Sunshine Song, Oats (Ain't Gonna Beg), Spaceship...

MEDIA CRÍTICA: 77/100

NUESTRA VALORACIÓN: 90/100

MILEY CYRUS - SOMETHING BEAUTIFUL

Quizás deberíamos empezar a asumir que MILEY CYRUS es muy inquieta, se aburre de sí misma constantemente y eso la lleva a reinventarse continuamente. Porque llegamos a su noveno álbum de estudio SOMETHING BEAUTIFUL y lo único que nos despierta es incredulidad y escepticismo. Se supone que es una Opera Pop, un álbum conceptual. Pero... ¿Dónde está el concepto? ambición temática, mucha. Pero concepto, ninguno. Su falta de cohesión es abrumadora. Creíamos que por fin había encontrado su sonido en Endless Summer Vacation (2023). Pero vemos que no. Tenemos la sensación de que con tanto probar cosas diferentes en cada álbum que edita, está dando palos de ciego y no evoluciona hacia ninguna parte. De coquetear con el folk pop y la americana en su álbum anterior, en SOMETHING BEAUTIFUL se adentra en el pop experimental e intenta jugar a ser Pink Floyd por un ratito, hasta que se cansa, como siempre. También encontramos reminiscencias de Europop y musica dance (End Of The World) o pop rock y soft rock (Easy Lover) y algo de rock alternativo y psicodelia. No hay ninguna duda de que quiere hacer alarde de que es un proyecto muy ambicioso y cae en todas las trampas del postureo musical. Tanto el prólogo como los múltiples interludios rompen el ritmo del disco, haciéndolo sentir innecesariamente extenso y autoindulgente. Lo único que hace es añadir capas a un álbum que si se las quitas, quedan pocas canciones memorables. Por supuesto que es un trabajo que está repleto de productores top: Shawn Everett, Jonathan Rado, Michael Pollack, Maxx Morando además de la propia MILEY CYRUS que ha desempeñado un papel activo en la producción; y colaboraciones importantes de artistas como Brittany Howard, Pino Palladino o Sara Watkins en calidad de violinista. Hasta resucita la vertiente musical de la modelo Naomi Campbell. Algo, totalmente innecesario. La crítica le da una media de 68 sobre 100. Las notas más altas provienen de Sputnikmusic 86/100 y Still Listening 83/10. Varios medios le otorgan el 80/100 (NME, Rolling Stone, Slant, Paste...) Pero también encontramos notas tan bajas como los 50/100 de Northern Transmissions o Exclaim! o los 40/100 de The Telegraph y The Irish Time. Por nuestra parte tenemos que decir que SOMETHING BEAUTIFUL aspira a ser una obra de arte total, pero su propia ambición parece jugar en su contra. Aunque se destacan momentos vocales y una producción arriesgada, motivos por los que vamos a valorar este álbum con un 70 sobre 100, la falta de dirección clara y el constante cambio de piel estilística minan su impacto. Este álbum refuerza esa percepción que comentábamos al principio de que MILEY CYRUS aún no ha terminado de definir su identidad musical. Algo que a algunos ya empieza a cansarnos.

MEJORES MOMENTOS: End Of The World, More To Lose, Easy Lover, More To Lose, Walk Of Fame

MEDIA CRÍTICA: 68/100

NUESTRA VALORACIÓN: 70/100

HABLEMOS DE MILEY CYRUS.

 

Reconocemos abiertamente que hubo un tiempo en el que evitábamos a toda costa tener que hablar de MILEY CYRUS, ni soportábamos su época Disney, ni tampoco la inmediatamente posterior cuando trataba de hacer añicos de manera forzada esa imagen de adolescente virginal, para dar el paso de convertirse en adulta. Pero han pasado muchísimos años de todo eso y MILEY CYRUS edita su octavo álbum de estudio ENDLESS SUMMER VACATION y ya es hora de que nos paremos a comentar algunos aspectos que nos están gustando del nuevo rumbo que ha tomado su carrera. Es cierto que empezamos a mirarla con unos ojos con los que no la habíamos visto nunca con Plastic Hearts (2020) pero no fue suficiente para que nos parásemos a escribirle una reseña. Después de Plastic Hearts (2020), sabíamos que este nuevo álbum iba a ser definitivo en su carrera. No es un álbum perfecto. Pero es lo mejor que ha hecho en toda su vida, de momento. Porque todavía podría superarlo. No nos engañemos. Es mainstream puro y duro. Tiene como una docena de productores: Kid Harpoon, Greg Kurstin, Mike WILL Made-it y Tyler Johnson por citar a los más importantes, ha sido grabado en siete estudios de grabacion diferentes a caballo entre Los Angeles, Londres y Nashville y ha contado con dos pesos pesados en el apartado de las colaboraciones Sia y Brandi Carlile. Ni que decir tiene que ha sido Nº1 en muchos charts nada más editarse y que el número de reproducciones que tiene Flowers, su primer adelanto, son obscenas. Esto de entrada le garantiza un gran éxito comercial y varias nominaciones al Grammy, no nos extrañaría que incluso al álbum del año.

Pero... Y la Crítica? Que ha dicho la Crítica? Nosotros pensábamos que se iban a rendir ante este nuevo trabajo. Total... A toda artista Mainstream le llega un momento en la vida en el que la crítica se acaba reconciliando con ella. A Madonna le pasó con Ray Of Light (1998) y a Taylor Swift con Folklore (2020). Nosotros estábamos convencidos de que ENDLESS SUMMER VACATION sería el Ray Of Light de la Cyrus. Pero mucho nos tememos que habrá que esperar un poco todavía para eso. Aunque también estamos seguros de que no tardará en llegar. El promedio de la crítica de Miley Cyrus, siempre fue bastante bajo. Ya lo comentamos cuando hablamos de su hermana Noah Cyrus el año pasado, que consiguió con solo un álbum (excelente, por cierto) todo el reconocimiento crítico que le han negado a Miley durante toda su carrera, cosa que le ha ocurrido también a otras grandes del Mainstream como a P!nk. Incluso Lady Gaga todavía no nos ha dado ese álbum que la crítica haya puntuado con un 100/100 de manera unánime. La media crítica de ENDLESS SUMMER VACATION es un 81 sobre 100 y se convierte en la mejor de la carrera de Miley Cyrus. Se distribuye de la siguiente manera: 82/100 es la nota más altas por parte de Variety, 80/100 DIY, The Telegraph, Independent, Clash, NME, The Guardian; 75/100 Consequence y 60/100 The Line Of Best Fit. Como dijimos al principio, no es un álbum perfecto, nosotros que nos quejamos mucho de los álbumes con pocos cortes y siempre queremos más, precisamente a este álbum lo hubiéramos dejado en diez cortes en vez de los trece que tiene. Nos sobran Handstand e Island, que recordemos ahora mismo. Pero en el Maintream no es muy habitual los álbumes con diez cortes, lo normal es igualar o superar la docena casi siempre. Aún así, y dejando muy claro que no está de 100/100, que la máxima nota otorgada por un medio importante sea el 82/100 de Variety nos parece bastante injusto. Es un álbum que pasa perfectamente nuestro corte del 85 sobre 100 para formar parte de nuestra lista de los mejores álbumes del 2023 y probablemente sea el álbum de Miley Cyrus que tenga la vida más larga y del que más singles se extraigan. 

MEJORES MOMENTOS: Flowers, Jaded, Wonder Woman, Thousand Miles

MEDIA CRÍTICA: 81/100

NUESTRA VALORACIÓN: 85/100

LA NUEVA GENIALIDAD DE MARK RONSON.

A estas alturas no os vamos a presentar a MARK RONSON pero por si hay alguien despistado os recordaremos que fue el productor que creó el sonido Amy Winehouse de Back To Black (2006) y más tarde hizo que la malograda cantante versionara la canción Valerie de The Zuttons en el álbum del propio Ronson titulado Versions (2007) y, hoy por hoy, casi todo el mundo que no lee este blog cree que Valerie es una canción propia de la Winehouse. 

Todo eso queda muy lejos ya, si tenemos en cuenta que su álbum Uptown Special (2015) nos trajo uno de esos hits planetarios intemporales que escucharemos durante años. Nos referimos a Uptown Funk interpretada por Bruno Mars. Ahora toca hablar de LATE NIGHT FEELINGS que es un homenaje al pop con mayúsculas. En esta ocasión ha contado solamente con vocalistas femeninas, algunas muy conocidas como Alicia Keys, Miley Cyrus o Camila Cabello, otras más ligadas al mundo indie como Lykke Li, Angel Olsen o Ilsey y otras casi desconocidas como King Princess, Diana Gordon o Yebba que seguramente van a dejar de serlo gracias a estas colaboraciones.

A pesar de que se supone que Mark Ronson es el productor estrella y artífice del disco, se ha contado con otros diez productores adicionales. El resultado es un disco contenedor de auténticos hits. Muy bien cohesionado como álbum a pesar de su variedad de vocalistas femeninas y esos diez productores adicionales. Uno de esos discos que no debe faltar en cualquier fiesta -Y habrá que estar atentos a los posibles remixes- A la crítica en general le ha gustado, aunque imaginamos que las notas obtenidas habrán sabido a muy poco a Ronson que ha declarado que "ha estado trabajando muy duro para alcanzar la perfección": Variety (93); Exclaim, Clash Music (90); Paste Magazine (81); DIY, NME, AllMusic y The Independent (80); Entertainment Weekly (75); Rolling Stone y Uncut (70) y la zona de puntuaciones bajas: The Guardian, Q Magazine, Mojo y musicOHM (60). La media es un más que aceptable 75 sobre 100.

Para nosotros es un 90 sobre 100 porque es uno de esos discos soñados en los que todas las canciones te gustan. No sabemos si tendremos un nuevo Uptown Funk, probablemente no. Pero Miley Cyrus suena francamente bien tocada por la varita mágica del genio. Recuerda a una joven Stevie Nicks con cierta magia heredada de su (Hada) madrina Dolly Parton. Y después de escuchar el último trabajo de Lykke Li y sus dos colaboraciones en este disco, auguramos un baño de popularidad y un giro hacia la comercialidad a parir de ahora. Ya suena como afilan los cuchillos algunos... 

En definitiva, un gran homenaje al Pop con un casting inusual a la par que efectivo. Nosotros seguimos queriendo a Paloma Faith en un disco de Mark Ronson. Lo volvemos a reivindicar por si sirve de algo.

VALORACIÓN EXQUISITECES: 90

MEDIA DE LA CRÍTICA: 75