Como cada mes, aquí tenéis otro de nuestros post de álbumes repescados. Que para los que nos lean por primera vez les diremos que es una manera de poder reseñar el mayor número posible de discos, teniendo en cuenta la cantidad sobrehumana de lanzamientos cada semana. Aunque algunos de los discos que tenemos aquí hubieran merecido una reseña en solitario. Es fácil identificarlos.
EDWYN COLLINS - NATION SHALL SPEAK UNTO NATION
EDWYN COLLINS ha publicado recientemente su décimo álbum de estudio titulado NATION SHALL SPEAK UNTO NATION. Para quien no conozca a Collins es un veterano músico, cantante, compositor y productor musical escocés con una trayectoria de más de cuarenta años desde que formara la banda Orange Juice en los ochenta. También es un ejemplo de superación tras recuperarse de una hemorragia cerebral que padeció en 2005. NATION SHALL SPEAK UNTO NATION tiene ese halo de que podría ser el álbum que marcara su retirada. Solo hay que escuchar canciones como Knoweledge que te dan una lección de vida a través del conocimiento y la experiencia. Porque este álbum va de eso, de la veteranía, de envejecer y del legado de un gran músico que está cerrando un ciclo. Aunque Collins en sus orígenes coqueteó con el post-punk. Digamos que en el presente ya sabe todos los secretos del pop rock y este álbum es una buena muestra de ello. NATION SHALL SPEAK UNTO NATION está producido por el propio EDWYN COLLINS y por Jake Hutton y Sean Red. Su media crítica es de un 84 sobre 100. La valoración más alta recibida proviene de Classic Rock Magazine con un 90/100; y el resto de medios son unánimes con el 80/100 (Uncut, Clash, Record Collector, Mojo, The Observer y The Telegraph). Por nuestra parte no podemos darle menos de un 85 sobre 100 porque es de esos álbumes en los que el músico sabe llevarte a su terreno gracias a un dominio absoluto de lo que está haciendo. Si resulta ser su último trabajo. Porque ya sabemos que muchos artistas nunca se retiran del todo, aunque digan que lo van a hacer, sería un excelente broche de oro a una carrera de lo más interesante.
MEJORES MOMENTOS: Nation Shall Speak Unto Nation, The Heart Is A Foolish Little Thing, Paper Planes, Knoweledge
MEDIA DE LA CRÍTICA: 84/100
NUESTRA VALORACIÓN: 85/100
ALISON KRAUSS & UNION STATION - ARCADIA
Teníamos muchas ganas de que
ALISON KRAUSS volviera a darnos un buen disco de Bluegrass junto a su banda
UNION STATION ya que no grababan juntos desde
Paper Planes (2011) y la última incursión de Krauss en la música fue con
Raise The Roof (2021) su segundo disco de colaboraciones con
Robert Plant.
ARCADIA es el octavo álbum de estudio firmado como
ALISON KRAUSS & UNION STATION y aunque en los últimos años han surgido nuevos artistas que están abanderando el Bluegrass como
Molly Tuttle o
Sierra Ferrell un disco de Krauss con su banda no solo es todo un acontecimiento. Es que los amantes del género se sentían un poco huérfanos tras catorce años sin editar un disco y habiendo dejado el listón tan alto con
Paper Planes (2011).
ARCADIA es una auténtica gozada. Todo fluye con muchísima naturalidad y es un material que está muy cuidado, como siempre. Como novedad, tenemos que es el último álbum de la banda en el que participará
Dan Tyminski y el primero en el que se incorpora
Rusell Moore como nuevo co-vocalista.
ARCADIA está autoproducido por la banda. La crítica ha acogido este nuevo trabajo con los brazos abiertos con un
84 sobre 100 de media.
PopMatters lo ha valorado con un 90/100;
MusicOHM, Uncut, Mojo, AllMusic, Under The Radar 80/100 y
Glide 70/100. Por nuestra parte no podemos darle menos de un
90 sobre 100 solo por la maestría y el oficio de esta banda que seguramente sumará otro grammy más al mejor álbum de Bluegrass a los catorce que ya tienen.
MEJORES MOMENTOS: Looks Like The End Of The Road, Granite Mills, Richmond On The James, Forever, Snow, The Hangman, There's A Light Up Ahead...
MEDIA DE LA CRÍTICA: 84/100
NUESTRA VALORACIÓN: 90/100
MUNFORD & SONS - RUSHMERE
Había muchísima expectación con el regreso de MUMFORD & SONS tras casi siete años de ausencia. La novedad que nos trae RUSHMERE es que la banda ahora es un trío con la salida del guitarrista y banjista Winston Marshall en 2021. Y la vuelta ha sido a lo grande, con la producción de Dave Cobb y las colaboraciones de Madison Cunningham. Es cierto que es una banda que ha evolucionado hacia el mainstream y poco o nada tiene que ver con lo que nos ofrecía en sus inicios. Su álbum debut Sigh No More (2009) fue realmente encantador y tocaron el cielo con Babel (2012) cuando ganaron el Grammy al mejor álbum del año. A partir de ese momento, que conquistaron el mercado americano, parece que todos sus discos posteriores han ido orientados hacia ese mercado y RUSHMERE no es la excepción. Aunque, curiosamente, su mejor certificación en charts la ha hecho en el Reino Unido. RUSHMERE es el nombre de un estanque ubicado en Wimbledon Common en Londres, donde se formó la banda por primera vez y se concibió la música. Según un comunicado de prensa, la intención era llevar a los oyentes de regreso a donde "todo" comenzó. Aunque el disco luego ha sido grabado en Nashville, Savannah (Georgia) y la única localización británica ha sido el estudio de la banda en Devon donde han rematado este trabajo. La crítica no ha sido demasiado generosa con este trabajo. De hecho, hay medios que se lo han cargado sin ninguna piedad como Uncut 50/100 y The Observer 40/100. Mojo y The Independent le otorgan un 60/100 que es la nota promedio en la que un disco no es malo, ni bueno. Y las mejores valoraciones vienen de la mano de Clash y The Telegraph con un 80/100. Al final se tiene que conformar con una media de 60 sobre 100 siempre según Metacritic y su algoritmo, porque otros agregadores de críticas le dan una media más baja. Nosotros nos sumamos a los de la nota más alta, un 80 sobre 100. Porque es cierto que ya están muy lejos de lo que nos ofrecieron en sus dos primeros discos. Lo que se escucha en RUSHMERE no es novedoso. No están inventando nada. Pero tampoco importa demasiado. Dentro del mainstream existe también la calidad y este es un producto de muchísima calidad. La producción de Cobb está a la altura de sus mejores trabajos y por supuesto es un must para los fans de la banda que lo van a disfrutar muchísimo.
MEJORES MOMENTOS: Rushmere, Malibu, Blood On The Page, Monochrome,
MEDIA DE LA CRÍTICA: 60/100
NUESTRA VALORACIÓN: 80/100
HAMILTON LEITHAUSER - THE SIDE OF THE ISLAND
HAMILTON LEITHAUSER es un cantante, compositor y multiinstrumentista conocido por liderar formaciones como The Recoys o The Walkman y que también ha destacado en su carrera en solitario. THIS SIDE OF THE ISLAND es su quinto álbum de estudio. Un álbum producido por Aaron Dessner y Anna Stumpf que también es la esposa de Leithauser. Se trata de un álbum de indie rock que puede que no invente nada nuevo, pero que engancha desde la primera escucha. No sabemos si es por su sonido un tanto vintage que recuerda vagamente a la época dorada de U2. Pero tal y como se ha puesto el panorama musical, dar con un álbum como THIS SIDE OF THE ISLAND resulta muy estimulante y hasta refrescante. La crítica le ha otorgado una media de 80 sobre 100. La nota más alta es el 100/100 de Far Out Magazine. AllMusic también le otorgó un 90/100 y PopMatters, Mojo, Dork, Record Collector 80/100 pero también tuvo valoraciones bajas como las de Spectrum Culture 60/100 y las de Record Collector 55/100. Para nosotros es muy fácil conectar con un álbum como este que tiene un componente emocional muy fuerte. Las letras hablan de desencanto, polarización y muchos de los problemas que vivimos en la actualidad y no es nada difícil identificarse. Por lo que no entendemos esas dos notas tan bajas, porque además están muy bien escritas. No podríamos darle menos de un 85 sobre 100 para tenerlo en cuenta para nuestra lista de los mejores álbumes de 2025.
MEJORES MOMENTOS: Knockin' Heart, The Side Of The Island, Fist Of The Flower, Burn The Boat,
MEDIA DE LA CRÍTICA: 80/100
NUESTRA VALORACIÓN: 85/100
DESTROYER - DAN'S BOOGIE
Aunque hemos hablado muchas veces de la vinculación de Dan Bejar al supergrupo canadiense The New Pornographers, la realidad es que este año cumple treinta años con su banda DESTROYER y DAN'S BOOGIE es su décimocuarto álbum de estudio. Se trata de un álbum de indie rock en el que, en cierto sentido, se autohomenajean a ellos mismos. DESTROYER es una banda que tiene una larga trayectoria y como decía el propio Bejar, a la hora de encarar este nuevo proyecto: "no tiene que ser un concepto nuevo" y destacan la importancia del sonido del piano y las cuerdas. Él mismo lo describe como un sonido muy de la banda y una mezcla entre el de los álbumes Your Blues (2004) y Poison Season (2015). A decir verdad, toda la discografía de DESTROYER es muy recomendable y a nosotros nos ha parecido perfecto que recurran a la autoreferencia. Hay bandas y artistas mediocres que lo hacen constantemente (y les debería dar vergüenza). Ellos, por lo menos hace años que son un referente para otras bandas. La temática de este álbum se está repitiendo últimamente entre músicos veteranos: Envejecer, el paso del tiempo y la decadencia de los tiempos que corren. Quizás todos esos temas sean recurrentes e inspiradores para unos músicos que viven en una sociedad edadista en la que parece que cuando has cumplido los cincuenta, lo único que te queda por hacer es morirte. Y a lo mejor deberían darse otros factores para que escribieran sobre otros temas. Pero la realidad es que este álbum puede que hable sobre envejecer, pero no suena viejo en ningún momento. El álbum fue producido y mezclado por John Collins que también es miembro de la banda (y también pasó por The New Pornographers) y ha conseguido un sonido vinculado al mejor Art-pop y cercano a la neopsicodelia, con algunos momentos retro que nos recuerdan a Bowie. La crítica le ha otorgado una media de 83 sobre 100 y publicaciones como The Guardian y Spill Magazine lo han valorado con un 100/100 y Still Listening y Northern Transmission con un 90/100. Las valoraciones más bajas son los 70/100 de AllMusic, Slant y Uncut. Por nuestra parte, quizás no es el álbum que más nos haya gustado de DESTROYER, normal por otro lado con una discografía tan extensa. Pero mantiene el nivel y probablemente sea uno de los mejores de la banda. Lo que queda claro es que ellos nunca hacen discos alimenticios, siempre sorprenden y tienen mucho que aportar todavía a la música. Nuestra nota es un 85 sobre 100.
MEJORES MOMENTOS: Cataract Time, Bologna, Hydroplaning Off the Edge Of The World, The Same Thing As Nothing At All, Dan's Boogie...
MEDIA DE LA CRÍTICA: 83/100
NUESTRA VALORACIÓN: 85/100
ELTON JOHN & BRANDI CARLILE - WHO BELIEVES IN ANGEL
Esto es una fantasía. Aunque los que nos conocemos de memoria las carreras de ELTON JOHN & BRANDI CARLILE sabíamos que era cuestión de tiempo que grabaran un álbum juntos. Porque de todos es conocida la amistad que se procesan desde hace años. La primera colaboración juntos se produjo con la canción Caroline en el tercer álbum de Carlile Give Up The Ghost (2009) y posteriormente co-escribieron e interpretaron juntos Never Too Late (2024) por la que además estuvieron nominados a un Oscar en 2025 porque esa canción formó parte del documental Elton John: Never Too Late y probablemente también fuera el germen de este álbum titulado WHO BELIEVES IN ANGELS ya que se ha incluido. Y lo que vamos a encontrar en este álbum es una auténtica fiesta del mejor piano pop. Cada canción es más grandilocuente que la anterior. En la apertura del álbum con The Rose Of Laura Nyro se vienen muy arriba y difícilmente baja el nivel en el resto de este trabajo. Tenemos que decir que el señor Elton John es un poco vampiro y parece un álbum más de su discografía. Aunque Brandi Carlile aporta toda la frescura que necesitaban sus últimos álbumes para que fueran más atractivos. Ya que últimamente la discografía de Elton John se estaba convirtiendo en una sucesión de discos alimenticios que solamente compraban sus fans. Este no lo es. Este puede interesar a muchísima más gente. De hecho, probablemente sea el mejor álbum de Elton John en años. No se puede decir lo mismo de Brandi Carlile cuyos dos últimos álbumes superan a este trabajo con creces. Pero siempre lo decimos. En cualquier disco que aparezca Carlile ya sea como compositora, productora o colaborando, es un disco que merece la pena ser escuchado. Porque tiene un exquisito gusto y lo único que hace siempre es sumar. No obstante esta producción está hecha para que el señor Elton John brille muchísimo y Brandi Carlile suba un peldaño más en su ascendente e imprarable carrera. Además encontramos acreditados nombres como los de Josh Kinghoffer, Pino Palladino, Chad Smith, Andrew What y como no, el eterno Bernie Taupin. La crítica ha quedado bastante contenta con un par de 100/100 por parte de publicaciones como The Telegraph o The Art Desk. Aunque la nota mayoritaria para este trabajo es de un 80/100 (MusicOHM, Clash, Mojo, The Independent, The Observer, Dork, Record Collector y Rolling Stone) Solo ha bajado un poco el cómputo el 50/100 de Far Out Magazine. La media final es de un 79 sobre 100. Por nuestra parte creemos que hay que celebrar cada disco como este que se edite porque lo que más transmite son ganas de vivir y eso ya es mucho para una leyenda del rock en los últimos años de su carrera. Aunque necesite ser un poco vampiro y beneficiarse del inmenso talento de Brandi Carlile. No merece menos de un 90 sobre 100.
MEJORES MOMENTOS: Swing For The Fences, Never Too Late, Who Believes In Angels, You Without me, The River Man, Little Richard's Bible,
MEDIA DE LA CRÍTICA: 79/100
NUESTRA VALORACIÓN: 90/100
BLACK COUNTRY, NEW ROAD - FOREVER HOWLONG
FOREVER HOWLONG es el tercer álbum de la banda de Cambridge BLACK COUNTRY, NEW ROAD después del aclamadísimo (y muy sobrevalorado) Ants From Up There (2022). La particularidad de este tercer álbum es la salida de su vocalista principal Isaac Wood en 2022 por enfermedad. Aunque la banda, que originariamente era un sexteto, no cierra las puertas a un posible regreso. La realidad es que ya no suelen tocar las canciones de la era Wood en sus conciertos y se puede decir que se han reinventado por completo para este tercer álbum producido por James Ford, en el que Georgia Ellery, May Kershall, Tyler Hyde y Lewis Evans han tomado el relevo como vocalistas principales, En FOREVER HOWLONG predomina una voz femenina que corresponde a Georgia Ellery y aunque tampoco es que haya afectado a la esencia de la banda. Muchos fans preferían a Isaac Wood como vocalista. Lo que podemos encontrar en este trabajo es un entramado de folk y pop progresivo jugando con el pop de cámara en algunas ocasiones y en otras con el pop barroco y sobre todo Art Rock. Recuerda mucho a la escena musical de Canterbury de los setenta y por citar a un referente más cercano, a Joanna Newsom. En cuanto a la crítica medios como Evening Standard, Dork o DIY le han valorado con un 100/100. MusicOHM, Far Out Magazine, Clash, The Line Of Best Fit, AllMusic y Under The Radar 90/100, en general las valoraciones muy favorables. Solamente hay discrepancias por parte de PopMatters y Spectrum Culture 60/100 y Sputnik Music 56/100. Por nuestra parte, este álbum nos gusta más y nos parece bastante mejor que el anterior, pero nos sigue pareciendo una banda muy sobrevalorada. Nuestra puntuación para este trabajo es de un 80 sobre 100. Porque un 100/100 nos parece una locura y un 56/100 totalmente injusto. La realidad es que técnicamente es perfecto, es obvio que son grandísimos músicos y han sabido sobreponerse a la adversidad reinventándose por completo. Otra cosa es que conectes con su propuesta.
MEJORES MOMENTOS: Besties, Happy Birthday, For The Cold Country, The Big Spin, Mary...
MEDIA DE LA CRÍTICA: 83/100
NUESTRA VALORACIÓN: 80/100
JOSHUA RADIN - ONE DAY HOME
Da igual que lleve años haciendo lo mismo. No nos importa. Cada álbum de JOSHUA RADIN es una bendición para nuestros oídos. Este año ha regresado con ONE DAY HOME y es uno de esos discos de indie folk en el que predominan los sonidos acústicos y su voz suena perfecta. Esa voz humeante que controla el aire a la perfección en cada fraseo. ONE DAY HOME es un álbum que está mucho más cerca de los últimos trabajos de Ray Lamontagne. Aunque nos da la sensación de que a Radin nunca se le ha valorado tanto como a otros cantautores coetáneos y quizás ya va siendo hora de que alguien lo haga y esa parte nos va a tocar a nosotros hacerla. Si este blog se empezó a escribir un día, fue para hablar de toda esa gente infravalorada que nos hace la vida mucho más feliz con sus composiciones y JOSHUA RADIN fue una de tantas inspiraciones. Y hoy seguimos aquí tras más de quince años porque siempre hay un álbum mágico como ONE DAY HOME sobre el que escribir. Si no lo hubiera, seguramente ya nos habríamos ido. ONE DAY HOME es un álbum sincero y conmovedor que rezuma muchísima nostalgia y cierto equilibrio. Lo escuchas y te gustaría ser capaz de escribir sus palabras, con las que cualquiera se puede identificar. Desgraciadamente, es un disco que ha pasado un tanto desapercibido y ningún medio importante ha escrito sobre él y no existe ninguna valoración crítica, así que vais a tener que confiar en nuestro criterio una vez más. Nosotros no le vamos a dar el 100/100 por lo que decíamos al principio. Si conoces la obra de Radin, no hay demasiadas sorpresas, podría parecer que se repite. Aunque nos importa bien poco y eso no significa que este trabajo no sea bueno. Si tuvieramos que evaluarlo individualmente, sin tener en cuenta su discografía anterior, ese 100/100 sería suyo sin pensárnoslo ni dos segundos. Pero es honesto que evaluemos el conjunto de su discografía y ONE DAY HOME obtendría un 90 sobre 100 y sería su mejor trabajo en años. Probablemente, de las diez reseñas de este post, ONE DAY HOME sería nuestra recomendación más personal.
MEJORES MOMENTOS: You Don't Need Anyone, I'm Coming Home, Same Star, Let Me Be Right, I Believe I'm Falling... En realidad nos es muy difícil elegir canciones. Somos de meternos en vena el álbum entero de principio a fin, en el orden que está grabado.
MEDIA DE LA CRÍTICA:----
NUESTRA VALORACIÓN: 90/100
DJO - THE CRUX
Detrás de
DJO se esconde el músico, cantante y compositor
Joe Keery también conocido por su faceta de actor (Es
Steve Harrington es
Strangers Things).
THE CRUX es su tercer álbum de estudio. Un álbum que ha producido él mismo junto a
Adam Thein que también es co-autor de dos canciones del álbum. El resto, ha sido compuesto por Keery en solitario. Lo que vais a encontrar es un álbum de indie rock o indie pop que transita hacia el pop hipnagógico con un sonido más accesible y melódico influido por el pop psicodélico de los sesenta y setenta. Lo que no vais a encontrar es el típico producto del actor metido a cantante y queremos dejar esto claro, porque existen muchos prejuicios cuando se conocen algunos datos biográficos de los artistas. Aunque tampoco os vamos a engañar, este álbum ha funcionado bien en charts, tiene varios singles potenciales y ha amasado millones de reproducciones en las plataformas a pesar de que fue lanzado de manera independiente por
AWAL. Y sinceramente, sus resultados se alejan bastante de lo que nosotros entendemos por "independiente". La crítica le ha otorgado una media de
75 sobre 100 con valoraciones altas de 90/100 por parte de
DIY y
AllMusic; 82/100 de
Paste; 80/100 de
Clash, Northern Transmissions y The Line Of Best Fit; 70/100 de
Rolling Stone y las notas más bajas son los 60/100 de
Mojo, Uncut y Far Out Magazine y el 59/100 de
Pitchfork. Curiosamente, todo el que ha escuchado
THE CRUX coincide en la gran evolución de Keery y que es su mejor trabajo, aunque sus dos álbumes anteriores hayan obtenido medias más altas. El motivo es que tuvieron menos reseñas que este tercer trabajo y ya hemos comentado otras veces que cuantos más medios aportan valoraciones desiguales, la tendencia del algoritmo de
Metacritic es a la baja. Por nuestra parte es un álbum que nos ha gustado. Nos ha recordado un poco a lo que hace
The Lemon Twigs e incluso y salvando mucho las distancias encontramos algunas reminiscencias de
The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars (1972) de
David Bowie y algunos otros detalles que lo hacen entre interesante y fascinante. Un
85 sobre 100.
MEJORES MOMENTOS: Potion, Basic Being Basic, Lonesome Is A State Of Mine, Delete Ya, Link, Fly, Charlies Garden...
MEDIA DE LA CRÍTICA: 75/100
NUESTRA VALORACIÓN: 85/100
HORSEGIRL - PHONETICS ON AND ON
PHONETICS ON AND ON es el segundo álbum de estudio de la banda de indie pop de Chicago HORSEGIRL que está compuesta por Nora Cheng, Penelope Lowenstein y Gigi Reece. El álbum está producido por Cate Le Bon. HORSEGIRL debutó hace tres años con Version Of Modern Performance (2022) un álbum con un sonido desenfrenado y... ¿Por qué no decirlo? Inmaduro. Y lo que se está alabando principalmente de este segundo trabajo es su evolución hacia una propuesta más introspectiva, minimalista y por supuesto, madura. HORSEGIRL en este trabajo deambula entre el indie pop, post-punk revival, Slacker Rock y Twee pop. Es cierto que estas tres chicas son tres músicos aventajados. Pero la mano de Cate Le Bon probablemente también tenga mucho que ver con la buena repercusión que está teniendo. En cuanto a la crítica, publicaciones como The Guardian o Spill Magazine han caído rendidas y le han otorgado el 100/100. Overblown, AllMusic y Exclaim! 90/100; PopMatters, Mojo, NME y Uncut 80/100; Slant y Far Out Magazine 70/100; The Line Of Best Fit y No Ripcord 60/100. Aunque la nota más polémica es el 40/100 de Record Collector. Por nuestra parte es un 85 sobre 100 pero podríamos entender algunas críticas negativas. Nosotros siempre nos remitimos a los noventa y a un grupo que se llamaba Veruca Salt y estamos viendo que bandas actuales están haciendo todavía lo que ellas hacían hace treinta años y nadie dice nada. En este caso, quizás sea una versión ampliada, corregida y actualizada. Pero ese referente oculto que luego nadie cita está ahí siempre. Resulta que Veruca Salt se ha convertido en una de las bandas más influyentes del indie actual y nos da la sensación de que ni lo saben estas chicas de HORSEGIRL, ni las propias Veruca Salt. En fin... Eso es el indie, al fin y al cabo. Por lo demás, es un álbum muy recomendable por mucho que en Record Collector las hayan llamado inexpresivas.
MEJORES MOMENTOS: 2468, Rock City, Julie, Switch Over, Frontrunner, Where Do You Go?, In Twos...
MEDIA DE LA CRÍTICA: 82/100
NUESTRA VALORACIÓN: 85/100
