CHARLEY CROCKETT (San Benito, Texas. 1984) es un cantante y compositor autodidacta de Soul, Blues, Country y Americana muy curtido en las calles del Barrio Francés de New Orleans. Además de ser bastante prolífico, ha grabado unos doce álbumes desde 2015 y es un ejemplo de artista independiente. $10 COWBOY es su último trabajo. Un álbum co-escrito y co-producido entre el propio CHARLEY CROCKETT y Billy Horton. Crockett ha tenido una vida muy interesante como artista y plasma en cada trabajo todas las experiencias de su bagaje profesional y vital. $10 COWBOY es un álbum muy cálido y vivo de country muy influido por el blues, un álbum que posee mucha más riqueza que muchos otros álbumes de country convencional. A pesar de jugar con elementos propios del country de los 60 y 70 como las cuerdas countrypolitan o las reminiscencias honkytonk, en ningún momento se siente desactualizado. Al contrario, notamos una vocación de enriquecer y revitalizar el género.
En cuanto a la crítica $10 COWBOY ha gustado especialmente porque ha recibido una media de 85 sobre 100 que se distribuye de la siguiente manera: AllMusic 90/100; Spin 83/100; HipHopDX 80/100; Paste 78/100 y The Austin Chronicle 70/100. Muchos críticos cuando hablan de $10 COWBOY sacan a colación su álbum anterior para hablar de este. Nos referimos a The Man Of Wako (2022) que recibió una media de 74/100. Es cierto que se podría decir que Crockett puso la semilla en ese trabajo, pero existe una clara evolución y lo que nos encontramos en $10 COWBOY está bastante mejorado. Nuestra nota para este trabajo es de un 86 sobre 100. Por esa cratividad y esa voluntad revitalizadora y por ese dominio absoluto y magistral de todos los géneros con los que juega, consideramos que es uno de los mejores álbumes de country de lo que llevamos de año, aunque no llegue tan lejos ni consiga el éxito comerical de Cowboy Carter de Beyoncé.
MEJORES MOMENTOS: Solitary Road, America, $10 Cowboy, Hard Luck & Circumstances, Good At Loosing, Getting Tired Again...
Tal y como prometimos, nunca más nos olvidaremos de BESS ATWELL y estábamos muy pendientes de cuando vería la luz este tercer trabajo titulado LIGHT SLEEPER sobre todo después de presentarnos una obra maestra absoluta como fue Already, Always (2021). Y tenemos que adelantar que este LIGHT SLEEPER no alcanza cotas tan elevadas como su trabajo anterior, pero casi. No podríamos decir absolutamente nada malo de él. Aunque habría que comentar aspectos de la vida privada de la artista para entender mejor lo que la ha llevado a escribir este álbum de una verdad y una honestidad que a veces llegamos a pensar que es incluso hasta innecesaria. Porque tampoco creemos que sea bueno exponerse tanto. Aunque Atwell le está dando visibilidad a ciertos aspectos que atañen a la Salud Mental y eso siempre es positivo y de agradecer. Desde el lanzamiento de "Already, Always" (2021) Atwell ha pasado por una serie de transformaciones personales, incluida la reducción gradual de los antidepresivos, después de "años de evitarlos". Las reflexiones sobre su educación y las reevaluaciones de algunas de sus experiencias llevaron a un diagnóstico de autismo en mayo de 2023, lo que la ayudó a dar sentido a muchos momentos diferentes de su vida. LIGHT SLEEPER se refiere a ese "sueño ligero" relacionado con esa reducción gradual de los antidepresivos. Es un canto a querer salir de ese estado para volver a vivir, con todos los temores y las ilusiones que eso conlleva. Musicalmente este álbum es una auténtica maravilla y ha contado con muchos más medios de los que consiguió en su aclamadísimo álbum anterior. En la producción ha contado con Aaron Dessner que la ha llevado de la mano y han tenido muchísima complicidad, algo que se nota cuando escuchas el álbum. Aunque todos conocemos cómo son las producciones de Dessner, que son tan buenas que muchas veces destacan por encima del artista al que produce, en esta ocasión el equilibrio es perfecto y en ningún momento eclipsa la personalidad de BESS ATWELL que sinceramente, es lo mejor de todo. Y lo decimos ya. Es única. De las de una entre un millón. Y también cuenta con colaboraciones importantes de James Krivchenia de Big Thief o BenLanz de Beirut y James McAlister, colaborador habitual de Sufjan Stevens.
En cuanto a la crítica, no ha ido mal. Pero tiene una media bastante más baja de la que merece. De momento, se tiene que conformar con un 76 sobre 100, muy lejos del 100/100 que consiguió con su trabajo anterior, aunque recordemos que era prácticamente una desconocida y solo hubo un medio que le otorgó ese 100/100: The Independent. Digamos que ya es más conocida y esta vez ha conseguido que se hayan fijado en LIGHT SLEEPERThe Line Of Best Fit y The Observer que le han otorgado un 80/100 y Far Out Magazine, Uncut y Clash con un 70/100. El disco salió a la venta el pasado fin de semana. Esperamos que más medios se pronuncien y esa media suba por lo menos a 80/100, aunque seguiría siendo muy poco. Nosotros somos muy conscientes que este álbum es ligeramente inferior a Already, Always (2021), que nosotros valoramos en su día con un 100/100, pero es muy poca la diferencia. Habíamos pensado valorarlo con un 95-98/100 para marcar esa diferencia. Pero no lo vamos a hacer. Porque sabemos que nos vamos a arrepentir y vamos a terminar corrigiendo la nota como nos ha pasado otras veces. Nuestra nota para LIGHT SLEEPER es de un 100 sobre 100 porque es un ejemplo de lo que consideramos un álbum bien hecho. Va con nuestra línea editorial puntuar con un 100 sobre 100 a álbumes musicalmente impecables y con tanta profundidad lírica como LIGHT SLEEPER. De hecho, si no existiesen discos como este, hace tiempo que ya habríamos cerrado este blog.
MEJORES MOMENTOS:Release Myself, Sylvester, Light Sleeper, The Weaping, Fan Favourite, I Am Awake... En realidad, todas las canciones del álbum son excelentes.
La escena musical británica se mueve y el indie rock está en tendencia. ENGLISH TEACHER es una banda de Leeds (Reino Unido) formada en 2020 por la vocalista Lily Fontaine, el guitarrista Lewis Whiting, el batería Douglas Frost y el bajista Nicholas Eden y THIS COULD BE TEXAS es su álbum debut. Todos ellos componen todas las canciones del álbum que está producido por la italiana Marta Salogni. Para que os ubiquéis un poco diríamos que están en la línea de Wolf Alice o sobre todo Paramore. Es cierto que este año hemos tenido otros álbumes debut de bandas de rock indie británicas lideradas por mujeres tan interesantes como The Last Dinner Party y Crawlers que consideramos que son mejores y que a nosotros nos han gustado más que este trabajo. Pero sin hacer comparaciones con otras bandas y otros álbumes y ciñéndonos a lo que nos ofrecen, no nos extraña que hayan vuelto locos a un sector de la crítica. No es un álbum complaciente. Tienes que hacer un esfuerzo para sumergirte en él. Si consigues entrar, seguramente te atrapará y se convertirá un uno de esos álbumes que cuanto más los escuchas más te gustan, llegando a ser totalmente adictivo.
Como os decíamos antes, la crítica ha enloquecido con THIS COULD BE TEXAS y si no se olvidan de él, porque ya sabéis que mañana aparece otro álbum que gusta igual o más que este y el foco de atención cambia por completo, es muy probable que encabece algunas listas de lo mejor del año porque medios como NME, Record Collector, DIY, Far Out Magazine, Dork, The Forty-Five, Overblown o MusicOHM le han otorgado el pleno, el 100/100; Loud and Quiet, Xs Noise, The Line Of Best Fit y Uncut 90/100; Northern Transmision 88/100; Beats Per Minute 86/100; Mojo, The Telegraph, Rolling Stone, The Independent, Dusted Magazine y The Skinny 80/100; Paste 77/100; Pitchfork 74/100; The Needle Drop, Clash 70/100 y Spill Magazine 50/100 para concluir en una media de 89 sobre 100. A nosotros nos parece un disco interesante, pero no nos ha enloquecido tanto. De hecho ya hemos nombrado a dos bandas de rock indie británicas que también han debutado este año cuyos discos nos parecen mejores que este. A aquellos discos nosotros los valoramos con un 95/100, al de The Last Dinner Party le podríamos haber dado el 100/100 perfectamente. Pero no lo hicimos porque cada día somos menos partidarios de dar notas tan altas a álbumes debut. Y en este caso, es palpable. Porque es cierto que el disco es bueno. Se ve "el esfuerzo" del que hablan algunos críticos, o que "suena familiar y a nada que hayas escuchado antes, a la vez" como dicen otros. Pero nos parece contraproducente puntuarlo con un 100/100 de entrada porque no lo merece. No discutiríamos que si siguen manteniendo este nivel en el próximo o el siguiente, sí que lo merezcan y no tendremos ningún problema en dárselo. Pero por nuestra parte este álbum no merece más de un 86 sobre 100, que es una nota bastante buena, por otro lado. Aunque como decimos siempre, la última palabra la tienen nuestros lectores que tienen un excelente criterio.
MEJORES MOMENTOS: Albatross, The World's Biggest Paving Slab, Mastermind Specialism, Nearly Daffodils, Albert Road, R&B...
Nuestros lectores fieles se habrán dado cuenta que con la cantidad de álbumes que se publican a la semana tenemos que simplificar un poco y todos estos álbumes de los que habla todo el mundo, normalmente los ventilamos en nuestra página de Facebook. Lo hemos hecho con los últimos trabajos de Ariana Grande, Beyoncé, Taylor Swift o Dua Lipa y lo normal es que también lo hubiéramos hecho con HIT ME HARD AND SOFT de BILLIE EILISH. Pero nos apetecía escribir esta reseña. Porque consideramos que de esas artistas Top, BILLIE EILISH les ha ganado a todas por la mano. Venimos de un punto de inflexión en la carrera de Eilish con la creación de uno de los temas del año que ya es historia de la música reciente. Nos referimos a What Was I Made For? de la B.S.O. de la película Barbie (Greta Gerwig, 2023) que recibió el Oscar y el Grammy a la mejor canción del año, entre otros premios. Tanto ella como su hermano Finneas O'Connell, responsable del 50% del éxito de la música de Eilish, tenían cierta incertidumbre por cómo continuaría su carrera cuando estaban metidos en la composición de esa mítica canción que ha sido como un balón de oxígeno para su continuidad. De momento Billie y Finneas, continúan trabajando juntos, Finneas sigue co-escribiendo y produciendo las canciones de su hermana y no han necesitado a ningún productor adicional todavía. Había mucha expectación con este HIT ME HARD AND SOFT porque Eilish lo ha concebido como un álbum y no quería lanzar singles de adelantos por el mismo motivo que siempre argumentamos los amantes de los álbumes. Los singles son canciones sacadas de contexto y ella defendía que había que escucharlas dentro del álbum para entenderlas mejor. Solo por eso, ya había ganado muchos puntos para nosotros. Cuando escuchamos el primer corte de HIT ME HARD AND SOFT se nota que venimos de un álbum tan íntimo y delicado como Happier Than Ever (2021). Pero dos cortes más tarde, Eilish se reinventa y se abre camino con nuevos y sorprendentes registros para terminar dándonos el álbum más completo y mejor de su carrera. Algunas de las cosas que hemos leído que más nos han llamado la atención es que lo llegan a comparar con Blue (1971) de Joni Mitchell, que ya sabéis que es el referente preferido de los críticos. Y es cierto que HIT ME HARD AND SOFT es un trabajo inteligente, emocional, reflexivo... Eilish necesita muy pocos elementos para describir la tristeza y el desamor y lo hace de manera certera y única.
En cuanto a la crítica ya sabéis que cuando se trata de una artista Top y un álbum muy esperado, suelen pronunciarse casi todos los medios y normalmente no suele beneficiarles porque la tendencia es que cuantos más medios emitan una valoración, la media suele ser más baja. Pero hasta en esa tendencia BILLIE EILISH rompe moldes. La media de HIT ME HARD AND SOFT es nada menos que de 88 sobre 100 que se distribuye de la siguiente manera: The Independente y The Telegraph le han otorgado el pleno, el 100/100 y consideran que estamos hablando de uno de los mejores álbumes del año; 93/100 Variety; 90/100 MusicOHM, Slant Magazine, Los Angeles Times, The New York Times y The Line Of Best Fit; 83/100 Consequence; 80/100 The Observer, Clash, Rolling Stone, NME y The Guardian; 70/100 Sputnikmusic. A nosotros también nos ha cautivado, si bien es cierto que a la única artista actual que compararíamos con Joni Mitchell es a Laura Marling. Pero ya sabemos como funcionan los críticos y sus eternos referentes como si no existieran otros. Ha llovido muchísimo desde 1971 para seguir proclamando que Joni Mitchell sea la única autoridad cuando hablamos de mujeres en la música y con esto no le estoy restando méritos. Es cierto que fue muy grande. Pero se están cargando más de 50 años de historia de la música hecha por mujeres cada vez que solo recurren a ella como ejemplo. Es como si no hubiera pasado ninguna otra cosa en todo ese tiempo. Y los que hacemos este blog sabemos que han pasado muchísimas otras cosas y BILLIE EILISH es una de ellas. Con respecto a este álbum, no es un álbum complaciente para con el público ávido y consumidor de lo que es el fast food a la música. Huye completamente de buscar esos quince segundos virales para Tik Tok y nos da cortes largos de cuatro y cinco minutos. Como en los buenos álbumes de toda la vida y con eso, siempre estaremos eternamente agradecidos. Nuestra nota es un 95 sobre 100 y no un 100/100 porque hubieramos preferido más concreción y menos experimentalidad en algunos de los cortes. Pero se está cociendo un 100/100 por nuestra parte para BILLIE EILISH en futuros trabajos.
MEJORES MOMENTOS: LUNCH, CHIHIRO, BIRDS OF A FEATHER, SKINNY, WILDFLOWER, THE GREATEST, BLUE...
Hubo un momento allá por la primera mitad de la década 2010 que cualquier trabajo de los australianos ANGUS & JULIA STONE era muy bien recibido y se podía encontrar en cualquier tienda de discos de Europa. Sus dos primeros álbumes calaron muy hondo en el público europeo. Se habían convertido en un dúo de folk icónico. Solo necesitaban terminar de conquistar también el mercado americano que suele ser más complicado que el europeo. Es cierto que habían puesto un pie en ese mercado también con esos dos primeros álbumes cuyas canciones se convirtieron en lo más recurrente de las series americanas de la época. Pero necesitaban un pequeño empuje para conseguirlo todo y llegó con el famoso álbum homónimo del 2014 producido por Rick Rubin. El álbum fue bastante bien, pero no lo suficiente. Las expectativas estaban mucho más altas de lo que llegó a conseguir y tenemos la sensación de que a la larga les perjudicó más que beneficiarles, porque nunca fue ese espaldarazo definitivo que los catapultase a la estratosfera con ventas millonarias y premios. Luego llegó Snow (2017) un álbum un tanto tibio. Años después y casi de tapadillo, sin que nadie se enterara llegó Life Is Strange (2021) producido también por Rubin y que se concibió como la banda sonora de un videojuego. Este 2024 han regresado con CAPE FORESTIER que si tenemos en cuenta el carácter especial de Life Is Strange (2021) supone su regreso tras varios años de ausencia tras Snow (2017).
En CAPE FORESTIER ya no cuentan con Rick Rubin en la producción que la llevan a cabo ellos mismos con la co-producción de Ben Edgar. La situación de este dúo ha cambiado considerablemente con el paso de los años. Digamos que se ha hablado muy poco de este trabajo fuera de Australia, aunque quizás sea pronto para hacer esa afirmación, ya que no tiene ni dos semanas editado. Pero hace tiempo que venimos notando que ya no tienen el tirón internacional que tenían en 2010. De hecho, es probable que mucha gente joven que se haya ido incorporando al placer de escuchar música, no sepan de quienes estamos hablando. Porque ya no están de moda. Y eso también es extensible a la crítica. Nunca fueron demasiado generosos con ellos, incluso cuando merecían más reconocimiento. Ahora, la palabra que deberíamos usar para describir la actitud de la crítica para con ellos es la de "indiferencia" porque la media de CAPE FORESTIER es de 65 sobre 100 y solamente dos medios se han acordado de reseñarlo: Allmusic con un 70/100 y Mojo con un 60/100. Es cierto que no es un álbum perfecto. Es un tanto irregular y le sobran algunos cortes. Nosotros lo hubiéramos dejado en un álbum de nueve o diez cortes, en vez de doce y hubiéramos prescindido del cover de Bob Dylan. A estas alturas de la película hacer un cover de Bob Dylan resta mucho más que suma, porque no se está aportando nada nuevo con cada intento. Pero aún así, se trata de un dúo que mantiene su identidad y su esencia desde el comienzo, quizás han dado demasiadas vueltas y las cosas no han salido como esperaban. Pero ellos siguen siendo los mismos y CAPE FORESTIER da buena cuenta de ello. Es cierto que todos sabemos que ya no va a volver la magia de sus primeros discos, ellos son bastante conscientes también. Pero merecen mucho más reconocimiento y respeto y duele la degradación de estar en todas las tiendas de discos del mundo a pasar a ser solamente un dúo local australiano del que ya se habla muy poco fuera de su país. Nuestra nota para CAPE FORESTIER es de un 78 sobre 100. Obviamente, no merece el 85/100 por nuestra parte para pasar el corte de nuestra lista de los mejores álbumes del año. Porque probablemente sea el peor álbum de la discografía del dúo si lo comparamos con trabajos anteriores. Pero por lo menos, todo lo que escuchamos es bastante coherente con lo que ha sido una carrera impecable de muchísimos años. Y recomendamos a sus seguidores que no dejen de escucharlo.
MEJORES MOMENTOS: The Wedding Song; No Boat, No Aeroplane; Cape Forestier; Losing You, My Little Anchor, County Sign...
DANA GAVANSKI es una cantante y compositora canadiense de origen serbio que reside en Londres y está desarrollando su carrera musical en la escena indie londinense con el sello discográfico británico independiente Full Time Hobby. Lleva en activo desde el 2017 y LASTSTAP es su tercer álbum de estudio. En este trabajo encontramos una mezcla muy efectiva de Pop Orquestal con algunos sonidos de los 80, algo de power pop y de música de la New Wave. Hay momentos en que nos recuerda a Lene Lovich, en otros a Kate Bush y en otros a Siouxsie And The Banshees, pero siempre jugando con las cartas sobre la mesa de que esto es un álbum del 2024 que nos habla de temas como la desconexión social, la inseguridad creativa o la pérdida personal. Un trabajo que se niega a ser encasillado y que consagra a DANA GAVANSKI como una de las cantautoras a tener en cuenta en el futuro. En este álbum encontramos la colaboración de Cornelia Murr en uno de los cortes.
En cuanto a la crítica LAST STAP se convierte en el segundo álbum mejor valorado de su carrera después de su álbum debut, con una media de 77 sobre 100 que se distribuye de la siguiente manera: Still Listening 88/100; Mojo 80/100; AllMusic y Uncut 70/100. Nosotros consideramos que no merece esa nota y que seguramente tendría otra valoración mucho más alta si más medios hubieran reparado en LAST STAP que es su mejor trabajo, de lejos. Porque ha sabido jugar muy bien con el art pop y el pop más experimental apartándose de los elementos folk de sus inicios. Nos ha recordado también a Molly Burch en el sentido de que es otra cantante y compositora que ha sabido evolucionar huyendo de ser encasillada y ofreciendo registros bien distintos a lo largo de su discografía. No podríamos darle una nota inferior a 87 sobre 100 y consideramos que es uno de los álbumes más interesantes del año y que desgraciadamente va a pasar un poco desapercibido por la cantidad sobrehumana de álbumes que se editan cada viernes.
MEJORES MOMENTOS: How To Feel Unconfortable, Let Them Row, Song For Rachel, Ears Were Growing, Last Stap
KACY HILL (Phoenix, Arizona, 1994) es una cantante, compositora, bailarina y ex modelo que lleva en activo en la música desde hace una década. Aunque su álbum debut se lanzó en 2017. Recientemente ha publicado el que es su cuarto álbum de estudio titulado BUG. Se trata de un álbum de Indie Pop que se adentra en los vericuetos del dream pop e incluso también lo han catalogado como bedroom pop a pesar de tener a ocho productores acreditados entre los que destacan Sega Bodega, Bartees Strange y James Staak, además de la propia KATHY HILL que también lo co-produce. En el apartado de colaboraciones nos encontramos a Nourished by Time y Donna Missal. El resultado es uno de esos discos sobre mujeres interesantes que están escribiendo una página en la historia de la música reciente y que no podemos dejar de recomendar en nuestro blog, que cada día estamos más convencidos de que se hizo para eso. También tenemos que añadir que a pesar de tener unos créditos a la altura de una producción mainstream, se trata de un trabajo muy pequeñito y artesanal, condenado a pasar desapercibido si blogs como el nuestro no hacen bien su trabajo.
Como podréis imaginar BUG no ha sido reseñado por demasiados medios. Nos encontramos con un 80/100 por parte de Spectrum Culture y un 70/100 por parte de Paste que se queda en una media de 75 sobre 100 que seguramente habría subido si otros medios se hubiesen enterado de que existe o tuvieran a bien escribirle una reseña. Luego está el asunto de la portada. Es vistosa e interesante y es obra del artista Chuck Grant, pero si tu disco es minoritario ya de por sí, no es muy recomendable usar una portada que van a censurar la inmensa mayoría de los medios. En cuanto a este trabajo, es cierto que decae un poco en su segunda mitad, pero las primeras cinco pistas elevan bastante el nivel de un álbum que destaca por unas melodías dulces, acompañadas de una voz aún más dulce. Puede que descrito así, más de un lector salga horrorizado y temiendo que pueda tener una subida de azúcar. Os aseguramos que no. A los que descubren a muchas mujeres en la música gracias a este blog, les va a encantar. Nuestra nota es de un 85 sobre 100.
MEJORES MOMENTOS: No One, Yo Know I Love You Still, Listen To You, Damm, My Day Off, Frog Rinse...
MARCUS KING pertenece a una tercera generación de músicos y entiende perfectamente el lenguaje del blues rock y la americana. Sus trabajos son una combinación de ambas y de rock sureño, aunque para este nuevo trabajo titulado MOOD SWINGS (cambios de humor) deambula de un género a otro para contarnos esos cambios de humor y encontramos incluso algunos matices de Jazz en algún que otro corte o incluso coros de gospel. El resultado es un álbum impecable, un poco de la vieja escuela a pesar de tener letras bastante explícitas más acordes con el signo de los tiempos. Letras en las que se habla sobre salud mental o relaciones tóxicas. El gran acierto de este trabajo es que MARCUS KING ha dado con el mejor productor que puede sacar todo su (enorme) potencial y efectivamente, lo hace. Se trata del gran Rick Rubin y el resultado es toda una fiesta para los sentidos. Especialmente si eres amantes de todos estos géneros y de las producciones clásicas.
En cuanto a la crítica, MOOD SWINGS es el mejor álbum de MARCUS KING hasta la fecha y por lo tanto el mejor valorado con una media que por fin alcanza el 80 sobre 100 y se distribuye de la siguiente manera: 80/100 Glide, Rolling Stone y Mojo; 70/100 AllMusic. Sus dos discos anteriores se quedaron en una media de 77/100. Parece que la mano de Rick Rubin tiene mucho que ver en este resultado. Nosotros nos sumamos a incentivar esa idea de que MOOD SWINGS es su mejor trabajo hasta la fecha, a pesar de que El Dorado (2020) sea su álbum más aclamado y haya sido nominado al Grammy. Probablemente MOODS SWINGS también lo estará el año que viene y hasta lo gane. Es su álbum más personal y comprometido y su voz nunca ha sonado mejor. Nosotros no podríamos darle menos de un 85 sobre 100.
MEJORES MOMENTOS: F*ck My Life Up Again, Mood Swings, Hero, Inglewood Motel (Halestorm), This Far Game
Cuando os hablamos de Quiet Signs (2019) ya os hicimos todas las presentaciones de JESSICA PRATT. Que regresa con su cuarto álbum de estudio titulado HERE IN THE PITCH que si el anterior ya era bueno, este aún es mejor. Ya contamos que Pratt es una cantante y compositora de folk o incluso Freak Folk y en este nuevo trabajo amplía algunos sonidos y coquetea con el Jazz y la Bossa nova crando deliciosos y auténticos paisajes sonoros. HERE IN THE PITCH se inspiró en la era hippie de Los Ángeles y aglutina las obsesiones de la cantante con, según sus palabras: "las figuras emblemáticas del lado oscuro del sueño californiano". JESSICA PRATT compuso todas las canciones de este álbum y eligió como productor a Al Carlson que ya había trabajado con él en otras ocasiones, así como el teclista Matt McDermott, el bajista Spencer Zahn y el percusionista Mauro Refosco. También cuenta con colaboraciones de Ryley Walker, Peter Mudge y Alex Goldberg. HERE IN THE PITCH solo tiene nueve cortes y dura unos veintisiete minutos. Eso es lo único que no nos gusta, que nos sabe a muy poco y hemos esperado cinco años desde Quiet Signs (2019) que tenía el mismo número de cortes y una duración similar.
La crítica ha proclamado a HERE IN THE PITCH como el álbum mejor valorado de su discografía con una media de 91 sobre 100 según Metacritic. A pesar de que Quiet Signs (2019) sí que recibió un 100/100 y HERE IN THE PITCH hasta el momento no lo ha recibido. HERE IN THE PITCH lo supera en siete puntos. Esta media se distribuye de la siguiente manera: 95/100 Paste; 90/100 AllMusic, Uncut y Under The Radar; 88/100 Pichfork y 80/100 The Guardian, Mojo y The Line Of Best Fit. Está claro que cuando tu nota más baja es un 80/100 el algoritmo de Metacritic eleva bastante la media aunque no hayas conseguido un 100/100. Por otro lado, si nadie se lo ha dado, se lo vamos a dar nosotros. Nuestra nota para HERE IN THE PITCH es un 100 sobre 100 porque nos parece una joya musical bastante inusual, como toda su discografía. Es un disco mágico e incluso podríamos decir que de los de uno entre un millón, pero estaríamos mintiendo porque Quiet Signs (2019) ya era bastante bueno y despertaba sentimientos bastante similares a los que despierta HERE IN THE PITCH, solo que este último es más amplio musicalmente hablando, más variado en registros vocales y estilísticos, aunque sea igual de corto. Digamos que JESSICA PRATT se consagra con este trabajo y se convierte en una cantautora muy a tener en cuenta. Ojalá que este disco no pase desapercibido.
MEJORES MOMENTOS: Son solo nueve cortes y no merece la pena saltarse ninguno. Son todos maravillosos. Es para escucharlo de principio a fin y sin usar el orden aleatorio.
Quizás sea demasiado pronto para A DREAM IS ALL WE KNOW después de un álbum tan sumamente redondo como Everythings Is Harmony (2023), más que nada porque ha pasado poco más de un año y todavía tenía una larga vida. Realmente importa poco, porque puedes hacer una playlist y escuchar un álbum tras otro porque este nuevo trabajo, como el anterior, el cuerpo te pide escucharlo en bucle. Hay diferencias muy sutiles entre uno y otro. A DREAM IS ALL WE KNOW tiene un tono más optimista, la letra también hace referencia a los miedos de no alcanzar todo el potencial de uno mismo y a la evasión de los sueños. Fue grabado en el pequeño estudio de la banda en el norte de Brooklyn, usando grabaciones de cinta magnetofónica y otros efectos analógicos como la reverberación de placas. Todo para conseguir un sonido retro sesentero que toma como referente las armonías vocales de los Beach Boys en un álbum de power pop y rock progresivo bastante más luminoso que Everything Is Harmony (2023). El álbum ha sido compuesto y producido por los hermanos D'addario excepto un corte que ha sido co-producido por el dúo y Sean Ono Lennon.
En cuanto a la crítica, parece que ha gustado un poco menos que Everything Is Harmony (2023) que obtuvo un 87/100. A DREAM IS ALL WE KNOW ha obtenido un 81 sobre 100 de media que se distribuye de la siguiente manera: 90/100 Uncut; 80/100 The Observer, The Telegraph, Glide, Mojo, NME y Record Collector; 70/100 MusicOHM y 60/100 AllMusic. A nosotros nos gusta tanto este nuevo álbum como el anterior. Es cierto que este es bastante más disfrutón y resplandeciente. El primero tiene el honor de haber creado un universo propio que continúa en este nuevo trabajo y en términos generales creemos que la crítica lo ha valorado mejor por eso. Pero este segundo es demasiado bueno para haberse lanzado tan pronto. Algo nos hace pensar que han podido recurrir a algunas canciones que no entraron en su trabajo anterior porque encajaban mucho más en un álbum como A DREAM IS ALL WE NOW y lo ideal es escuchar los dos trabajos seguidos. Os aseguramos que es mucho más divertido que escucharse las 27 o 31 canciones seguidas de vuestra diva actual de cabecera. Para nosotros es un claro 90 sobre 100 y una de las bandas más interesantes del panorama musical.
MEJORES MOMENTOS:My Golden Years, They Don't Know How To Fall In Place, A Dream Is All I Know, How Can I Love Her More?, Peppermint Roses...
JANE WEAVER es una veterana gutarrista, cantante y compositora británica con más de dos décadas en la música y LOVE IN CONSTANT SPECTACLE es el décimosegundo álbum de su extensa discografía. Tenemos que confesar que su carrera tiene suficiente peso como para que hubiéramos hablado mucho antes de ella porque es contemporánea de algunas de nuestras artistas británicas favoritas como Thea Gilmore. Y es una generación de mujeres bastante interesante y de la que creemos que se ha hablado muy poco dentro del brit pop que siempre ha tenido a claros exponentes masculinos como referentes. JANE WEAVER despertó el mayor interés por parte de los medios con la publicación de su álbum aclamado por la crítica Flock (2021) y por eso había expectación con este nuevo trabajo, que para nosotros está a la altura. LOVE IN CONSTANT SPECTACLE está compuesto íntegramente por la porpia JANE WEAVER y ella misma también lo ha producido junto a John Parish. Es un álbum artesanal que utiliza algunas texturas que ya le habíamos conocido anteriormente, pero la diferencia quizás esté en los matices melódicos y en la lírica, ya que es un álbum algo más introspectivo que el anterior.
En cuanto a la crítica a LOVE IN CONSTANT SPECTACLE el algoritmo de Metacritic le otorga una puntuación media de 84 sobre 100 que se distribuye de la siguiente manera: AllMusic, Exclaim!, PopMatters, The Line Of Best Fit, MusicOHM, Mojo y Uncut coinciden en otorgarle un 80/100. Ya hemos explicado otras veces que Metacritic no usa la media aritmética clásica y sí un algoritmo de aproximación y cuando hay unanimidad en el 80/100, automáticamente el algoritmo da como media un 84 sobre 100. En albumoftheyear no usan algoritmo y recurren a la media aritmética de toda la vida y es un 80/100. Pero nosotros siempre recogemos la puntuación más alta que se publica de cada disco. Por cierto, en cualquier caso, no supera el 87/100 que obtuvo con Flock (2021) pero aún así, es una excelente media. Y vamos a ser sinceros. Puede que Flock (2021) objetivamente sea mejor álbum que LOVE IN CONSTANT SPECTACLE por todo lo que representa. Pero a nosotros nos gusta mucho más LOVE IN CONSTANT SPECTACLE porque nos parece mucho más directo y con un rumbo fijo, a pesar de que sus letras sean más meditativas, no divaga en ningún momento, ni hay espacio para experimentar demasiado. Se nota que tiene las ideas muy claras con este nuevo trabajo o, al menos, eso es lo que nos ha transmitido. Nuestra nota es un 85 sobre 100.
MEJORES MOMENTOS: Love In Constant Spectacle, Romantic Worlds, Perfect Storm, Emotional Components, Motif, Univers...
Tenemos que admitir que nos gusta mucho más la LUCY ROSE de Something's Changing (2017) y la de No Words Left (2019) que esta nueva LUCY ROSE transformada, o más bien afectada por la maternidad que vuelve con THIS AIN'T THE WAY YOU GO OUT. Un álbum repleto de sonidos tiernos a la par que contundentes y la proliferación de elementos de Jazz que consiguen que cada corte suene fresco e instantáneo en cada escucha. El productor elegido para este viaje es Kwes. Nosotros dijimos en entradas anteriores que el productor que mejor ha sabido sacarle partido a todo su talento es Tim Bidwell responsable de sus dos álbumes anteriores. Aunque estaba claro que este nuevo material necesitaba la perspectiva de otro productor porque es completamente distinto a sus dos álbumes anteriores. Lo que encontramos aquí es a una LUCY ROSE muy inquieta que se niega a permanecer en su zona de confort y arriesga con un trabajo bastante más enérgico y alegre de lo que nos tiene acostumbrados, sus letras son muy reflexivas y se trata de un trabajo vas a necesitar escuchar más de tres veces para que te guste. Pero al final te va a gustar. Aunque yo hubiera suprimido ese interludio con la voz de un bebé balbuceando. Es una opinión personal, pero empiezan a aburrirme los álbumes que muestran referencias tan obvias de la maternidad, que siempre es un buen tema para construir arte. Pero un interludio de un bebé balbuceando, me sobra. Ahora que lo pienso... No nos queda nada que pasar el día que Taylor Swift decida ser madre.
En cuanto a la crítica hay que decir que a LUCY ROSE nunca le ha ido demasiado mal, sus anteriores álbumes cosecharon algún que otro 100/100. Esta vez no ha ocurrido, pero sigue manteniendo una buena media con un 83 sobre 100 que se distribuye de la siguiente manera: The Line Of Best Fit y DIY 90/100; Clash, MusicOHM, Mojo, NME y AllMusic 80/100; Pitchfork 72/100. Nosotros le dimos prácticamente el 100/100 a sus dos trabajos anteriores. Incluso consideramos a Something's Change (2017) el mejor álbum de su año de producción y aunque este nos gusta, hubiéramos preferido que siguiera la misma línea de sus dos trabajos anteriores y con el mismo productor. Porque son álbumes que a día de hoy, con todos las novedades que salen a la semana, seguimos escuchando. Aún así, es LUCY ROSE, no tiene un disco malo y este también es muy bueno. Nuestra nota es un 90 sobre 100.
MEJORES MOMENTOS: Could You Help Me, Over When It's Over, The Racket, Wathever You Want,
La última vez que hablamos de IRON AND WINE fue en cuando editó su álbum de colaboración Years To Burn (2019) junto a Caléxico. Pero no había publicado en solitario desde Beast Epic (2017). Es impresionante cada trabajo de Sam Beam. Ha escrito una página en la historia de la música reciente y todavía nos da la impresión de que tenemos que presentarlo cada vez que hablamos de unos de sus discos. LIGHT VERSE es otra gema, otra pequeña obra maestra como cada uno de sus discos, que el tiempo acaba poniéndolos en su sitio. Discos que hemos reseñado uno y cada uno y en todos estos años hemos ido descubriendo todo lo mucho que le ha aportado al folk y como iba añadiendo diferentes elementos a sus canciones, ganando en amplitud sonora álbum tras álbum. Con LIGHT VERSE tenemos la sensación de que Beam ha llegado al mejor momento de su carrera. Como siempre, este trabajo está compuesto y autoproducido por él mismo. Su banda de acompañamiento para la grabación de este álbum está compuesta por Tyler Chester en los teclados, Sebastian Steinberg en el bajo, David Garza en la guitarra, Paul Cartwright en el violín, Griffin Goldsmith, Beth Goodfellow y Kyle Crane en la percusión y ha contado con la colaboración de una de las grandes: Fiona Apple.
En cuanto a la crítica con IRON AND WINE, para ser un referente folk de la última década, siempre se queda muy corta. Esta vez es una media de 83 sobre 100 que no es para nada una mala nota. Pero este disco merece muchísimo más. Esta media se distribuye de la siguiente manera: Paste 86/100; AllMusic, Mojo, Uncut y Clash 80/100; Ptchfork 77/100; Sputnikmusic 76/100 y Under The Radar 75/100. Sam Beam ha madurado mucho como compositor, cada canción es como un viaje en el que te sientes seguro porque sabes que siempre te va a llevar a buen puerto. Es una de las personas que mejor entiende este negocio y sabe dosificarse muy bien para darnos grandes discos. Es pronto para saber si LIGHT VERSE es su mejor álbum o uno de sus mejores álbumes. Echando la vista atrás no recordamos un solo disco malo de Beam, ni siquiera irregular. LIGHT VERSE está a la altura del resto de su obra y la evolución es bastante palpable y transita por sus composiciones con una seguridad de saber lo que está haciendo que resulta realmente apabullante. Nuestra valoración para este trabajo en un principio fue de un 95/100 y dijimos que esperaríamos a Diciembre para revisar la nota, que seguramente acabaría subiendo. Porque si había una cosa que teníamos muy clara en nuestras primeras escuchas es que se trataba de uno de esos álbumes que va a permanecer en nuestra vida y vamos a tener la oportunidad de escuchar muchísimas veces. Y estas frases que leéis a continuación se han reescrito unas semanas después de que se publicara esta entrada. No ha hecho falta esperar a Diciembre. Es uno de nuestros discos más escuchados y queridos del 2024 y nuestra nota para LIGHT VERSE no puede ser otra que la de un 100 sobre 100.
MEJORES MOMENTOS: All In Goods Time, You Never Know, Sweet Talk, Anyone's Game, Taken By Surprise, Bag Of Cats,
